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Vuelve LLUM BCN del 4 al 6 de febrero, repasamos su última edición

Par : volatil

La última edición de Llum BCN tuvo lugar del 5 al 7 de noviembre, con una selección de piezas inmersivas e instalaciones a las que queremos dar visibilidad en este artículo, tal como hicimos con los festivales de Madrid e Ibiza. La próxima edición será del 4 al 6 de febrero, una vez más, en el barrio de Poblenou de Barcelona. El festival se ha consolidado como uno de los eventos más aclamadas del calendario cultural de la ciudad.

Hacemos un repaso por algunas de las instalación de su última edición.

Onionlab
Universidad Pompeu Fabra, Campus del Poblenou (Roc Boronat, 138)

«Agorythm» es una instalación inmersiva de luz y música.es la combinación de los siguientes conceptos: ágora, como lugar de encuentro; algoritmo o conjunto de órdenes paramétricas, y rhythm, movimientos sonoros marcados por patrones en el tiempo con cierta periodicidad. Los datos utilizados en esta instalación interactiva se han extraído del Open Data BCN, The World Air Quality Project: Open Data y de las empresas colaboradoras Meersens y Electricity Map para explicar el estado de la calidad del aire, el consumo eléctrico, la contaminación acústica y la movilidad con Bicing en la ciudad. La visualización de los datos mediante animaciones lumínicas permite observar el comportamiento de Barcelona.

Fotógrafo: Manu Mitru (El Periódico)

Lolo & Sosaku  · 27.500 parpadeos
Patio del Museo Can Framis (calle de Sancho de Ávila, 154)

«27.500 parpadeos» es una instalación artística caracterizada por la formación de refracciones y reflejos en esculturas cinéticas de aluminio a partir de los rayos luminosos. Estas esculturas tienen la capacidad de reflejar la luz de vuelta hacia la fuente, con independencia del ángulo de incidencia, ya que este está en constante cambio refractante, refleja la fuente de luz y convierte el objeto receptor también en emisor lumínico. La integran nueve fuentes de luz, cincuenta esculturas cinéticas y una gran escultura circular, todas ellas unificadas y sincronizadas con un programa digital sonoro. El dúo artístico argentino-japonés Lolo & Sosaku trabaja desde el año 2004. Su obra se mueve entre varios lenguajes como la escultura, la instalación, el arte cinético, la pintura o la música, y se ha exhibido en diferentes puntos del Estado español, China, Rumanía y Brasil.

Nonotak · COORDINATES V.1
Casino L’Aliança Pobelnou (Rambla del Poblenou, 42)

La ilustradora francesa Noemi Schipfer y el arquitecto y músico japonés Takami Nakamoto forman Nonotak Studio. El objetivo de su instalación COORDINATES V1 es utilizar las líneas horizontales y verticales para crear referencias de perspectiva que se desplazan juntas y, en relación con el paisaje sonoro. La instalación funciona sin inicio ni fin, mediante algoritmos de funcionamiento autónomo y variable, y permite al visitante experimentarla a su ritmo.

Pablo Valbuena
Playa de la Mar Bella (avenida del Litoral, 86-96)

Array (wave)
Las series «Array (wave)», del madrileño establecido en Francia Pablo Valbuena, son un encargo original de La Prairie para la muestra Art Basel, de Miami. Una instalación formada por un conjunto de puntos de luz aislados que, cuando se ponen en marcha y se observan en conjunto, generan un volumen percibido en el espacio. Valbuena usa la luz para evocar una ola oceánica impulsada por el viento y consigue representar el volumen de una ola virtual, mediante una función matemática y los elementos reales ya presentes en el lugar: el mar, la arena y el viento. La obra está formada por 25 pilares de leds, situados en una gran formación cuadriculada, y la experimentación cambia en función de la posición del observador. Desde la distancia se percibe como un gran objeto escultórico, mientras que, cuando se atraviesa, se convierte en un entorno inmersivo. Sin reserva previa.

Fotógrafa: Elisenda Pons (El Periódico)

Quiet Ensemble
MUHBA Oliva Artés (calle de Espronceda, 142-146)

Unshaped
Este dúo italiano, formado en el año 2009 en Roma, lo integran los artistas multimedia Bernardo Vercelli y Fabio di Salvo. Unshaped propone al espectador dejarse impresionar por una instalación lumínica y orgánica de gran formato, donde una tela de dimensiones gigantes, en forma de ola y suspendida en el aire, reacciona y cambia de forma, impulsada por la fuerza del viento y la gravedad. La dramaturgia de la luz, que ofrece una amplia gama de emociones y paisajes en constante cambio, se muestra al público del festival como un espejo de agua armonioso y una tormenta furiosa.

Fotografía: Diari Ara

Tigrelab Art
Nau Revolution (c. Perú, 184)

Color Conversations. La luz tiene una materialidad propia y es un elemento de apertura y cierre que da forma a los espacios. Pero ¿cómo podemos ver a través de ella? «Color Conversations» es una instalación que rompe el concepto de interior y exterior, abriendo un modo de explorar la esencia de la luz. Y lo hace mediante una serie de obras basadas en la interacción entre luz, sonido, color y espacio e incluyendo una banda sonora del mismo colectivo artístico, tratando siempre de extender las experiencias visuales a las físicas.

Tigrelab Art es un nuevo estudio de arte multimedia con sede en Barcelona, centrado en la investigación y la exploración constante de actuaciones y experiencias plenamente sensoriales, dirigido por el francés Mathieu Felix y los colombianos Javier Pinto y Federico González.

Fotógrafa: Elisenda Pons (El Periódico)

Playmodes Studio
Recinto Autocares Calella (calle de Pere IV, 404)

Horizon. El horizonte es una línea imaginaria que separa el cielo y la tierra cuando los miramos desde lejos. Pero, más allá de su definición espacial, el horizonte también se entiende como el conjunto de posibilidades o perspectivas que ofrece algo. «Horizon», obra del estudio barcelonés de investigación audiovisual Playmodes Studio, es una instalación inmersiva que juega con los límites de la percepción espacial y plantea una ventana mágica que extiende la realidad aparente. Luz, sonido, espacio y perspectiva confluyen en este punto de fuga imaginario y proponen un viaje más allá de los límites de la realidad física.

Xavi Bové Studio
Utopia 126 (calle de Cristóbal de Moura, 126)

Lunar oscillations es una pieza contemplativa sobre la percepción de un entorno variable, un universo de estrellas y lunas dinámicas. Esta intervención site-specific lumínica y sonora parte de la influencia que ejerce la luna sobre los mares, los océanos y los seres vivos. Explora las sensaciones que el individuo experimenta mediante la transformación del espacio con un juego de luces y sombras en movimiento. Y lo hace convirtiendo la Sala Escales de Utopia 126 en un firmamento hipnótico, invitando a sumergirse en un espacio vivo. Se rodea al visitante de estrellas en movimiento, puntos blancos con sus haces de luz trazados en el espacio, donde varias lunas se encienden mientras se mueven desde el techo hasta el suelo. La pieza se complementa con un hilo sonoro celestial, relajante, donde cada luna emite un sonido específico y dibuja en la sala un paisaje sonoro y visual cósmico. La instalación funciona sin inicio ni fin, mediante algoritmos de funcionamiento autónomo y variable, y permite al visitante experimentarla a su ritmo. Con la misma reserva ‘In our Mind’s Eye’ de Ben Kreukniet.

Fotógrafa: Elisenda Pons (El Periódico)

Hamill Industries
Filmoteca

«Segundo de Chomón: El cinema de la fantasia», reinterpretado por Hamill Industries
La fachada de la sede del Raval de la Filmoteca se transformará con la intervención de este reconocido estudio de artes visuales, con un mapeo inspirado en el universo Chomón. 19.00 a 22.30 h A partir de la investigación artística y tecnológica, Hamill Industries construye sus propios artefactos e inventos para combinar efectos digitales y analógicos de maneras completamente inesperadas. En esta pieza, hacen una inmersión en las herramientas utilizadas por Chomón y sus innovaciones cinematográficas en cuanto a color, efectos especiales y animación y las releen con su estilo personal, poniendo de manifiesto el efecto y el truco, la estética y la técnica.

Elisava-Escuela Universitaria de Diseño e Ingeniería de Barcelona
Parque del Centre del Poblenou (pista de baloncesto)

24 Seconds. La humanidad se enfrenta a cambios radicales que replantean su relación con la comunidad y el espacio público. Y el juego, progresivamente, se ha vuelto del todo virtual y ha migrado a un lugar digital invisible. Desde marzo del 2020, se ha agudizado todavía más la transición del juego físico al virtual. Esta instalación, por ejemplo, se ubica en una pista de baloncesto que un día fue un espacio de comunidad y risas. Ahora, pocas veces utilizado en todo su potencial, es otro espacio vacío de la ciudad. En baloncesto, 24 segundos es el tiempo máximo que un equipo tiene para tirar a canasta. 24 Seconds es un juego de baloncesto sin jugadores, donde las pelotas se mueven sin ser tocadas gracias a la luz, una propuesta que invita a reunirse, asistir a un partido único y recordar instantes y sensaciones de juego en libertad.

Alumnos/as: Agustina Angelini, Momen Bakry, Dasstan Bissen, Valeriya Butorina, Marina Cabanes, Roger Cos, Irene Domínguez, Raül Gaya, Gina Gudayol, Malak Ghemraoui, John Gillen, Liana Kalaitzoglou, Gal·la Knoph, Julia Llorens, Patrícia Moreno, Elsa Romero, Eva Pobeda, Chloé Rood, Guillem Sánchez, Eloi Sánchez, Perla Sant, Albert Sevillano, Judit Tremosa, Giulia Tufariello, Irini Vazanellis, Jaume Vicens, Aleksandra Zaitceva, Alícia Zhu. Tutores/as: Maria de la Cámara, Toni Montes, Roger Páez, Gabi Paré. Este circuito incluye las instalaciones realizadas por las siguientes escuelas: BAU, Facultat de Belles Arts Universitat de Barcelona Grup de recerca BRAC, Escola Massana, UPC School of Professional and Executive Development, Elisava Escola Universitària de Disseny i Enginyeria de Barcelona, ESDAP Catalunya Campus Deià, EINA, Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona, IAAC Institut for Advanced Architecture of Catalonia.

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Las instalaciones de Ibiza Light Festival 2021

Par : volatil

Octubre es el mes de los festivales de la luz en Europa, después de resumir lo que pasó en Luz Madrid 2021, no queríamos dejar de publicar una crónica sobre el Ibiza Light Festival 2021. El evento llegó a su 5ª edición y se celebró los pasados 22 y 23 de octubre, aunque la lluvia obligó a la organización a cancelar las actividades del viernes y algunas de las instalaciones se vieron afectadas, el sábado la isla brilló con el talento de los artistas que participaron en esta edición.

Un total de 12 instalaciones de site-specific de gran formato transformaron el casco antiguo de la isla (Dalt Vila). Un espectáculo experimental de luz de la mano de técnicas híbridas y con la presencia de atistas locales y nacionales. ¿Los objetivos de Ibiza Light festival? Dar visibilidad a todo el talento con el que cuenta Ibiza y poner en valor el patrimonio cultural y arquitectónico de la isla.

Instalaciones realizadas por Improbable Films, Hypnótica, PiroLaser FX, Ataraxia, MadVisuals_*Team, Jordi 8Lasco-El Imaginario, ACROBATI-K, Victor Vitorino y Pedro Comesaña.

El Imaginario Vj & Jordi 8lasco
Nauscopia
La tormenta se llevó literalmente la instalación volando y no pudieron mostrarla funcionando al 100%, finalmente se conformaron con que se mantuviera de pie y funcionando con la programación Led.

The Creative Collective Encontramos dos instalaciones en el Instagram de The Creative Collective y averiguamos su autoría. Hexovision es de Hypnótica​, según nos contaba Jesús en la entrevista. Y el ‘Túnel de luz’ es una instalación producida por el propio festival.

Hexovision

El equipo de Ibiza Light Festival
Túnel de Luz 

Victor Moreno «Vitorino»
Estrobe Experience 

PirolaserFX
Show láser

Leds Control (Rebeca Sánchez y Miquel Clot)
La Jaula

Ataraxia AV & Improbable Films
Ataraxia AV, compuesto por Tony Castello e Ivan Domínguez de Improbable Films.
Dimensions

Mad Visuals Vj
Laser Light Show & mapping

WORKSHOPS
Volta haciendo una demo del desarrollo de su software con visuales reactivos y realidad extendida.

El Imaginario Vj · Jesús de las Heras

 

 

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Luz Madrid 2021 · 10 obras · 10 artistas

Par : volatil

Vídeo, instalaciones interactivas, inteligencia artificial, mapping y luz en todas sus formas vistieron la capital un fin de semana protagonizado por la lluvia pero con una propuesta que consiguió arrancar a la gente del sofá y la manta para recorrer la ciudad en busca de experiencias inmersivas.

En 2017 ya vivimos una experiencia inolvidable: un Festival de luz de Madrid que bajo el nombre ‘Luna de Octubre’, reunió también a una selección de artistas plásticos, visuales y urbanos contemporáneos que han repetido este año, como Daniel Iregui, OTU Cinema, Groupe Laps (y su obra Keyframes), Onionlab o Javier Riera. Esta vez, y después de una pandemia que nos hace tener más ganas que nunca de consumir arte digital,  fueron más de 20 obras de artistas nacionales e internacionales iluminaron las calles de Madrid del 29 al 31 de octubre.

La primera edición del Festival Internacional de la Luz de Madrid reunió a un elenco de artistas sublime y maravilloso: Antoni Arola, Javier Riera, Alicia Moneva, Erik Barray, Onionlab, Juanjo Llorens, Javier de Juan, Maxi Gilbert, Groupe LAPS, OTU Cinema, Daniel Iregui/Studio Iregular, Ángel Haro, Parer Studio/Amanda Parer, Luzinterruptus, SpY, Juan Fuentes Muñoz, Charles Sandinson, Collectif Coin, Miguel Chevalier, Maurici Ginés/Summalab, Estudio Chevalvert y Eyesberg.
En portada Javier de Juan. Fachada de Casa de América. Estar vivo era moverse

Alicia Moneva
Ampliación del Museo Nacional del Prado
‘Tráfico humano’
Desde la fotografía digital, Alicia Moneva captura posados bajo un proceso secuencial de imágenes de un mismo espacio, usando la reiteración de sus personajes en movimiento como un mantra visual. Estampas que va multiplicando hasta llegar a una imagen celular que alude a un sentido de reclusión, de revelación intima. Con la suma de muchas de estas imágenes, como si de una matriz de fotogramas se tratase, su intención es mostrar el tiempo y el espacio en un solo instante.

instagram.com/alicia.moneva/

Antoni Arola
Puerta de Alcalá
‘Reflexions’ es un proyecto en curso, un proceso de observación y experimentación con un objetivo: dar vida a formas creadas a través de la luz, partiendo de movimientos mecánicos que generan proyecciones vivas. Animales gigantes, especies desconocidas y un sonido hipnótico se relacionan entre sí, creando una atmósfera de serenidad y espiritualidad.

instagram.com/antoniarola_/

Onionlab
Palacio de Cibeles
Paradoxa es un viaje en el que viviremos, a través de gafas 3D, un bucle temporal reflejado en el edificio que nos trasladará a épocas pasadas, presentes, futuras y más allá del futuro. Un futuro incierto que nunca es posible conocer.

instagram.com/onionlab_/

Otu Cinema
Edificio Metrópolos
Metamorph – Portal
Desde tiempos inmemoriales hemos mirado a las estrellas y soñado infinidad de teorías sobre el universo. Ahora, en 2021, un gran monolito se erige en la Gran Vía de Madrid abriéndonos una ventana al otro lado del cosmos.

