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Maya 2019 : quels gains concrets en performances ?

Par Shadows

Steven Roselle, spécialiste technique chez Autodesk, a récemment présenté un webinar sur les performances de Maya. En voici la première partie, centrée sur la gestion des fichiers et les interactions. Pour les pressés et les anglophobes, vous trouverez juste en dessous un récapitulatif des principaux chiffres donnés.

L’intérêt de la vidéo réside essentiellement dans les chiffres concrets qu’elle fournit en comparant Maya 2019 à 2018 et 2017.

Ainsi, Autodesk estime avoir gagné de l’ordre de 73% en performance, en moyenne, pour l’ouverture et l’enregistrement de fichiers .ma, .mb, .fbx., entre Maya 2017 et 2019.
Derrière ce chiffre se cache évidemment une certaine disparité : certains points et cas précis ont subi des optimisations conséquentes, tandis que d’autres n’ont que peu évolué. Ainsi, une scène riche en objets s’ouvrira 25% plus vite, mais une scène comportant un nombre important de shaders assignés à des portions d’objets et non à des objets entiers pourra s’ouvrir jusqu’à 7 fois plus rapidement.
Les meshes denses, scènes avec objets masqués et métadonnées font aussi partie des points sur lesquels les équipes Autodesk ont travaillé.

Autre point abordé, la gestion des fichiers en réseau : un point évidemment utile pour les studios. Les gains sont ici énormes, lorsque l’on sauvegarde une scène, entre les versions 2017 et 2019 : jusqu’à 11 fois plus rapide dans un des cas présentés ! L’équivalent d’une petite pause café…
Globalement, les temps de sauvegarde pour les scènes de test passent d’un temps de sauvegarde qui se compte en minutes à des sauvegardes de l’ordre de la trentaine de secondes.

Pour le chargement des textures, Autodesk affirme avoir apporté un gain allant jusqu’à x8 entre les versions 2018 et 2019 : là encore, on peut gagner de précieuses minutes sur certaines scènes.

Un peu plus loin, Steven Roselle s’intéresse aux fichiers FBX. Il semble assez clair ici que l’optimisation, avant Maya 2017, n’était pas au rendez-vous : un asset censé être représentatif d’une cinématique de jeu AAA nécessitait alors plus d’une heure à être traité, alors qu’il peut l’être en quelques minutes désormais…

En ce qui concerne le viewport et les interactions dans la scène, les gains sont certes moins titanesques, mais sans être négligeables pour autant. Sélection d’objets, mise en surbrillance, transparence avec le mode Alpha Cut gagnent entre 50 et 300%.

Une exception : le snapping dans les grosses scènes, lui, est soudain 50 fois plus rapide. De quoi passer d’une fonction à la limite de l’utilisable à un outil interactif.

Au final, la vidéo donne donc une image assez positive des travaux d’optimisation mis en place ces dernières années dans l’équipe Maya. Ce n’est évidemment pas surprenant, venant d’un contenu créé par Autodesk. Reste évidemment à savoir si ces gains se retrouvent aussi au quotidien, et si les cas utilisés sont vraiment représentatifs des fichiers manipulés par les artistes : nous vous laissons le soin d’en discuter dans les commentaires.

On pourra enfin souligner qu’il reste sans doute d’autres points d’amélioration des performances dans les catégories évoquées : on ne peut donc qu’espérer la poursuite des efforts d’Autodesk pour les versions 2020 et suivantes.

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LEV Matadero Madrid del 17 al 20 de octubre 2019

Par volatil

LE.V. Festival llega a su 13ª edición en Gijón del 2 y el 5 de mayo y, como novedad, estrena su programación en el centro madrileño de creación contemporánea, Matadero,  del 17 al 20 de octubre. L.E.V o el Laboratorio de Electrónica Visual tendrá lugar en ambas ciudades. Además, el line up del festival, se potenciará con propuestas concretas deslocalizadas denominados LEVents.

Os dejamos con el resumen visual de la edición anterior en Gijón.

