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3D light and audiovisual show by Huma and Eyesberg

Par Hayley Cantor



This week, we caught up with Huma about his most recent project ‘Eva,’ to find out a little more about how his musical project developed into a live AV show. Huma is Andrés Satué’s personal project, an evolution from his early musical days in a rock band to his more recent progression into the world of electronic music. He’ll be performing ‘Eva’ at Mira Festival, Fabra i Coats, Barcelona, Thursday 7th November

Tell us a bit about the visual side of your show. What can the audience expect in terms of live A/V performance?

The idea is to treat light from a 3D environment by making the light beams coincide, forming geometric figures in motion in the air.

Have your created the visual part of the show yourself or collaborated with a visual artist? (If so, who and why?) If not, tell us about how you developed the project and any challenges you faced in dealing with both elements of the performance.

I’m working with Jose Vaaliña from Eyesberg studio. It was a very natural collaboration, we met after finishing two gigs I did in Barcelona and we talked about the possibility of working together as we have very similar ideas about the relation between music and visuals, now it’s happening and I can say we are both really happy with the results.

What tools and set up are you using for the show? 

We are using 5 powerful projectors, various smoke machines (fog and hazer) and also some visuals. The beams of light will react to sound to create a symbiosis between both. Also we will use some lights and strobes for punctual moments.

How do you feel about the importance of the visual experience in your projects past and present?

It is something I have always thought about as a very important element. Even when I played in rock bands lots of years ago we always carried a few lights to add impact to the final part of the show.

Since I’m working as Huma, I collaborated with Drömnu using visuals at the very beginning, then moved to colorful L.E.D.s, smoke and strobes working with Juan Pablo Larrazabal and now I wanted to try new things and Jose appeared. I like the idea of doing something immersive, not something that you have to look at the detail or that can distract the public but something that will enhance the music. 

You’ve been making music for more than 10 years now. What is the project that you are most proud of, or have the most attachment to so far?

Well, I’m always more attached to the last thing I’ve ever done. Even though I really think that ‘Eva’ and this show is the project in which I have worked the most on and the project I’m the proudest of to date.

Got any questions for Andrés, Eyesberg, or just want to share anything with us? Jot down your thoughts below 🙂

https://hedonicreversal.bandcamp.com/

https://www.facebook.com/hedonicreversal/

https://hedonicreversal.bigcartel.com/

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Resumen de la mesa redonda sobre ‘Visualist’ en Valladolid: Seminci Transmedia 2019

Par volatil

Después del estreno en Signal Festival de Praga, Visualist’ sigue de gira. Su estreno a nivel nacional fue en Seminci, la Semana Internacional de cine de Valladolid. La siguiente parada será el festival BIME PRO, que nos hizo un hueco en su programación de conferencias. Pedro Pantaléon dará una charla el miércoles 30 mientras muestra algunos fragmentos seleccionados del documental.

Volvamos a Seminci, llevamos ya tres años siendo mediapartner de una sección del festival que aborda temas relacionados con la visuales. Ya os contamos que incluyó en 2017 un ciclo de Live Cinema en su programación y generó también un espacio de debate para explorar el alcance de la práctica del Live Cinema, a demás de directos audiovisuales como el de Marta Verde & NegrøNegrø o Hector de la Puente. El año pasado ya empezó a hablarse de la «comunicación transmedia» y la «Realidad Virtual», con una mesa de debate en la que participó la visualista catalana Xarlene. También hubo directos audiovisuales como el de Los Voluble. Todo ello en el Teatro Zorrilla y  coordinado por bit:LAV.

Este año, apuestan por el formato fulldome y además de ser mediapartner, formamos parte de su programación, con la proyección de Visualist, Those who see beyond y una mesa redonda, en la que Oscar Testón y Pedro Pantaleón expresarían su visión sobre este nuevo arte que tantas etiquetas recibe: visuales, vjing, directos A/V, comunicación A/V, Live Cinema o el término más moderno «Creative coder», de esto y de muchos otros temas se habló en esta mesa redonda, que tuvo lugar de 18h a 21h, con la impulsora del Festival de Cine Ccvad, Virginia Diez, que moderó la mesa redonda sobre la creación transmedia.

Fue en la Sala Experimental del Teatro Zorrilla, con la presencia de uno de los directores del documental, Pedro Pantaleón; el productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.Com, Oscar Testón-Otu; la responsable del laboratorio AvLab, Manuel Prados de Medialab-Prado, Alberto de Espacio Tangente y Virginia Díez como moderadora. Entre el público, Manu Cid (co-director del documental), Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas) y Marta Verde (artista visual que aparece en ‘Visualist’).

En este caso entrevistamos a Pedro Pantaléon y Manu Cid, para que nos cuenten cómo fue la experiencia y qué temas se abordaron en la mesa redonda. Empezamos por Pedro.

