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À partir d’avant-hierVideoMapping VJing

Resolume Vj Software team support !

Par : bazik

Just some words to say thanks to Resolume team that support and promote Bazik 🙂

Bazik was create as a visual plugin for this type of vj software, and it’s really cool to have some feedback and support.

“We just had an excellent time playing around with Bazik. All of the fun of generative visuals, with a simple interface that was designed with performance in mind. Well worth your time !” Resolume team

Resolume VJ Tutorial: Beginner VJ Loops Using Duplicate Effects

Did you know that you can stack duplicate effects to create generative VJ Loops in Resolume? In today’s VJ tutorial we’re going to continue showing how beginners can create easy generative VJ loops using nothing but Resolume and it’s built in effects. Creating Your Own VJ Loops (Even If You Know Nothing About Animation) This tutorial […]

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Using Ableton Link to Sync Resolume 6 with DJs

Resolume 6 Beta was released last week and it added an amazing feature, Ableton Link. This feature makes it really easy to VJs to quickly sync to DJs and use BPM synced visual effects. If you work with DJs you’re going to love this. Today I’m going to explain what Ableton Link is, how it works, […]

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Syncing Traktor with Resolume 6

During a Facebook livestream on Zero To VJ someone asked a question about setting up Traktor with Resolume. …I was trying to get some video to auto-sync with Traktor through Ableton. I’d MIDI clock out of Traktor into ableton, and have a clip with 1/4 notes that would then BPM into arena. But, now, it […]

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Should You Use Audio Reactive Visuals?

Today’s article is inspired by some questions around audio reactive visuals/effects in Resolume. Hi , so i VJ mostly on psytrance partys , and i find it difficult to use sound input for example in Resolume 5 as it just can’t distinct the beat or melodys in this style of music , it’s just too […]

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SYNESTHESIA MAKES LIVE MUSIC VISUALS EASY

KEEP YOUR SHOW LIVE, WITH GENERATIVE GRAPHICS, AUDIO REACTIVITY, AND RESPONSIVE TRIGGERS. Get up and running in minutes with 40+ built-in scenes. Built-in audio algorithms automatically turn music into visual action. Powerful, midi mappable controls over visual effects. Import your own images and videos to transform with shaders. Shader importing to add fresh content to […]

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mayer+empl . DL . interactive audiovisual installation . detroit . 2017

DL interactive audiovisual installation Dlectricity Festival 2017 | Detroit | September 2017 mayer+empl project 2017_099 mayer+empl . DL . interactive audiovisual installation . detroit . 2017 from sinsynplus on Vimeo. mayer+empl architectural space intervention http://www.mayerempl.de/ http://mayerempl.wordpress.com/

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Live Visuals Session // 081217

Par : docoptic
Video Thumbnail

This live visuals session consists of 3 layers. The abstract background is affected by distortion, displacement, and colorization effects. The middle layer, which is a triangular 3D shape, is cloned in a circular kaleidoscopic formation. Lastly, the front layer, which is a center-weighted 3D element. To play along with the beat, the lighting effect was triggered manually by tapping a key mapped to a MIDI controller, and the triangular layer’s line effect was manually tweaked with a rotary/knob on the same MIDI controller. Colors were adjusted to create a complementary look across all layers.

Visuals used in this session:
• DOC016 Shapeshifters
• DOC017 Chromacurrents

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HeavyM signe le nouveau décor du Mixmag LAB London

Par : HeavyM

  La musique, comme vous le savez, occupe une place privilégiée dans l’activité et les centres d’intérêts de HeavyM. Depuis qu . . .

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Visualsupport Mapping Reel 2016

We are one of the most experienced companies in Poland specializing in large scale 3D mapping technology spectacles. We create the illusion of giving life to the object, making it dynamic and undergoing amazing and intriguing transformations by designing animation for entire buildings or parts of scenography requiring precision, products, and even entire scenes with the aid of dedicated projectors.
We have an extensive equipment resources enabling us to carry through even the most complex projects. In our offer there are both small multimedia projectors with power of 3000 ANSI, projectors of average power 5,000 – 15,000 ANSI, projectors with 18,000 lumens of light power and the brightest available in the world with 40,000 lumens. We work on professional mediaservers and Watchout program, which allows us precisely correct the image geometry in real time.

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Ridley Scott Launches Ridley Scott Creative Group

Par : lumenadmin

June 12th 2018, Los Angeles, London – Ridley Scott has brought together all RSA Films affiliated companies in a multi-business restructure to form the Ridley Scott Creative Group. The Ridley Scott Creative Group strengthens the network across the affiliated companies to take advantage of emerging opportunities across all entertainment genres as well as their existing work in film, television, […]

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Pixar Co-Founder Teleported Live into a Virtual Classroom with Students

Par : lumenadmin

25 April 2018: – Yesterday, the boring classroom lesson was finally consigned to the history books when technology pioneers, Immersive VR Education, beam experts from California and Dubai into a virtual classroom to teach students at Langley College near Slough, via a short trip to the moon. Pixar co-founder, Loren Carpenter, will be ‘beamed’ in […]

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Playsnak Announces New VR FPS – Wanted Killer VR

Par : lumenadmin

  BERLIN – 24 April, 2018 – Get ready for fast-paced action and innovative bullet-time shooting in Wanted Killer VR—a stylized high-octane FPS coming to Steam Early Access in May 2018. Created by Berlin-based developer Playsnak, Wanted Killer VR casts you as a member of the clandestine WK4 group – an elite team of agents sent in to protect the […]

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Live Visuals Session // 081217

Par : docoptic

This live visuals session consists of 3 layers. The abstract background is affected by distortion, displacement, and colorization effects. The middle layer, which is a triangular 3D shape, is cloned in a circular kaleidoscopic formation. Lastly, the front layer, which is a center-weighted 3D element. To play along with the beat, the lighting effect was triggered manually by tapping a key mapped to a MIDI controller, and the triangular layer’s line effect was manually tweaked with a rotary/knob on the same MIDI controller. Colors were adjusted to create a complementary look across all layers.

Visuals used in this session:
• DOC016 Shapeshifters
• DOC017 Chromacurrents

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The Midnight Special (FULL VERSION)

Studio ENESS transformed an old-school bus to take you on a trippy journey to stillness for their latest art installation, The Midnight Special.

Commissioned by Strawberry Fields Festival

Design and production: ENESS

Visuals: Hyper Reelist (Jobe Williams)

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What If (short edit) – White Night Melbourne 2018

It is a short edit of our 6 min long artwork created for White Night Melbourne 2018 on the Royal Exhibition Building.

WHAT IF..
Buildings came to life and transformed?
Mythical, Magical creatures were real?
There was a 5th dimension?
Spirituality and higher consciousness had a visual presence?
There was a portal to another more perfect world?