La pieza de Óscar Testón (fundador y director de Vjspain) se convierte en una gran puerta que intenta atraer la atención de todos. No sabemos si quiere compartir o advertir, prevenir o avisar. En su interior vemos —apenas durante medio segundo— que algo vivo se mueve y golpea las paredes. Metamorph – Portal finalmente se abre mostrando el otro lado, desde el que ese algo, también nos observa a nosotros.

instagram.com/otucinema/

Eyesberg
Castillo de la Alameda
1.5 Grados
Mediante grabaciones de hielo interactuando con proyecciones, láseres y LEDs mezclados con efectos digitales, esta instalación transformará el Castillo de la Alameda en un gran iceberg de luz y música con texturas realistas, profundas y con movimiento para destacar la belleza de estos colosos.

instagram.com/eyesbergstudio/

Studio Chevalvert
Plaza Mercurio
Rythmus
Una instalación que materializa en imágenes el latido del corazón de dos personas conectadas, cara a cara, a una red circular de tótems de luz interactivos. Estos toman vida, se desarrollan y evolucionan en conexión con las concordancias y diferencias de un fenómeno tan vital e íntimo como es el ritmo cardíaco de los usuarios.

instagram.com/chevalvert_studio/

SpY
Plaza de la Villa
Data
En DATA, el artista SpY propone una reflexión sobre la rápida y profunda inclusión de los algoritmos en múltiples aspectos de nuestras vidas. A través de la abstracción digital, el autor explora e interpreta cómo las herramientas predictivas operadas mediante algoritmos y la inteligencia artificial son muy beneficiosas en aspectos como la comunicación, la investigación o la medicina, pero también pueden hacernos perder parte de nuestras libertades si no se utilizan de modo ético.

SpY es un artista público y urbano internacional cuyas acciones se caracterizan inequívocamente por una cuidadosa atención al contexto de cada pieza y por una actitud constructiva no invasiva.

instagram.com/spyurbanart/

Javier Riera
Parque del Retiro
‘El eje arbóreo’
El trabajo de Javier Riera se basa en proyecciones de luz de formas geométricas realizadas directamente sobre la vegetación. La iluminación se posará en esta ocasión sobre los árboles de El Retiro, apelando al sugerente poder que encontrarán los asistentes a la acción en la modificación del paisaje, con objeto de ampliar su percepción.

instagram.com/javierriera_/

Amanda Parer – Parer Studio
Puerta del sol
Intrude Family
Enormes conejitos iluminados con luz blanca han estado invadiendo ciudades de todo el mundo. ¿A qué se debe? En la Australia natal de Amanda Parer, principal creativa y fundadora de Parer Studio, los conejos fueron introducidos por los colonos en 1788. Son una especie salvaje que causa un gran desequilibrio en las especies endémicas del país y deja un rastro de destrucción ecológica allá donde va.

instagram.com/parerstudio/ 

Miguel Chevalier
Matadero Madrid
Cuatro alfombras interactivas de luz —homenaje a los dibujos decorativos de la artesanía española de tapices— combinan sus patrones multicolores con la tradición de los mosaicos, que prefiguran el píxel, elemento fundamental de la imagen digital y equivalente a la pincelada pictórica.

instagram.com/miguel_chevalier/

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¡Volvemos con la crónica del Mira Festival 2021!

Par : volatil

¡Hola a todos y a todas! Después de casi un año de silencio, volvemos al ruedo. Oscar Otu y una servidora (Paula Volàtil) hemos sido papi y mami respectivamente (cada uno con su pareja 😉) y claro, entre la pandemia y esto de formar una familia, hemos abandonado un poquito la web y las redes sociales. Mil disculpas. Poco a poco queremos ir recuperando el ritmo de publicación. Hemos elegido la época en la que los festivales de luz ocupan ciudades y el Mira Festival llega a su 10ª edición.

Total, que hemos decidido volver a publicar proyectos, crónicas de festivales y cosas relacionadas con el mundo de las artes visuales para ayudar a que tengan la visibilidad que se merecen.

El Mira Festival este año nos presentaba un cartel menos extenso pero no por ello menos interesante. Sin dome y sin instalaciones, las dos jornadas del festival a las que acudimos (viernes y sábado), nos resultaron fáciles y sin el típico estrés de querer estar en dos sitios al mismo tiempo. Como siempre, vamos a enumerar a los artistas visuales que descubrimos en esta edición.

 

nara is neus x SASHA SMIRNOVA LIVE A/V
Un viaje, una aventura gráfica que te transportaba, junto al sonido, a otro espacio-tiempo. Llegó a MIRA 2021 para presentar su nuevo disco ansatz (Foeh Records) con un nuevo AV Show junto a la artista visual bielorrusa Sasha Smirnova llamado ‘Don’t you recall?’, un viaje a través de paisajes ficticios captados por visión artificial y guiados por sonidos ambientales envolventes.

YLIA x SOFÍA CRESPO LIVE A/V
Motion graphics y 3D de temática natural. Todo muy envolvente, con texturas y colores que se adaptaban a las sensaciones que provocaba la música. Ylia es una productora y dj Dueña del sello Animah Records, acompaña a Niño de Elche en directo a los sintetizadores, teclados y electrónica, además de muchos otros proyectos. Tocó material nuevo aún no editado en un show audiovisual comisariado por MIRA junto a Sofía Crespo, artista que trabaja con un enorme interés en las tecnologías inspiradas en la biología.

CSFCMMCAB LIVE A/V
Quizá la propuesta más arriesgada, más loca y más difícil de entender fue el de CSFCMMCAB, que son las siglas de “Correspondències Simbòliques entre Folklore Catòlic i Música Màkina al Casc Antic de Barcelona”, proyecto concebido y desarrollado por Marc O’Callaghan.
La fórmula prescriptiva se resume en: 1. Recopilar sistemas de correspondencias que permitan traducciones precisas entre contenidos simbólicos y elementos musicales. 2. Aplicar estos sistemas a la iconografía católica del Casco Antiguo de Barcelona para especular partituras geolocalizadas. 3. Sonificar sinestésicamente esas partituras según los cánones estilísticos de la música mákina.

RIAN TREANOR x LEILA ZIU LIVE A/V
Leila Ziu es una artista multidisciplinar, intérprete y cineasta cuya práctica se centra en lo lúdico y lo absurdo. Crea mundos extraños a través de la performance, el vestuario, el arte en vivo, el vídeo y las colaboraciones musicales.

MAXWELL STERLING x STEPHEN McLAUGHLIN LIVE A/V
Maxwell Sterling acaba de editar uno de los mejores discos de IDM de los últimos años en el sello AD 93, antes llamado Whities. Actuó en MIRA 2021 junto al artista visual Stephen McLaughlin (Straightola) para presentar su nuevo show audiovisual. Quizá el directo más energético de esta edición, máxima coordinación y una mezcla de estilos, un cello sampleado en directo y unas visuales que acompañaban a la perfección todo ese mundo sonoro, que parecía convertirse en una instalación audiovisual. Bailamos y nos emocionamos hasta que les falló el ordenador, primero al músico y después al artista visual. Compenetrados hasta en eso.

POLE x RAINER KOHLBERGER LIVE A/V
Pole aterrizó en MIRA 2021 para presentar su nuevo trabajo «Fading» junto al artista visual Rainer Kohlberger en un show comisariado por MIRA. Fue uno de nuestros directos preferidos, la sincronización entre los dos artistas, las visuales ocupando toda la pantalla, usando los tres proyectores en panorámico (no en 3 imágenes por separado) y el contenido visual nos pareció excelente. Rainer Kohlberger es un artista visual independiente afincado en Berlín. Su trabajo se basa principalmente en gráficos generados mediante algoritmos, con los cuales realiza performances en directo, películas experimentales e instalaciones.

EVA GEIST LIVE A/V (Visuals by MARÍA TORRES)
El tema central del show era el AGUA y tanto música como visuales giraron en torno a este tema, con material grabado especialmente para la ocasión. María Torres nació en Almería y vive en Berlín. Artista visual, pintura, ilustración y vídeo. Nos hubiera encantado verla en directo junto a la voz sumblime de Eva Geist y su tribalismo moderno.

ANA ROXANNE LIVE A/V CON LAS VISUALES DE Ritu Ghiya
La música de Ana Roxanne se puede describir como meditación eléctrica, dream pop o ambient. La unión de la música junto al trabajo visual de la artista, diseñadora y desarrolladora web, Ritu Ghiya, nos ofreció una sesión de meditación maravillosa. Tenemos que decir que las visuales grabadas no llegan igual que las visuales en directo.

OVERMONO DJ SET (visuals by Nil Fernandez)
Nil Fernández es un diseñador gráfico afincado en Barcelona, sus visuales tienen un punto truculento y oscuro. Nos llaman la atención sus títulos de crédito, la creación de entornos digitales misteriosos. En su web hemos encontrado vídeos realizados para sellos discográficos.

 

AQUARIAN LIVE A/V (Visuals by SOUGWEN)
Música creada para la pista de baile. Los lanzamientos de Aquarian han recibido el apoyo de Aphex Twin, Call Super, Objekt, Avalon Emerson y otros. AV Show con el material visual de la aclamada artista e investigadora china Sougwen Chung, aunque ella no estuvo presente en la actuación.

Del 6 de octubre al 22 de diciembre MIRA.mov en Ideal Barcelona, bajo el título “Exploring Visual Languages”, ofrece un ciclo de proyecciones inmersivas comisariado por MIRA Digital Arts Festival que explora la cultura digital contemporánea. Inmersividad audiovisual, motores de videojuegos y animación digital en 3D. Aquí podrás ampliar la información si te interesa.

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Finally, VISUALIST documentary on Amazon Prime

Par : volatil

Amazon Prime platform broadcasts all over the world a pioneering documentary that addresses the reality of video creation and video jockeys.

Directed by Pedro Pantaleón and Manuel Cid, “Visualist, Those Who See Beyond” is the first film that, under the Visualist concept, brings the past, present and future of AV or Audiovisual Art closer to the general public. Conceived like a journey through a selection of works and in documentary terms, it gives voice to 30 of the most representative figures of this Artistic Movement at an international level.

After premiering at different festivals in different countries such as Madrid (Casabanchel and Madrid Design Festival), Peru (Visiones Art Festival), Helsinki (Lux Festival), Valladolid (Seminci), Barcelona (Mira Festival), Bilbao (BIME) and the great world premiere in Prague (Signal Festival), the documentary is finally available in streaming through Amazon Prime platform.

Filmed for 2 years in cities such as Madrid, Paris, Berlin, New York or San Francisco, Visualist, Those Who See Beyond could be seen in several cities around the world until the team, led by Oscar Testón, decided to start the distribution process, with the intention to place it on streaming platforms in order to obtain the widest possible dissemination. This process coincided with the beginning of the pandemic, which delayed negotiations a bit until an agreement finally was reached.

A round of contacts began and, although the majority of streaming platforms showed interest in the product, only Amazon Prime decided to get hold of it, understanding that it is a “niche documentary”, which enters a new field and for an specialized audience.

Visualist, Those Who See Beyond ”, claims the role of figures such as video jockey and brings us closer to artists such as Merrill Aldighieri, the first video jockey on record; Matt Black, creator of the legendary British multimedia pop group and DJ duo Coldcut; Daito Manabe, show designer for renowned musicians such as Björk, Ryuichi Sakamoto or OK Go, among many others; or 1024 Architecture, pioneers in creating structures for electronic culture or in making architectural mappings.

Herman Kolgen, who with the preciousness of his live cinema, his impressive productions and his futuristic pieces, has dimensioned the public’s relationship with the concept of AV show; as has been done, by surpassing audiovisual limits with the advancement of technology, by artists like ZachLieberman; or Myriam Bleau, one of the experimenters who works with light through objects, making it almost tangible, more relevant. Joanie Lemercier, one of the first vjs to experiment and create new creative concepts never seen before, in her early days with the Antivj visual label.

Robert Henke, Pfadfinderei, Gmunk, Alba G. Corral, Alex Augier, Daniel Canogar, Adam Smith, Angel Molina (Dj), ItaruYasuda, Light Surgeon, Martin Posta, Playmodes, Skullmapping, Mr. Beam, Ali M. Demirel, Hamill Industries , Marta Verde and Steve Giralt, complete with their testimonies and their works the wide spectrum that Visual Art can generate.

«Visualist, Those Who See Beyond» presents and lays the foundations of what it claims as the new audiovisual language, proposing Visual Art as the artistic format of the future.

Music is the other great common thread, since, to a large extent, all this audiovisual artistic movement was conceived in electronic music clubs. The OST was composed by Rubén Kielmannsegge. And Sergio Testón was in charge of mixing and sound design.

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Por fin el documental VISUALIST en Amazon Prime

Par : volatil

La plataforma Amazon Prime emite en todo el mundo un documental pionero que aborda la realidad de la videocreación y los videojockeys.

Dirigida por Pedro Pantaleón y Manuel Cid“Visualist, Those Who See Beyond” es la primera película que bajo el concepto de Visualist acerca al gran público el pasado, presente y futuro del AV o Arte Audiovisual. Hilado como un viaje a través de una selección de obras y en clave de documental, da voz a 30 de las figuras más representativas de este Movimiento Artístico a nivel internacional. 

 

Tras estrenarse en diferentes festivales de diferentes países como Madrid (Casabanchel y Madrid Design Festival), Perú (Visiones Art Festival), Helsinki (Festival Lux), Valladolid (Seminci), Barcelona (Mira Festival), Bilbao (BIME) y el gran estreno mundial en Praga (Signal Festival), por fin el documental está disponible en streaming a través de la plataforma Amazon Prime.

Rodado durante 2 años en ciudades como Madrid, París, Berlín, Nueva York o San FranciscoVisualist, Those Who See Beyond  pudo verse en varias ciudades del mundo hasta que el equipo liderado por Oscar Testón, decidió empezar el proceso de distribución, con la intención de colocarlo en las plataformas de streaming para así obtener la mayor difusión posible. Este proceso coincidió con el inicio de la pandemia, lo cual ha dilatado un poco las negociaciones hasta que finalmente se ha logrado un acuerdo.

Se inició una ronda de contactos y, si bien la mayoría de las plataformas mostraron interés en el producto, solo Amazon Prime se decidió a hacerse con él al entender que es “documental nicho”, que se adentra en un terreno nuevo y para un público especializado.

Visualist, Those Who See Beyond”, reivindica el papel de figuras como la del videojockey y nos acerca a artistas como Merrill Aldighieri, la primera videojockey de la que hay constancia; Matt Black, creador del legendario dúo de djs y grupo de pop multimedia británico Coldcut; Daito Manabe, diseñador de espectáculos para músicos de gran renombre como Björk, Ryuichi Sakamoto o OK Go, entre muchos otros; o 1024 Architecture, pioneros en crear estructuras para la cultura electrónica o en realizar mappings arquitectónicos.

https://vimeo.com/270027593

Herman Kolgen quién con el preciosismo de sus live cinema, sus impactantes producciones y sus piezas futuristas, ha dimensionado la relación del público con el concepto de show AV, como lo han hecho sobrepasando los límites audiovisuales con el avance de la tecnología,  artistas Zach Lieberman o Myriam Bleauuna de las experimentadoras que trabaja la luz a través de objetos, haciéndola casi tangible, más relevantes. Joanie Lemercier,  uno de los primeros vj en experimentar y crear conceptos creativos nuevos nunca antes vistos, en sus inicios con el sello visual Antivj.

