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Vuelve LLUM BCN del 4 al 6 de febrero, repasamos su última edición

Par : volatil

La última edición de Llum BCN tuvo lugar del 5 al 7 de noviembre, con una selección de piezas inmersivas e instalaciones a las que queremos dar visibilidad en este artículo, tal como hicimos con los festivales de Madrid e Ibiza. La próxima edición será del 4 al 6 de febrero, una vez más, en el barrio de Poblenou de Barcelona. El festival se ha consolidado como uno de los eventos más aclamadas del calendario cultural de la ciudad.

Hacemos un repaso por algunas de las instalación de su última edición.

Onionlab
Universidad Pompeu Fabra, Campus del Poblenou (Roc Boronat, 138)

«Agorythm» es una instalación inmersiva de luz y música.es la combinación de los siguientes conceptos: ágora, como lugar de encuentro; algoritmo o conjunto de órdenes paramétricas, y rhythm, movimientos sonoros marcados por patrones en el tiempo con cierta periodicidad. Los datos utilizados en esta instalación interactiva se han extraído del Open Data BCN, The World Air Quality Project: Open Data y de las empresas colaboradoras Meersens y Electricity Map para explicar el estado de la calidad del aire, el consumo eléctrico, la contaminación acústica y la movilidad con Bicing en la ciudad. La visualización de los datos mediante animaciones lumínicas permite observar el comportamiento de Barcelona.

Fotógrafo: Manu Mitru (El Periódico)

Lolo & Sosaku  · 27.500 parpadeos
Patio del Museo Can Framis (calle de Sancho de Ávila, 154)

«27.500 parpadeos» es una instalación artística caracterizada por la formación de refracciones y reflejos en esculturas cinéticas de aluminio a partir de los rayos luminosos. Estas esculturas tienen la capacidad de reflejar la luz de vuelta hacia la fuente, con independencia del ángulo de incidencia, ya que este está en constante cambio refractante, refleja la fuente de luz y convierte el objeto receptor también en emisor lumínico. La integran nueve fuentes de luz, cincuenta esculturas cinéticas y una gran escultura circular, todas ellas unificadas y sincronizadas con un programa digital sonoro. El dúo artístico argentino-japonés Lolo & Sosaku trabaja desde el año 2004. Su obra se mueve entre varios lenguajes como la escultura, la instalación, el arte cinético, la pintura o la música, y se ha exhibido en diferentes puntos del Estado español, China, Rumanía y Brasil.

Nonotak · COORDINATES V.1
Casino L’Aliança Pobelnou (Rambla del Poblenou, 42)

La ilustradora francesa Noemi Schipfer y el arquitecto y músico japonés Takami Nakamoto forman Nonotak Studio. El objetivo de su instalación COORDINATES V1 es utilizar las líneas horizontales y verticales para crear referencias de perspectiva que se desplazan juntas y, en relación con el paisaje sonoro. La instalación funciona sin inicio ni fin, mediante algoritmos de funcionamiento autónomo y variable, y permite al visitante experimentarla a su ritmo.

Pablo Valbuena
Playa de la Mar Bella (avenida del Litoral, 86-96)

Array (wave)
Las series «Array (wave)», del madrileño establecido en Francia Pablo Valbuena, son un encargo original de La Prairie para la muestra Art Basel, de Miami. Una instalación formada por un conjunto de puntos de luz aislados que, cuando se ponen en marcha y se observan en conjunto, generan un volumen percibido en el espacio. Valbuena usa la luz para evocar una ola oceánica impulsada por el viento y consigue representar el volumen de una ola virtual, mediante una función matemática y los elementos reales ya presentes en el lugar: el mar, la arena y el viento. La obra está formada por 25 pilares de leds, situados en una gran formación cuadriculada, y la experimentación cambia en función de la posición del observador. Desde la distancia se percibe como un gran objeto escultórico, mientras que, cuando se atraviesa, se convierte en un entorno inmersivo. Sin reserva previa.