Creative theme: David Atkins / White Night Melbourne
Creative concept: István Dávid, Csaba Világosi, Viktor Vicsek
Art Director: Csaba Világosi
Technical supervisor: Viktor Vicsek
3d modeling: Dániel Szalkó
Producer: István Dávid
3d animators:
Kornélia Csikós
Katalin Katona
Viktor Vicsek
Csaba Világosi
Ivó Kovács
András Nagy aka XYZ
Balázs Szőcs
Character animation: Bálint Benkovits
Music: AMB
Sound design: Fine Cut Bodies
Projectors and technical execution: Electric Canvas

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Dome Cloth – Video Mapping Loops Packs Vol.22 – ✅ LIME ART GROUP

Dome Cloth – Video Mapping Loops Packs Vol.22 – ✅ LIME ART GROUP
limeartgroup.com/shop/cloth-fulldome-video-mapping-loops-pack-vol-22/

✅ Vj Loops Farm Marketplace – vjloopsfarm.com/
✅ Green Screen Footage Stock – greenscreenstock.com/
✅ TV Skin Broadcast Design – tvskin.com/
✅ Event Media Design – eventmedia.design/

�Join us in social media:
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Instagram: instagram.com/limeartgroup/
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Linkedin: linkedin.com/company/lime
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Vimeo: vimeo.com/limeartgroup

�LIME ART GROUP – is an Austria based Video Production & Event Visual Design company specialized on Video Art, Film-Production, Projection 3D Video Mapping and Stage Visuals. limeartgroup.com/

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AR and VR: Two sides of the same coin?

Par : lumenadmin

Will VR and AR become mass-market applications? Over the last year, I have been thinking about this from a consumer perspective. A variety of VR headsets are now generally available, and although AR headsets like Microsoft HoloLens are harder to come by, Apple’s ARKit and the just released 1.0 version of Google’s ARCore are available […]

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HASBRO and Oculus Bring Popular Gaming Brands to Oculus GO

Par : lumenadmin

PAWTUCKET, RI – MAY 2, 2018 – Announced yesterday at Facebook’s F8 Developer Conference, Hasbro Inc. (NASDAQ:HAS) is working with Oculus to bring Virtual Reality (VR) experiences for Boggle, Trivial Pursuit and Monopoly to people with Oculus Go, for the first time. The VR games will be accessible in the Oculus Store wherever Oculus Rooms […]

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Tráiler “Visualist, those who see beyond” · Tres entrevistas en una

Par : volatil

Seguro que has oído hablar del documental Visualist, una idea que nace de dos cracks que se encontraron con una misma ilusión y decidieron llevarla a cabo fuese como fuese. Pedro y Manu (directores del documental) no sabían por aquel entonces que a Oscar (fundador de Vjsapain y Otucinema) le seduciría hasta tal punto la idea, que produciría el documental para después distribuirlo.

Ya entrevistamos en su día a este dúo fantástico que está haciendo realidad su sueño. Nos contaron anécdotas sobre los rodajes por Europa y descubrimos cómo empezó todo. Para los despistados, aquí los artículos anteriores:

Refractivo y Vjspain presentan Visualist, el documental que estábamos esperando
Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores
“Visualist, those who see beyond” aterriza en Nueva York para grabar las últimas entrevistas del documental

En esta entrevista nos centramos en la fase de edición y hemos querido bucear por las entrañas del documental a través del equipo que lo hace posible. ¿Cómo fueron las entrevistas realizadas en Estados Unidos?, ¿cuándo podremos ver el documental terminado?, ¿cómo ha ido el proceso de edición?.  Si sigues leyendo, disfrutarás de tres entrevistas en una.

ENTREVISTA A PEDRO, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL, PRODUCTOR EJECUTIVO Y EDITOR.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
No soy capaz de decir cuáles han sido las tres mejores entrevistas del documental. Siempre he estado atento a los artistas que despuntaban en el sector. Recuerdo la estructura “Square” que crearon 1024 Architecture con Etienne De Crecy, el mapping que hizo Antivj en un club con Ricardo Villalobos, cuando compré las licencias de Modul8 y Madmapper, el trabajo que hacía el sello Pfadfinderei, el mapping de Pablo Valbuena, “Timber” de Cold Cut  (también recuerdo cuando actuaron en Madrid en un festival en la complutense), ese viaje con 23 amigos de Córdoba a Frankfurt, al festival Time Warp y vimos el set de Richie Hawtin con su set de visuales apoteósico.

Recuerdo el proyecto de “Living Room” de Mr Beam en el que se veía una habitación con muebles blancos y mediante un proyector se “amueblaba”, “Le Petit Chef” de Skullmapping (micro mapping épico), el mapping de la Catedral de Santiago, las obras de Daniel Canogar, “Liquid Diesel” de Dvein (una pasarela con hologramas), Monolake (Robert Henke) pinchando con unos visuales brutales por el año 2010, recuerdo a mi amigo Michael Valiente enseñándome el trabajo que hacía Francois Vogel.

Pero si puedo decir que nunca olvidaré haber conocido a todos estos artistas en sus estudios donde llevan años trabajando. Y esto es un recuerdo muy actual que tengo y que siempre lo recordaré como uno de los mejores momentos de mi vida.

– ¿Cómo fue la última entrevista del documental a Daito Manabe?
Surrealista. Acabábamos de llegar de Estados Unidos y me llama Manu por teléfono y me dice que Daito Manabe había posteado una foto en instagram y que estaba en Madrid. Conseguimos contactar con él, la entrevista fue en la oficina de Otucinema, se la hicimos en inglés y él contestó en japonés. No sabíamos lo que contestaba, pero más adelante contamos con una chica japonesa para la traducción y nos enteramos de lo que había dicho. Daito fue súper amable con nosotros y culminó el cartel del documental.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
En San Francisco por varios motivos. Nunca había estado en San Francisco. Fuimos a entrevistar a Bradley (Gmunk)  que es un ídolo para nosotros. Se suponía que era la última entrevista con lo cual era el fin del rodaje. Al terminar la entrevista le di a Manu un abrazo enorme y le felicité por el buen trabajo que había hecho. Puedo decir que es mi ciudad favorita hasta la fecha. El año que viene iré a conocerla bien.

– ¿Qué tal la experiencia en América del Norte?
Viajar es muy enriquecedor. Manu, Oscar y yo entrevistamos a Zach Lieberman y a Steve Giralt. Después nos fuimos a Montreal. Entrevistamos en un mismo día a Myriam Bleau y Herman Kolgen. Herman tiene el estudio más flipante que hemos visto en todo el rodaje. No hay espacio para poder describírtelo. Su entrevista fue brutal. Y con Myriam fue genial también, muy buena entrevista, muy didáctica, se expresaba muy bien. Decir que ninguno de los dos conocíamos demasiado a Oscar y después de este viaje hemos hecho muy buenas migas. Ahora somos amigos.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
A día de hoy nos encontramos en fase de edición. Hemos optado por editar por bloques o por temáticas. Nos quedan dos bloques solamente por editar, cuando esta noticia este publicada ya habremos terminado los bloques. Esos bloques están de manera ordenada y con un sentido. Ahora toca seguir la típica estructura de guión y desordenar un poco todo esto y tendremos una primera edición en timeline. Ya sabemos más o menos cuánto va a durar el docu pero no lo vamos a decir. Yo soy editor, colorista y me encargo de la postproducción. Manu está conmigo siempre. Dos pensando mejor que uno. Hacemos buen equipo.

