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Howling Music Marches in Step with USMC and Wunderman Thompson

Nashville-based Howling Music produces “running cadence” soundtrack for ADDY award-winning campaign celebrating the Marines’ 244th anniversary.  NASHVILLE— The Marine Corps marked its 244th anniversary in celebratory manner with the release of an ad campaign featuring its first-ever “birthday” running cadence. Conceived by Atlanta agency Wunderman Thompson and featuring a soundtrack composed and recorded by Howling Music, Nashville. ...

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MUTEK SF: NEXUS Experience

Par : Marco Savo

ONLINE, 23 – 24 May 2020

A digital gathering organized by Mutek San Francisco with NEXUS Experience.

The audiovisual event celebrates world-famous digital culture, experimental electronic music and films. It debuts online this year to respond to the current restriction on public events

MUTEK SF – NEXUS Experience is free to join. Donations are welcome as all proceedings will go directly to the artists.

The online festival has worldwide support from the international MUTEK network.

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⁣ ⁣⁣ ⁣#repost @ecmstagram⁣ ⁣__________________⁣ ⁣⁣ ⁣EXO/ENDO...




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⁣#repost @ecmstagram⁣
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⁣EXO/ENDO from six years ago. Still one of our favorite projects ever and some of the best music we’ve been able to work with from the amazing @andrelizyoung. Haunting, dark, and brooding just like we like it. We got to encase the entire ensemble in pods of scrim and projection while we went down a tunnel, through the trees, into the fire, and through the ash fall. Exothermic and endothermic reactions of sound and light. #productiondesign #projectiondesign #projection #videodesign #destruction #layers #noise #experimental #doom #metal #music #live #liveperformance #calarts #openframeworks #millumin
https://www.instagram.com/p/CAa-T6SpcQn/?igshid=y3iuy18wa1e4

AVCity interviews Weirdcore

Par : Marco Savo

1.YOU HAVE A VERY VARIED, YET DISTINCTIVE AESTHETIC THAT CAN BE EASILY RECOGNIZED, BUT AT THE SAME TIME, A LITTLE DIFFICULT TO CLASSIFY! WHAT WERE YOUR EARLY GRAPHIC INFLUENCES/INSPIRATIONS AND WHAT ELEMENTS OR EXPERIENCES HAVE BEEN KEY TO THE DEVELOPMENT OF YOUR STYLE?

 

Hi guys! Thank you for your questions and your interest in my work. Let’s get started! Here my main influences:

In the 80s: whilst growing up in France, I was very inspired by the vast amount of Japanese anime on TV, especially the Cobra series (funny that it was just on kids TV back then in France, where it would be rated 12 or 15 here in UK now) and films like Videodrome, Nightmare on Elm Street, Evil Dead 2, 2001, The Thing, Altered States, Blazing Saddles, Monty Python films and such like.

Weirdcore_Audiovisual_Artist_Interview1

In the later 80’s & 90’s whilst living in different parts of the UK during my student years, I was really into rave graphics and visuals like
Stakker Humanoid and FSOL.

I was massively into MTV’s Aeon Flux series and non verbal films like Baraka, Koyananskatsti, Atlantis and such like. The Day Today  / Brass eye have been quite important as well in terms of absurdity and “OTT-ness”, especially the Brass eye Infographics. Then in late 90’s & early 00s once I moved to London I was massively into Ryoji Ikeda / Dumb Type / Semi-conductor Films / Ukawa.

In terms of key experiences, I’d say it was seeing Daft Punk live multiple times in the mid 90’s & their Audiovisual show in the 1997 tour. That was definitely the main experiences that pushed me to do what I do in the audiovisual world.

It was like a “smack in the face”. So bold, minimal and sync-ed to the music, it totally blew me away. I remember thinking back then, I wanted to blow people away in the same way someday.

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2. IN YOUR WORK WE CAN SEE A BIG VARIETY OF IMAGE PROCESSING RESULTS, DOES THIS EXPERIMENTATION GO HAND IN HAND WITH AN EXPERIMENTATION OF THE TOOLS YOU USE TO CREATE THE VISUALS AS WELL?

 

Good question, that I’m not sure how to answer as I don’t really think about it in that way. I’d say I very much differentiate my live & studio work. To me, my live visuals are technically made in similar ways to how my friends make music.

I position myself in the same category as lighting/laser designers, in a sense that I’m there merely complementing/enhancing the audio experience. As in my studio work I very much try to recreate the kinda vibe of an anime intro or 80s music video, which in my opinion were far more entertaining. For me, it’s all about visual impact and entertaining the audience.