Fotógrafa: Elisenda Pons (El Periódico)

Quiet Ensemble
MUHBA Oliva Artés (calle de Espronceda, 142-146)

Unshaped
Este dúo italiano, formado en el año 2009 en Roma, lo integran los artistas multimedia Bernardo Vercelli y Fabio di Salvo. Unshaped propone al espectador dejarse impresionar por una instalación lumínica y orgánica de gran formato, donde una tela de dimensiones gigantes, en forma de ola y suspendida en el aire, reacciona y cambia de forma, impulsada por la fuerza del viento y la gravedad. La dramaturgia de la luz, que ofrece una amplia gama de emociones y paisajes en constante cambio, se muestra al público del festival como un espejo de agua armonioso y una tormenta furiosa.

Fotografía: Diari Ara

Tigrelab Art
Nau Revolution (c. Perú, 184)

Color Conversations. La luz tiene una materialidad propia y es un elemento de apertura y cierre que da forma a los espacios. Pero ¿cómo podemos ver a través de ella? «Color Conversations» es una instalación que rompe el concepto de interior y exterior, abriendo un modo de explorar la esencia de la luz. Y lo hace mediante una serie de obras basadas en la interacción entre luz, sonido, color y espacio e incluyendo una banda sonora del mismo colectivo artístico, tratando siempre de extender las experiencias visuales a las físicas.

Tigrelab Art es un nuevo estudio de arte multimedia con sede en Barcelona, centrado en la investigación y la exploración constante de actuaciones y experiencias plenamente sensoriales, dirigido por el francés Mathieu Felix y los colombianos Javier Pinto y Federico González.

Fotógrafa: Elisenda Pons (El Periódico)

Playmodes Studio
Recinto Autocares Calella (calle de Pere IV, 404)

Horizon. El horizonte es una línea imaginaria que separa el cielo y la tierra cuando los miramos desde lejos. Pero, más allá de su definición espacial, el horizonte también se entiende como el conjunto de posibilidades o perspectivas que ofrece algo. «Horizon», obra del estudio barcelonés de investigación audiovisual Playmodes Studio, es una instalación inmersiva que juega con los límites de la percepción espacial y plantea una ventana mágica que extiende la realidad aparente. Luz, sonido, espacio y perspectiva confluyen en este punto de fuga imaginario y proponen un viaje más allá de los límites de la realidad física.

Xavi Bové Studio
Utopia 126 (calle de Cristóbal de Moura, 126)

Lunar oscillations es una pieza contemplativa sobre la percepción de un entorno variable, un universo de estrellas y lunas dinámicas. Esta intervención site-specific lumínica y sonora parte de la influencia que ejerce la luna sobre los mares, los océanos y los seres vivos. Explora las sensaciones que el individuo experimenta mediante la transformación del espacio con un juego de luces y sombras en movimiento. Y lo hace convirtiendo la Sala Escales de Utopia 126 en un firmamento hipnótico, invitando a sumergirse en un espacio vivo. Se rodea al visitante de estrellas en movimiento, puntos blancos con sus haces de luz trazados en el espacio, donde varias lunas se encienden mientras se mueven desde el techo hasta el suelo. La pieza se complementa con un hilo sonoro celestial, relajante, donde cada luna emite un sonido específico y dibuja en la sala un paisaje sonoro y visual cósmico. La instalación funciona sin inicio ni fin, mediante algoritmos de funcionamiento autónomo y variable, y permite al visitante experimentarla a su ritmo. Con la misma reserva ‘In our Mind’s Eye’ de Ben Kreukniet.

Fotógrafa: Elisenda Pons (El Periódico)

Hamill Industries
Filmoteca

«Segundo de Chomón: El cinema de la fantasia», reinterpretado por Hamill Industries
La fachada de la sede del Raval de la Filmoteca se transformará con la intervención de este reconocido estudio de artes visuales, con un mapeo inspirado en el universo Chomón. 19.00 a 22.30 h A partir de la investigación artística y tecnológica, Hamill Industries construye sus propios artefactos e inventos para combinar efectos digitales y analógicos de maneras completamente inesperadas. En esta pieza, hacen una inmersión en las herramientas utilizadas por Chomón y sus innovaciones cinematográficas en cuanto a color, efectos especiales y animación y las releen con su estilo personal, poniendo de manifiesto el efecto y el truco, la estética y la técnica.