– ¿Cómo llegasteis al primer guión?
Después de hacer las transcripciones fuimos abriendo secuencias en el timeline con las entrevista de cada artista. Marcamos timecodes en cada pregunta y todo esto lo llevamos a papel, para poder trabajar de manera ordenada y no volvernos locos. 220 páginas en total con todas las declaraciones. Cada uno de nosotros tenía una copia impresa y marcamos diferentes temáticas con colores. Durante el verano hemos ido leyendo y subrayando. Después de las vacaciones empezamos a crear un timeline con todo lo subrayado.

– ¿Y al segundo guión?
Después de la segunda criba de declaraciones se nos ha quedado un guión literario de 50 páginas más o menos. Ahora tenemos muy claro lo que va a salir y lo que no.

– Como director y editor del documental, ¿estás contento con el resultado?
Como director es un orgullo poder contar esta historia y como editor estoy muy animado. Me encaja todo muy bien, no hemos tenido demasiados problemas a la hora de darle forma. Esto viene porque habíamos hecho una buena preproducción con las preguntas que le hemos hecho a los artistas. Así que con la primera fase de la edición que es lo que estamos haciendo ahora estamos muy emocionados. Después viene el sonido, y a la vez el etalonaje y por último la postproducción.

ENTREVISTA A  MANU, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL & DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

– ¿En qué ciudades habéis realizado entrevistas?
Si no me equivoco, hemos grabado en un total de catorce ciudades: Madrid, Barcelona, Santiago de Compostela, Ibiza, Ginebra, París, Londres, Bruselas, Lovaina, Utrecht, Berlin, Nueva York, Montreal y San Francisco. En algunas de ellas por partida doble, como Londres, Paris, Barcelona o Bruselas. Ha sido genial poder viajar tanto para rodar el documental y tener la oportunidad de conocer tantos artistas en sus estudios.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
Es muy difícil responder con una sola experiencia… La grabación a Pierre Schneider y Francois Wunschell (1024 architecture) fue muy divertida por su sentido del humor, pero pisar la oficina de Ninja Tune en Londres y conocer a toda una institución como Matt Black es algo tremendo. En Montreal, Herman Kolgen nos abrió las puertas de su casa y nos hizo un tour por sus increíbles espacios de trabajo. En Nueva York, en un estudio situado en un rascacielos de Manhattan, Steve Giralt nos hizo una demo de cómo funciona su cámara super slow motion usando nuestra claqueta. Todo han sido grandes experiencias por el mero hecho de conocer a los artistas.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
Joannie Lemercier, por el recorrido que nos cuenta desde los inicios del arte visual hasta nuestros días y porque es Joannie Lemercier. Francois Wunschell por su particular visión del mundo del videoarte y su capacidad de transmitir conceptos bastante complejos. Y Matt Black, por sus amplios conocimientos y su contundencia en las respuestas.  Sumo a Daito Manabe, porque su manera de entender la relación entre el ser humano y la tecnología está a otro nivel.

– ¿Qué tal la experiencia en Estados Unidos?
Maravillosa en todos los aspectos. Primero porque esta vez Oscar nos acompañó en una gran aventura y compartimos grandes anécdotas que nunca olvidaremos. Conocimos y entrevistamos a artistas como Steve Giralt, Myriam Bleau, Zach Lieberman, Herman Kolgen y Bradley Gmunk, poco más que añadir… Bradley es muy agradecido. El viaje fue una paliza de horas de vuelo y trayectos, pero también tuvimos tiempo de patear Nueva York y Montreal. Y de San Francisco decir que es una ciudad que me sorprendió en todos los aspectos, vamos que me pareció una pasada y apenas estuvimos unas horas. Pedro y yo nos cruzamos Estados Unidos para entrevistar a Bradley, viajamos desde Montreal con vuelo de vuelta a la mañana siguiente, y aun así tuvimos tiempo de disfrutar de unas penosas vistas del Golden Gate (por culpa de la niebla) y de celebrar el supuesto fin de rodaje del documental con una merecida cena en Chinatown. Todo son grandes recuerdos de un viaje así y más cuando lo haces con dos cachondos como Pedro y Oscar.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
Estamos encarando la primera fase de la edición, básicamente seleccionando y estructurando el guión por temáticas. Pedro es el editor del documental por sus buenas dotes como montador, y los dos nos ponemos de acuerdo para ver qué entra, qué dejamos fuera y cómo hilamos los totales que tenemos. Vamos poco a poco dándole forma.

– Como director de fotografía del documental, ¿estás contento con el resultado?

Sí, siempre hay que estar contento de lo que uno hace y el género documental tiene muchas complicaciones. A veces porque el espacio es muy pequeño, porque somos un equipo mínimo o porque el tiempo es oro y cada segundo cuenta. Hay siempre mil factores a tener en cuenta, como en todos los puestos, y estoy contento de que hayamos sido capaces grabar este documental como lo hemos hecho.

ENTREVISTA A OSCAR TESTÓN, PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL

– ¿Tu top 3 de entrevistas del documental?
La verdad es que no puedo ser muy crítico en este tema ya que solo he asistido a las entrevistas que hicimos en EEUU y Canadá. Así que solo puedo opinar sobre 5 artistas. Pero espero con ansia escuchar a 1024 Architecture, a Joanie Lemercier y a Daniel Canogar. Por ahora mi preferido es Herman Kolgen.

– ¿Cómo ha sido la experiencia de liderar la producción del documental?
La verdad es que la experiencia empieza ahora, la parte donde yo más participo acaba de empezar. Los meses anteriores mi trabajo ha sido muy fácil ya que mis compañeros lo han tenido todo atado y ha sido un placer viajar y escuchar cómo iban sumándose artistas al proyecto. Ahora comienza todo el plan de mover el documental.

– ¿Cuándo está previsto el estreno y dónde?
La fecha exacta dependerá del patrocinador, si la idea es hacer más actividades y acciones los días del estreno del documental, ya nos estamos moviendo en ese camino. No quiero dar mucha más información pero en mi cabeza resuena ver el documental con calorcito en Madrid.

– A nivel distribución, ¿hay un plan?
Sssssshhhh, estamos trabajando en eso y queremos tenerlo más atado antes de compartirlo con vosotros. Os queremos sorprender.

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Nuestra crónica visual del MIRA Festival Barcelona 2018 en 3 vídeos

Par : volatil

Hace ya tres semanas del MIRA festival Barcelona y seguimos saboreando todas sus propuestas, tanto musicales como visuales. El festival ha ido madurando y creciendo edición tras edición, sin perder su esencia de festival acogedor y experimental, dirigido a todas esas personas ansiosas por descubrir nuevos sonidos y nuevas formas de expresión a través del arte digital.

El festival llego a su edición número 8 los pasados días 8,9 y 10 de noviembre en Fabra i Coats. El  Sold out de los abonos dobles ya apuntaba maneras y podemos decir que nuestro festival de invierno preferido se ha consolidado como un festival referente de arte digital.

La DOME by adidas Original Show A/V Dasha Rush con las visuales de Stanislav Glazov.

En este artículo anterior ya te hablamos de todas las propuestas visuales que queríamos ver: Los artistas visuales del Mira Festival 2018. Y en esta crónica que viene a continuación, compartimos tres piezas de vídeo para mostrarte cómo vivimos el MIRA desde dentro.