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3. HOW WOULD YOU DEFINE “AUDIOVISUAL ART” AND HOW DO YOU POSITION YOURSELF IN THIS SPECIFIC CULTURE?

 

This is a tricky question for me, as I find it hard to categorize anything I see on my computer screen or at a party as art. For me it’s more like graphics or entertainment. Call me old fashioned but for it to be Art is has to be in an art context (whatever that is), and as my work isn’t in galleries or such like (yet) i don’t really consider myself as an artist.

Actually I find the words art/artists are used way too sparingly in this day and age, so I’m not really sure as to where I fit in all this. I’d rather not think about it and just carry on doing my thing & let other people define me as they see fit…

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4. YOUR CAREER DEVELOPED ACROSS DIFFERENT FIELDS AND MEDIA SUCH AS ADVERTISING, FASHION, ELECTRONIC MUSIC, VIDEO CLIPS, AND SO ON. CAN YOU TELL US ABOUT THE CONCEPTUAL AND AESTHETIC LINKS CONNECTING ALL YOUR VERY DIVERSE PROJECTS??

 

I’m very much into specific/custom made/location-based designs. My ideas tend to be finding a way to best fit the “where” and “what”. My concepts are very driven by discussions (or lack of) with the artist/clients, which is why my work tends to vary in style (or quality, if the client/artist has too little input or dictates too much)

5. YOU HAVE WORKED WITH MANY DIFFERENT MUSICIANS AND SINGERS THROUGHOUT THE YEARS. COULD YOU DESCRIBE YOUR CREATIVE PROCESS OF VISUALIZING A SOUNDSCAPE AND THE DIFFERENCE BETWEEN WORKING WITH ABSTRACT CONTENTS LIKE ELECTRONIC MUSIC AND THE MORE EXPLICIT NARRATIVE OF POP AND HIP HOP CULTURE?

 

Firstly I figure the possibilities and limitations and work within those boundaries, then I discuss with artist/client to figure a rough direction to aim for, it then it generally snowballs from there.

I generally try to deliver what the artist/client & target audience wants, but not necessarily what they expect, so I tend to avoid the obvious options.

I don’t think I approach a project that differently depending on what genre of music it is. I just try and do whatever feels right for that category of music, BUT the workflow is vastly different depending of the type of artists they are.

Some artist are way more approachable than others regardless their music genres and when I can bounce ideas back and forth with them that is when I can go deep into what they truly want and get the best results. I can’t say the same when there’s a sea of management/label/producers between me and the artist.

It’s fair to the results are far more fruitful when I work with artists who don’t take themselves too seriously as I’m not a yes-man nor my specialty is making people like prim & proper.

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Unsound: 4 – 11 October 2020 KRAKOW

Par : Marco Savo

Krakow, 4 – 11 October 2020

Unsound focuses on a broad swath of contemporary music — emerging, experimental, and left-field — whose sweep doesn’t follow typical genre constraints. Influential around the world, it has developed a reputation for identifying innovative scenes and radical sounds.

It’s a platform for an exchange of artistic ideas for musicians, visual artists, curators, journalists, record label owners and booking agents from every continent.  

The theme for Unsound 2020 is Intermission. Meaning a break in a performance or production, here it also refers to the rupture caused by COVID-19, a period starkly separating before from after. The word therefore embodies multiple, and somehow contradictory, forces.

The audiovisual event takes place every year at a number of venues across Kraków, regular events also take place in New York, Adelaide, Toronto, and London. Between 2016 and 2018, Unsound also produced eleven festivals in Eastern Europe, Central Asia and the Caucasus, part of a long history of working with curators and artists in the post-Soviet region. 

As well as spotlighting emerging artists, Unsound also commissions new shows and encourages trans-border collaborations, adapts and re-imagines abandoned spaces for concerts and club nights, manages cutting-edge artists, and is known for its sound-inspired Ephemera perfume project.

Krakow, Poland

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L.E.V. Festival

Par : Marco Savo
LEV-festival-Audiovisual-Events

Gijon, September 10 –  13 2020

L.E.V. (Laboratorio de Electrónica Visual) is a platform specialized in the production and promotion of electronic sound creations, and its relationship with visual arts. It was a European pioneer in this field, and since more than 13 years ago, it tries to converge the natural synergy between image and sound, and the new artistic trends, making special emphasis on live actions.