Elisava-Escuela Universitaria de Diseño e Ingeniería de Barcelona
Parque del Centre del Poblenou (pista de baloncesto)

24 Seconds. La humanidad se enfrenta a cambios radicales que replantean su relación con la comunidad y el espacio público. Y el juego, progresivamente, se ha vuelto del todo virtual y ha migrado a un lugar digital invisible. Desde marzo del 2020, se ha agudizado todavía más la transición del juego físico al virtual. Esta instalación, por ejemplo, se ubica en una pista de baloncesto que un día fue un espacio de comunidad y risas. Ahora, pocas veces utilizado en todo su potencial, es otro espacio vacío de la ciudad. En baloncesto, 24 segundos es el tiempo máximo que un equipo tiene para tirar a canasta. 24 Seconds es un juego de baloncesto sin jugadores, donde las pelotas se mueven sin ser tocadas gracias a la luz, una propuesta que invita a reunirse, asistir a un partido único y recordar instantes y sensaciones de juego en libertad.

Alumnos/as: Agustina Angelini, Momen Bakry, Dasstan Bissen, Valeriya Butorina, Marina Cabanes, Roger Cos, Irene Domínguez, Raül Gaya, Gina Gudayol, Malak Ghemraoui, John Gillen, Liana Kalaitzoglou, Gal·la Knoph, Julia Llorens, Patrícia Moreno, Elsa Romero, Eva Pobeda, Chloé Rood, Guillem Sánchez, Eloi Sánchez, Perla Sant, Albert Sevillano, Judit Tremosa, Giulia Tufariello, Irini Vazanellis, Jaume Vicens, Aleksandra Zaitceva, Alícia Zhu. Tutores/as: Maria de la Cámara, Toni Montes, Roger Páez, Gabi Paré. Este circuito incluye las instalaciones realizadas por las siguientes escuelas: BAU, Facultat de Belles Arts Universitat de Barcelona Grup de recerca BRAC, Escola Massana, UPC School of Professional and Executive Development, Elisava Escola Universitària de Disseny i Enginyeria de Barcelona, ESDAP Catalunya Campus Deià, EINA, Escola Tècnica Superior d’Arquitectura de Barcelona, IAAC Institut for Advanced Architecture of Catalonia.

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El show audiovisual inmersivo de Desert & Desilence

Par : volatil

Desert y Desilence unieron fuerzas para crear un nuevo espectáculo audiovisual inmersivo en directo, un show absolutamente inspirador. Estrenado en el festival Sónar Barcelona 2019, la idea es que pueda ir mutando a medida que evolucione.

Tuvimos la suerte de vivir en primera persona este show, si leíste nuestra crónica del Sónar Festival Barcelona 2019 ya lo habrás visto. Incluso fue nuestra imagen de portada unos meses. Citamos textualmente «Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección». También te hablamos de Desilence y de su participación en el Eufònic Festival 2016.

Desert es el dúo compuesto por Eloi Caballé y Cristina Checa, una pareja de compositores / productores españoles que han ido captando lentamente la atención de toda España, Europa y Estados Unidos. Sus sonidos a menudo complejos pero hipnóticos son un ejemplo perfecto de sus universos creativos musicales únicos y prospectivos. Son versátiles y magnéticos, por lo que están abiertos a participar en diferentes campos, como los sectores audiovisual, de videojuegos o tecnológico.

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Sensorium Festival del 7 al 9 junio en Bratislava

Par : volatil

Marta Verde nos regala esta crónica de Sensorium Festival 2019. Toda tuya si sigues leyendo.

Sensorium es festival de tamaño pequeño-mediano, muy completo (workshops, panels, charlas, performances…) en una ciudad europea seguro desconocida para muchos; que nos recuerda a los inicios del antiguo Resonate; tanto por el contenido como por el tipo de venues elegidos para las diferentes actividades. Totalmente recomendable. Se agradecen iniciativas como esta, hechas por un equipo humano con ganas de hacer las cosas bien.