Robert Henke, Pfadfinderei, Gmunk, Alba G. Corral, Alex Augier, Daniel CanogarAdam SmithAngel Molina (Dj), Itaru YasudaLight Surgeon, Martin Posta, Playmodes, Skullmapping, Mr. BeamAli M. DemirelHamill Industries, Marta Verde y  Steve Giralt, completan con sus testimonios y sus obras, el amplio espectro que el Visual Art puede generar.

“Visualist, Those Who See Beyond” expone y sienta las bases de lo que reivindica como el nuevo lenguaje audiovisual, proponiendo el Visual Art como el formato artístico del futuro.  

La música es el otro gran hilo conductor, ya que en gran medida, todo este movimiento artístico audiovisual se gestó en los clubs de música electrónica. La  BSO ha sido compuesta por Rubén Kielmannsegge. El diseño de sonido y mezcla corre de la mano de Sergio Testón.

 

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Antenna Domo, proyecto educativo- inmersivo

Par : volatil

Buscan ser un referente mundial y llegar a un millón de personas en todo el mundo. El proyecto se basa en la idea de que la educación innovadora debe llegar a los pobres. La innovación del mañana debe ser llevada a cabo por personas que tengan las herramientas para cambiar sus propias comunidades.
Para ellos, el potencial transformador de esta Cúpula no es solo para la población local, sino también para nuestras sociedades occidentales.
Para implementar este proyecto, necesitan alianzas sólidas con organizaciones que persigan el mismo objetivo.

Quisimos saber más sobre este proyecto y por eso entrevistamos a Boris Dulon.

– ¿Qué es Antenna Domo y qué relación tienes tú con el proyecto?

Antenna Domo es un espacio de divulgación científica a través del arte, un lugar en dónde compartir conocimientos relevantes sobre investigaciones realizadas, llevada a la gran pantalla inmersiva del Domo. Mi función dentro del proyecto es la dirección creativa y artística.

– ¿Cómo surge y a quién se dirige?

Surge por la relación con AURELIE KRUMMENACHER, coordinadora del proyecto en India, la cual me contactó para ver qué podíamos hacer con esta estructura localizada en Madurai, sur de India. Se hicieron dos planteos de proyecto, uno análogo y otro digital, el último quedó para la primera fase y el segundo es un proyecto nómada en futuro relacionado con la cultura DIY (do it yourself).  

Va dirigida a la población del sur de India, la mayor parte niños, alrededor de 10.000 niños pasan al año por el Ecopark, más unas 5.000 personas entre jóvenes y adultos. 

Cambiar el camino de la toma de conciencia sobre estas personas, darles herramientas y a partir de ahí ver el entorno y cómo actuar en él sin generar un impacto nocivo. Tengamos en cuenta que dentro del Ecopark contamos con tierras para la agricultura, espacios de reciclajes, etc, les invitamos a visitar la página de la fundación. 

– ¿Si sigue adelante, cómo serían los contenidos educativos?

Tenemos dos líneas de contenidos, una es a través de documentalistas, instituciones que proporcionarán la película 360 para que se hagan los pases, estas películas tendrán una relación directa con el concepto que se tratará durante ese año. Por ejemplo “El agua” y diferentes temas que podamos abordar con respecto a ello y acompañado de un mensaje de concienciación, que es la columna vertebral de este espacio y proyecto.

Por otro lado tenemos las residencias científico- artísticas y artísticas en donde el lugar se convierte en un espacio de desarrollo entre los artistas audiovisuales que residan y los científicos de la fundación, para así desarrollar una idea de película que contenga toda esta información de forma más fluida para que el aprendizaje sea más profundo, al permanecer dentro la pieza artística creemos que la experiencia será mas intensa y vivaz. Lo he pensado así ya que hay una parte en la toma de contacto con la población que proporcionará sus necesidades básicas, ver cómo podemos abordarlas a través de contenido audiovisual para así pueda entenderse y difundirse en el domo.  

Quiero aprovechar la oportunidad de hacer un llamado a instituciones que puedan proporcionar contenido audiovisual 360° que aborde: medio ambiente, agua y saneamiento, nutrición, salud, energías renovables, educación infantil, agroecología, medicina natural, arte, creatividad y astronomía. 

– ¿Qué estudios están implicados para la creación del contenido?

La creación de contenido vendrá como te decía de instituciones y la otra parte se realizará en las residencias. Estas residencias se realizarán dos veces al año, una con científicos y artistas audiovisuales y otra solo artistas audiovisuales.

La primera residencia la realizaremos junto a Ricardo Cançado ceo de Darklight  y con Jordi Salvadó en donde trataremos una de las investigaciones por parte de la Fundación y estructuraremos las residencias para el futuro.

Tenemos en este momento el apoyo y asesoramiento de varios estudios como Blendy Dome el cuál proporciona su aplicación y el desarrollo técnico visual, Darklight Studio, Eyesberg Multimedia Art Studio, Medusa Lab y Murals Barcelona.

Quiero destacar la participación en la transformación del espacio al estudio de Arquitectura Auroyali de Mohan J y Déborah Cohen ubicado en Auroville, una ciudad de 50.000 personas de todo el mundo y considerado el primer y único experimento internacional de unidad humana y transformación de conciencia.

– ¿Cómo serían las características técnicas de la dome?

En este momento tenemos el apoyo directo a nivel técnico de Jordi Salvadó en audio y Vj Spetto de Blendy Dome Vj, en la técnica visual, la instalación se compone de 

a. 4 Proyectores láser 6300 lúmenes.  

b. Material audio. 8 Yamaha DZR10-D (8 speaker) y 4 Yamaha DXS15 MKII (4 base speakers) 

c.  2 Ordenadores

d. Material de producción video production: Cámara 360°, Drone + aerial kit, Micrófono 3D.

e. Material de entorno audiovisual.

– ¿Cuánto capital es necesario para hacer realidad esta idea?

Entre 120.00€ y 150.000€ 

– ¿A quién le podría interesar financiarla?

Instituciones que quieran colaborar con este cambio necesario en el planeta. Empresas de energía renovables.

CRÉDITOS DEL PROYECTO

  • MARIANA VEAUVY
    New Technologies Manager Antenna Foundation (Suiza)
  • R. DEVAMANOHARAN
    Founder and Chief Executive Officer Antenna Trust (India) Coordination de terreno:
  • AURÉLIE KRUMMENACHER
    Project Manager India Antenna Foundation (Suiza)
  • DR. M.S. SURESHKUMAR
    Education Program Coordinator Antenna Trust (India) Dirección artisitca y tecnica:
  • BORIS DULON
    Artist residency and visual Coordinator Independent artist (Argentina).
  • JORDI SALVADÓ ISERN
    Audio technician and sound designer Independent artist (Catalunya).
  • DÉBORAH COHEN Senior architect, graphist and designer Auroville Earth Institute (India).
  • MOHAN J Executive director and sustainable construction contractor Auroyali: construction for beauty, perfection and spirituality at Auroville (India).
  • BLENDY DOME
    Blendy Dome Vj is a next generation fulldome application developed by Studio Avante and United VJs. This tool has been donated to this project.
  • DARKLIGHT STUDIO
    DarkLight is a collective that brings together audiovisual artists for mapping projects and festivals. They look for original projects, aesthetic innovation and technical quality. They are specialized in mapping, fulldome, audiovisual content for festivals and exhibitions.
  • MURALS BARCELONA
    They are a team of creative artists dedicated to the design of spaces and the development of murals. Their speciality is the aesthetics of spaces, creation of concepts and interventions through technology.
  • MEDUSA LAB
    Medusa lab is a Mexican organisation specialized in the development of creative concepts applied to the arts, entertainment and communication to create unique experiences through technological innovation.
  • EYESBERG MULTIMEDIA ART STUDIO
    A creative laboratory specialized in transforming spaces into immersive and interactive works of art. They use the latest technologies as a means to express ourselves and create moments that reach the viewer’s subconscious.

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Las Saturnales: remezcla audiovisual y literaria para invocar la oscuridad y la lentitud

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La realizadora audiovisual y videojockey Marta L. Lázaro y el polifacético Izurbe son los creadores de Las Saturnales, un espectáculo que parte de la poesía, conjugada con los visuales que, lejos de ser un telón de fondo, son parte esencial para construir el mensaje. Un proyecto donde la apropiación y la remezcla se producen en todos los niveles, desde el texto al vídeo pasando por la música, donde los géneros no están al servicio de formatos estandarizados. Las Saturnales es, en palabras de sus creadores, “una oda al desvío lento, su particular visión del tiempo de espera, el espacio vacío, el compás del silencio vitrificado, las ofrendas al propio reflejo”.

La cita con Las Saturnales fue el pasado 23 de enero en la sala reverberante del Laboratorio de Sonido de Etopia, donde resonaron los textos reapropiados de Clarice Lispector, de Rilke, de Eleanor Wilkinson, Iliana Ortega Alcázar, Eric Sadin, James Joyce o Felicia Martínez, todos en la voz de Izurbe, recitados bajo una cascada de píxeles en movimiento. Textos descompuestos y recompuestos sobre las notas de un sintetizador, que no forman un discurso completo, sino fragmentario, en busca de la interconexión por medio de la remezcla del ‘bookjockey’ del spoken world, Izurbe, por analogía con el proceso la videojockey Marta L. Lázaro.

La reapropiación y el remontaje funcionan tanto en las palabras como en la música –con referencias a Kraftwerk o New Order- y las imágenes, que la realizadora graba y filtra junto a otras de metraje encontrado. Avenidas zaragozanas, cielos de París. Pinceladas de Metrópolis y cortometrajes del director Hans Ritcher. Enfrentamientos de una imagen y su dualidad, influenciadas por las instalaciones de Isaki Lacuesta.

El resultado: un proyecto único, pues el visual rompe la norma del formato 16:9 y la pantalla apaisada, para experimentar las posibilidades de sus herramientas y expandirse por toda la arquitectura. Un proyecto inédito que empezó su recorrido en el singular espacio del laboratorio de sonido de Etopia y que ahora continúa su órbita…

Un espectáculo como este solo podía estrenarse en el contexto de Piloto Rojo, el ciclo de encuentros con creadores y creadoras que transitan entre lo analógico y lo digital, entre las disciplinas y que cada mes se celebra en Etopia Centro de Arte y Tecnología, en Zaragoza.

Fotografías: Julián Fallas / Etopia Centro de Arte y Tecnología

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CONVOCATORIA ABIERTA – Processing Community Day 25 de abril · Medialab-Prado (Madrid)

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El próximo 25 de abril, durante todo el día, en Medialab-Prado (Madrid) se celebrará el Processing Community Day; una iniciativa impulsada desde la Processing Foundation con la finalidad de hacer más visible y divulgar sobre temas relacionados con la programación creativa, el arte y la tecnología en diferentes ciudades del mundo; para crear más comunidad. En Madrid está impulsada desde el grupo de Creative Coding Madrid.

La convocatoria estará abierta hasta el día 10 de marzo. Propuestas de charlas, talleres, demos y performances. Encontrarás toda la info aquí.

Se abrirá una convocatoria para crear contenido para ser mostrado en la pantalla exterior de Medialab-Prado, sobre la plataforma de programalaplaza.

Está confirmada la presencia de Alba G. Corral y Jaime Munárriz, que nos hablarán sobre su trabajo y procesos creativos en torno al arte y la tecnología.

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El poder de la Imagen en el ámbito de la música electrónica y la cultura de Club por Rob Loren de AV. Studio

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Hace unos meses descubrimos este texto en facebook del artista visual Rob Loren de Av.Studio, enseguida nos pusimos en contacto con él para preguntarle si nos dejaba publicarlo en Vjspain. Y aquí está.

«Los nuevos vídeo artistas que provenían del vjing se encontraron con quienes cultivaban localmente este género artístico desde fines de la década de 1990. La producción de los video artistas circulaba por espacios asociados con la alta cultura donde las formas privilegiadas de apropiación de las obras era la contemplación. Incluso, cuando se integraban en un festival, como “Visiónica” lo hacían en espacios acondicionados como salas de Exposiciones, Galerías de arte, Centros culturales, Teatros…etc Todos ellos constituyen una red de artistas digitales que se han formado en artes plásticas, en diseño, en cine, en fotografía. Su principal objetivo es encontrar espacios de contención, promoción, proyección y financiación donde desarrollar su camino de creación.

LA REAL / AÑO 2000 / Un lugar pionero en España
Un sábado cualquiera en el local más importante de la noche Asturiana y uno de los más conocidos de España, donde se realizan, a menudo sesiones de club y música electrónica con algunos de los artistas más importantes de España y Europa.
En el campo de los Visuales varios nombres a lo largo de los años pasaron por la discoteca, entre los que destaca Rob Loren, por sus sets visuales siempre tan vanguardistas, poniendo imágenes en las mejores fiestas y eventos.
“Desde entonces hemos tenido la oportunidad de presentar nuestro trabajo visual en diferentes espacios y soportes donde proyectamos como: Festivales, Discotecas, Clubs, Beach clubs, Hoteles, Galerías de Arte, Teatros, Propiedades privadas, Fachadas Históricas, Monumentos … y solo podemos estar agradecidos y decir que seguimos con la misma ilusión del primer día.”

LE ZOO / AÑO 2020 / Un lugar pionero de vjing en Suiza.
Este club se ha distinguido por especializarse en este arte visual que combina manipulación de imágenes, escenografía y mapeo estructural para mejorar el espacio. Cada semana, el equipo técnico piensa y crea escenografías e instalaciones combinando originalidad y destreza técnica. La sala es hoy una escena de referencia para los artistas Vjs que son mas valorados. Le Zoo es el lugar de referencia para la música electrónica en Ginebra y en Suiza francófona, gracias a su programación y su antigüedad.
Allí estaremos el 17.01.20 y el 18.01.20.

VJ ROB LOREN / 20 AÑOS NO SON NADA
Es un verdadero privilegio seguir aportando un granito de arena en este fascinante mundo de la creación visual y cultura de club y encontrarme en el camino con personas que valoran, respetan y solicitan esta disciplina artística. Poder viajar a lugares, como LE ZOO Club en la ciudad del tiempo, Suiza, en este 2020 (20 años después de empezar como Vj), es sin duda un gran reconocimiento a mi trabajo.
“Intentando evolucionar debemos y queremos ampliar nuestra comprensión de los nuevos usos de la creación visual, reflexionar y participar en los procesos políticos de “dar vida” a las ciudades.”

Muchas gracias, Rob Loren.

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«Visualist» en el primer EDCD (Diseño de Visuales Creativas) de 2020 Medialab-Prado

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Los próximos 6 y 7 de febrero de 2020 en Medialab-Prado tendrá lugar el primer EDCD (Diseño de Visuales Creativas) del año. La jornada arrancará con un taller, guiado por Laura Garrido (aka Magmovies), que nos acercará a la parte más técnica y narrativa de la creación de visuales.