Instalación “IMAGINARY LIMIT” de Nick Verstand y Salvador Breed

¿Empezamos por los shows A/V? En poco menos de dos minutos, un pequeño resumen visual de lo que fueron los directos audiovisuales. En general, vimos muchas visuales no figurativas, con gráfica ruidosa y mucho glitch. En el vídeo verás la gráfica generativa de Alba G. Corral y sus propuestas visuales para los temas de una de las bandas más esperadas: “El Sueño de Hyparco”. Los vídeos llenos de juegos de luces de Dan Conway que acompañó el directo de Seefeel. El ruido y el glitch de Marta Verde y la gráfica geométrica de las visuales del directo de Tangerine Dream. Lo de Atom™ son palabras mayores. Imágenes reales, como sacadas de las noticias, bandalismo callejero y fuerzas policiales. La repetición y los loops de las imágenes mantienen una relación con la música que te atrapa. El VJ Jason Voltaire llamó nuestra atención con sus visuales llenas de mensajes dirigidos al público. El final apoteósico de DJhonston en The Loft no hubiera sido lo mismo sin las visuales de Jordi Pont de Onionlab.

Seguimos con las instalaciones inmersivas de gran formato. Quizá nos faltó algo más de interacción, para sentir ese protagonismo que tanto nos gusta ante las obras de arte digital. Pero podemos decir que subir las escaleras del MIRA para llegar a estas dos instalaciones valía la pena. Ambas nos hicieron sentir esa sensación de estar en una realidad paralela, como si el tiempo se parara y el mundo se reduciera a lo que ves y a los que escuchas, a lo que sientes.

La primera que aparece en el vídeo es IMAGINARY LIMIT, una instalación audiovisual de Nick Verstand y Salvador Breed que simboliza las limitaciones internas que nos imponemos a nosotros mismos al influir en nuestra percepción de la luz y el sonido.

Y la segunda es “Licht, mehr Licht!”, o “Luz, más luz!” en español, fueron las últimas palabras del gran escritor y pensador científico alemán Goethe. La instalación, creada y desarrollada por el artista visual francés Guillaume Marmin, se hace eco de experiencias cercanas a la muerte, cuyos supervivientes describen un “túnel de luz” que se abre más allá de la oscuridad.

La DOME by adidas Original no fue lo que más nos gustó de esta edición pero no podemos negar que es una suerte poder tener esta cúpula inmersiva cada año en Barcelona. Este año solo hubo un directo en la DOME, el de Dasha Rush con las visuales de Stanislav Glazov. La parte visual nos pareció de gran nivel pero la música sonaba lejana, suave y echamos de menos algo más de intensidad, era complicado meterse dentro de la historia.

Vimos “CONTEMPORARY HARDCORE” by KONX-OM-PAX SCREENING del artista multidisciplinar Tom Scholefield, mente creativa detrás del alias Konx-Om-Pax. El uso del color parecía que iba a salvar la pieza pero  aquí además de sonido, nos faltó ritmo y sincronización.

Seguimos con “SPECTRUM OF THE CORAL” by FRAGMATISTA SCREENING. Su autora es Fragmatista, alias de la artista digital peruana Giselle Angeles. El contenido de la pieza se creó mediante el escaneo 3D y el diseño de esculturas de realidad virtual en tiempo real, que nos llevó a un espacio inmersivo creado a partir de un mundo surrealista lleno de paisajes digitalizados. Sin duda, la pieza más interesante que vimos aunque, una vez más, nos faltó volumen de sonido.

Para terminar y como conclusión final, podemos decir que esta edición puede haber sido la mejor de todas. Por su programación, organización y propuestas tanto musicales, como audiovisuales y de arte digital.

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Top 10 artículos más leídos del 2018

Par : volatil

Este año ha sido grande por muchos motivos. Desde Vjspain apoyamos el documental “Visualist, those who see beyond”, que muy pronto verá la luz. Gracias a este proyecto hemos profundizado en el trabajo de grandes artistas tanto locales como internacionales.

Pero además, hemos sido espectadores de directos audiovisuales de gran calidad en varios festivales del país. En marzo dentro del marco de Mutek Barcelona alucinamos con el directo de Herman Kolgen y el show de Alexandre Burton & Julien Roy (artificiel). Viajamos a Madrid para conocer el proyecto Sonar360º by MEDIAPRO, el dome que disfrutamos después en Sónar Día Barcelona y redactamos este artículo sobre la parte visual del Sónar 2018. Viajamos a Gijón para disfrutar de la programación del L.E.V Festival y nunca olvidaremos la actución de Hiroaki Umeda. También estuvimos en Amsterdam y tuvimos la suerte de ver el directo apoteósico de Nanotak en el festival Dekmantel. Otra de las aventuras inolvidables de 2018 fue nuestro viaje a Praga y este vídeo resumen del Signal Festival. La mejor edición del Mira Festival y la gran presencia de artistas visuales mujeres será también difícil de olvidar.

Y ahora, sin más preámbulos, damos paso al top 10 de los posts más leídos del año.

#TOP1 – Augmented Laser Projection Interaction · Colorsound

La proyección aumentada a tiempo real con láser fue un éxito, un híbrido entre proyección y láser calibrado con interacción a partir de un código personalizado hecho con VVVV.

#TOP2 – Telenoika organiza el ER…VA40 :: Comunidad AV Península Ibérica

El objetivo del encuentro fue ampliar los debates sobre las producciones de Live AV en la Península Ibérica y fortalecer las redes entre los colectivos de artistas audiovisuales.

#TOP3 – Mira Festival. Resumen visual a través de 3 vídeos.

Hicimos resumen visual de los shows A/V que vimos, las instalaciones interactivas y la dome.

#TOP4 – Exposición “Work into the light” by Slidemedia

Un viaje retrospectivo por su trayectoria.

#TOP5 – ‘Luces por Segundo’ by Martin Borini aka Ailaviu

Esta presentación audiovisual formó parte de la programación de Mutek Buenos Aires 2017, una propuesta audiovisual con la música de Luis Maria Ducasse, sonidos techno o acid house y en formato hardware live set.

#TOP6 – Duodécima edición de L.E.V Festival Gijón
A esta edición del Laboratorio de Electrónica visual se sumó la creatividad de la italiana Michela Pelusio para interpretar la física cuántica.

#TOP7 – Videomapping en el Museo del Prado por su bicentenario de la mano de Onionlab

El show organizado por la agencia de eventos Ciudadano Kien, se complementó con una actuación teatral aérea de la mano de la Fura dels Baus, la guinda final la puso Pirotecnia Vulcano.

#TOP8 – Nomada Studio y Conrad Roset presentan el videojuego GRIS

Esta es la historia de Adrián Cuevas y Roger Mendoza que un día conocieron a Conrad Roset en Barcelona, del encuentro surgió un proyecto que duraría unos años y que hoy ha visto la luz. GRIS es el primer videojuego del estudio barcelonés Nomada Studio.

#TOP9 – Signal Festival Praga.

El Signal Festival es el festival de luz de Praga. Este año ha llegado a su 5ª edición y nos invitaron a disfrutar de sus obras en vivo y en directo.

#TOP10 – Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores.

Pedro Pantaléon y Manuel Sanchez-Cid son los directores del documental Visualist. Han tenido la suerte de conocerse y encajar a la perfección en un punto concreto de su trayectoria profesional.