¿Cómo fue la aventura de viajar a Valladolid a estrenar el documental en territorio nacional?
Oscar, Rubén, Manu y yo salimos juntos de Madrid y llegamos a Valladolid. Quedamos con Teresa de bit:LAV, que nos llevó al Teatro Zorrilla para hacer las pruebas técnicas. Después no dieron las acreditaciones y un libro con toda la programación. Nos hizo mucha ilusión aparecer en ese libro.

¿Cómo reaccionó el público a la proyección del documental?
La sala estaba llena, la gente se reía en los momentos en los que se tenían que reír. El público respondió muy bien, tuvo muy buena acogida. Virginia, la moderadora de la mesa redonda nos presentó y se inició el debate.  A mi derecha tenía Alberto que era es responsable del Espacio Tangente de Burgos, a mi izquierda tenía a Oscar, y junto a Oscar los responsables de MediaLab pro. Expliqué qué fue lo que nos motivó a hacer el documental y mi trayectoria como Videojockey.

¿Qué temas salieron? ¿Qué preguntaba el público?
Se habló del origen del Videojockey, cómo surge, cómo han llegado a exponer en museos, todo giraba entorno al hilo argumental del documental. Un señor nos hizo una pregunta muy buena. ¿Qué tipo de formación habían recibido los artistas que salían en el documental para poder llegar a hacer esas obras? Le parecía curioso que todos hicieran cosas tan diferentes. Las respuestas hacían referencia a la tecnología y al auto-aprendizaje de cada artista y eso explica por qué cada uno elige un camino distinto. Se habló de la comunicación transmedia, me hace gracia porque cuando yo estudié en la universidad ya se hablaba de esta palabra aunque aún no existía, 15 años después ya es una realidad.

Queríamos saber más, así que también entrevistamos a Manu Cid, el co-director de ‘Visualist’ que en esta ocasión participó desde el público.

¿Qué temas destacarías de los que se hablaron en la mesa redonda? 
Se habló de la necesidad de hacer este documental para dar a conocer esta escena que está tan en la sombra. Se estuvo hablando del tema de las etiquetas, que en realidad no tienen mucho sentido pero sirven para identificar lo que hacen cada uno de estos artistas. Y ahí saqué el tema  de cómo podíamos llamar a este «nuevo arte» de una forma más global, porque quizá si le ponemos una única etiqueta, si lo englobamos bajo un mismo concepto, quizá ese concepto, terminaría impulsando la escena de algún modo. ¿Cómo podríamos englobar todo esto para que llegara a más gente? Ahí cada uno daba su opinión. Salió muchas veces el nombre de “Creative Coder”, que sería lo más avanzado o lo más puntero ahora mismo. Otro tema interesante que salió fue la influencia de todo este desarrollo tecnológico en la sociedad. Tendemos a asociar la tecnología y la inteligencia artificial a cosas no necesariamente buenas. Se habló de la posibilidad de ser esclavos de esa misma tecnología.

¿Y el papel de la mujer en un sector mayoritariamente masculino?
Se habló del papel de la mujer, ahí Marta Verde dio su opinión, dijo que es un sector en el que hay más hombres que mujeres, aunque también se defendió la idea de que cada vez hay más mujeres y se mencionó a Xarlene y a Alba G. Corral.

¿Qué otro tema destacarías?
Otra cosa interesante que salió es que, a diferencia de otras disciplinas artísticas, los visualistas tienen backgrounds muy diversos. Arquitectos, matemáticos, ingenieros, y esto es algo que lo hace más interesante, rico, esto es algo que lo desconoce mucha gente.

¿Se habló de la evolución de la figura del Vj?
Realmente el videjockey lleva existiendo mucho tiempo, pero los shows actuales le dan más protagonismo. Aunque hay que tener claro que las visuales no son estrictamente necesarias, que dependen de la intención del directo y del espacio en el que se está trabajando.

Otro tema que surgió es “si siempre el Vj está detrás del músico, es el que sigue la música y pone las visuales” ¿Existe la posibilidad de que sea al revés? Teniendo en cuenta que el Vj es una figura que ha crecido y ha evolucionado subordinada a la figura del DJ y eso es lo que probablemente ha hecho que esté siempre en segundo plano. Se habló de la posibilidad de invertir esa idea. Oscar Testón comentó que lo había intentado, que había hecho una sesión en la que él ponía las visuales y el músico tenía que seguirlo a él, pero que había sido muy complicado.

¿Y la definición de VJ fue un tema del debate?
Hubo algunas intervenciones sobre qué es un Vj. Pedro dijo que para él un VJ es un visualista que trabaja con su propio material, graba y edita sus propias visuales para usarlas en sus sets o instalaciones, no para que «alguien» se le descargue de internet y lo use en beneficio propio. Yo se lo rebatí porque en realidad mientras tu tengas un discurso, tu puedes coger material ya creado, es algo que se ha hecho siempre, tanto en Live Cinema como en Vjing. Para Matt Black es el rey del Sample y sus obras siempre se han basado en usar muestras de creaciones de otros artistas tanto de vídeo como de audio, aunque luego haya desarrollado las suyas a partir de ellas.