El jueves 6 de febrero a las 19h en el Auditorio de Medialab-Prado, después del taller, visionaremos el documental Visualist, presentado por los directores, Pedro Pantaleón y Manu Cid, y el productor, Oscar Testón. El documental se estrenó en el Signal Festival de Praga, después fue el turno para Valladolid en el Festival Seminci, Barcelona fue la siguiente parada dentro de la programación del Mira Festival, también se organizó una premier en Madrid en un espacio muy especial, Casabanchel-Madrid. Para 2020, los siguientes estrenos ya significarían cruzar fronteras hasta Helsinki, en el Lux festival, i Perú, en el festival Visiones. El documental sigue de gira. Anunciaremos pronto próximas localizaciones.

Visualist hace un recorrido por la obra de artistas que utilizan la luz como medio. Conoceremos la metodología y el concepto de estos artistas, que nos hablan de los orígenes del arte audiovisual, de su evolución y hacia dónde va. Todo esto en un viaje que nos llevará desde los espectáculos en vivo de Chemical Brothers o Moderat, a los video-montajes para los shows de Richie Hawtin, los videoclips de OK Go.

Foto: Festival Visiones Perú

Cerraremos este encuentro con un concierto audiovisual en directo, en el que nos adrentraremos en el concepto del arcano II del tarot, que representa la Suma Sacerdotisa, la Papesse. José Venditti se encargará de la creación sonora y Marta Verde de las visuales.

Este #EDCD20_01 Diseño de visuales creativas, forma parte de la programación del Madrid Design Festival.

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El documental “Visualist” se proyectará en VISIONES Art Festival de Perú

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Lenovo & Intel Presentan “Visualist Those Who See Beyond” el próximo jueves 16 de enero en el Hotel Boutique Concept dentro de la programación del VISIONES Art Festival de Perú.

Una mesa redonda con uno de los directores del documental Pedro Pantaleón y el productor Óscar Testón junto con los artistas digitales más representativos de Lima para que los asistentes puedan hacer preguntas y conocer el estado actual de la escena mundial y local.

Antes y después del la presentación del documental tendrá lugar el estreno de un show audiovisual de MIKI GONZÁLEZ y VJ Gorilla y músicos con instrumentos y danzas en vivo como también la participación de la cantante Mariya acompañada de las visuales de Francesca Dasso (VJ Kametza), para abrir el Festival y de cierre fin de fiesta a DJ Rapapay quien nos transportará a un viaje de sonidos nunca antes explorados.

En su web lo dejan muy claro, citamos textualmente “alrededor del mundo se viene desarrollando nuevas tendencias audiovisuales que invitan a que los consumidores de arte exploren nuevas sensaciones a través de la tecnología y el creciente mundo digital”.

De eso se trata Visiones Art Festival, quiere ser una plataforma de exhibición de arte digital, que también intenta solidificar una escena artística digital que represente a Sudamérica, ya que hasta la fecha no hay un referente propio de la región, por tanto, la idea también es impulsar a los artistas peruanos y latinoamericanos – en general- a traspasar las barreras de espacio para que puedan difundir sus expresiones artísticas a través de VISIONES, aprovechando que el formato itinerante lo permite.

Esta iniciativa también busca recuperar espacios liberados de todo lo comercial, tal como sucede con el Planetario Digital de Lima en Chorrillos y otros espacios que serán explorados en la próximas VISIONES, se trata de convertir a Lima en una ciudad capital referente del arte digital.

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Introducción a la programación visual con touchdesigner · Sevilla · Del 10 al 12 de febrero

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El taller de introducción a la programación visual con touchdesigner tendrá lugar en Sevilla (EPFCA Sevilla) del 10 al 12 de febrero.

Os dejamos aquí toda la información.

Objetivos:

– Adentrar a los alumnos en el mundo de la programación visual con TouchDesigner.
– Conocer las diferentes familias de Operadores, las funciones de cada uno y cómo crear redes de trabajo.
– Abordar diferentes proyectos de generación de gráficos animados 2d/3d en tiempo real, crear efectos de vídeo personalizados.

Profesor: Azael Jesús Ferrer Gordo.

Artista multimedia y profesional de las artes escénicas. Su trabajo incluye instalaciones audiovisuales, performances en vivo, sesiones Vj y diseños de iluminación y video.

CONTENIDOS

Día 1

– Introducción a la programación modular.

– Conceptos básicos de la interface.

– Analizar la familia de operadores

(TOP,CHOP,SOP,DAT,COMP).

– Configuración básica y parámetros de render.

– Trabajando con geometría.

– Componiendo y texturizando.

Día 2

– Conectividad de OSC, MIDI, DMX para el control de

parámetros.

– Trabajando con sensores (Kinect.y leadmotion)

– Visualización de audio reactivo.

– Creación de Interfaz de usuario.

– Creación de ejemplos prácticos.

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Narrando Estructuras: taller de Videomapping en Madrid – 1 y 2 de febrero

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Fechas y horarios
Sábado 1 Febrero: 10 a 4 pm ( dos pausas de media hora a las 12 y a las 2pm)
Domingo 2 Febrero 10 a 4 pm  (dos pausas de media hora a las 12  las 2pm)

Lugar
Paisajes Españoles Marqués de Monteagudo 223a Planta  28028 Madrid
Duración 10 horas
Precio 120 euros
Reserva tu plaza aquí

Dirigido a
El taller está orientado a las disciplinas de artes visuales, procesos, diseño gráfico, arquitectura y otras disciplinas afines. Asimismo en personas interesadas en otras técnicas y aplicaciones de la imagen en movimiento y videomapping. Además, el taller analizará el trabajo de diferentes artistas, sus técnicas y sus métodos de creación, y los propios alumnos podrán desarrollar sus trabajos sobre maquetas y espacios arquitectónicos.

Descripción
El curso está centrado en la técnica de videomapping y el concepto de proyección más allá de la pantalla.  Desarrollamos la técnica de proyección de imagen y su aplicación en instalaciones y performances. Enseñaremos cómo proyectar simultáneamente en diferentes superficies con diferentes motivos e imágenes en movimiento, así como la producción de contenido y su aplicación práctica usando MadMapper4. Investigamos la imagen proyectada no sólo como técnica sino como forma artística y lenguaje.
Este taller está apoyado por MadMapper.

Objetivos
Este taller introduce la técnica de videomapping y propone investigar y reflexionar sobre el concepto de la imagen proyectada más allá de la pantalla.

Temario
Historia y técnicas de la imagen proyectada, pre-cine, arte óptico, cine expandido y performativo. Técnicas de proyeccion y videomapping.El taller es teórico-practico.Cada sección teórica va acompañada de una practica o serie de ejercicios.Se estudiará la creación imagen analógica y digital proyectada (creada con video o fotografía a tiempo real o con código), el análisis de formas espaciales, la creación de blueprint, las técnicas de proyección en tiempo real en fachadas, espacios urbanos, instalaciones e incluso su aplicación artística, escénica para teatro y eventos.
Al finalizar el curso el alumno estará capacitado para diseñar proyectos y producir trabajos audiovisuales sobre arquitectura. Para cerrar el taller presentarán los ejercicios desarrollados durante el curso.

Nº Máximo de estudiantes: 12

Requerimientos técnicos
Este taller está orientado a usuarios de Mac y PC.Trae tu computadora con adaptadores de Mini DisplayPort si usas MacSi usas mac con sistema operativo Osx 10.7 o superior 10.6 noTrae si tienes controlador midi, proyector, modelo / forma en el que desea mapear, si bien nosotros proveemos superficies y proyectores.Si necesita alquilar algún equipo (computadora) para el taller, póngase en contacto.Este taller incluye una licencia temporal de acceso completo de 1 mes de MadMapper y otorga a los participantes un descuento educativo en la compra del software MadMapper.

Semblanza del tutor
Este taller está impartido por Blanca Regina, artista visual, docente y comisaria. Su trabajo se centra en la creación audiovisual y performance, videoarte, arte digital con técnicas analógicas, cine “ expandido “ e improvisación en directo. Entre los centros y espacios donde ha mostrado su trabajo se encuentran La Casa Encendida, (España), Mapping (Ginebra),  Barbican (Londres) VisionR (Paris), Maus Habitos (Oporto) Loop Videoart Festival y Galeríaa H2O (Barcelona), MUPO (Oaxaca, México). Consulta El VJ y la creación audiovisual performativa: hacia una estética radical de la postmodernidad. Tesis Blanca Regina, 2011 .

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El documental «Visualist» en el festival de la luz de Helsinki · LUX 2020

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Lux Helsinki – https://www.luxhelsinki.fi/en/ es el festival de La Luz de Helsinki. Un escaparate de instalaciones artísticas de luz que se realiza cada año en la capital finlandesa. El festival reúne tanto piezas nacionales como internacionales. La ruta oficial consta de 9 instalaciones que deben verse en orden de principio a fin. El festival también cuenta con un simposio internacional formado por artistas, curadores, profesionales y entusiastas del sector audiovisual que darán charlas y conferencias sobre diferentes temas.

Durante el día tendrán lugar conferencias cortas sobre sostenibilidad, eventos e instalaciones de luz, entre otros temas. Por la tarde se proyectará “Visualist Those Who See Beyond ”, presentado por el guionista y compositor de sonido Ruben G. Kielmannsegge (Otucinema) seguido de una mesa redonda con expertos internacionales en este campo.

La capital finlandesa acoge cada año 1 km de piezas artísticas e instalaciones lumínicas en los edificios más emblemáticos y en patios y fachadas de la ciudad. Además de estas 9 instalaciones situadas en el centro de Helsinki, este año el festival cuenta con otras 6 instalaciones satélite en las afueras de la ciudad.

Nohlab

El programa del festival Lux Helsinki comprende obras encargadas por el propio festival y obras seleccionadas de otros festivales internacionales de luz comisariados por Ilkka Paloniemi junto con Christina Dvinge (DK) y Martin Pošta (CZ). Este último es uno de los artistas entrevistados en el documental “Visualist”.

Alessandro Scarlatti

Jouni Väänäsen 

Emma Rönnholmin

 

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Un año en un día 2019 · El festival anual de Medialab Prado

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Medialab Prado celebra cada año su festival anual «Un año en un día». Para esta edición tiene preparada una jornada festiva repleta de talleres, actuaciones, presentaciones, exposiciones, demostraciones y performances para todos los públicos. #unañoenundía

Termina el año y quieren celebrar la cantidad de buenos proyectos que se han puesto en marcha en todos estos meses a partir de muchas y diversas iniciativas. Lo harán en una jornada festiva, de puesta en común, de celebración e invitación para venir y disfrutar de Medialab Prado, tanto para los/las colaboradores/as, como para quienes todavía no conoce este espacio.

Todas las actividades son gratuitas y de entrada libre hasta completar aforo. Los talleres son sin inscripción previa, el hecho de apuntarte en la web no te asegura plaza. Se darán por orden de llegada hasta completar aforo.

PROGRAMA
Presentaciones
11:00 a 12:00: roscón y chocolate [CANTINA]
12:00-14:30: presentaciones breves de proyectos desarrollados durante el año. Conducido por Antonella Broglia* [AUDITORIO]
(* hay servicio de ludoteca para niñas/os a partir de 3 años)

Conciertos y actuaciones
13:00-14:00 Pandora Mirabilia. Cuenta cuentos musicados [LAB 0]
15:00-16:00 Los Griots de África [LAB 0]
17:00-20:00 AvLab Kids [AUDITORIO]
17:00-18:00: Taiko. Taller de percusión japonesa para niñ@s impartido por Mónica Vedia de Taikomon.
18:00-19:00: La fantástica banda : ‘Un día en la vida de Rosa-Fría’, con poemas de Lorca, Alberti y generación del 27 junto a Gloria Fuertes
19:00-20:00: Pony Bravo para familias.
20:00 a 21:00 DJ Alnank [CANTINA]

Talleres
11:00-13:00 Taller de Construcción de Personajes Fantásticos con Blanca Helga : crearemos toda una fauna de personajes imaginarios a partir de formas geométricas de cartón cortadas a láser. También usaremos otros muchos materiales como papel, cuerda, hilos, pinturas, etc. Reciclaje de materiales, nuevas tecnologías y fantasía, la mejor mezcla posible. [LAB 0]

11:00-13:00 Navidad habitada. Taller de juego y experimentación a través de diferentes materiales y estructuras que los más pequeños podrán habitar. De 3 a 9 años. Equipo MICO. [LAB 0]

11:30-13:30: Giz&Gif: Imaginado y jugando el cuerpo. Taller abierto para la experimentación entre cuerpo/dispositivos que nos modifican en nuestras capacidades y formas. Con materiales sencillos y unas referencias imaginaremos nuevas formas de pensar el cuerpo, más diverso, más divertido, explorando más allá. Basado en el prototipado, trabajo manual e interacción entre todas las asistentes. [LAB 1]

12:00 a 14:00 y 17:00 a 19:00 Touch Emojis: taller accesible para reconocer emojis a través del tacto y el sonido con el GT Miméticas. [MiniLab B]

12:00-14:00 y 17:00-19:00 Juego de cartas AKA Family con GT GenZ. [LAB 1]

11:30-12:30 Taller familiar ¿Dónde está mi mochila? Creación de localizadores satélite para mochila con The Things

Network [LAB 1]
16:00-18:00 Taller de Creación de Libro de Artista con Herramientas Digitales, con Blanca Helga : En este taller el niño creará su propio libro-acordeón con el viaje fantástico como temática. Para ello utilizará materiales creados mediante fabricación digital: sellos, cartón y papel cortados a láser. La ilustradora Blanca Helga les llevará de la mano en este viaje maravilloso. [MiniLab A]

16:00 a 19:00 Taller de reparación, reciclaje e intercambio con los GT Costura remake, Madrid Cría, Banco de Tiempo y Repair café. [LAB 0]

Demostraciones
11:00 a 14:30 y 16:00 a 19:30: Experiencia inmersiva en Realidad virtual organizada por el GT Laboratorio de Realidades Sintéticas. [LAB 1]

11:00 a 14:30 y 16:00 a 19:30: Luz oscura. Presentación de las residencias de artistas autistas en Medialab Prado coordinadas por la asociación Debajo del sombrero. [LAB 1]

12:00-14:00 y 17:00-20:00: Autofabricantes [LAB 1]

11:00-14:30 y 15:30 a 17:00 . BIVO. Generación de energía eléctrica mediante el movimiento humano
Tecnormigas [LAB 1]

18:00 Satélites DIY: Presentación de NeoTree (árbol inteligente) [Plaza de Las Letras]
Radio

11:00-13:00 Señales de Urano: sesión especial del programa de radio de M21 dedicado a Un año en un día 2019 [MiniLab A]

Proyecciones en la fachada digital
18h-20h Code Attack: Ven a jugar al PONG en la fachada.
20h-23h: #Programalaplaza 2019: un entorno online de creación de piezas visuales para la fachada de Medialab Prado. En la última convocatoria el foco ha sido de proyectos creados en entornos educativos: institutos, universidades, academias…

La Regadera
De 16:00 a 19:00. Espacio de juego libre de 0 a 5 años [LAB 0]

Exposiciones
Muestra de resultados de los últimos talleres de producción y de la marcha de los proyectos de mediación-investigación.[LAB 0]

De 0 a 99: campamento de verano intergeneracional
Grigri Pixel 2019: hospitalidad
RadioLab
Laboratorios bibliotecarios
Proyectos de mediación-investigación
Visitas guiadas
A las 12:00 y a las 17:00 [ENTRADA]

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Inscripción cerrada.