Se usó la temática “La mente aumentada” como una lente para poder explorar el modo en la que los artistas, diseñadores y tecnólogos trabajan con el concepto de “aumento” como principio creativo.

Las actividades fueron muchas, pero estos son mis highlights:

Instalaciones

Había dos tipologías de instalaciones, las reunidas en el venue principal, el Pistori Palace (donde también se daban las charlas, networking y otras actividades), e instalaciones en otros lugares de la ciudad; outdoors y galerías de arte (para los cuales no hacía falta entrada, eran abiertas al público)

Un bonito detalle la botella de agua de cristal con la programación del festival que entregaban con la pulsera. Con el calor que hizo en esas fechas se agradecía.

Otro detalle muy interesante, es que se hizo un tour gratuito previa inscripción el último día del festival, con visitas guiadas a las instalaciones, con explicaciones de los artistas/comisarios. Un gran modo de hacer más comunidad y también para el propio público tener una visión más completa de las piezas. También se hizo un “urban sound walk” promocionado por un artista sonoro, en el que los asistentes experimentaban diferentes sensaciones y un punto de “vista” diferente de la ciudad, mediante el recorrido de ésta con un dispositivo especial creado por el artista.

Pistori Palace: Sorprendente la mezcla de diferentes tipos de proyectos (bastante VR pero también proyectos que interseccionaban diferentes disciplinas, con una gran importancia por resaltar la parte física: la fabricación digital estaba muy presente), además de la presencia de algunas piezas de estudiantes de ECAL; con un nivel muy alto.

Dyne Modular System
Luca Kasper

El acabado de este kit de sintetizadores modulares con interfaces táctiles desarrollado por este estudiantede Écal era muy interesante; además del uso de superficies táctiles o gestos en vez de potenciómetros y sliders.

ORB /play
Roman Mackovič

Esta instalación estaba situada antes de la zona de las charlas. Se trataba de un objeto interactivo esférico colocado encima de una estructura con rodamientos que permitía que rotase libremente sobre la base. Los gráficos se comportaban como un puzzle con físicas que se readaptaba a la posición de la esfera; generando sonido también a través de la colisión de estas piezas. Muy interesante.

Light Them All
Corentin Vignet

Otro proyecto interactivo jugable (el objetivo era encender las lámparas utilizando el teléfono móvil como controlador, pudiéndose jugar en grupo) muy bien ejecutado, proveniente de la escuela Écal

πTon
Cod.Act

Impresionante. Se trataba de una instalación performática, por lo que no estaba permanentemente en funcionamiento; sino que los pases se repetían a lo largo del día.

Se trataba de un extraño cuerpo elástico compuesto por módulos similares a llantas, que reaccionaban al sonido resultando una mezcla entre las distorsiones de una estructura elástica y síntesis en tiempo real de la voz humana.

The Inflovable Machine

Monica Rikić

Se trata de un instrumento musical colaborativo creado a partir de unos grandes inflables con forma tubular que se hinchan y deshinchan mediante la interacción del público y van generando de esta forma diferentes sonidos, como si de un órgano de aire se tratara. El público interactúa con la pieza mediante unos tubos dispuestos en una caja de control, por los que puede soplar, activando unos ventiladores que van hinchando y deshinchando los globos, creando distintos sonidos y composiciones musicales colectivas.

Conceptualmente, y en la línea temática de la ‘mente aumentada’ de Sensorium y ‘La ciencia del amor’ de Silbersalz, la pieza dispone de 3 botones en la parte frontal que modifican el tipo de output del instrumento. Cada uno de ellos se vincula a uno de los tres estados del amor, basado en la investigación de Helen Fisher (speaker invitada al festival Alemán): impulso sexual, amor romántico y apego.