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Hablamos con Andrea Familiari sobre su canal de entrevistas a visualistas – Psst.one

Par : volatil

English Below

Psst.one es un canal online de entrevistas a visualistas que nació en 2017 de la mano del artista visual Andrea Familiari aka Fax, programador, visualista y diseñador de iluminación. Le conocí en Mira Festival Berlín 2018 después de realizarme una entrevista para su canal. Actualmente hay 41 entrevistas publicadas. La finalidad del proyecto Psst.one se basa en crear un archivo online para conocer la historia y  el trabajo de Vj’s y visualistas. También es una fuente de inspiración a partir de otras realidades artísticas presentes en el mundo A/V. Psst.one quiere ser el lugar donde se muestran las «caras» del mundo visual.

Stanislav Glazov, Geso, Jem the Misfit, Lucas Gutierrez, Vj Fader, CyTone, A-li-ce, Malo, Kalma, Mxzehn, Van Ta, Richard Burns, Maotik, Javier Alvarez, Ahmet Said Kaplan, Stefan Kainbacher, Tarik Barri, VJyou & Mari Asada, Noah Norman, Optic Veil, Pierce Warnecke, Michael Tan, Sam Wiehl, Vj Entter, Volàtil Vj, Elburz Sorkhabi, Alessandra Leone, Greg Hermanovic, Hendrik Wendler, Sal Stapleton, Ari Dykier, Lasal, 404.zero, Fidel Eljuri, Alba G. Corral, Marta Verde, Multiscalar, Emile Barret y Marcel Weber i MFO.


– Nombre, estudios, actividad laboral.

Andrea Familari, también conocido como Fax, estudié Historia del Arte en la Universidad de Pisa, soy programador autodidacta, visualista y diseñador de iluminación.

– Lugar de nacimiento y lugar de residencia.
Nacido en Pisa, Italia, con sede en Berlín.

– ¿Vj actualmente? ¿Dónde?

No soy propiamente un Vj, creo imágenes en tiempo real para espectáculos A/V y videoclips para músicos (Oscar Mulero, Jk Flesh o Miss Red, entre otros).

– ¿Tienes otros proyectos?

Me divido en dos enfoques diferentes: con mi nombre Andrea Familari actualmente produzco contenido visual para proyecciones e instalaciones interactivas en el campo del «arte contemporáneo». Con el seudónimo FAX, colaboro con artistas en videoclips, shows  A/V y producción de espectáculos y exposiciones. Actualmente estoy de gira con los shows de Marco Donnarumma como productor de iluminación y escenografía y estoy trabajando en mi nueva exposición.

– ¿Qué es psst.one?
Psst.one es un canal online centrado en entrevistas semanales sobre los artistas involucrados en todos los aspectos relacionados con el campo del audio/vídeo. Psst.one nació con la intención de contribuir a la creación de un legado relacionado con el campo del «visualista».

– ¿Cómo y cuándo empezó?
Pensé en ello en la primavera de 2017 y ese verano empecé a contactar a los primeros entrevistados, tomé mi Sony NexVg20 y comencé a grabar las primeras entrevistas en Berlín. El primer vídeo salió el 20 de octubre de 2017.

– ¿Quién forma el equipo?
Yo soy fundador y director. Fara Peluso es la diseñadora gráfica y Luca Caciagli es la fotógrafa de los eventos que organizamos en Spektrum cada dos meses.

– ¿Por qué entrevistar solo a artistas visuales?
Personalmente, me gusta leer biografías de artistas y me encanta saber cómo evolucionaron su estética y cómo crearon sus obras, pero no hay nada sobre  visualistas al respecto. Si quieres saber más acerca de un solo artista de nuestro campo es muy difícil y no hay suficiente material en mi opinión. También hacemos visuales y hay muy pocas entrevistas en video sobre visualistas. Por estas dos razones principales decidí crear este canal. Sinceramente, no pensé que aprendería tanto sobre otros procesos de trabajo ni que haría tantos amigos, todavía estoy convencido de que tomé la decisión correcta.

– ¿Cuántas entrevistas tienes?
Ahora, a fines de diciembre de 2018, publiqué 39 entrevistas, pronto saldrán las próximas.

– ¿Cuántas entrevistas al mes? ¿Hay una frecuencia?
Generalmente cuatro entrevistas al mes, una por semana básicamente.

– ¿Hay algo en común en todas tus entrevistas?
Lo único en común de todas las entrevistas es la primera pregunta, «¿Cómo empezaste con las imágenes?». Luego el resto de preguntas son diferentes. En nuestro campo tal vez exista un estilo común en algunos artistas (imágenes visuales, cine en vivo, glitch, analógico, etc.) pero hacemos las cosas de una manera diferente, me gusta destacar la singularidad de cada artista que entrevisto.

– ¿Cuál es el propósito del proyecto?
El propósito del proyecto Psst.one y su presencia en la web es crear un archivo digital que ofrezca la posibilidad de tener una historia y al mismo tiempo inspirarse en otras realidades artísticas presentes en el mundo A/V. Psst.one es el lugar donde se muestran las «caras» del mundo visual.

– Objetivos de futuro.
Con psst.one, me gustaría publicar 40 entrevistas esta temporada, estoy trabajando para ir a EE.UU y a Asia a grabar la mitad de la próxima temporada en esa parte del mundo y tal vez en los próximos años un documental, ya veremos.

Gracias por esta entrevista, un placer.

 

English

– Name, studies, work activity.
Andrea Familari aka Fax, History of Art at the University of Pisa, self-taught coder, visualist and light designer

– Place of birth and place of residence.
Born in Pisa, Italy, based in Berlin.

– Vj currently? Where?

Not proper a vj, I have my personal patches for a series of A/V Improvisation and I create realtime visuals for A/V shows and videoclips for musicians (Oscar Mulero, Jk Flesh, Miss Red, ecc)

– Do you have another projects?
I divide myself in two different approach: with my name Andrea Familari I currently produce prints,screening and interactive installation for the “contemporary art” field (http://www.famifax.com/fami). With the pseudonym FAX, I collaborated with artist for videoclips, A/V performances and production of show and exhibition. (http://www.famifax.com/fax)
Currently I’m touring with Marco Donnarumma’s shows as light design and stage producer and I’m working on my new exhibition.

– What is psst.one?

Psst.one is a web channel focused on weekly video interviews about the artists involved in all aspects related to the audio/video field. Psst.one was born with the intent to contribute to the creation of a legacy, related to the field of the ‘visualist’.

– How and when did it start?
I was thinking about it in the spring of 2017 and that summer I started to contact the first interviewees, I took my Sony NexVg20 and I started to record the first interviews in Berlin.
The first episode was out the 20th October 2017.

– Who forms the team?

I’m the director and the main guy of the channel.
Fara Peluso(http://www.moodif.net/site/) is the graphic designer and Luca Caciagli is the photographer of the events that we organise in Spektrum every two months.

– Why interview only visual artists?

Personally I like to read biography of artists and I love to know how they evolved their aesthetic and how they created their works, but there are nothing for visualist about it. 
If you want to know more about one single artist of our field is very difficult and there are not enough material in my opinion. Also we do visuals and there really few video interviews about visualist. For this two main reasons I decided to start this channel.
Honestly I didn’t think to learn so much about other process of work and make friendship, I’m still convinced that I made the right decision.

– How many interviews do you have?