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Resumen visual del estreno de “Visualist, Those Who See Beyond” en Casabanchel-Madrid

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El estreno de “Visualist, Those Who See Beyond” en Casabanchel-Madrid fue un éxito en todos los sentidos. Tanto de convocatoria como de acogida. La gran ovación después de la proyección de la película demostró una vez más que el documental destaca por su calidad.

Un catering casero exquisito y unas cervezas Patanel fueron la compañía perfecta para un público que supo valorar y disfrutar de la velada. Se llevó a cabo una convocatoria de prensa y ya se empiezan a leer artículos en algunos medios online especializados y generalistas gracias al trabajo de Pat Comunicaciones.

El equipo al completo del documental salió al escenario para responder a las preguntas de los asistentes. Los directores Pedro Pantaleón (Refractivo) y Manuel Cid, el compositor de la  BSO del documental (entre muchas otras tareas) Rubén Kielmannsegge, el encargado del diseño de sonido y mezcla, Sergio Testón y el productor Oscar Testón (Otucinema & Vjspain) estuvieron presentes en el ansiado estreno en Madrid, un evento lleno de felicitaciones, abrazos y momentos inolvidables.

Os dejamos con un resumen visual de la velada de la mano del fotógrafo Jesús Efe Punto

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Crónica del Mira Festival 2019 · Más Live Cinema que nunca & 3 entrevistas de vídeo

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El MIRA SON Estrella Galicia llegó a su 9ª edición del 5 al 9 de noviembre con algunas novedades, el festival celebró su última edición en Fabra i Coats, epicentro de MIRA desde que nació en 2011. Esta edición contó con más instalaciones inmersivas de lo habitual y sus actividades se extiendieron durante toda la semana y en otros espacios de Barcelona como Teatre Lliure, Auditori, Espacio Simon 100, Ideal y Sala Razzmatazz.

Este año tuvimos esa sensación nostálgica de despedida, no del festival, sabemos que seguirá vivo en otro espacio, pero sí del edificio Fabra i Coats. Es difícil imaginarse el Mira en otro lugar. Por eso decidimos profundizar un poco más y hacer entrevistas a algunos artistas visuales: Anna Diaz de Hamill Industries, Pedro Maia y Antoni Arola. Queremos hacer una mención especial al MIRA Dome by adidas Originals, un formato al que tenemos un cariño especial por su dificultar y su capacidad de transportar al espectador a otra dimensión. En esta edición destacamos “Realness”, un proyecto audiovisual inmersivo en 360º creado por la artista digital Sandrine Deumier y la compositora Myriam Bleau.

Empezaremos nuestra crónica hablando de los shows audiovisuales. A diferencia de otros años, en los que predominaron contenidos más digitales, 3d, o incluso el glitch, este año el estilo que más abundó fue el Live Cinema, imágenes figurativas, de estilo cinematográfico y súper nítidas con mucho storytelling y mensaje. Destacamos en esta línea los shows audiovisuales de Alessandro Cortini, que presentaba su nuevo disco VOLUME MASSIMO con unas visuales ultra producidas, a máxima calidad y con una dirección de arte y de fotografía sublimes.

Roly Porter + MFO, el show combinó imágenes cinematográficas misteriosas y mágicas que parecían sacadas de un bosque encantado, con juegos de luces en distintos puntos del público y una voz en directo cautivadora. El show de Biosphere pasó directamente a nuestro TOP 1 por su maravillosa combinación de Live Cinema en estado puro ya que el directo combinaba imágenes con audio, juego de luces desde el escenario y desde diferentes puntos de la pista.

Las imágenes figurativas tuvieron presencia también en las visuales de Hamil Industries, que nos sorprendieron con una cámara en directo que grababa a Floating Points y a ellos mismos, así como a los efectos visuales de las burbujas grabadas también en directo para convertirlo en audio y proyectarlo a tiempo real con Ableton Live. Casi nada. En esta entrevista nos lo cuentan mejor.

Flipamos con las visuales de Dan Tombs para Blanckmass, muchos colores, strobo y el equilibrio perfecto de gráfica y vídeo. Pedro Maia se sincronizó con Vessel de manera excelente, ya son muchos años y muchos bolos juntos y eso se nota en el escenario, máxima compenetración entre los dos. También nos cautivaron las visuales de Leeza Pritychenko junto a Batu. 3D elegante, sublime uso del color y mucha intensidad. Reiner Kohlberg hizo las visuales de Kali Malone y se decantó por el uso de gráfica y ruido solo en blanco y negro como viene haciendo en sus últimos proyectos. Interesantes también las múltiples pantallas de Weirdcore para compañar la música de Smerz, contenidos visuales de estilo publicitario que se subdividían y se movían siguiendo las melodías de la música. Evelyn Bencicova acompañó en el escenario a Clark con visuales misteriosas, casi de película de terror, a un ritmo suave y pausado, ideal para ese estilo de música.

Y ahora le toca a las instalaciones. Los lásers siempre cautivan, «Dualimismo» de Carlos Saez nos sorprendió con una colaboración inesperada, ni más ni menos que Arca, con un teclado y un láser en un ojo.

Queremos felicitar desde aquí a los estudiantes de máster y licenciados de la escuela ELISAVA por su instalación «Alice» y su representación del infinito.

Y nuestra instalación preferida, «Un hilo de 11W», un láser que recorría todo el festival de la mano de Antoni Arola al que quisimos entrevistar para saber más.

Hasta aquí nuestra crónica del Mira Festival 2019. Estamos ansiosos por saber dónde tendrá lugar la 10ª edición y queremos celebrar con todo el equipo del festival esta década maravillosa de artes visuales y música experimental.

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El 27 de noviembre se presenta en Casabanchel-Madrid “Visualist, Those Who See Beyond”

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«Visualist» es un documental que narra una gran historia que debía ser contada y que tras sus recientes y ovacionadas participaciones en festivales como Signal Festival de Praga, La Semana Internacional de Cine de Valladolid Seminci (hicimos un resumen del debate), el festival BIME PRO en Bilbao, o el MIRA Festival en Barcelona, llega el próximo miércoles 27 de noviembre al centro de reflexión, creación e innovación Casabanchel en Madrid (C/ Santiago Estévez, 26,) que contará con el pase del documental presentado por sus directores Pedro Pantaleón y Manuel Cid, y que además se completará con una mesa redonda – debate entre el equipo del documental y el público asistente. Al finalizar, todos los asistentes podrán disfrutar de un cóctel y pica pica.

“Visualist, Those Who See Beyond”, reivindica el papel de figuras como la del videojockey y nos acerca a artistas como Joanie Lemercier, uno de los primeros vj en experimentar y crear conceptos creativos nuevos nunca antes vistos, en sus inicios con el sello visual Antivj; o 1024 Architecture, pioneros en crear estructuras para la cultura clubbing o en realizar mappings arquitectónicos. O artistas multidisciplinares como Herman Kolgen quién con el preciosismo de sus live cinema, sus impactantes producciones y sus piezas futuristas, ha dimensionado la relación del público con el concepto de show AV, como lo han hecho sobrepasando los límites audiovisuales con el avance de la tecnología, artistas como Daito Manabe, Zach Lieberman o Myriam Bleau, una de las experimentadoras que trabaja la luz a través de objetos, haciéndola casi tangible, más relevantes.

Más allá del show en vivo, y profundizando en el amplio abanico de posibilidades que ofrecen esta nuevas disciplinas artísticas, a través de los testimonios de todos estos creadores, “Visualist, Those Who See Beyond” expone y sienta las bases de lo que reivindica como el nuevo lenguaje audiovisual, proponiendo el Visual Art como el formato artístico del futuro. Y es que siendo una forma de arte urbano nacida de las profundidades del underground y de la cultura del club, con su paso e importancia a los eventos más mainstream, su trascendencia ha llegado ya lugares más «ortodoxos» como los museos y galerías de arte, y actualmente su papel como canal de expresión artística crece exponencialmente siendo el nuevo vínculo artístico de la sociedad/público con el lenguaje audiovisual.

La música es el otro gran hilo conductor, ya que en gran medida, todo este movimiento artístico audiovisual se gestó en los clubs de música electrónica. La BSO ha sido compuesta por Rubén Kielmannsegge, productor de música electrónica, pionero del nu-jazz en España, DJ en salas de toda Europa y ganador, junto a Chop Suey, de un Premio Goya a la Mejor Canción Original por su trabajo en la película Mi Vida Sin Mí de Isabel Coixet (2011). El diseño de sonido y mezcla corre de la mano de Sergio Testón, técnico especializado en postproducción de audio para cine y TV, nominado en 2017 al Premio Goya al Mejor Sonido por su trabajo en la película Ozzy,de Alberto Rodríguez.

“A nivel personal, hacer este documental ha sido toda una experiencia pero sobre todo un aprendizaje. Era un reto contar la historia de este nuevo mundo audiovisual, debido a la escasez de información existente sobre algo que podemos considerar muy reciente. Después de estar años vinculado a la escena de club, quería mostrar el arte que hay más allá de la música. De lo que paradójicamente todo el mundo ve, pero de los que pocos saben lo que hay detrás. Esta es la historia del videojockey, de cómo evoluciona y de cómo ha sentado las bases de un nuevo lenguaje audiovisual basado en la experiencia y que no tiene límites.” – señala Manuel Cid, co-director del documental, quien además añade – “Gracias a Oscar Testón, la persona detrás de Vjspain, pudimos agrandar el proyecto e ir muchos más lejos. Yo desconocía hasta donde llegaba el trabajo de estos artistas: live cinema, instalaciones, mappings, creaciones que parten de códigos… sin duda, es una historia que debía ser contada.”

Terminamos el artículo con dos declaraciones de sus directores.

“Tras un largo proceso de investigación, realizamos las primeras entrevistas a artistas como Robert Henke, Joanie Lemecier o 1024 Architecture. Artistas de renombre a los que se sumarían muchos otros de diferentes partes del mundo. Pedro y yo viajamos a sus estudios con nuestro equipo para conocer más acerca de su trabajo, sus trucos y su manera de entender el arte. Para nosotros fue genial sentir que querían participar en nuestra obra y realmente nos hizo ser conscientes del gran valor de nuestra película. Todos nos recibieron con tremendas ganas de hablar acerca de su trabajo… Creo que, por ejemplo, los VJ de grandes artistas como Richie Hawtin o Moderat, también están deseando que se hable de su parte. Una parte fundamental del show”. – Explica Manuel Cid, co-director del documental.

“Habiendo trabajado como videojockey en salas y festivales nacionales y siendo fan y seguidor del trabajo de todos los artistas que forman el line up de la película, echaba en falta un documental que los reuniera. Diez años he tardado en llevar a cabo esta idea, hasta que conocí a Manu y pude hacerlo realidad. Dirigir este proyecto ha sido todo un privilegio; viajar, conocerlos a todos, adentrarme en sus estudios, entrevistarlos y dar vida a Visualist”- Asegura Pedro Pantaleón, co-director del documental.

“A nivel personal, hacer este documental ha sido toda una experiencia pero sobre todo un aprendizaje. Era un reto contar la historia de este nuevo mundo audiovisual, debido a la escasez de información existente sobre algo que podemos considerar muy reciente. Después de estar años vinculado a la escena de club, quería mostrar el arte que hay más allá de la música. De lo que paradójicamente todo el mundo ve, pero de los que pocos saben lo que hay detrás. Esta es la historia del videojockey, de cómo evoluciona y de cómo ha sentado las bases de un nuevo lenguaje audiovisual basado en la experiencia y que no tiene límites.” señala Manuel Cid, co-director del documental, quien además añade –  “Gracias a Oscar Testón, la persona detrás de Vjspain, pudimos agrandar el proyecto e ir muchos más lejos. Yo desconocía hasta donde llegaba el trabajo de estos artistas: live cinema, instalaciones, mappings, creaciones que parten de códigos… sin duda, es una historia que debía ser contada.”

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Primero el vídeo y después la música. Alba G Corral y Carles Viarnès · ‘The Dance’

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Hace unos años fuimos a ver un concierto del compositor y pianista Carles Viarnès con las visuales de Alba G Corral, verles actuar por separado es maravilloso, pero juntos hacen magia. Al terminar nos explicaron que estaban haciendo un proyecto juntos, Alba había creado una pieza visual y Carles tenía que «ponerle música», la idea era invertir el orden establecido.

Alba tituló al vídeo «The Dance» porque le sugiere unas telas que bailan. El tema que compuso Carles para este vídeo se llama «Collige Virgo Rosas«, que está disponible online desde hoy y forma parte de un disco que verá la luz el 15 de noviembre bajo el nombre «Nun» editado por Bankrobber. Hace unas semanas salió un primer single, que puedes escuchar también en Spotify, ‘Mira Gestorum’.

Tanto Alba como Carles se admiran mucho mutuamente y están encantados de actuar juntos. Este proyecto es un símbolo de este brillante trabajo en equipo que les ha llevado a cautivar a tantas personas desde distintos escenarios de teatros, festivales y salas de todo el territorio nacional.

Entrevistamos a Alba y a Carles para saber más sobre esta colaboración. Empezamos por Alba, respetando el orden de creación de este trabajo colaborativo.

¿Cómo surge la idea, cuándo y dónde?
Fue hace bastante tiempo, en una residencia artística en París, creé muchísimo material aquellos días. Los vídeos tenían una estética que me gustaba mucho. Llevaba tiempo pensando en hacer lo contrario a lo que se suele hacer. Los visualistas siempre hacemos visuales para una música ya realizada. Yo he trabajado mucho con Carles y cuando seleccioné el vídeo que quería que fuera «musicalizado», tuve muy claro que Carles haría su música.

¿Cómo es el vídeo, por qué lo seleccionaste?
Es un vídeo 2D plano. Este trozo viene de un ensayo, capturando la pantalla, me gusta mucho por la textura que me recuerda mucho a telas, estaba investigando sobre texturizar. El diseñador Alexandre Mc Queen me inspira mucho. Conseguí darle al vídeo un efecto 3d y cierto volumen. La moda siempre me ha atraído mucho. El vídeo al final eran como unas telas que se movían,  me gustaba el movimiento que hacían, como una danza, un movimiento simple pero bonito. De ahí el nombre: «The Dance».

¿Lo hiciste con processing como siempre o usaste algún otro software? 
Sí, usé Processing en tiempo real, lo grabé directamente del ensayo. Es una pieza única, no podría volver a salirme igual.

¿Actuaciones que destaques con Carles?
Eufònic Festival, Eufònic Urbà, Moià (Festival «Pensament, Obra i Acció») o el Teatre de l’ Aurora de Igualada. La verdad es que me gustan todos los bolos con él. Es uno de los músicos con los que más disfruto actuando. Él también tiene mucho vínculo con les Terres de l’Ebre, nos une una sensibilidad parecida aunque los paisajes sonoros y visuales sean distintos.

¿Qué opinas del resultado final de tu pieza visual con la música de Carles?
Me encanta ver cómo ha quedado, veo como el ritmo musical viene del movimiento del pincel y como ha conseguido crear esta dinámica del tema musical a partir de la intensidad y el silencio. Me encanta cómo lo ha convertido en música. A partir de un vídeo muy minimal, ha hecho maravillas con el piano. Además, me hace mucha ilusión que lo haya metido en el disco que acaba de sacar.

Entrevistamos ahora a la parte musical del proyecto, Carles Viarnès.