Como viene siendo habitual, nos ofrecen shows audiovisuales singulares, directos, conciertos, instalaciones, workshops y residencias artísticas. En Matadero Madrid, el festival se centra en experiencias inmersivas, directamente relacionadas con la realidad virtual, instalaciones de sonido envolvente, en definitiva, las nuevas narrativas nacidas de la mezcla de todos estos lenguajes actuales.

L.E.V. Festival desarrollará su propio laboratorio de experimentación, innovación y descubrimiento en Matadero Madrid durante cuatro días. El público podrá acceder a un circuito de experiencias únicas, y acercarse así a la creación audiovisual más experimental.

Propuestas que no queremos perdernos en LEV Matadero 2019.

«EXALAND» es una performance audiovisual que utiliza los “controladores portátiles” de Remidi para interactuar con sonidos e imágenes a través de una proyección en vídeo audiorreactiva y un vídeo audiorreactivo de realidad virtual 360° en los dispositivos móviles del público

Spime.im es un colectivo artístico que emplea proyectos transmedia para investigar las estéticas y los idiomas derivados de la afirmación de la realidad digital.internacional.

El músico, productor y artista contemporáneo estadounidense James Ferraro estrenará en L.E.V. Matadero una composición de música generativa inspirada en Requiem for Recycled Earth, la primera parte de su gran obra épica Four Pieces of Mirai. Ferraro construye una alegoría filosófica sobre el declive de la civilización y muestra un presente distópico bajo el manto de una partitura poética y contemplativa.

Un sistema de música generativa interpretada en directo con acompañamiento de flauta y oboe y en formato audiovisual producto de la colaboración de Ferraro con el artista digital Maotik, que ha sido compuesta específicamente para ser sentida y escuchada por el sistema de sonido Soundscape que se instalará en la Nave 16.

Pedagogy es el nuevo proyecto de Nate Boyce y Eli Keszler. Nate Boyce es un músico y artista visual que lleva más de una década exponiendo sus vídeos, esculturas y performances por todo el mundo. Eli Keszler es un artista, compositor y percusionista de Nueva York. Su música, sus instalaciones y sus obras visuales se han expuesto en numerosos museos a nivel internacional. El dúo trabaja en las fronteras de la hard fusion, el metal, la electrónica y las percusiones industriales.

Nkisi es el seudónimo de Melika Ngombe Kolongo, que utiliza su actividad como productora, músico, DJ y comisaria para canalizar sus constantes investigaciones en el campo del sonido como herramienta de comunicación más allá de lo puramente lingüístico. Actualmente trabaja en Initiation, un proyecto que cuestiona de forma radical y visceral el formato de concierto audiovisual, en colaboración con el artista visual Charlie Hope.

Marta Verde es artista visual y programadora creativa. Su trabajo se construye a través del uso de software y/o hardware personalizado y específico para cada conjunto visual, lo que le permite manipular todo el contenido en tiempo real y explorar los límites del ruido visual, la repetición y el vínculo entre lo orgánico y lo electrónico. También le hará las visuales a Héctor Sandoval (50% de Exium), que tras veinte años y más de cien trabajos publicados a lo largo de su carrera, crea un nuevo proyecto llamado Tensal.

La nueva sección Vortex de L.E.V. Matadero está centrada en proyectos nacidos en la intersección entre cine, arte y tecnología, el videojuego y la creación electrónica.

Vortex prestará especial atención a propuestas de creadores canadienses a través de un Focus Quebec que integrará propuestas como Eternity Be Kind, una experiencia colectiva de la artista Myriam Bleau y el avatar digital LaTurbo Avedon que propone un futuro distinto de representación en lo musical y en lo personal navegando entre el hyperpop, el simbolismo mítico y los toques barrocos; Membrane, de Push 1 stop & Wiklow, una obra de creación generativa, a medio camino entre la performance y la instalación audiovisual, que, a modo de trampantojo, redefine la percepción del espacio y la luz; y la performance retrofuturista Imaginary Optics I & II de Maxim Corbeil-Perron que, a través anaglifos estereoscópicos (las gafas 3D de toda la vida), creará una poderosa experiencia envolvente.