Satelit gallery

Matthew Plummer Fernandez – Augmented Authorship

La obra de Fernández reflexiona sobre los conceptos de autoría y los procesos automatizados. Sus últimas piezas hablan sobre el concepto de aumentado como principio del diseño, y explora cómo los procesos computacionales facilitan nuevas formas de autoría y de creación.
Ejemplos: una escultura que fusiona todos los modelos 3d disponibles online de Mickey Mouse en una.
O un bot que rastrea uno de los repositorios más importantes de impresión 3d ; se descarga modelos random de diferentes usuarios, generando nuevos modelos a partir de ellos; incluso utilizando los títulos originales para generar los nuevos.

Performances
A4, KARPATSKÁ 2, BRATISLAVA

Jonathan Reus – iMac Music

Puro glitch.
El instrumento base de la performance, tanto para generar audio como para vídeo, era un Imac G3 circuitbendeado. Los propios sonidos del sistema modulados y los gráficos eran la base de la performance, dirigida en 3 actos. Cada acto realmente terminaba cuando el ordenador no aguantaba más y se reiniciaba de modo forzado.

Charlas, panels & industry

El nivel de las charlas (parte que considero muy importante en un festival de estas características) era muy alto, incluyendo tanto artistas consagrados (Elliot Woods de Kimchi & Chips, Claire Tymon de FutureEveryhing… ) como nuevos talentos o perfiles no tan conocidos a nivel internacional.
El acogedor tamaño del festival hacía muy accesible la posibilidad de hacer preguntas, o incluso de en momentos de networking o impass, poder charlar tranquilamente con los artistas.
Se trataron temáticas como el futuro del VR en las artes, como la tecnología “aumenta” la creatividad, la arquitectura digital en la educación….
Además, se hicieron otro tipo de “panels” abiertos al público en la ciudad, para los cuales no hacía falta entrada (un buen ejercicio para acercar el festival a la ciudad

Otro punto interesante del festival fue que se llevó a cabo un “industry meetup”, donde personas provenientes de la industria y otros festivales europeos relacionados con los medios digitales, compartieron ideas y experiencias para mejorar la interrelación y favorecer el intercambio entre ellos.

Cris Valenzuela impartió un workshop iniciático de un día completo enfocado en el uso de Runway, herramienta de Machine Learning para aplicaciones creativas. No pudimos asistir, pero la gente que salía del taller, tenía cara de haber recibido mucha información en poco tiempo, lo que es bueno 🙂
También había hueco para los más pequeños, con un taller dirigido a ellos.

Autora del artículo: Marta Verde

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Hamill Industries & Shelly: Audible Spectrums · Sónar 2019

Par : volatil

Este año el Sónar cambia de fechas.  18, 19 y 20 de julio serán las fechas del Sónar 2019. Nosotros, como es habitual, vamos a ir seguro. Como siempre, la programación está llena de joyas imperdibles pero este post se lo queremos dedicar a Hamill Industries & Shelly y a su proyecto Audible Spectrums. ¿Cuándo? Tomad nota, el sábado 20 de 14:00h – 14:40h en Sónar de Día – SonarComplex.

Fue en el Mira Festival 2016, que tuvimos la suerte de asistir a la conferencia de Hamill Industries, un estudio de Barcelona, formado por Pablo Barquín y Anna Díaz, y entendimos el trabajo que hay detrás de un videoclip como el de Floating Points y de la instalación que han montado en todos los conciertos de la gira del grupo. Ellos aseguran que no les gusta hacer las cosas fáciles y que prefieren complicarse. Es complejo definirles, a ellos también les cuesta, son ingenieros, artesanos, diseñadores, vj’s, inventores pero ellos se sienten más cómodos con la palabra “makers”. Trabajan tanto con las manos como con la pantalla del ordenador.

Audible Spectrums es el nuevo show audiovisual realizado por Hamill Industries. Una vez más, dan un paso hacia el pasado basándose en la visualización analógica del sonido gracias a una mezcla de tecnologías de los años 80 y modernas. Un show que combina a la perfección luces, láser y visuales que reaccionan a frecuencias de sonido, estructurado en loops de audio y teniendo en cuenta su modulación, de forma que las propias olas de sonido se convierten en visuales y viceversa. Escuchar lo que ves.