Now, at the end of December 2018, I published 39 interviews, I already recorded more and I already plan the future interviews.

– How many interviews each month? Is there a frequency?

Usually four interviews every month, one per week basically.

– Is there anything in common in all your interviews?

The only one thing in common of all the interviews is the first question, “How did you start with visuals?”, then everyone is different. In our field there is maybe a common style (generative visuals, live cinema, glitch, analog one, ecc.) in some artists, but we do so much stuff in different way that is complicate to put out the common part. Also I like every time to underline the singularity of every single artist that I interview.

– What is the purpose of the project?
The purpose of Psst.one project and its presence on the web is to eventually create a digital archive giving the possibility to have a history and at the same time be inspired from the other artistic realities present into the A/V world.
Psst.one is the place where the ‘faces’ of the visual world are shown.

– Goals of the future
With psst.one, I would like to publish 40 interviews this season, I’m working to go in US and Asia to record half on the next season on that part of the world and maybe in the next years a documentary, we will see

Thank you for this interview, a pleasure

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Jornadas A/V B12 Gallery Ibiza & SO.

Par : volatil

La Galería B12 acogió en Ibiza, durante un fin de semana, una propuesta liderada por el colectivo Visuals For The Masses, del que ya te hemos hablado, y esperamos hayas escuchado, ya que se trata de un potente podcast colaborativo con profesionales del sector visual de todo el mundo. De la mano de este colectivo, tuvieron lugar las primeras jornadas sobre artes visuales y visualistas con la idea de que se celebren de forma mensual.

Para la inauguración, el viernes 11 de enero, tuvo lugar una masterclass de la mano de Gnomalab (Juanjo Fernández). La jornada de networking continuó con una comida junto al colectivo Visuals For The Masses y una mesa redonda sobre Show Running en Clubs. Participaron grandes profesionales como Pedro Comesaña (3DLight), Ivi (Improbable Films), Gus (vídeos de Amnesia), Masha (Icemash), Karlos Molina (Dj), Danny Lloyd (DJ), Elimaginario (diseñador visual de Music On y uno de los organizadores de la cita) y otros miembros de Visuals For The Masses.

El sábado 12 tuvo lugar una sesión muy especial en B12 Ibiza con una nueva edición de la fiesta So en la que los asistentes pudieron disfrutar de una instalación de láser y visuales creada por Elimaginario y A.P patrocinada por Pirolaser FX. Las visuales corrieron a cargo de Gnomalab y Elimaginario.

Welcome atmosphere_Daze Tie A/V set up.
Live A/V Karlos Molina + Danny Lloyd + Gnomalab + El Imaginario.
Instalación Visual_El Imaginario + A.P. + Pirolaser FX

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Visionarium Art Festival. 17 al 19 de Mayo en Vilafranca del Penedés

Este fin de semana el equipo de Vjspain se desplaza a Vilafranca del Penedés para asistir al Visionarium Art Festival. Un festival del que seguramente no hayáis oído hablar todavía, es el primer festival de este tipo en el mundo.

El Visionarium Art Festival es un evento dedicado al arte visionario, pensado para juntar artistas, decoradores y creadores visuales y poder crear, enseñar, exponer y aprender juntos durante tres días, y acercar este mundo al público en general. Se celebra del 17 al 19 de mayo, aunque hay también pases especiales de un solo día para los residentes en la provincia de Barcelona.

Se podrán en común diferentes expresiones de arte visionario: pinturas en lienzo, esculturas, instalaciones, video, proyecciones en 360º, sonido, hologramas o realidad virtual.

Algunos de los artistas que veremos:

Android Jones, uno de los artistas más aclamados de este género, presenta Samskara, una proyección inmersiva sobre un domo.

Ihtianderson, promotores del festival, artistas que llevan desde 2007 decorando los mayores festivales psicodélicos del mundo, innovando en cada instalación con nuevas técnicas jugando con transparencias y profundidades. Montarán la decoración del festival y expondrán sus lienzos.

Centaurus, uno de los mayores artistas actuales de string art.

Pascal Ferry, pintor Francés que ha expuesto sus obras por todo el mundo, con grandes influencias del arte místico y simbólico.

Julius Hursthuis, explorando el mundo de los fractales a través de animaciones y realidad virtual.

Luminokaya, que ha evolucionado a lo largo de 20 años a través de diferentes técnicas, como cine 4D, realidad virtual o escultura digital en vivo.

O Natural Warp, que lleva años explorando el arte digital psicodélico, últimamente también a través de video en 360º y realidad virtual.

Por nombrar algunos, pero aquí podéis ver muchos más.

Además, lo más interesante de este festival es la posibilidad de participar en diferentes talleres para compartir y aprender técnicas con los diferentes artistas, así como charlas, live painting y body art.

Todo esto acompañado de música étnica, instrumental, ambient, psychill y downtempo, con conciertos y actuaciones en vivo. En un entorno natural en la zona del Penedés.

Aquí podéis ver el video de presentación del festival:

Queremos visitar y vivir este festival como una nueva aventura dentro de la serie de festivales que nos rodean en el día a día. Un festival diferente a los que solemos ir y pionero en España, con un encanto especial por la localización y la temática tan basada en lo visual.

Agradecemos a la organización la invitación de conocer de primera mano el festival y poder contarlo a la vuelta. ¿Nos acompañáis?

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Voces, instalación audiovisual inmersiva por playmodes

Voces es una instalación audiovisual inmersiva que toma como lienzo la arquitectura interior de la Fundición Mayor de la Fábrica de Artillería de Sevilla.

La voz de la ciudadanía, elemento clave de este nuevo espacio cultural, insufla nueva vida a esta arquitectura singular. Voz que se transforma en luz, estableciendo un diálogo entre la arquitectura y sus futuros habitantes, entre el pasado y el presente, entre distintas culturas, opiniones y credos.

Real Fabrica de Artilleria de Sevilla
17, 18, 19 de Mayo . De 21h – 0h

www.playmodes.com

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Kubrick’s Odyssey 2019, el primer mapping audiovisual dentro de un cine

Par : volatil

El pasado viernes 10 de mayo en el cine Kubrick de Vilafranca del Penedès, el compositor musical Roger Subirana y la artista visual Silvia Isach, aka Sínoca, llevaron a cabo una experiencia pionera de mapping audiovisual nunca antes realizada en la sala de un cine.

Una obra inédita de video mapping inmersivo, emotiva, experimental, transgresora y de carácter futurista, inspirada en la película ‘2001: Una Odisea del espacio’ de Stanley Kubrick. Un espectáculo novedoso que activa los estímulos sensoriales gracias a la fusión de los efectos sonoros y la música con las imágenes sobre dos superficies: la pantalla del cine y la instalación de un monolito situado delante, creando de esta manera un  espacio 3D.

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Hamill Industries & Shelly: Audible Spectrums · Sónar 2019

Par : volatil

Este año el Sónar cambia de fechas.  18, 19 y 20 de julio serán las fechas del Sónar 2019. Nosotros, como es habitual, vamos a ir seguro. Como siempre, la programación está llena de joyas imperdibles pero este post se lo queremos dedicar a Hamill Industries & Shelly y a su proyecto Audible Spectrums. ¿Cuándo? Tomad nota, el sábado 20 de 14:00h – 14:40h en Sónar de Día – SonarComplex.