LaTurbo Avedon es un avatar y una artista creada en el espacio virtual. Su trabajo gira en torno a la autoría y la identidad no físicas. Myriam Bleau es una compositora, artista digital e intérprete radicada en Montreal que crea sistemas audiovisuales que van más allá de la pantalla, como instalaciones sonoras e interfaces musicales para performances. LaTurbo Avedon interpreta la música de Myriam Bleau en una performance audiovisual multiplataforma.

No queremos perdernos ni un solo directo de los que ofrece VORTEX. Aquí algunos vídeos para que se os pongan los dientes largos. En otro artículo profundizaremos un poquito más sobre todos los directos de esta sección.

El acceso al subconsciente a través de los sentidos será el germen de Infiltrate Live av, el nuevo proyecto audiovisual de Shoeg.

 

 

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PCIe Gen4 : quel intérêt en montage vidéo ?

Par Shadows

Puget Systems a publié un benchmark autour des outils de montage vidéo, avec une question : avoir une carte mère en PCIe Gen4 apporte-t-il un gain quelconque ?

En effet, cette nouvelle génération de la norme PCI Express double la bande passante, ce qui pourrait en théorie apporter des gains intéressants. En pratique cependant, il faut que les cartes graphiques soient capables d’en tirer parti. Pour du jeu vidéo, par exemple, la Gen 3 est très loin d’être saturée, et le gain en débit n’apporte strictement rien.

Pour le montage vidéo, Puget Systems montre que la réalité est malheureusement identique : les cartes Radeon 5700 (seule gamme gérer la Gen4 à l’heure actuelle) ne présentent quasi aucune amélioration en Gen4 par rapport à la Gen3. DaVinci Resolve gagne bien 5 voire 20% de perfomances dans un test spécifique, mais d’une manière générale les outils comme Premiere Pro, After Effects ne progressent pas. Pire : comme le précise Puget Systems, une Radeon 5700 XT, malgré la Gen4, reste distancée par une GeForce RTX 2060 Super qui ne gère que la Gen3.

En clair, la génération 4 de PCI Express est encore bien trop jeune pour avoir de l’intérêt en termes de performances, pour le montage vidéo. Cependant, elle pourra avoir de l’importance à terme, quand le support de la Gen4 se sera généralisé sur les cartes haut de gamme. Il ne faut pas non plus négliger un autre point : en doublant la bande passante, il faut deux fois moins de lignes PCIe pour un même débit. La Gen4 permet donc potentiellement d’arriver aux mêmes performances tout en libérant des lignes PCIe qui pourront être utilisées pour du stockage NVMe.

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Sensorium Festival del 7 al 9 junio en Bratislava

Par volatil

Marta Verde nos regala esta crónica de Sensorium Festival 2019. Toda tuya si sigues leyendo.

Sensorium es festival de tamaño pequeño-mediano, muy completo (workshops, panels, charlas, performances…) en una ciudad europea seguro desconocida para muchos; que nos recuerda a los inicios del antiguo Resonate; tanto por el contenido como por el tipo de venues elegidos para las diferentes actividades. Totalmente recomendable. Se agradecen iniciativas como esta, hechas por un equipo humano con ganas de hacer las cosas bien.

Se usó la temática “La mente aumentada” como una lente para poder explorar el modo en la que los artistas, diseñadores y tecnólogos trabajan con el concepto de “aumento” como principio creativo.

Las actividades fueron muchas, pero estos son mis highlights:

Instalaciones

Había dos tipologías de instalaciones, las reunidas en el venue principal, el Pistori Palace (donde también se daban las charlas, networking y otras actividades), e instalaciones en otros lugares de la ciudad; outdoors y galerías de arte (para los cuales no hacía falta entrada, eran abiertas al público)

Un bonito detalle la botella de agua de cristal con la programación del festival que entregaban con la pulsera. Con el calor que hizo en esas fechas se agradecía.