¿Cómo te definirías, músico, pianista, compositor?
Yo diría que compositor. Es lo que más me motiva del mundo de la música y donde creo que puedo aportar algo especial. He actuado como intérprete, tanto de fagot, de pianista o de cantante, y he disfrutado mucho, pero el misterio de la creación me atrapa mucho. Y me expreso sobre todo utilizando el piano como canal principal.

Has musicalizado un cortometraje y una obra de teatro, ¿nos haces una pincelada de estos dos proyectos?
“Für Elise” es un cortometraje taiwanés centrado en la famosa melodía para piano de Beethoven, que los camiones de basura de Taiwán utilizan para avisar que están pasando. Yo he hecho unas variaciones, adecuándolo a la dinámica del corto y aportando mi estilo. Primero me he tenido que reconciliar con la melodía que todo pianista ha acabado aburriendo, y después desgranarla y jugar con los cuatro elementos principales que tiene.
En cuanto a la obra de teatro, se estrenó en la Sala Muntaner el pasado mayo. Es la “Danza de muerte” de Augusto Strindberg, una historia de soledad, amargura, de existencia vacía, de una pareja viviendo en una isla. El último disco ‘Schematismus’ me sirvió de punto de partida, puesto que es piano solo, desnudo. Pero ha acabado evolucionando a una música más elaborada para expresar los diferentes matices de cada momento y cada personaje.

¿Es la primera vez que compones un tema a partir de un vídeo?
De un video tan abstracto sí. He compuesto para imágenes y secuencias más descriptivas, más argumentales, donde la música complementa un discurso visual ya de por sí bastante completo.

¿Qué te ha parecido la experiencia?
Ha habido muchas dudas y muchas sorpresas. Lo que pensaba que terminaría en uno o dos días, han acabado siendo varias semanas enteras. Tenía claro que quería conseguir un diálogo entre las visuales y la música y que ninguna de las dos partes podía predominar sobre la otra. La principal duda era dónde colocaba la música. Tenía la opción de seguir de lejos las visuales, como un fondo, con cada parte funcionando a su aire: esto me permitía hacer un discurso musical más coherente, pero era muy tentador acompañar los giros, las expresiones concretas de las líneas, para reforzar y complementar. Al final he optado por un término medio siempre que ha sido posible. He respetado sobre todo la estructura y las entradas de nuevos materiales.

¿Cómo está estructurada esta pieza?
Tiene dos partes, principalmente. Lo que he interpretado de las visuales de Alba es que la primera parte tiene una dinámica de líneas descendientes – no decadentes-, que dibujan giros pero que no se acaban concretando,  lo he plasmado con unos motivos musicales inocentes circulares que van descendiendo acompañante las líneas que bajan. La primera parte acaba con un punto emocional musical que corresponde con la entrada de color. La segunda parte, en cambio, la entiendo como ascendiente y constructiva, y los motivos musicales van en este sentido. Pero sobre todo lo que quería transmitir musicalmente es el hecho de que la figura que construye Alba sea tan imponente, tanto que parece un tótem, algo sagrado.

¿Cómo es trabajar con Alba? 
Fácil. Tiene un don. Cualquier cosa que hace destila magia y musicalidad. Es lo que tienen los artistas, que subliman aquello que tocan. Entonces poner música es, además de fácil, un placer.

¿Cuál es el show que habéis hecho juntos del que estás más orgulloso y por qué?
Hemos hecho unos cuantos, ya. Pero el primero fue muy especial y sorprendente, en el festival Eufònic Urbà de 2014. A pesar de ser el primero llegamos a un alto grado de compenetración: prácticamente estábamos explicando el mismo mensaje, los mismos matices emocionales, era un mismo lenguaje pero explicado por canales diferentes.

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Resumen de la mesa redonda sobre ‘Visualist’ en Valladolid: Seminci Transmedia 2019

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Después del estreno en Signal Festival de Praga, Visualist’ sigue de gira. Su estreno a nivel nacional fue en Seminci, la Semana Internacional de cine de Valladolid. La siguiente parada será el festival BIME PRO, que nos hizo un hueco en su programación de conferencias. Pedro Pantaléon dará una charla el miércoles 30 mientras muestra algunos fragmentos seleccionados del documental.

Volvamos a Seminci, llevamos ya tres años siendo mediapartner de una sección del festival que aborda temas relacionados con la visuales. Ya os contamos que incluyó en 2017 un ciclo de Live Cinema en su programación y generó también un espacio de debate para explorar el alcance de la práctica del Live Cinema, a demás de directos audiovisuales como el de Marta Verde & NegrøNegrø o Hector de la Puente. El año pasado ya empezó a hablarse de la «comunicación transmedia» y la «Realidad Virtual», con una mesa de debate en la que participó la visualista catalana Xarlene. También hubo directos audiovisuales como el de Los Voluble. Todo ello en el Teatro Zorrilla y  coordinado por bit:LAV.

Este año, apuestan por el formato fulldome y además de ser mediapartner, formamos parte de su programación, con la proyección de Visualist, Those who see beyond y una mesa redonda, en la que Oscar Testón y Pedro Pantaleón expresarían su visión sobre este nuevo arte que tantas etiquetas recibe: visuales, vjing, directos A/V, comunicación A/V, Live Cinema o el término más moderno «Creative coder», de esto y de muchos otros temas se habló en esta mesa redonda, que tuvo lugar de 18h a 21h, con la impulsora del Festival de Cine Ccvad, Virginia Diez, que moderó la mesa redonda sobre la creación transmedia.

Fue en la Sala Experimental del Teatro Zorrilla, con la presencia de uno de los directores del documental, Pedro Pantaleón; el productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.Com, Oscar Testón-Otu; la responsable del laboratorio AvLab, Manuel Prados de Medialab-Prado, Alberto de Espacio Tangente y Virginia Díez como moderadora. Entre el público, Manu Cid (co-director del documental), Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas) y Marta Verde (artista visual que aparece en ‘Visualist’).

En este caso entrevistamos a Pedro Pantaléon y Manu Cid, para que nos cuenten cómo fue la experiencia y qué temas se abordaron en la mesa redonda. Empezamos por Pedro.

¿Cómo fue la aventura de viajar a Valladolid a estrenar el documental en territorio nacional?
Oscar, Rubén, Manu y yo salimos juntos de Madrid y llegamos a Valladolid. Quedamos con Teresa de bit:LAV, que nos llevó al Teatro Zorrilla para hacer las pruebas técnicas. Después no dieron las acreditaciones y un libro con toda la programación. Nos hizo mucha ilusión aparecer en ese libro.

¿Cómo reaccionó el público a la proyección del documental?
La sala estaba llena, la gente se reía en los momentos en los que se tenían que reír. El público respondió muy bien, tuvo muy buena acogida. Virginia, la moderadora de la mesa redonda nos presentó y se inició el debate.  A mi derecha tenía Alberto que era es responsable del Espacio Tangente de Burgos, a mi izquierda tenía a Oscar, y junto a Oscar los responsables de MediaLab pro. Expliqué qué fue lo que nos motivó a hacer el documental y mi trayectoria como Videojockey.

¿Qué temas salieron? ¿Qué preguntaba el público?
Se habló del origen del Videojockey, cómo surge, cómo han llegado a exponer en museos, todo giraba entorno al hilo argumental del documental. Un señor nos hizo una pregunta muy buena. ¿Qué tipo de formación habían recibido los artistas que salían en el documental para poder llegar a hacer esas obras? Le parecía curioso que todos hicieran cosas tan diferentes. Las respuestas hacían referencia a la tecnología y al auto-aprendizaje de cada artista y eso explica por qué cada uno elige un camino distinto. Se habló de la comunicación transmedia, me hace gracia porque cuando yo estudié en la universidad ya se hablaba de esta palabra aunque aún no existía, 15 años después ya es una realidad.

Queríamos saber más, así que también entrevistamos a Manu Cid, el co-director de ‘Visualist’ que en esta ocasión participó desde el público.

¿Qué temas destacarías de los que se hablaron en la mesa redonda? 
Se habló de la necesidad de hacer este documental para dar a conocer esta escena que está tan en la sombra. Se estuvo hablando del tema de las etiquetas, que en realidad no tienen mucho sentido pero sirven para identificar lo que hacen cada uno de estos artistas. Y ahí saqué el tema  de cómo podíamos llamar a este «nuevo arte» de una forma más global, porque quizá si le ponemos una única etiqueta, si lo englobamos bajo un mismo concepto, quizá ese concepto, terminaría impulsando la escena de algún modo. ¿Cómo podríamos englobar todo esto para que llegara a más gente? Ahí cada uno daba su opinión. Salió muchas veces el nombre de “Creative Coder”, que sería lo más avanzado o lo más puntero ahora mismo. Otro tema interesante que salió fue la influencia de todo este desarrollo tecnológico en la sociedad. Tendemos a asociar la tecnología y la inteligencia artificial a cosas no necesariamente buenas. Se habló de la posibilidad de ser esclavos de esa misma tecnología.

¿Y el papel de la mujer en un sector mayoritariamente masculino?
Se habló del papel de la mujer, ahí Marta Verde dio su opinión, dijo que es un sector en el que hay más hombres que mujeres, aunque también se defendió la idea de que cada vez hay más mujeres y se mencionó a Xarlene y a Alba G. Corral.

¿Qué otro tema destacarías?
Otra cosa interesante que salió es que, a diferencia de otras disciplinas artísticas, los visualistas tienen backgrounds muy diversos. Arquitectos, matemáticos, ingenieros, y esto es algo que lo hace más interesante, rico, esto es algo que lo desconoce mucha gente.

¿Se habló de la evolución de la figura del Vj?
Realmente el videjockey lleva existiendo mucho tiempo, pero los shows actuales le dan más protagonismo. Aunque hay que tener claro que las visuales no son estrictamente necesarias, que dependen de la intención del directo y del espacio en el que se está trabajando.

Otro tema que surgió es “si siempre el Vj está detrás del músico, es el que sigue la música y pone las visuales” ¿Existe la posibilidad de que sea al revés? Teniendo en cuenta que el Vj es una figura que ha crecido y ha evolucionado subordinada a la figura del DJ y eso es lo que probablemente ha hecho que esté siempre en segundo plano. Se habló de la posibilidad de invertir esa idea. Oscar Testón comentó que lo había intentado, que había hecho una sesión en la que él ponía las visuales y el músico tenía que seguirlo a él, pero que había sido muy complicado.

¿Y la definición de VJ fue un tema del debate?
Hubo algunas intervenciones sobre qué es un Vj. Pedro dijo que para él un VJ es un visualista que trabaja con su propio material, graba y edita sus propias visuales para usarlas en sus sets o instalaciones, no para que «alguien» se le descargue de internet y lo use en beneficio propio. Yo se lo rebatí porque en realidad mientras tu tengas un discurso, tu puedes coger material ya creado, es algo que se ha hecho siempre, tanto en Live Cinema como en Vjing. Para Matt Black es el rey del Sample y sus obras siempre se han basado en usar muestras de creaciones de otros artistas tanto de vídeo como de audio, aunque luego haya desarrollado las suyas a partir de ellas.

¿Hacia dónde va todo esto? ¿Cuál es el futuro?
Una de las preguntas que se lanzaron fue «hacia dónde va todo esto», ¿cuáles son los límites?. Y ahí nadie tenía una respuesta clara, igual que el propio documental. Yo hice una intervención explicando que en los últimos festivales que he ido, como el LEV Matadero de la semana pasada, en el que hubo un espacio dedicado a la Realidad Virtual, en Seminci Transmedia que este año ha tenido mucho contenido relacionado con Realidad Virtual y en la última edición del Sónar Barcelona también hubo mucha presencia de VR e Inteligencia Artificial. ¿Quizá vamos hacia allí? Aunque al final, lo que yo pienso es que la realidad virtual es una de las muchas posibilidades a las que está abierto el mundo digital.

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El show audiovisual inmersivo de Desert & Desilence

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Desert y Desilence unieron fuerzas para crear un nuevo espectáculo audiovisual inmersivo en directo, un show absolutamente inspirador. Estrenado en el festival Sónar Barcelona 2019, la idea es que pueda ir mutando a medida que evolucione.

Tuvimos la suerte de vivir en primera persona este show, si leíste nuestra crónica del Sónar Festival Barcelona 2019 ya lo habrás visto. Incluso fue nuestra imagen de portada unos meses. Citamos textualmente «Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección». También te hablamos de Desilence y de su participación en el Eufònic Festival 2016.

Desert es el dúo compuesto por Eloi Caballé y Cristina Checa, una pareja de compositores / productores españoles que han ido captando lentamente la atención de toda España, Europa y Estados Unidos. Sus sonidos a menudo complejos pero hipnóticos son un ejemplo perfecto de sus universos creativos musicales únicos y prospectivos. Son versátiles y magnéticos, por lo que están abiertos a participar en diferentes campos, como los sectores audiovisual, de videojuegos o tecnológico.

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Crónica del estreno de ‘Visualist’ & nuestro Top 6 de obras del Signal Festival 2019

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El Festival de la luz de Praga, Signal Festival, llegó a su 7ª edición, más maduro, más contundente y con varias propuestas que nos llamaron la atención. El año pasado cubrimos el festival y realizamos una pequeña pieza de vídeo resumiendo nuestra experiencia. Esta vez era distinto, íbamos a presentar el documental «Visualist, Those Who See Beyond” en el cine Svetozor, un referente del cine de culto e independiente en Praga. Tuvimos la suerte de ver todas las instalaciones de esta edición (más abajo destacamos las que más nos gustaron) y descubrir Praga con otros ojos, en equipo. Un equipazo formado por los directores del documental (Pedro Pantaleón & Manu Cid), el productor Oscar Testón, Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas), Sergio Testón (responsable de la post-producción de sonido) y una servidora, Paula Taboada (Volàtil), liderando las redes sociales y gestionando la comunicación del docu.

El cine Svetozor resultó ser la localización ideal para este estreno mundial. Una sala acogedora de unas 50 butacas y con espectadores que venían, en su gran mayoría, del sector visual, «arte digital». El director del Festival, Martin Posta, integrante también de la selección de artistas que aparecen en el documental, hizo una presentación a la altura de nuestras expectativas y a la altura del film. Manu Cid explicaba que el documental pretendía ser una declaración de intenciones y Pedro Pantaléon presentó a cada uno de los del equipo, comentando qué función teníamos cada uno. Después de ver la pieza, la rueda de preguntas tocó temas como el criterio de selección de artistas entrevistados, qué artistas fue imposible entrevistar, aprendizajes que salieron de su realización o la relación entre sus directores. Conocimos a varios artistas como Gonzalo Soldi de HUB Studio y terminamos de cañas con él y Martin Posta.

Este año el «about» de la web del festival era claro y contundente con el tema que abordaba. Citamos una parte: «Revolución. Estamos en el umbral de la cuarta revolución industrial. Cada minuto, la inteligencia artificial, la nanotecnología, la biotecnología, la movilidad autónoma y la impresión 3D transforman el mundo que nos rodea. Sin embargo, la revolución también se percibe como un cambio en el sentido amplio de la palabra. Mejora, transformación, en términos generales o simplemente personales. Cambio de la sociedad o revolución de los descubrimientos y métodos científicos.

Desde sus inicios, el Signal Festival ha experimentado una revolución. Partiendo del espectáculo de videomapping y el diseño de luces, ha crecido hasta convertirse en un festival de arte digital respetado y un evento de arte / tecnología que actualmente pertenece a los más importantes de la República Checa.