El show servirá también para mostrar cómo funciona el sistema creado por Hamill para la gira que acompañó a Floating Points durante el 2018. En este caso el dúo de creadores barceloneses estarán acompañados por uno de los productores emergentes más interesantes de la escena local, Shelly, participante nacional en la última edición de la Red Bull Music Academy en Berlín.

Hamill Industries es un estudio creativo formado por los realizadores, inventores y artistas visuales Pablo Barquín y Anna Diaz. Su práctica se centra en combinar técnicas digitales, robótica y visuales para explorar conceptos de la naturaleza, el cosmos y la física. Desde 2016 han acompañado de gira al productor, compositor y DJ Floating Points, y son los responsables de la parte visual de su álbum «Reflections – Mojave Desert».

Por su parte, Shelly – anteriormente conocido como DJ iTunes10.2 – es uno de los residentes de la emisora dublab.es y también mitad del dúo de new-trance/rave TOP74, además de formar parte de la familia alrededor del club alternativo El Pumarejo de Barcelona. Hammill y Shelly han trabajado ya anteriormente juntos en dos instalaciones: “Fundamental Noise”, en colaboración con Mans O, y la recién estrenada “Chrysalis”.

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Visionarium Art Festival. 17 al 19 de Mayo en Vilafranca del Penedés

Este fin de semana el equipo de Vjspain se desplaza a Vilafranca del Penedés para asistir al Visionarium Art Festival. Un festival del que seguramente no hayáis oído hablar todavía, es el primer festival de este tipo en el mundo.

El Visionarium Art Festival es un evento dedicado al arte visionario, pensado para juntar artistas, decoradores y creadores visuales y poder crear, enseñar, exponer y aprender juntos durante tres días, y acercar este mundo al público en general. Se celebra del 17 al 19 de mayo, aunque hay también pases especiales de un solo día para los residentes en la provincia de Barcelona.

Se podrán en común diferentes expresiones de arte visionario: pinturas en lienzo, esculturas, instalaciones, video, proyecciones en 360º, sonido, hologramas o realidad virtual.

Algunos de los artistas que veremos:

Android Jones, uno de los artistas más aclamados de este género, presenta Samskara, una proyección inmersiva sobre un domo.

Ihtianderson, promotores del festival, artistas que llevan desde 2007 decorando los mayores festivales psicodélicos del mundo, innovando en cada instalación con nuevas técnicas jugando con transparencias y profundidades. Montarán la decoración del festival y expondrán sus lienzos.

Centaurus, uno de los mayores artistas actuales de string art.

Pascal Ferry, pintor Francés que ha expuesto sus obras por todo el mundo, con grandes influencias del arte místico y simbólico.

Julius Hursthuis, explorando el mundo de los fractales a través de animaciones y realidad virtual.

Luminokaya, que ha evolucionado a lo largo de 20 años a través de diferentes técnicas, como cine 4D, realidad virtual o escultura digital en vivo.

O Natural Warp, que lleva años explorando el arte digital psicodélico, últimamente también a través de video en 360º y realidad virtual.

Por nombrar algunos, pero aquí podéis ver muchos más.

Además, lo más interesante de este festival es la posibilidad de participar en diferentes talleres para compartir y aprender técnicas con los diferentes artistas, así como charlas, live painting y body art.

Todo esto acompañado de música étnica, instrumental, ambient, psychill y downtempo, con conciertos y actuaciones en vivo. En un entorno natural en la zona del Penedés.

Aquí podéis ver el video de presentación del festival:

Queremos visitar y vivir este festival como una nueva aventura dentro de la serie de festivales que nos rodean en el día a día. Un festival diferente a los que solemos ir y pionero en España, con un encanto especial por la localización y la temática tan basada en lo visual.

Agradecemos a la organización la invitación de conocer de primera mano el festival y poder contarlo a la vuelta. ¿Nos acompañáis?