Otro detalle muy interesante, es que se hizo un tour gratuito previa inscripción el último día del festival, con visitas guiadas a las instalaciones, con explicaciones de los artistas/comisarios. Un gran modo de hacer más comunidad y también para el propio público tener una visión más completa de las piezas. También se hizo un “urban sound walk” promocionado por un artista sonoro, en el que los asistentes experimentaban diferentes sensaciones y un punto de “vista” diferente de la ciudad, mediante el recorrido de ésta con un dispositivo especial creado por el artista.

Pistori Palace: Sorprendente la mezcla de diferentes tipos de proyectos (bastante VR pero también proyectos que interseccionaban diferentes disciplinas, con una gran importancia por resaltar la parte física: la fabricación digital estaba muy presente), además de la presencia de algunas piezas de estudiantes de ECAL; con un nivel muy alto.

Dyne Modular System
Luca Kasper

El acabado de este kit de sintetizadores modulares con interfaces táctiles desarrollado por este estudiantede Écal era muy interesante; además del uso de superficies táctiles o gestos en vez de potenciómetros y sliders.

ORB /play
Roman Mackovič

Esta instalación estaba situada antes de la zona de las charlas. Se trataba de un objeto interactivo esférico colocado encima de una estructura con rodamientos que permitía que rotase libremente sobre la base. Los gráficos se comportaban como un puzzle con físicas que se readaptaba a la posición de la esfera; generando sonido también a través de la colisión de estas piezas. Muy interesante.

Light Them All
Corentin Vignet

Otro proyecto interactivo jugable (el objetivo era encender las lámparas utilizando el teléfono móvil como controlador, pudiéndose jugar en grupo) muy bien ejecutado, proveniente de la escuela Écal

πTon
Cod.Act

Impresionante. Se trataba de una instalación performática, por lo que no estaba permanentemente en funcionamiento; sino que los pases se repetían a lo largo del día.

Se trataba de un extraño cuerpo elástico compuesto por módulos similares a llantas, que reaccionaban al sonido resultando una mezcla entre las distorsiones de una estructura elástica y síntesis en tiempo real de la voz humana.

The Inflovable Machine

Monica Rikić

Se trata de un instrumento musical colaborativo creado a partir de unos grandes inflables con forma tubular que se hinchan y deshinchan mediante la interacción del público y van generando de esta forma diferentes sonidos, como si de un órgano de aire se tratara. El público interactúa con la pieza mediante unos tubos dispuestos en una caja de control, por los que puede soplar, activando unos ventiladores que van hinchando y deshinchando los globos, creando distintos sonidos y composiciones musicales colectivas.

Conceptualmente, y en la línea temática de la ‘mente aumentada’ de Sensorium y ‘La ciencia del amor’ de Silbersalz, la pieza dispone de 3 botones en la parte frontal que modifican el tipo de output del instrumento. Cada uno de ellos se vincula a uno de los tres estados del amor, basado en la investigación de Helen Fisher (speaker invitada al festival Alemán): impulso sexual, amor romántico y apego.

Satelit gallery

Matthew Plummer Fernandez – Augmented Authorship

La obra de Fernández reflexiona sobre los conceptos de autoría y los procesos automatizados. Sus últimas piezas hablan sobre el concepto de aumentado como principio del diseño, y explora cómo los procesos computacionales facilitan nuevas formas de autoría y de creación.
Ejemplos: una escultura que fusiona todos los modelos 3d disponibles online de Mickey Mouse en una.
O un bot que rastrea uno de los repositorios más importantes de impresión 3d ; se descarga modelos random de diferentes usuarios, generando nuevos modelos a partir de ellos; incluso utilizando los títulos originales para generar los nuevos.

Performances
A4, KARPATSKÁ 2, BRATISLAVA

Jonathan Reus – iMac Music

Puro glitch.
El instrumento base de la performance, tanto para generar audio como para vídeo, era un Imac G3 circuitbendeado. Los propios sonidos del sistema modulados y los gráficos eran la base de la performance, dirigida en 3 actos. Cada acto realmente terminaba cuando el ordenador no aguantaba más y se reiniciaba de modo forzado.