LEV develops the L.E.V. Festival (in Gijón) and specific, de-localized shows called LEVents. Through both proceedings, the platform reaches its goal: to provide an eclectic, panoramic vision of the current state of creation and all its connections, in an ever-evolving environment.

That is why LEV focuses its work both on international artists that are leaders in audiovisual creativity and local artists, both pioneers and new talents.

L.E.V. is a co-production between the Principado de Asturias Government, the Gijón City Council and LABoral Art and Industrial Creation Centre and it was designed and conceived by the Asturian collective Datatrón. The festival honors by its acronym to Lev Thermen (Russian scientist father of the present-day synthesizers).

Laboral, Camino de los Prados 121,

Gijon, Spain

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Weirdcore

Par : Marco Savo

London based WEIRDCORE is half English, half French and results in a director and collaborator who is one hundred percent out there.

Weirdcore’s work is the result of years of experimental design and animation work that pushes the boundaries of consciousness and visual interpretation.

Adopting a method used more often by artists and music producers rather than by visual directors, Weirdcore helps both advise and visualise others initial ideas, facilitating their progress through until the finished form, whilst also creating his own stunning individual projects.

With a unique blend of formats, colors, designs and mediums, the audiovisual artist has collaborated with some of the most exciting modern artists and directors such as Aphex Twin, M.I.A, Tame Impala, Radiohead, Nabil, Hype Williams, Charlie XCX, Smerz, Onetrix Point Never, Sophie Muller, Diane Martel and Miley Cyrus.

Weirdcore performed live in the most important festivals worldwide such as Glastonbury, Sonar, Fuji Rock, Coachella, Club2Club, Future Music, Field Day, Mira, Unsound, Melt, Lowland, Dour and more.

Weirdcore has also lent his emotive expertise to larger collectives, organisations and labels such as Warp, XL, Sony, Ninja Tunes and Domino, whilst keeping a dynamic and fluid focus across a range of other diverse industry’s such as Fashion, Theatre and Opera.

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FIBER Festival

Par : Marco Savo

Amsterdam, 24 – 27 September 2020

FIBER Festival is an Amsterdam based festival for audio-visual art, digital culture and electronic music.

With the program – which consists of multi-sensory art, performances and in-depth lectures – FIBER presents emerging art practices that offer alternative perspectives on our 21st century society.

With the festival theme of Instability the festival explores new ways of adapting to an age of planetary and societal changes. What opportunities are open to artistic making and thinking to contribute to this transformation?

Our living environment is often presented to us as stable and unquestionable. Landscapes, borders and technological infrastructures are considered static entities. Yet current crises now force us to transform the way we relate to our ecological surroundings. Extreme weather, droughts, wildfires and viruses are forces of nature that tear apart our modern way of living with far-reaching consequences.

The festival aims to seek artistic narratives, skills and sensibilities to prepare us for an alternative life in a period of uncertainty and radical instability.

FIBER Festival

Amsterdam, Netherlands

info@fiberfestival.nl

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FIBER

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Calrec: Phil Adler, A1 Mixer, A craft interview

Par : Jump

“I haven’t changed the way I produce a broadcast because of the internet. The quality of what I stream at home is as good, if not better, than what the local stations are transmitting. I make sure the mix sounds good at low volume and in stereo or mono, which is an old music mix ...

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KAZU “Come Behind Me, So Good!” – Music video by Daito Manabe + Kenichiro Shimizu

KAZU “Come Behind Me, So Good!” – Music video by Daito Manabe + Kenichiro Shimizu
A collaboration between Daito Manabe (Rhizomatiks) and Kenichiro Shimizu (PELE) for Kazu Makino, 'Come Behind Me, So Good!' music video combines photogrammetry and mixed reality to create a seamless dream-like landscape, invigorated by Elevenplay performance.

Kansas City’s WDAF FOX 4 Debuts Image Spot During the Big Game with Custom Song from Stephen Arnold Music

DALLAS—Kansas City television station WDAF FOX 4 took advantage of the hometown Chiefs’ presence in this year’s Super Bowl to roll out an inspirational promo celebrating the resilient spirit of its community. Driven by a rap-flavored anthem produced by Stephen Arnold Music, the spot broke during the local broadcast of the Big Game and features ...

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Universal Production Music Releases “Evolution” from Epic Music Masters ICON

Label reinvents the epic sound for production with the bold, new album. SANTA MONICA –  Universal Production Music today announces the release of Evolution, a groundbreaking new album from epic music label ICON. Featuring original work from ICON co-founder Frederik Wiedmann and other top cinema, trailer and game composers, Evolution redefines the epic genre through ...