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Hablamos con Andrea Familiari sobre su canal de entrevistas a visualistas – Psst.one

Par : volatil

English Below

Psst.one es un canal online de entrevistas a visualistas que nació en 2017 de la mano del artista visual Andrea Familiari aka Fax, programador, visualista y diseñador de iluminación. Le conocí en Mira Festival Berlín 2018 después de realizarme una entrevista para su canal. Actualmente hay 41 entrevistas publicadas. La finalidad del proyecto Psst.one se basa en crear un archivo online para conocer la historia y  el trabajo de Vj’s y visualistas. También es una fuente de inspiración a partir de otras realidades artísticas presentes en el mundo A/V. Psst.one quiere ser el lugar donde se muestran las «caras» del mundo visual.

Stanislav Glazov, Geso, Jem the Misfit, Lucas Gutierrez, Vj Fader, CyTone, A-li-ce, Malo, Kalma, Mxzehn, Van Ta, Richard Burns, Maotik, Javier Alvarez, Ahmet Said Kaplan, Stefan Kainbacher, Tarik Barri, VJyou & Mari Asada, Noah Norman, Optic Veil, Pierce Warnecke, Michael Tan, Sam Wiehl, Vj Entter, Volàtil Vj, Elburz Sorkhabi, Alessandra Leone, Greg Hermanovic, Hendrik Wendler, Sal Stapleton, Ari Dykier, Lasal, 404.zero, Fidel Eljuri, Alba G. Corral, Marta Verde, Multiscalar, Emile Barret y Marcel Weber i MFO.


– Nombre, estudios, actividad laboral.

Andrea Familari, también conocido como Fax, estudié Historia del Arte en la Universidad de Pisa, soy programador autodidacta, visualista y diseñador de iluminación.

– Lugar de nacimiento y lugar de residencia.
Nacido en Pisa, Italia, con sede en Berlín.

– ¿Vj actualmente? ¿Dónde?

No soy propiamente un Vj, creo imágenes en tiempo real para espectáculos A/V y videoclips para músicos (Oscar Mulero, Jk Flesh o Miss Red, entre otros).

– ¿Tienes otros proyectos?

Me divido en dos enfoques diferentes: con mi nombre Andrea Familari actualmente produzco contenido visual para proyecciones e instalaciones interactivas en el campo del «arte contemporáneo». Con el seudónimo FAX, colaboro con artistas en videoclips, shows  A/V y producción de espectáculos y exposiciones. Actualmente estoy de gira con los shows de Marco Donnarumma como productor de iluminación y escenografía y estoy trabajando en mi nueva exposición.

– ¿Qué es psst.one?
Psst.one es un canal online centrado en entrevistas semanales sobre los artistas involucrados en todos los aspectos relacionados con el campo del audio/vídeo. Psst.one nació con la intención de contribuir a la creación de un legado relacionado con el campo del «visualista».

– ¿Cómo y cuándo empezó?
Pensé en ello en la primavera de 2017 y ese verano empecé a contactar a los primeros entrevistados, tomé mi Sony NexVg20 y comencé a grabar las primeras entrevistas en Berlín. El primer vídeo salió el 20 de octubre de 2017.

– ¿Quién forma el equipo?
Yo soy fundador y director. Fara Peluso es la diseñadora gráfica y Luca Caciagli es la fotógrafa de los eventos que organizamos en Spektrum cada dos meses.

– ¿Por qué entrevistar solo a artistas visuales?
Personalmente, me gusta leer biografías de artistas y me encanta saber cómo evolucionaron su estética y cómo crearon sus obras, pero no hay nada sobre  visualistas al respecto. Si quieres saber más acerca de un solo artista de nuestro campo es muy difícil y no hay suficiente material en mi opinión. También hacemos visuales y hay muy pocas entrevistas en video sobre visualistas. Por estas dos razones principales decidí crear este canal. Sinceramente, no pensé que aprendería tanto sobre otros procesos de trabajo ni que haría tantos amigos, todavía estoy convencido de que tomé la decisión correcta.

– ¿Cuántas entrevistas tienes?
Ahora, a fines de diciembre de 2018, publiqué 39 entrevistas, pronto saldrán las próximas.

– ¿Cuántas entrevistas al mes? ¿Hay una frecuencia?
Generalmente cuatro entrevistas al mes, una por semana básicamente.