Charlas, panels & industry

El nivel de las charlas (parte que considero muy importante en un festival de estas características) era muy alto, incluyendo tanto artistas consagrados (Elliot Woods de Kimchi & Chips, Claire Tymon de FutureEveryhing… ) como nuevos talentos o perfiles no tan conocidos a nivel internacional.
El acogedor tamaño del festival hacía muy accesible la posibilidad de hacer preguntas, o incluso de en momentos de networking o impass, poder charlar tranquilamente con los artistas.
Se trataron temáticas como el futuro del VR en las artes, como la tecnología “aumenta” la creatividad, la arquitectura digital en la educación….
Además, se hicieron otro tipo de “panels” abiertos al público en la ciudad, para los cuales no hacía falta entrada (un buen ejercicio para acercar el festival a la ciudad

Otro punto interesante del festival fue que se llevó a cabo un “industry meetup”, donde personas provenientes de la industria y otros festivales europeos relacionados con los medios digitales, compartieron ideas y experiencias para mejorar la interrelación y favorecer el intercambio entre ellos.

Cris Valenzuela impartió un workshop iniciático de un día completo enfocado en el uso de Runway, herramienta de Machine Learning para aplicaciones creativas. No pudimos asistir, pero la gente que salía del taller, tenía cara de haber recibido mucha información en poco tiempo, lo que es bueno 🙂
También había hueco para los más pequeños, con un taller dirigido a ellos.

Autora del artículo: Marta Verde

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Balenciaga – SS19 Paris Fashion Show

Par yannickkohn


Balenciaga – SS19 Fashion Show

September 2018, Cité Du Cinema – Saint-Denis, France


Credit

  • Set design & production : La Mode en Images
  • Director : Jon Rafman
  • Integration and rendering : Spectre Lab

16ª edición del Festival Visual Brasil, 28 & 29 de septiembre

Par volatil

Si hace unos días hablábamos del Mutek Buenos Aires y destacábamos su gran presencia de artistas visuales, ahora podemos decir lo mismo del Festival Visual Brasil. Una constante en Barcelona desde hace 15 años. Un evento abierto y gratuito, con presencia de artistas locales e internacionales, consagrados y emergentes, que siempre ha sabido situar visuales y música al mismo nivel.

Visual Brasil, el festival sobre investigación audiovisual, celebra su 16ª edición con más de 40 artistas y 50 actividades gratuitas. El Festival, que se celebra el viernes 28 y el sábado 29 de septiembre en el Punt Multimèdia del Parc de l’Espanya Industrial, contará con videoarte, mapping 3D, performances audiovisuales y talleres sobre la producción de vídeo en tiempo real, la cultura de la creación libre y los nuevos formatos colaborativos.

El festival gratuito contará con más de 40 artistas y colectivos locales e internacionales y 50 actividades repartidas en dos escenarios: el principal celebrará una noche dedicada a la música popular brasileña y otra a la música tropical, todos los shows acompañados de los mejores artistas visuales, y el el segundo escenario está dedicado a propuestas más experimentales. En este enlace puedes consultar toda la programación, nosotros como siempre, destacamos la parte más visual del evento.

La noche brasileña
El viernes 28 de septiembre a las 22.00h. se proyectarán 5 mappings 3D en la fachada del Punt Multimèdia creados por varios estudios y artistas visuales. Los mappings, de unos 3 minutos cada uno, únicamente se podrá ver el viernes a las 22.00h. Los estudios que participan son: VideoMappingPro, Vini Fabretti, VJ ALIS, Homem Gaiola y VJ Ulster.

– UMO live hará un directo acompañado de la instalación multimedia a cargo de 0bs3rv3r & AV-K

– Las sesiones irán acompañadas de los visuales de Azael Ferrer, del colectivo Tklab, los hermanos brasileños VJ Eletroiman y Homem Gaiola, Vinicius Luz, integrante del premiado colectivo VJZARIA y Yaguart.