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L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores

Par : volatil

Entrevistamos a los programadores de L.E.V Festival, Cristina de Silva y Nacho de la Vega. L.E.V. es un Laboratorio de Electrónica Visual y también, como ya sabes, es el Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón. Un evento que desde hace más de 12 años ofrece una visión ecléctica y 360 grados del panorama de la creación ligada al arte digital audiovisual.

El L.E.V. Festival se basa en las sinergias que existen entre imagen y sonido en directo, la experimentación y por las múltiples hibridaciones entre géneros que manifiestan la importancia de las artes visuales y la música. Quizá no lo sabías pero El Laboratorio de Electrónica Visual rinde homenaje a través de sus siglas a Lev Thermen, científico ruso padre de los sintetizadores actuales).

Edición tras edición, desde Vjspain, hemos amplificado y comunicado el line up del festival, recomendando lo que no nos perderíamos del cartel. Esta vez, hemos querido ir un poco más allá y hemos entrevistado a sus programadores. Ellos hacen ese trabajo que no tiene lugar en los escenarios ni a ojos del público pero es imprescindible para que el L.E.V sea lo que es. Cristina de Silva (1972) y Nacho de la Vega (1968) forman FIUM, un colectivo de activistas culturales centrado en el vídeo, el sonido y las instalaciones multimedia. Además, desde hace años compaginan su trabajo artístico con el comisariado y la producción de diversos eventos como Arenas Movedizas y el L.E.V., puesto en marcha por el colectivo DATATRON 03XF del que ambos son miembros fundadores.

¿Tenéis redes sociales? 
Tenemos redes y bio compartidas como FIUM o DATATRON que son los colectivos desde los que siempre hemos articulado nuestros proyectos, ya sean creativos, curatoriales o mezcla de las dos cosas. Desde los comienzos siempre ha estado todo mezclado. Y por supuesto las del L.E.V.
A nivel personal no les damos mucho uso a las redes.

¿Cómo definiríais vuestro trabajo?
Somos una mezcla de activistas culturales, artistas multimedia y comisarios, estamos afincados en Gijón y somos directores del L.E.V. Festival, el Laboratorio de Electrónica Visual, y del Circuito de Propuestas Artísticas Arenas Movedizas, ambos en Gijón.

Desde hace 20 años formamos parte activa de la escena del arte digital y la cultura electrónica, sirviendo de catalizadores y propulsores de redes de trabajo y creando plataformas de visibilización de la creación contemporánea a través de proyectos curatoriales y colaborativos como la red internacional #ENCAC

Actualmente estamos focalizados en la gestión cultural y en la producción de proyectos relacionados con la cultura electrónica y el arte digital. Muy vinculados con la comunidad, nos interesa sumar públicos, energías y apoyos de instituciones públicas y privadas para crear ecosistemas estables de apoyo y diseminación de la creación contemporánea, buscando siempre un punto de vista multidisciplinar y heterogéneo.

Como FIUM, colectivo de artistas audiovisuales en activo desde 1998, hemos estado presente en multitud de eventos y establecido colaboraciones con creadores de diferentes ámbitos. En el año 2007 fundamos la plataforma DATATRON desde la que dimos vida al L.E.V. y actualmente también a los LEVents y L.E.V. Matadero.

¿Cuánto hace que programáis LEV?
13 años, llevamos programando el LEV desde la primera edición en el año 2007.

¿Cómo ha sido la evolución desde que empezasteis con esta labor?
Pues toda una aventura, ya que el Festival es algo vivo que te exige actualizarte contantemente. A lo largo de estos años, que han sido realmente intensos, hemos estado atentos a las nuevas escenas y a las nuevas herramientas y procesos creativos.

Un objetivo claro desde el principio es que queríamos ofrecer un proyecto a escala humana, cercano y accesible, que nos permitiera relacionarnos con el público pero también trabajar mano a mano con los artistas, estando en contacto con ellos, participando en coproducciones, realizando residencias artísticas, para no perder el pulso de lo que realmente está ocurriendo en los ámbitos de creación.

Paralelamente también hemos buscado nuevos espacios, momentos y maneras para alojar a las distintas propuestas, propiciando colaboraciones y redes para poder estar en contacto y compartir experiencias con proyectos similares.