Y sin más preámbulos, pasamos a destacar las 6 obras que más nos impactaron. No necesariamente en este orden.

El estudio Nohlab nos sorprendió con un vídeomapping lleno de texturas y absolutamente sincronizado, dando como resultado una pieza sólida e intensa que te atrapaba desde el minuto 1. La fachada de la iglesia de Saints Cyril and Methodius parecía tener vida propia.

Mapping 3D de la mano de Skilzstudio. Su pieza ‘Evolution’ cuenta la historia del deseo humano de un futuro mejor. El estudio cuenta con guionistas, directores de arte, ilustradores, diseñadores de movimiento y modeladores 3D, y generalmente muestra una fuerte estética del color, la accesibilidad de la audiencia y una historia sólida.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Los rusos Dreamlaser nos impactaron con una instalación no apta para epilépticos. Este estudio especializado en instalaciones audiovisuales de gran formato y espectáculos multimedia, ha recorrido todo el mundo realizando proyectos artísticos. Dentro del edificio Kooperativa Gallery, un recorrido circular se veía interrumpido por un juego de lásers que aparecían, desaparecían y se movían con cierta agresividad, poniendo a los espectadores en estado de alerta o peligro. La instalación se dividía en 4 partes, diferenciadas por el sonido, la música y un juego de espejos.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

La instalación Big Light nos explotó la cabeza a todos. A ver cómo explicamos esto. Los artistas Federico Díaz, Rafani, JM Ledgard, Dmitry Nikitin, Jan Hladil, Petr Pufler, Jonáš Rosůlek y Alan Tois fueron llamados para realizar una tarea difícil: ayudar a comprender y presentar un nuevo descubrimiento, un hallazgo inesperado de una serie de artefactos barrocos escondidos debajo del patio de Invalidovna del barrio Karlín y en el archivo militar local. Robots que descubren capas de tierra, humo de incienso, láser, ruidos y sonidos por el grupo de arte Rafani.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Adam Cigler & Petr Vacek (CZ) presentaron Reflection, una pieza que consiste en espejos móviles que reflejan y transforman el mundo. El espectador que se acerca al escenario iluminado se convierte en parte de la obra de arte. Estos dos jóvenes arquitectos exploran la interconexión sinérgica de las nuevas tecnologías y el proceso creativo del arte.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Memo Akten es un artista, científico y matemático apasionado de Estambul. Está interesado en la mezcla de naturaleza, ciencia, tecnología, ética, tradición y religión. Se inspira en la física, la biología molecular y evolutiva, la ecología, la neurociencia, la antropología, la sociología y la filosofía. Su pieza, localizada en el Museo de la Música de Praga, combinaba un juego de luces con unas proyecciones que interactuaban con ellos y con la música.

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Estreno en España del documental “Visualist” · Seminci Transmedia 22 de octubre

Par : volatil

El documental «Visualist» sigue de gira. Después de su premier en Signal Festival de Praga, llega a Valladolid para su estreno en España. Después de la proyección, tendrá lugar una mesa redonda con sus directores y otras figuras representativas de la cultura audiovisual nacional para debatir sobre algunos de los temas que aborda el film. ¿Qué es el arte AV o arte audiovisual? El documental lo presenta como un formato artístico sólido, diverso y profundo que surgió de la escena de club y logró atravesar las puertas cerradas de las mejores galerías del mundo. Un formato que pertenece al futuro.

Robert Henke

La Semana Internacional de cine de Valladolid Seminci, incluyó bajo la sección “Seminci TRANSMEDIA” en su 62ª edición un ciclo de Live Cinema en su programación de la mano de bit:LAV, el año pasado sumaron una de las caras más innovadoras del cine actual: la realidad virtual. Este año, para la 64 SEMINCI, bit:LAV se atreve también con un nuevo escenario y un nuevo formato: el Fulldome en el Planetario del Museo de la Ciencia.

El ciclo dará comienzo el día 22 de octubre de 2019 con el estreno en España del documental Visualist, Those who see beyond de Manuel Cid y Pedro Pantaleón, que estarán acompañados en una posterior mesa de debate moderada por Virgina Díez, impulsora y co-directora del Festival de Cine Creative Commons de Valladolid (ccVAD).

Herman Kolgen

En este debate también participará Óscar Testón – OTU, productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.com; Patricia Dominguez Larrondo, responsable del Laboratorio audiovisual AVLab de Medialab-Prado; Manuel Prados Sánchez, artista y productor cultural, coordinador del Laboratorio de Realidades Sintéticas y Agencia_RV en Medialab-Prado y AlHuerto, impulsor del festival de artes visuales y sonoras DUAL CLUB que tiene lugar en el Espacio Tangente, centro de creación contemporánea independiente de Burgos.

Te dejamos a continuación la programación por horas de las actividades de Seminci Transmedia 2019.

ESTRENO VISUALIST & MESA DE DEBATE
¿Dónde? Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
¿Cuándo? 22 Octubre 18h – 21h

-Proyección documental: Visualist, Those who see beyond, Pedro Pantaleón, España
-Mesa de debate: Creación transmedia: nuevas narrativas y lenguajes vinculados al arte audiovisual.

REALIDAD VIRTUAL
Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
23, 24 Octubre 11h-13h 17h-20h
25 Octubre 17h-20h
CROW The Legend VR (Inglés) EEUU 2018 18’
ZERO Days VR (Inglés) EEUU 2017 22’
Dinner Party VR (Inglés) EEUU/ Puerto Rico 2018 14’
Kinoscope VR (Inglés) Francia 2017 10’
La Fuga L. 360º VR (Español) México 2018 7’
Perdido en el Tiempo VR (Español) España 2018 16’
El Sueño de la Hija del Jaguar VR (Español) EEUU / México 2019 8’

FULLDOME
Planetario – Museo de la Ciencia, Av. de Salamanca, 59, Valladolid
24, 25 Octubre 18h

Sacred Geometry, Darklight Studio
IMMERSIVE, Jeremy Oury
end(O), Alba G Corral & Alex Augier
GENESIS, Gnomalab
SPHERE, Mickaël Le Goff & Robert Koch
Latent Space, Monocolor
Bio Inspire, VOID

De nuevo bit:LAV acerca a la ciudad de Valladolid las propuestas tecnológicas más novedosas y ofrece nuevas formas de entender la creación fílmica. Porque hoy, para el cine, no existen los límites de la pantalla.

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Estreno mundial de “Visualist, Those Who See Beyond” el 13 de octubre en Signal Festival Praga

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Estamos muy felices de comunicar que por fin el documental “Visualist, Those Who See Beyond” se estrenará el próximo domingo 13 de octubre en el Signal Festival de Praga. La nueva sección Signal Cinema pretende acercar a los espectadores películas de los artistas digitales o audiovisuales más importantes del mundo. Esta sección se inaugura con el estreno mundial de “Visualist”, siendo el pistoletazo de salida de la esperada fase de distribución.

Desde que terminamos el rodaje hace un año y nos metimos en la fase de edición (en este artículo os lo contábamos a través de una entrevista a sus directores), hemos necesitado otro año más para trabajar en distintas versiones de guiones y en pruebas de edición ya que contábamos con cerca de 24 horas de entrevistas que al final hemos resumido en 1 hora y 10 minutos. Ha sido un gran reto y un proceso complicado que nos ha obligado a dejar fuera de la pieza contenido de gran calidad que no se ajustaba a las necesidades del guión.

1024 Architecture

La luz ha sido una energía vivificante desde tiempos ancestrales. Inspira a artistas, transforma el carácter de objetos materiales o de los espacios donde se exponen. Visualist nos trae los retratos de artistas de todo el mundo, para quienes la luz es una especie de materia prima y el principio subyacente de la creación. De Madrid a Berlin, de New York a San Francisco. De los Conciertos de Chemical Brothers o Moderat a las videoinstalaciones de Richie Hawtin, pasando por los excéntricos proyectos de Gmunk, los videoclips de OK Go, las performances audiovisuales de Daito Manabe, proyectos audiovisuales experimentales y exposiciones en pequeñas galerías. Desde el underground y la escena alternativa hasta gigantescos eventos mainstream para cientos de miles de personas.

Richie Hawtin (Ali M Demirel)

Visualist es una historia sobre la historia del arte audiovisual. Y quizás sobre el futuro. Persigue a aquellos que no solemos ver, sencillamente porque están ocultos en la oscuridad de sus propias proyecciones. Pioneros digitales, artistas que trabajan perfectamente con tecnología AV y que constantemente anhelan probar nuevas herramientas y métodos.

Instalación Sikka Ingentium (Daniel Canogar)

A través de las declaraciones de los artistas que forman esta pieza (Daito Manabe, Herman Kolgen, Joanie Lemercier, 1024 Arquitectura, Myriam Bleau, Robert Henke, Pfadfinderei, Gmunk, Alba Corral, Alex Augier, Daniel Canogar, Adam Smith, Zach Lieberman, Merrill Aldighieri, Angel Molina, Itaru Yasuda, Matt Black, Light Surgeon, Martin Posta, Playmodes, Skullmapping, Mr. Beam, Ali M. Demirel, Hamill Industries, Marta Verde y Steve Giralt) entenderemos que la tecnología AV es una forma de expresión artística.

El valor artístico de la fotografía o el cine ha sido cuestionado en el pasado, aunque hoy en día sean consideradas innegables disciplinas artísiticas. Así es como el documental Visualist presenta el arte audiovisual. Como un formato artístico sólido, diverso y profundo que surgió de la escena de club y paulatinamente atravesó las puertas cerradas de las mejores galerías del mundo. Un formato que pertenece al futuro.

Soft Revolvers (Myriam Bleau)

Herman Kolgen

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Festival Visual Brasil llega a su 17 edición 27 y 28 de septiembre Barcelona

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El Festival Visual Brasil, que se celebra el jueves 26, viernes 27 y el sábado 28 de septiembre en el Punt Multimèdia del Parc de l’Espanya Industrial, contará con videoarte, mapping 3D, performances audiovisuales y talleres sobre la producción de vídeo en tiempo real, la cultura de la creación libre y los nuevos formatos colaborativos. La entrada es gratuita.

Participan más de 60 artistas, colectivos locales e internacionales y actividades repartidas en dos escenarios: el Escenario VB celebrará las noches dedicadas a la música tropical latinoamericana, todos los shows acompañados de los mejores artistas visuales, y el Espacio TKLAB que está dedicado a propuestas más experimentales.
Y el viernes 27 de septiembre a las 22.00h. se proyectarán mappings 3D en la fachada del Punt Multimèdia creados por varios artistas visuales.

OPENING
La noche del jueves 26 de septiembre celebrará la apertura del festival con un debate con los artistas Laura Ramirez (Optika), Gianluca Del Gobbo y el proyecto Métron

El artista Rumbo Tumba con ritmos andinos crea una atmósfera de luz y movimiento que invita a bailar. En la segunda presentación de la noche, el artista argentino Microfeel hará un show audiovisual en directo para presentar su nuevo trabajo, Fractal Synesthesia.

La noche del viernes 27 de septiembre Visual Brasil celebrará una gran fiesta con lo mejor de la música tropical.Estas sesiones irán acompañadas de los visuales de VJ Gago, VJ Ovideo , Vinicius Luz, integrante del premiado colectivo VJZARIA, Vini Fabretti, Carol Santana y MarQu Vr.

La noche del sábado 29 de septiembre los visuales correrán a cargo de los hermanos brasileños VJ Eletroiman y Homem Gaiola, Marina DND y Nai, el catalán Neokinok y Optika, también conocida como Laura Ramirez, VJ HADRON y el colectivo TKLAB.

TKLAB, EL SEGUNDO ESCENARIO
El segundo escenario de Visual Brasil está dedicado a propuestas más experimentales. El viernes 27 de septiembre se celebrará la Sesión Algorave -TOPLAP con música y visuales generados con código en directo. Poetry in the Darkness – KØMMEN es un Live AV onírico acerca de la identidad y la memoria. La última presentación irá a cargo de MoOoM & Dabba – VJ Waldemar.

El sábado 28 de septiembre actuarán la artista Periférica – Chochopower, con una presentación audiovisual contestadora y política sobre el feminismo contemporáneo. El artista independiente Elijah Okello nacido en Uganda y criado en DK, además de las presentaciones de Synchron, MoOoM & Pangea, GAYONCÉ ROSE, y [sudo]_unReal producida por Marina DND y Juan Andres Carcamo aka Vj Nais.

MAPPING 3D EN LA FACHADA DEL PUNT MULTIMÈDIA
Varios estudios creativos y artistas presentarán cada uno un mapping 3D, tendencia mundial de realización audiovisual, en la fachada del Punt Multimèdia. Los mappings únicamente se podrán ver el viernes a las 22.00hs. Los estudios que participan son: Darklight Studio, Vini Fabretti, Homem Gaiola, Marqu VR, Chema Siscar y VJ Lê Pantoja.

PERFORMANCES AUDIOVISUALES
La programación de la 17a edición de Visual Brasil también incluye performances e instalaciones:
LA MANTISHeidi Valda & Gemma Reverter crea una nueva herramienta para la animación de marionetas basada en programación de software libre.

MÉTRON es una instalación audiovisual que explora la percepción del espacio.

Homem Gaiola con la escultura lumínica Espiral de transmutación enfatiza la importancia de la naturaleza con las tradiciones ancestrales tales como el Chamanismo y el Candomblé.

Dopamina de la artista Babi Avelino es una instalación de video con imágenes suyas cotidianas.

Somos Naturaleza del VJ ELETROIMAN trabaja el concepto de sabiduría y espíritu de las plantas a través de un mapping realizado en una gran máscara.

Instalación láser interactiva de DIMA VJ desarrolla la sincronía audiovisual a partir de la proyección láser.

TALLERES Y OTRAS PROPUESTAS DE FORMACIÓN
LED LAB – Escenarios mutantes

TALLER de LED Mapping y Stage Design
Días: 26 y 27 de septiembre 2019
Horario: de 16 a 20 hrs
Lugar: Punt Multimedia, Casa del Mig, C/ Muntadas 1
Precio: 75€
Inscripciones:
https://www.telenoika.net/tallers-2019
Más información en www.telenoika.net/tallers o tallers@telenoika.net

INFORMACIÓN PRÁCTICA
17 Festival VISUAL BRASIL
Jueves 26, Viernes 27 y sábado 28 de septiembre Entrada libre
Horarios: Jueves de 20.00h. a 23.00h. Viernes de 18.00h. a 01.00h. Sábado de 18.00h. a 02.00h.
Lugar: Punt Multimèdia, Casa del Mig, Parc de l’Espanya Industrial C/ Muntadas, 1, Barcelona

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LEV Matadero Madrid del 17 al 20 de octubre 2019

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LE.V. Festival llega a su 13ª edición en Gijón del 2 y el 5 de mayo y, como novedad, estrena su programación en el centro madrileño de creación contemporánea, Matadero,  del 17 al 20 de octubre. L.E.V o el Laboratorio de Electrónica Visual tendrá lugar en ambas ciudades. Además, el line up del festival, se potenciará con propuestas concretas deslocalizadas denominados LEVents.

Os dejamos con el resumen visual de la edición anterior en Gijón.

Como viene siendo habitual, nos ofrecen shows audiovisuales singulares, directos, conciertos, instalaciones, workshops y residencias artísticas. En Matadero Madrid, el festival se centra en experiencias inmersivas, directamente relacionadas con la realidad virtual, instalaciones de sonido envolvente, en definitiva, las nuevas narrativas nacidas de la mezcla de todos estos lenguajes actuales.