– ¿Hay algo en común en todas tus entrevistas?
Lo único en común de todas las entrevistas es la primera pregunta, «¿Cómo empezaste con las imágenes?». Luego el resto de preguntas son diferentes. En nuestro campo tal vez exista un estilo común en algunos artistas (imágenes visuales, cine en vivo, glitch, analógico, etc.) pero hacemos las cosas de una manera diferente, me gusta destacar la singularidad de cada artista que entrevisto.

– ¿Cuál es el propósito del proyecto?
El propósito del proyecto Psst.one y su presencia en la web es crear un archivo digital que ofrezca la posibilidad de tener una historia y al mismo tiempo inspirarse en otras realidades artísticas presentes en el mundo A/V. Psst.one es el lugar donde se muestran las «caras» del mundo visual.

– Objetivos de futuro.
Con psst.one, me gustaría publicar 40 entrevistas esta temporada, estoy trabajando para ir a EE.UU y a Asia a grabar la mitad de la próxima temporada en esa parte del mundo y tal vez en los próximos años un documental, ya veremos.

Gracias por esta entrevista, un placer.

 

English

– Name, studies, work activity.
Andrea Familari aka Fax, History of Art at the University of Pisa, self-taught coder, visualist and light designer

– Place of birth and place of residence.
Born in Pisa, Italy, based in Berlin.

– Vj currently? Where?

Not proper a vj, I have my personal patches for a series of A/V Improvisation and I create realtime visuals for A/V shows and videoclips for musicians (Oscar Mulero, Jk Flesh, Miss Red, ecc)

– Do you have another projects?
I divide myself in two different approach: with my name Andrea Familari I currently produce prints,screening and interactive installation for the “contemporary art” field (http://www.famifax.com/fami). With the pseudonym FAX, I collaborated with artist for videoclips, A/V performances and production of show and exhibition. (http://www.famifax.com/fax)
Currently I’m touring with Marco Donnarumma’s shows as light design and stage producer and I’m working on my new exhibition.

– What is psst.one?

Psst.one is a web channel focused on weekly video interviews about the artists involved in all aspects related to the audio/video field. Psst.one was born with the intent to contribute to the creation of a legacy, related to the field of the ‘visualist’.

– How and when did it start?
I was thinking about it in the spring of 2017 and that summer I started to contact the first interviewees, I took my Sony NexVg20 and I started to record the first interviews in Berlin.
The first episode was out the 20th October 2017.

– Who forms the team?

I’m the director and the main guy of the channel.
Fara Peluso(http://www.moodif.net/site/) is the graphic designer and Luca Caciagli is the photographer of the events that we organise in Spektrum every two months.

– Why interview only visual artists?

Personally I like to read biography of artists and I love to know how they evolved their aesthetic and how they created their works, but there are nothing for visualist about it. 
If you want to know more about one single artist of our field is very difficult and there are not enough material in my opinion. Also we do visuals and there really few video interviews about visualist. For this two main reasons I decided to start this channel.
Honestly I didn’t think to learn so much about other process of work and make friendship, I’m still convinced that I made the right decision.

– How many interviews do you have?

Now, at the end of December 2018, I published 39 interviews, I already recorded more and I already plan the future interviews.

– How many interviews each month? Is there a frequency?

Usually four interviews every month, one per week basically.

– Is there anything in common in all your interviews?

The only one thing in common of all the interviews is the first question, “How did you start with visuals?”, then everyone is different. In our field there is maybe a common style (generative visuals, live cinema, glitch, analog one, ecc.) in some artists, but we do so much stuff in different way that is complicate to put out the common part. Also I like every time to underline the singularity of every single artist that I interview.

– What is the purpose of the project?
The purpose of Psst.one project and its presence on the web is to eventually create a digital archive giving the possibility to have a history and at the same time be inspired from the other artistic realities present into the A/V world.
Psst.one is the place where the ‘faces’ of the visual world are shown.

– Goals of the future
With psst.one, I would like to publish 40 interviews this season, I’m working to go in US and Asia to record half on the next season on that part of the world and maybe in the next years a documentary, we will see

Thank you for this interview, a pleasure

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