La noche tropical
– Los visuales correrán a cargo de Ari Dykier, VJ Ovideo, YAGUART, Marina DND y VJ Alis.

El segundo escenario de Visual Brasil (TKLAB) está dedicado a propuestas más experimentales. El viernes 28 de septiembre se celebrará el directo audiovisual de OrganicTEK AV y la Meditation Session.

El sábado 29 de septiembre actuarán el artista visual Yaguart, acompañado de los músicos Santiago Vicente y Fermin Serrano, y actuará el proyecto Voltereta, de Felipe Luis Navarro, artista, músico, programador y diseñador de sonido afincado en Barcelona. Los encargados de cerrar la noche serán los visuales de de Inzist y sus invitados The Freshness.

El artista argentino residente en Barcelona Microfeel hará un show audiovisual en directo para presentar su nuevo trabajo, Fractal Synesthesia.

La programación de la 16ª edición de Visual Brasil también incluye performances e instalaciones. La performance multidisciplinar Último jedi que experimenta con proyecciones, música y danza, la performance de Wanda del Rio, un juego AV con una narrativa innovadora y la performance audiovisual IN-SANIDAD de la artista Nêga Lucas que indaga sobre esa línea frágil que separa la lucidez y locura. Para cerrar el programa Froch.CC presentará una instalación lumínica inmersiva en las inmediaciones del festival.

Visual Brasil organiza varios talleres. Uno de Touch Designer, interactividad, kinetic y performance impartido por Azael Ferrer. El taller, que es teórico y práctico, está destinado a artistas visuales o cualquiera que esté interesado en aprender a usar el software en proyectos artísticos o instalaciones para investigar entre imagen, programación e interactividad mediante el uso del sensor Kinect.

Otro taller de Dmx y cintas de Leds, con el artista Homem Gaiola y Rafael Cançado, y un seminario de fulldome con los artistas Eyesberg, Diego Suárez (aka !ME), Darklight Studio y Alba Corral. Más información en Telenoika o tallers@telenoika.net.

16º Festival VISUAL BRASIL
Viernes 28 y sábado 29 de septiembre
Entrada libre

Hora:
Viernes de 18.00h. a 01.00h.
Sábado de 18.00h. a 02.00h.

Lugar:
Punt Multimèdia, Casa del Mig, Parc de l’Espanya Industrial
C/ Muntadas, 5, Barcelona

Cómo llegar:
METRO: L1: Hostrafrancs // L3 / L5: Sants Estació
RENFE: Estació de Sants
BUS: 27, 30, 32, 44, 56, 57, 78, 109, 115 i 157
BICING: Plaça de Joan Peiró (421) // C/Tarragona (95 i 97) // C/Sant Crist (210)

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Gold Coast 2018 Commonwealth Games

Par yannickkohn


Modulo Kinetic at the 2018 Commonwealth Games ceremonies

April 2018, Carrara, QLD – Australia


For the opening and closing ceremonies of the Gold Coast 2018 Commonwealth Games, The Electric Canvas, an award-winning Australian company specialized in large-scale projections, managed the AV projection relying on Modulo Pi’s high-end media server: Modulo Kinetic.

The 21st Commonwealth Games took place in April 2018 at the Carrara stadium in Queensland, Australia. Produced by Jack Morton Worldwide, the opening and closing ceremonies were spectacular shows with 4.000 volunteer performers. Combining theatre, dance, and music, the shows were created to reflect the Gold Coast culture, embodying its spirit and its energy.

After winning the tender, The Electric Canvas prepared the event over 6 months. To achieve such a large-scale video projection in the stadium, they chose 20 x Christie Boxer projectors, as well as Modulo Kinetic, a powerful media server with advanced features from Modulo Pi.

Peter Milne, Director of The Electric Canvas, explains: “I’ve been involved with Yannick Kohn – founder of Modulo Pi – and his technology for nearly 20 years now. When he launched Modulo Pi in 2010, we were very keen on adopting his latest system, Modulo Player”. Recognized internationally as a leader in large-scale and architectural projections, The Electric Canvas has relied on Modulo Player for several years now: “We use Modulo Player on many projects because we really like the X-map among other features.”