L.E.V. Festival desarrollará su propio laboratorio de experimentación, innovación y descubrimiento en Matadero Madrid durante cuatro días. El público podrá acceder a un circuito de experiencias únicas, y acercarse así a la creación audiovisual más experimental.

Propuestas que no queremos perdernos en LEV Matadero 2019.

«EXALAND» es una performance audiovisual que utiliza los “controladores portátiles” de Remidi para interactuar con sonidos e imágenes a través de una proyección en vídeo audiorreactiva y un vídeo audiorreactivo de realidad virtual 360° en los dispositivos móviles del público

Spime.im es un colectivo artístico que emplea proyectos transmedia para investigar las estéticas y los idiomas derivados de la afirmación de la realidad digital.internacional.

El músico, productor y artista contemporáneo estadounidense James Ferraro estrenará en L.E.V. Matadero una composición de música generativa inspirada en Requiem for Recycled Earth, la primera parte de su gran obra épica Four Pieces of Mirai. Ferraro construye una alegoría filosófica sobre el declive de la civilización y muestra un presente distópico bajo el manto de una partitura poética y contemplativa.

Un sistema de música generativa interpretada en directo con acompañamiento de flauta y oboe y en formato audiovisual producto de la colaboración de Ferraro con el artista digital Maotik, que ha sido compuesta específicamente para ser sentida y escuchada por el sistema de sonido Soundscape que se instalará en la Nave 16.

Pedagogy es el nuevo proyecto de Nate Boyce y Eli Keszler. Nate Boyce es un músico y artista visual que lleva más de una década exponiendo sus vídeos, esculturas y performances por todo el mundo. Eli Keszler es un artista, compositor y percusionista de Nueva York. Su música, sus instalaciones y sus obras visuales se han expuesto en numerosos museos a nivel internacional. El dúo trabaja en las fronteras de la hard fusion, el metal, la electrónica y las percusiones industriales.

Nkisi es el seudónimo de Melika Ngombe Kolongo, que utiliza su actividad como productora, músico, DJ y comisaria para canalizar sus constantes investigaciones en el campo del sonido como herramienta de comunicación más allá de lo puramente lingüístico. Actualmente trabaja en Initiation, un proyecto que cuestiona de forma radical y visceral el formato de concierto audiovisual, en colaboración con el artista visual Charlie Hope.

Marta Verde es artista visual y programadora creativa. Su trabajo se construye a través del uso de software y/o hardware personalizado y específico para cada conjunto visual, lo que le permite manipular todo el contenido en tiempo real y explorar los límites del ruido visual, la repetición y el vínculo entre lo orgánico y lo electrónico. También le hará las visuales a Héctor Sandoval (50% de Exium), que tras veinte años y más de cien trabajos publicados a lo largo de su carrera, crea un nuevo proyecto llamado Tensal.

La nueva sección Vortex de L.E.V. Matadero está centrada en proyectos nacidos en la intersección entre cine, arte y tecnología, el videojuego y la creación electrónica.

Vortex prestará especial atención a propuestas de creadores canadienses a través de un Focus Quebec que integrará propuestas como Eternity Be Kind, una experiencia colectiva de la artista Myriam Bleau y el avatar digital LaTurbo Avedon que propone un futuro distinto de representación en lo musical y en lo personal navegando entre el hyperpop, el simbolismo mítico y los toques barrocos; Membrane, de Push 1 stop & Wiklow, una obra de creación generativa, a medio camino entre la performance y la instalación audiovisual, que, a modo de trampantojo, redefine la percepción del espacio y la luz; y la performance retrofuturista Imaginary Optics I & II de Maxim Corbeil-Perron que, a través anaglifos estereoscópicos (las gafas 3D de toda la vida), creará una poderosa experiencia envolvente.

LaTurbo Avedon es un avatar y una artista creada en el espacio virtual. Su trabajo gira en torno a la autoría y la identidad no físicas. Myriam Bleau es una compositora, artista digital e intérprete radicada en Montreal que crea sistemas audiovisuales que van más allá de la pantalla, como instalaciones sonoras e interfaces musicales para performances. LaTurbo Avedon interpreta la música de Myriam Bleau en una performance audiovisual multiplataforma.

No queremos perdernos ni un solo directo de los que ofrece VORTEX. Aquí algunos vídeos para que se os pongan los dientes largos. En otro artículo profundizaremos un poquito más sobre todos los directos de esta sección.

El acceso al subconsciente a través de los sentidos será el germen de Infiltrate Live av, el nuevo proyecto audiovisual de Shoeg.

 

 

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Taller de creación de experiencias interactivas con Isadora · Madrid 27 y 28 de septiembre

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Taller de creación audiovisual en tiempo real orientado a video instalación, arte sonoro, media art, live cinema, teatro, mapping, vjing, composición musical, cine expandido, danza, instalaciones interactivas o performances audiovisuales.

Taller de iniciación

Duración: 10 horas
Precio: 120 € – Incluye licencia de Isadora 3
Día 27 de Septiembre: de 17:00 a 20:00
Día 28 de Septiembre: de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00
Requisitos: Ordenador con Windows o MacOS
No se requieren conocimientos previos.
Lugar: Sala Mamerto
Calle Mamerto López 5, 28026 Madrid
Línea 3, Metro Almendrales a escasos 5 min caminando.

Más Información y reservas.

Organiza: Hybridart

Isadora es una plataforma de reproducción de medios interactivos que pone a nuestra disposición de increíbles recursos que se han ido adaptando a las tecnologías audiovisuales emergentes.

La posibilidad de trabajar con la plataforma sin tener conocimientos de programación informática y sin usar código, hacen de esta una potente herramienta apta para fines artísticos, educativos o cualquier otro medio que requiera del uso del audiovisual en tiempo real.

PARA ARTISTAS
Con este taller aprenderás a manejar audio y vídeo de forma interactiva y en tiempo real. Desde creación de instalaciones audiovisuales a procesos disruptivos de creación para ser aplicados a video creación, instalaciones interactivas, mapping, media art, vjing, o live cinema.

PARA MÚSICOS
En este taller encontrarás nuevas posibilidades para la creación musical o para integrar el vídeo en tu set consiguiendo una total sincronía con tus programas o sintetizadores hardware. Desde crear tu propio instrumento musical y visual, hasta crear interfaces para Ableton Live, u otros programas o dispositivos.

ARTES ESCÉNICAS
Isadora es una de las plataformas más usadas en las artes escénicas. Con este taller podrás conocer las técnicas básicas de danza interactiva, motion tracking, video mapping o escenografías reactivas.

PARA DISEÑADOR@S INTERACTIVOS
Aprenderás a crear espacios audiovisuales que reaccionan ante quien los observa. Idóneo para diseñar experiencias museísticas, eventos de marca o escaparatismo.

PARA EDUCADORES Y/O TERAPEUTAS
Si buscas nuevas herramientas de arte terapia o estimulación sensorial, este taller te abrirá todo un mundo de nuevas posibilidades.
Conocerás las posibilidades que isadora ofrece para crear experiencias audiovisuales educativas. Aplicaciones relacionadas con el arte, el teatro, la música, y los nuevos medios, así como programas educativos para comprender el dibujo, la física o las matemáticas.

PROGRAMA

Día 1
Viernes 27 de Septiembre
De 17:00 a 20:00

– Un breve repaso a los orígenes del media art.
– Presentación de la plataforma Isadora. Inicio rápido, configuración de software y de hardware.
– Trabajando con vídeo, imágenes y sonidos en Isadora.
– Creación de un autómata de vídeo y sonido
– Creación de un mezclador de vídeo y audio.

Día 2 – Mañana
Sábado 28 de Septiembre
De 10:00 a 14:00

– Instalación; tiempo, espacio y espectador.
– Procesando datos y medios dentro de la plataforma Isadora. User Actors para efectos y manejo de datos.
– Interactuando con el mundo físico: motion tracking e interacción con Isadora.
– Creación de una patch que reacciona al movimiento
– Creación de patch que reacciona al sonido

Día 2 – Tarde
Sábado 28 de Septiembre
De 17:00 a 20:00

– Instalación interactiva. El espectador como interactor.
– Conectar Isadora con programas de audio y controladores físicos.
– Izzymap: técnicas de mapping con Isadora.
– Creación de proyecto final
– Consejos y técnicas para la planificación de una obra interactiva: conceptualización, diseño, desarrollo y exhibición.

El curso Incluye licencia temporal de Isadora 3, recursos de software y material electrónico para usar en durante las sesiones.
Incluye el uso de hardware y dispositivos de captura de imagen.

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Eufònic Festival 2019 · Destacamos su parte más visual

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Eufònic es un festival alrededor de las artes sonoras, visuales y digitales, de cuatro días de duración (del 5 al 8 de septiembre) y que se celebra en Sant Carles de la Ràpita y, de mediados de agosto a mediados de septiembre, se expande con instalaciones artísticas a varios espacios de Terres de l’Ebre: Amposta, Miravet, Roquetes, Tortosa y Ulldecona. Eufònic son artes excepcionales en su más amplia acepción: actuaciones audiovisuales, talleres, instalaciones en espacios museísticos, acciones sonoras, actividades para el público familiar y conciertos en espacios singulares. En Eufònic hay espacio para todo tipo de propuestas, siempre con la experimentación y la búsqueda constante como objetivo, lejos de fórmulas preestablecidas.

La jornada Eufònic Pro se celebrará el viernes 6 septiembre de 11:00 a 17:30 en el nuevo y remodelado Maset Espai Jove de Sant Carles de la Ràpita y se configura como un programa transversal de actividades teóricas y prácticas. Tomando el relevo a la jornada #supportvisualists, celebrada los últimos tres años.

Las actividades contarán con ponentes como Natalia Fusch (programadora del festival Gamma de San Petersburgo), las creadoras Elena Juárez y Sofía Crespo, el coreógrafo Roberto Oliván (Deltebre Dansa), Pete Thornton (programador del festival Splice de Londres), Néstor Torrens (director del festival Keroxen de Canarias), Pat Quinteiro (prensa y comunicación de festivales como Jazz Formentera o Mutek Barcelona), Luis “Kitas” Banrezes (del festival Tremor de Las Açores), Olivier Rappoport (Mixtur) y Albert Pujol (Fira Litterarum), entre otros.

Con inscripción gratuita, Eufònic Pro es un punto de encuentro para los profesionales de la creación y la gestión cultural multidisciplinaria, en una ventana abierta y bidireccional al mundo de la creatividad entendida en todas sus vertientes que incluye la música, las artes visuales y digitales y las artes escénicas y en movimiento, siempre con el objetivo de fortalecer el conocimiento y contribuir a su transformación.

DESTACAMOS LA PARTE MÁS VISUAL DEL LINE UP DE ESTA EDICIÓN

Artista visual y creativa new-media establecida en Madrid, Elena Juárez trabaja con gráficos interactivos, generativos e instalaciones multimedia, y ha participado en charlas y talleres en espacios capitales como Medialab Prado o Matadero. Pero es su práctica principal, con una especial motivación para “iluminar espacios oscuros” y una vinculación tan grande con la música electrónica, que nos hace proponerle acompañar los dos DJ sets de cierre de las noches Eufònic, con C.E.E. Shephers y Ylia. Geometría y narrativas abstractas parametreadas en vivo y en directo.

El Auditori Sixto Mir de Sant Carles de la Ràpita acogerá dos espectáculos audiovisuales por parte de artistas internacionales, trabajos que solo se pueden ver en espacios escénicos como teatros o auditorios, con escenario y caja negra. Los dos espectáculos que conforman la programación del Auditori son «Membrane» de los quebequeses Push 1 Stop & Wiklow y «_nybble_» del francés Alex Augier.

Entre el diseño 3D motion y el arte generativo, el trabajo de la quebequesa Push 1 Stop se forma a través de la acumulación de ambientes narrativos elegantemente precisos y complejos, que le ha llevado a ser considerada una de las mejores artistas visuales del momento. Junto al también canadiense Wiklow han creado “Membrane”, un pieza generativa de proyecciones volumétricas, humo ascendente y algoritmos reactivos, invitándonos a entrar en un espacio creado entre la percepción y la ilusión. Juntos inaugurarán el Auditori Sixto Mir, el nuevo espacio del festival dedicado a los espectáculos audiovisuales y digital-performativos.

Alex Augier es un artista francés, que ha presentado sus trabajos en festivales como Scopitone o Nemo (Francia), Elektra (Canadá) o Media Ambition Tokyo (Japón), y creador con Alba G. Corral de los espectáculos “end(O)” (Today’s Art 2018) y “ex(O)” (LEV 2019, Sónar 2019), viaja a Eufònic con «_nybble_», una pieza audiovisual en la cual combina música y luz en un minimalismo digital a través de cuatro pantallas transparentes que acogen -físicamente- al artista en su interior, donde aquello que ves y aquello qué oyes forma un todo electrónico, orgánico, en una entidad sinestésica onírica y poética. Uno de los más sugerentes creativos visuales y sonoros del momento.

Como ya es tradición, el fin de semana anterior a los días centrales de Eufònic se presentan las instalaciones artísticas en otras poblaciones, espacios museísticos o temporalmente habilitados que acogen trabajos de artistas internacionales y actuaciones especiales. Roc Jiménez de Cisneros, maestro de la computer music, presenta “sense títol” en el Museu de Tortosa, una instalación de láseres que remite a la cultura rave. Presentará su instalación de láseres “sin título” (¿o pensabais que ya se había estandarizado?), donde promete una experiencia intensa y, al mismo tiempo, extremadamente sutil nacida de la pieza que presentó el año pasado en Arts Santa Mònica. Del club al museo, la computer music siempre ha tenido un nombre, pero a este artista barcelonés se le quedan cortas las etiquetas.

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La nueva instalación de luz cinética del colectivo VOLNA se llama «Duel»

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Transformar espacios usando la luz es lo que mejor sabe hacer el colectivo VOLNA. Un grupo de artistas de San Petesburgo basado en la comunicación y la arquitectura y que provienen de distintos campos como la música, el arte y la cultura.

Ya te hablamos de sus instalaciones:
“The Open Plain”
“Schwarzwald”
«Coulisse»

Esta vez presentan una instalación de luz cinética llamada «Duel», que se inspira en la idea de que el conflicto puede actuar como una fuerza impulsora. El concepto de dualidad encuentra expresión en el esquema de color acromático de la instalación, así como en su construcción y forma. Los elementos principales de la instalación son 16 discos, todos casi planos y cada uno con dos lados opuestos: uno oscuro y uno claro. Los opuestos se encuentran en un estado constante de «duelo» entre sí, y todos sus intentos de alcanzar el uno al otro resultan en una rotación tridimensional continua. Uno reconoce en este movimiento los giros y vueltas característicos de una moneda que ha sido lanzada al aire. La suerte ha sido lanzada, pero el resultado aún no se ha decidido. El movimiento de los discos a través del aire crea escenas coreografiadas con luces y sombras que se mueven a través del espacio, el subproducto de una confrontación entre dos principios opuestos pero interconectados.

La instalación se presentó por primera vez del 27 al 28 de julio de 2019 en el Present Perfect Festival en San Petersburgo en un espacio separado en la antigua fábrica. 16 elementos de luz motorizados se fijaron a una estructura de 30 metros de largo ensamblada en forma de parábola y luego se movieron en un movimiento sincronizado suave mediante un software creado a medida.

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