El objetivo del programa de cada edición es generar un circuito de actividades que dialoguen entre si y con el público. Del que puedas disfrutar de manera íntegra, si es lo que te apetece ya que las actividades no se pisan, o sumarte de manera más tangencial acudiendo por ejemplo a las instalaciones. Creo que en las últimas ediciones quizás percibimos e intentamos diseñar aun más el Festival como un todo, una experiencia única global.

¿Cuesta conseguir programar a los nombres que os proponéis?
Cuesta, claro. Aunque a día de hoy el L.E.V. es un Festival consolidado y al que a los artistas les gusta venir, tienen que coincidir bastantes factores logísticos y económicos, a parte de la disponibilidad del artista. Los conexiones con Asturias son complejas, la producción técnica (aspecto que cuidamos mucho) tiene que ser compatible con el resto de espectáculos,… es un tetris total.)

¿Cambios destacables en cuanto a avances tecnológicos o tendencias en el sector visual y de arte digital?
Te puedes imaginar, en la última década el desarrollo ha sido increíble a nivel tecnológico y muy enriquecedor a nivel creativo. En el entorno digital las fronteras se han diluido hace tiempo, los espectáculos trascienden los formatos clásicos y da la impresión de que en estos momentos todas las ideas son realizables. El límite a nivel creativo ahora mismo no existe, las nuevas herramientas abren nuevas opciones para la creación colectiva, en red… Todo avanza muy rápido, es un ámbito en ebullición y eso es muy estimulante tanto para los creadores como para los programadores y, por supuesto, para el público.

¿En qué os basáis para la selección de artistas?
Básicamente proyectos que nos haya gustado y despertado nuestro interés, hay una parte emocional muy fuerte. Pero también entran otros factores en juego, como el desarrollo que tiene en directo, el uso de la tecnología, cómo se relacionada con el resto del programa que tienes en mente…

Nos gusta mezclar, no ponernos demasiados límites en lo que se debería programar o seguir las tendencias sin más. Por supuesto estamos siempre atentos a las nuevas escenas, pero buscamos que se integren con los proyectos pioneros y referenciales de otras épocas, propuestas nacionales y locales con artistas de diferentes nacionalidades, con recorridos diferentes y de ámbitos distintos. Luego ya hay que armar el tetris que antes comentábamos y, posiblemente, tengas que dejar algún proyecto en tierra porque no haya manera de encajarlo en la línea que buscamos para esa edición en concreto.

¿El espacio en el que tienen lugar las actividades, afecta a esta selección?
Absolutamente. También el horario, con quién compartes escenario, el aforo… Hay proyectos más versátiles que, desde nuestro punto de vista, sí que pueden desarrollar en diferentes espacios. Aunque, evidentemente, la percepción que te vas a llevar de ellos será diferente. Y otros que piensas que sólo van a funcionar en una localización concreta.

¿Algún ejemplo?
(esta pregunta es para hablar de los distintos espacios en los que se desarrolla el festival y el tipo de programación en cada uno de ellos).

Manufactory de Transforma, aunque es un proyecto que también tiene versión instalativa, solo podría desarrollarse en el Teatro, ya que se trata de una producción compleja con unos requisitos a nivel técnico que no podríamos asumir en otro espacio. El Teatro, en ese sentido, nos permite alojar y desarrollar espectáculos audiovisuales que de otra forma sería imposible.

La verdad es que este año creo que es una de las ediciones en las que más hemos jugado con este tema y hemos incluido por ejemplo en la Nave proyectos que quizás en a priori serían mas para programar en el Teatro, como Single Origin de Robin Fox, o Delta-T. Pero nos apetece empezar en la Nave con alguna propuesta más experimental para dar paso después a directos audiovisuales de formato más clásico.

Por otro lado, desde la pasada edición, hemos incluido programación en la Caja Escénica del Teatro de la Laboral porque echábamos de menos poder programar espectáculos de manera más íntima, para un aforo menor. Así que los domingos ofreceremos este tipo de propuestas en entornos especiales como la Caja Escénica o el escenario junto a al lago en el Jardín Botánico, este año con el fantástico Oliver Coates.

Y hemos tendido a buscar nuevas localizaciones para el día, ya que nos encanta programar en esta franja horaria, como el que se estrenó en la edición pasada, el Muséu del Pueblu d`Asturies, que tuvo una muy buena acogida por parte del público.