When entering the bid for the Gold Coast 2018, Milne chose Modulo Kinetic, Modulo Pi’s new media server solution: “We were very excited when Modulo Kinetic was launched, and now we have quite a lot of Modulo Kinetic servers. In fact, when we proposed Modulo Kinetic to the Commonwealth Games, we only had a few months experience with it. That was possible because we trust Modulo Pi when it comes to this type of software development. We were sure that their technology would be reliable and solid because of our previous experiences with Modulo Player.”

Working closely with the content producer, The Electric Canvas designed the projection overlay which determined how to cover the field of play, and how to project the other elements efficiently, while providing maximum creativity.
The main video projection was a visualization of Earth and its history, projected on the stadium playfield. This came with several challenges: “We had to put the 20 video-projectors at a height of 67 meters above the ground in the sports lighting towers. We did this because the stage was covered with sand, so there would have been a lot of unwanted texture, had we projected from a normal setting position. Especially as the sand was being constantly disturbed by the performers. Putting projectors so high was a difficult thing to do, particularly for technicians, who had to climb more than 200 steps every day to get to the top of the towers. But it was all worth it in the end, as the resulting image quality was very good” comments Peter Milne.

To handle all necessary changes, the flexibility in the video-projection programming brought by Modulo Kinetic was a must for both ceremonies of this major event: “Ceremony production is a very unique process. There are changes in the choreography or content every day, so you have to have a very flexible system to be able to cope with those changes and incorporate them, sometimes even within the same rehearsal.”

In a time-critical context, The Electric Canvas’ operators made the best of Modulo Kinetic’s capability to preview the show in 3D: “During the day, when we don’t have the benefit of darkness, we can run the show from the recording of the previous evening, using video of the rehearsal, to then further fine-tune the programming of the projection.”

The show also included 3D mapping on Migaloo, a 30 meters long inflatable white whale, handled by 12 puppeteers. The whale floated into the arena, with content projected onto it after it reached its final position. The projection on the whale then transferred to the field of play at the end of the sequence.

The show video was synchronized to timecode, which was delivered with the music, but sometimes had to run independently from the timecode, as Milne explains: “In the case of having to hold entries and exits by the cast, or other unplanned factors, you need programming strategies, creating loops in the content so you don’t have any unexpected result in the picture when the timecode stops, or when something unexpected happens in the show. There are a lot of media servers who don’t cope with this very well. Having a strategy whereby you can, at some point in the music, ignore the timecode, allowing the music to stop and to loop, waiting for something else to happen when there’s a mechanical breakdown on the field, or when somebody falls over, is crucial. These contingent loops are a major and important part of these live shows, so having a system like Modulo Kinetic that deals with those contingencies, in a very fluid and flexible way, is essential.”

Operators could also rely on the backup capabilities of Modulo Kinetic: “On a show this size, you have many departments involved, with everybody running from the timecode. One other important feature of Modulo Kinetic is the automatic reversion to back-up systems, should we have a computer problem or failure. That is also something Modulo Kinetic is good at.”

In the end, the projection was impressive and looked very good in both ceremonies, with The Electric Canvas receiving lots of positive comments. About the utilization of Modulo Kinetic on this international multi-sport gathering, Milnes concludes: “It was reliable, flexible, and easy-to-use in a situation that can sometimes change dramatically every day. The Modulo Pi media servers are very specifically built for technicians and for the creatives that do the type of work that we do. Because the Modulo Pi team listens to technicians and creatives that work on projects, they modify and improve their software specifically on that feedback. For us, that’s an enormous advantage compared to other much larger companies.”

The Electric Canvas

theelectriccanvas.com.au

Tournée Orelsan 2018

Par yannickkohn



Tournée Orelsan 2018

2018, France

Tournée “La fête est finie”

Credit
    • video content : WOVE studio
    • light designer : Nicolas Xavier Brion
    • production : Asterios
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