Fue en el Mira Festival 2016, que tuvimos la suerte de asistir a la conferencia de Hamill Industries, un estudio de Barcelona, formado por Pablo Barquín y Anna Díaz, y entendimos el trabajo que hay detrás de un videoclip como el de Floating Points y de la instalación que han montado en todos los conciertos de la gira del grupo. Ellos aseguran que no les gusta hacer las cosas fáciles y que prefieren complicarse. Es complejo definirles, a ellos también les cuesta, son ingenieros, artesanos, diseñadores, vj’s, inventores pero ellos se sienten más cómodos con la palabra “makers”. Trabajan tanto con las manos como con la pantalla del ordenador.

Audible Spectrums es el nuevo show audiovisual realizado por Hamill Industries. Una vez más, dan un paso hacia el pasado basándose en la visualización analógica del sonido gracias a una mezcla de tecnologías de los años 80 y modernas. Un show que combina a la perfección luces, láser y visuales que reaccionan a frecuencias de sonido, estructurado en loops de audio y teniendo en cuenta su modulación, de forma que las propias olas de sonido se convierten en visuales y viceversa. Escuchar lo que ves.

El show servirá también para mostrar cómo funciona el sistema creado por Hamill para la gira que acompañó a Floating Points durante el 2018. En este caso el dúo de creadores barceloneses estarán acompañados por uno de los productores emergentes más interesantes de la escena local, Shelly, participante nacional en la última edición de la Red Bull Music Academy en Berlín.

Hamill Industries es un estudio creativo formado por los realizadores, inventores y artistas visuales Pablo Barquín y Anna Diaz. Su práctica se centra en combinar técnicas digitales, robótica y visuales para explorar conceptos de la naturaleza, el cosmos y la física. Desde 2016 han acompañado de gira al productor, compositor y DJ Floating Points, y son los responsables de la parte visual de su álbum «Reflections – Mojave Desert».

Por su parte, Shelly – anteriormente conocido como DJ iTunes10.2 – es uno de los residentes de la emisora dublab.es y también mitad del dúo de new-trance/rave TOP74, además de formar parte de la familia alrededor del club alternativo El Pumarejo de Barcelona. Hammill y Shelly han trabajado ya anteriormente juntos en dos instalaciones: “Fundamental Noise”, en colaboración con Mans O, y la recién estrenada “Chrysalis”.

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Sensorium Festival del 7 al 9 junio en Bratislava

Par : volatil

Marta Verde nos regala esta crónica de Sensorium Festival 2019. Toda tuya si sigues leyendo.

Sensorium es festival de tamaño pequeño-mediano, muy completo (workshops, panels, charlas, performances…) en una ciudad europea seguro desconocida para muchos; que nos recuerda a los inicios del antiguo Resonate; tanto por el contenido como por el tipo de venues elegidos para las diferentes actividades. Totalmente recomendable. Se agradecen iniciativas como esta, hechas por un equipo humano con ganas de hacer las cosas bien.

Se usó la temática “La mente aumentada” como una lente para poder explorar el modo en la que los artistas, diseñadores y tecnólogos trabajan con el concepto de “aumento” como principio creativo.

Las actividades fueron muchas, pero estos son mis highlights:

Instalaciones

Había dos tipologías de instalaciones, las reunidas en el venue principal, el Pistori Palace (donde también se daban las charlas, networking y otras actividades), e instalaciones en otros lugares de la ciudad; outdoors y galerías de arte (para los cuales no hacía falta entrada, eran abiertas al público)

Un bonito detalle la botella de agua de cristal con la programación del festival que entregaban con la pulsera. Con el calor que hizo en esas fechas se agradecía.

Otro detalle muy interesante, es que se hizo un tour gratuito previa inscripción el último día del festival, con visitas guiadas a las instalaciones, con explicaciones de los artistas/comisarios. Un gran modo de hacer más comunidad y también para el propio público tener una visión más completa de las piezas. También se hizo un “urban sound walk” promocionado por un artista sonoro, en el que los asistentes experimentaban diferentes sensaciones y un punto de “vista” diferente de la ciudad, mediante el recorrido de ésta con un dispositivo especial creado por el artista.

Pistori Palace: Sorprendente la mezcla de diferentes tipos de proyectos (bastante VR pero también proyectos que interseccionaban diferentes disciplinas, con una gran importancia por resaltar la parte física: la fabricación digital estaba muy presente), además de la presencia de algunas piezas de estudiantes de ECAL; con un nivel muy alto.

Dyne Modular System
Luca Kasper

El acabado de este kit de sintetizadores modulares con interfaces táctiles desarrollado por este estudiantede Écal era muy interesante; además del uso de superficies táctiles o gestos en vez de potenciómetros y sliders.

ORB /play
Roman Mackovič

Esta instalación estaba situada antes de la zona de las charlas. Se trataba de un objeto interactivo esférico colocado encima de una estructura con rodamientos que permitía que rotase libremente sobre la base. Los gráficos se comportaban como un puzzle con físicas que se readaptaba a la posición de la esfera; generando sonido también a través de la colisión de estas piezas. Muy interesante.

Light Them All
Corentin Vignet

Otro proyecto interactivo jugable (el objetivo era encender las lámparas utilizando el teléfono móvil como controlador, pudiéndose jugar en grupo) muy bien ejecutado, proveniente de la escuela Écal

πTon
Cod.Act

Impresionante. Se trataba de una instalación performática, por lo que no estaba permanentemente en funcionamiento; sino que los pases se repetían a lo largo del día.

Se trataba de un extraño cuerpo elástico compuesto por módulos similares a llantas, que reaccionaban al sonido resultando una mezcla entre las distorsiones de una estructura elástica y síntesis en tiempo real de la voz humana.

The Inflovable Machine

Monica Rikić

Se trata de un instrumento musical colaborativo creado a partir de unos grandes inflables con forma tubular que se hinchan y deshinchan mediante la interacción del público y van generando de esta forma diferentes sonidos, como si de un órgano de aire se tratara. El público interactúa con la pieza mediante unos tubos dispuestos en una caja de control, por los que puede soplar, activando unos ventiladores que van hinchando y deshinchando los globos, creando distintos sonidos y composiciones musicales colectivas.

Conceptualmente, y en la línea temática de la ‘mente aumentada’ de Sensorium y ‘La ciencia del amor’ de Silbersalz, la pieza dispone de 3 botones en la parte frontal que modifican el tipo de output del instrumento. Cada uno de ellos se vincula a uno de los tres estados del amor, basado en la investigación de Helen Fisher (speaker invitada al festival Alemán): impulso sexual, amor romántico y apego.

Satelit gallery

Matthew Plummer Fernandez – Augmented Authorship

La obra de Fernández reflexiona sobre los conceptos de autoría y los procesos automatizados. Sus últimas piezas hablan sobre el concepto de aumentado como principio del diseño, y explora cómo los procesos computacionales facilitan nuevas formas de autoría y de creación.
Ejemplos: una escultura que fusiona todos los modelos 3d disponibles online de Mickey Mouse en una.
O un bot que rastrea uno de los repositorios más importantes de impresión 3d ; se descarga modelos random de diferentes usuarios, generando nuevos modelos a partir de ellos; incluso utilizando los títulos originales para generar los nuevos.