¿Qué le dirías a los amantes de las artes digitales para convencerles de no perderse LEV Festival 2019?
Jeje, nos da un poco de pudor pero venga, en plan peliculero: ya de mano si no conocen Asturias y Gijón tienen que venir, más aún siendo el LEV! 4 días de experiencias sónicas y visuales en espacios alucinantes.
Un compendio de propuestas muy ecléctico con el que podrás disfrutar las diferentes maneras en las que se trabaja en el campo de la creación audiovisual, electrónica y digital, en un entorno privilegiado, sin agobios y con un público fantástico:)

¿Este año habéis intentado programar más mujeres siguiendo la tendencia en otros festivales o básicamente como siempre, buscando la calidad sin importar el género?
Le damos mucha importancia a que haya proyectos de mujeres, por supuesto, estamos muy atentos para poder apoyar y dar cabida a estos proyectos, pero no trabajamos con cuotas.

Pero si hablamos de apoyar y visibilizar el trabajo de las mujeres creemos que también es importante no sólo el programarlas sino el contar con ellas en los equipos de trabajo, en este caso de los Festivales. Un ámbito laboral en el que, como en muchos otros, hay menos mujeres que hombres.

¿Algún artista “cabeza de cartel” que lo haga imperdible?
¡Ay, que difícil! ¿Transforma, Caterina Barbieri y Myriam Bleau?
¿Refik Anadol, Gazelle Twin y Radioactive Man?
¡Lanar Artefax!

¿Algún artista “que aún no es muy conocido” que lo haga imperdible.
Colin Self, Yamila y Mathilde Lavenne… ah, y Iglooghost y su loco mundo colorista.

¿Festival preferido para vosotros que no sea L.E.V?
Muchos, Semibreve en Braga, TodaysArt y Rewire en la Haya, CTM en Berlín, Mutek Montreal, Unsound, Stereolux… hay muchos que tenemos ganas de conocer pero que todavía no hemos tenido la oportunidad.

¿A qué artista os gustaría traer pero es inalcanzable o casi imposible?
Quizás propuestas con formaciones muy grandes, que es casi imposible alojar en un Festival con la operativa del L.E.V., por ejemplo: Cinematic Orquesta. O propuestas complejas por su producción como Squarepusher, al que llevamos varios años intentando cazar.

Artistas que habéis programado este año de los que estáis más orgullosos.
Lanark Artefax y el proyecto Scanaudience, que se estrenará en L.E.V. Y en general todos lo que tenemos alojados en residencia, como el fantástico Synspecies, de Elías Merino y Tadej Droljc, Ex(O) de Alex Augier y Alba Corral y Antivolume in/ext de Lucas Paris. Y los que estamos coproduciendo, como Manufactory de Transforma.

¿Qué es LEVents?
Los LEVents son programaciones en colaboración con otros festivales o espacios culturales que hacemos desde el L.E.V. pero de manera paralela. Siempre hemos propiciado estas colaboraciones, pero a la hora de poner orden en nuestros proyectos hemos decidido agruparlos bajo la etiqueta de LEVents, para poder comunicarlos mejor. El año pasado por ejemplo hicimos LEVents en colaboración con Medialab Prado (AVLab), Veranos de la Villa y Matadero, FICX (Festival Internacional de Cine de Gijón), Arenas Movedizas y NBO (Noche Blanca de Oviedo).

¿Y cómo es la extensión del festival a Madrid?
Es una propuesta que se articula y se complementa con la de edición de Gijón, focalizada en el audiovisual, la electrónica y la cultura digital, seguimos siendo el Laboratorio de Electrónica Visual, pero que buscará dar cabida a proyectos que se escapan de los formatos en lo que habitualmente venimos trabajando y tendrá nuevas secciones dedicadas a la realidades “inmersivas” desde un punto de vista historicista y experimental.
Concebimos L.E.V. Matadero como un proyecto con su propia identidad y que construye un tejido de programación entre las dos ediciones.
Tampoco queremos desvelar mucho pero, como comentábamos más arriba, las nuevas herramientas digitales nos ofrecen oportunidades insospechadas hace pocos años para poder seguir construyendo nuestro imaginario colectivo y, a la vez, evadirnos por un rato de esta realidad tan compleja y asfixiante que nos está tocando vivir.

La entrada L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

Scénographie permanente avec des kits Olga en club

Par : severine

  Aelion Project éclaire la nuit avec Olga et HeavyM   Vous avez déjà entendu parler du studio de design visuel Aelion Project, . . .

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SYNESTHESIA MAKES LIVE MUSIC VISUALS EASY

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