Performances
A4, KARPATSKÁ 2, BRATISLAVA

Jonathan Reus – iMac Music

Puro glitch.
El instrumento base de la performance, tanto para generar audio como para vídeo, era un Imac G3 circuitbendeado. Los propios sonidos del sistema modulados y los gráficos eran la base de la performance, dirigida en 3 actos. Cada acto realmente terminaba cuando el ordenador no aguantaba más y se reiniciaba de modo forzado.

Charlas, panels & industry

El nivel de las charlas (parte que considero muy importante en un festival de estas características) era muy alto, incluyendo tanto artistas consagrados (Elliot Woods de Kimchi & Chips, Claire Tymon de FutureEveryhing… ) como nuevos talentos o perfiles no tan conocidos a nivel internacional.
El acogedor tamaño del festival hacía muy accesible la posibilidad de hacer preguntas, o incluso de en momentos de networking o impass, poder charlar tranquilamente con los artistas.
Se trataron temáticas como el futuro del VR en las artes, como la tecnología “aumenta” la creatividad, la arquitectura digital en la educación….
Además, se hicieron otro tipo de “panels” abiertos al público en la ciudad, para los cuales no hacía falta entrada (un buen ejercicio para acercar el festival a la ciudad

Otro punto interesante del festival fue que se llevó a cabo un “industry meetup”, donde personas provenientes de la industria y otros festivales europeos relacionados con los medios digitales, compartieron ideas y experiencias para mejorar la interrelación y favorecer el intercambio entre ellos.

Cris Valenzuela impartió un workshop iniciático de un día completo enfocado en el uso de Runway, herramienta de Machine Learning para aplicaciones creativas. No pudimos asistir, pero la gente que salía del taller, tenía cara de haber recibido mucha información en poco tiempo, lo que es bueno 🙂
También había hueco para los más pequeños, con un taller dirigido a ellos.

Autora del artículo: Marta Verde

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Eufònic Festival 2019 · Destacamos su parte más visual

Par : volatil

Eufònic es un festival alrededor de las artes sonoras, visuales y digitales, de cuatro días de duración (del 5 al 8 de septiembre) y que se celebra en Sant Carles de la Ràpita y, de mediados de agosto a mediados de septiembre, se expande con instalaciones artísticas a varios espacios de Terres de l’Ebre: Amposta, Miravet, Roquetes, Tortosa y Ulldecona. Eufònic son artes excepcionales en su más amplia acepción: actuaciones audiovisuales, talleres, instalaciones en espacios museísticos, acciones sonoras, actividades para el público familiar y conciertos en espacios singulares. En Eufònic hay espacio para todo tipo de propuestas, siempre con la experimentación y la búsqueda constante como objetivo, lejos de fórmulas preestablecidas.

La jornada Eufònic Pro se celebrará el viernes 6 septiembre de 11:00 a 17:30 en el nuevo y remodelado Maset Espai Jove de Sant Carles de la Ràpita y se configura como un programa transversal de actividades teóricas y prácticas. Tomando el relevo a la jornada #supportvisualists, celebrada los últimos tres años.

Las actividades contarán con ponentes como Natalia Fusch (programadora del festival Gamma de San Petersburgo), las creadoras Elena Juárez y Sofía Crespo, el coreógrafo Roberto Oliván (Deltebre Dansa), Pete Thornton (programador del festival Splice de Londres), Néstor Torrens (director del festival Keroxen de Canarias), Pat Quinteiro (prensa y comunicación de festivales como Jazz Formentera o Mutek Barcelona), Luis “Kitas” Banrezes (del festival Tremor de Las Açores), Olivier Rappoport (Mixtur) y Albert Pujol (Fira Litterarum), entre otros.

Con inscripción gratuita, Eufònic Pro es un punto de encuentro para los profesionales de la creación y la gestión cultural multidisciplinaria, en una ventana abierta y bidireccional al mundo de la creatividad entendida en todas sus vertientes que incluye la música, las artes visuales y digitales y las artes escénicas y en movimiento, siempre con el objetivo de fortalecer el conocimiento y contribuir a su transformación.

DESTACAMOS LA PARTE MÁS VISUAL DEL LINE UP DE ESTA EDICIÓN

Artista visual y creativa new-media establecida en Madrid, Elena Juárez trabaja con gráficos interactivos, generativos e instalaciones multimedia, y ha participado en charlas y talleres en espacios capitales como Medialab Prado o Matadero. Pero es su práctica principal, con una especial motivación para “iluminar espacios oscuros” y una vinculación tan grande con la música electrónica, que nos hace proponerle acompañar los dos DJ sets de cierre de las noches Eufònic, con C.E.E. Shephers y Ylia. Geometría y narrativas abstractas parametreadas en vivo y en directo.

El Auditori Sixto Mir de Sant Carles de la Ràpita acogerá dos espectáculos audiovisuales por parte de artistas internacionales, trabajos que solo se pueden ver en espacios escénicos como teatros o auditorios, con escenario y caja negra. Los dos espectáculos que conforman la programación del Auditori son «Membrane» de los quebequeses Push 1 Stop & Wiklow y «_nybble_» del francés Alex Augier.

Entre el diseño 3D motion y el arte generativo, el trabajo de la quebequesa Push 1 Stop se forma a través de la acumulación de ambientes narrativos elegantemente precisos y complejos, que le ha llevado a ser considerada una de las mejores artistas visuales del momento. Junto al también canadiense Wiklow han creado “Membrane”, un pieza generativa de proyecciones volumétricas, humo ascendente y algoritmos reactivos, invitándonos a entrar en un espacio creado entre la percepción y la ilusión. Juntos inaugurarán el Auditori Sixto Mir, el nuevo espacio del festival dedicado a los espectáculos audiovisuales y digital-performativos.

Alex Augier es un artista francés, que ha presentado sus trabajos en festivales como Scopitone o Nemo (Francia), Elektra (Canadá) o Media Ambition Tokyo (Japón), y creador con Alba G. Corral de los espectáculos “end(O)” (Today’s Art 2018) y “ex(O)” (LEV 2019, Sónar 2019), viaja a Eufònic con «_nybble_», una pieza audiovisual en la cual combina música y luz en un minimalismo digital a través de cuatro pantallas transparentes que acogen -físicamente- al artista en su interior, donde aquello que ves y aquello qué oyes forma un todo electrónico, orgánico, en una entidad sinestésica onírica y poética. Uno de los más sugerentes creativos visuales y sonoros del momento.

Como ya es tradición, el fin de semana anterior a los días centrales de Eufònic se presentan las instalaciones artísticas en otras poblaciones, espacios museísticos o temporalmente habilitados que acogen trabajos de artistas internacionales y actuaciones especiales. Roc Jiménez de Cisneros, maestro de la computer music, presenta “sense títol” en el Museu de Tortosa, una instalación de láseres que remite a la cultura rave. Presentará su instalación de láseres “sin título” (¿o pensabais que ya se había estandarizado?), donde promete una experiencia intensa y, al mismo tiempo, extremadamente sutil nacida de la pieza que presentó el año pasado en Arts Santa Mònica. Del club al museo, la computer music siempre ha tenido un nombre, pero a este artista barcelonés se le quedan cortas las etiquetas.

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