¿Hacia dónde va todo esto? ¿Cuál es el futuro?
Una de las preguntas que se lanzaron fue «hacia dónde va todo esto», ¿cuáles son los límites?. Y ahí nadie tenía una respuesta clara, igual que el propio documental. Yo hice una intervención explicando que en los últimos festivales que he ido, como el LEV Matadero de la semana pasada, en el que hubo un espacio dedicado a la Realidad Virtual, en Seminci Transmedia que este año ha tenido mucho contenido relacionado con Realidad Virtual y en la última edición del Sónar Barcelona también hubo mucha presencia de VR e Inteligencia Artificial. ¿Quizá vamos hacia allí? Aunque al final, lo que yo pienso es que la realidad virtual es una de las muchas posibilidades a las que está abierto el mundo digital.

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El show audiovisual inmersivo de Desert & Desilence

Par volatil

Desert y Desilence unieron fuerzas para crear un nuevo espectáculo audiovisual inmersivo en directo, un show absolutamente inspirador. Estrenado en el festival Sónar Barcelona 2019, la idea es que pueda ir mutando a medida que evolucione.

Tuvimos la suerte de vivir en primera persona este show, si leíste nuestra crónica del Sónar Festival Barcelona 2019 ya lo habrás visto. Incluso fue nuestra imagen de portada unos meses. Citamos textualmente «Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección». También te hablamos de Desilence y de su participación en el Eufònic Festival 2016.

Desert es el dúo compuesto por Eloi Caballé y Cristina Checa, una pareja de compositores / productores españoles que han ido captando lentamente la atención de toda España, Europa y Estados Unidos. Sus sonidos a menudo complejos pero hipnóticos son un ejemplo perfecto de sus universos creativos musicales únicos y prospectivos. Son versátiles y magnéticos, por lo que están abiertos a participar en diferentes campos, como los sectores audiovisual, de videojuegos o tecnológico.

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Crónica del estreno de ‘Visualist’ & nuestro Top 6 de obras del Signal Festival 2019

Par volatil

El Festival de la luz de Praga, Signal Festival, llegó a su 7ª edición, más maduro, más contundente y con varias propuestas que nos llamaron la atención. El año pasado cubrimos el festival y realizamos una pequeña pieza de vídeo resumiendo nuestra experiencia. Esta vez era distinto, íbamos a presentar el documental «Visualist, Those Who See Beyond” en el cine Svetozor, un referente del cine de culto e independiente en Praga. Tuvimos la suerte de ver todas las instalaciones de esta edición (más abajo destacamos las que más nos gustaron) y descubrir Praga con otros ojos, en equipo. Un equipazo formado por los directores del documental (Pedro Pantaleón & Manu Cid), el productor Oscar Testón, Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas), Sergio Testón (responsable de la post-producción de sonido) y una servidora, Paula Taboada (Volàtil), liderando las redes sociales y gestionando la comunicación del docu.

El cine Svetozor resultó ser la localización ideal para este estreno mundial. Una sala acogedora de unas 50 butacas y con espectadores que venían, en su gran mayoría, del sector visual, «arte digital». El director del Festival, Martin Posta, integrante también de la selección de artistas que aparecen en el documental, hizo una presentación a la altura de nuestras expectativas y a la altura del film. Manu Cid explicaba que el documental pretendía ser una declaración de intenciones y Pedro Pantaléon presentó a cada uno de los del equipo, comentando qué función teníamos cada uno. Después de ver la pieza, la rueda de preguntas tocó temas como el criterio de selección de artistas entrevistados, qué artistas fue imposible entrevistar, aprendizajes que salieron de su realización o la relación entre sus directores. Conocimos a varios artistas como Gonzalo Soldi de HUB Studio y terminamos de cañas con él y Martin Posta.

Este año el «about» de la web del festival era claro y contundente con el tema que abordaba. Citamos una parte: «Revolución. Estamos en el umbral de la cuarta revolución industrial. Cada minuto, la inteligencia artificial, la nanotecnología, la biotecnología, la movilidad autónoma y la impresión 3D transforman el mundo que nos rodea. Sin embargo, la revolución también se percibe como un cambio en el sentido amplio de la palabra. Mejora, transformación, en términos generales o simplemente personales. Cambio de la sociedad o revolución de los descubrimientos y métodos científicos.

Desde sus inicios, el Signal Festival ha experimentado una revolución. Partiendo del espectáculo de videomapping y el diseño de luces, ha crecido hasta convertirse en un festival de arte digital respetado y un evento de arte / tecnología que actualmente pertenece a los más importantes de la República Checa.

Y sin más preámbulos, pasamos a destacar las 6 obras que más nos impactaron. No necesariamente en este orden.

El estudio Nohlab nos sorprendió con un vídeomapping lleno de texturas y absolutamente sincronizado, dando como resultado una pieza sólida e intensa que te atrapaba desde el minuto 1. La fachada de la iglesia de Saints Cyril and Methodius parecía tener vida propia.

Mapping 3D de la mano de Skilzstudio. Su pieza ‘Evolution’ cuenta la historia del deseo humano de un futuro mejor. El estudio cuenta con guionistas, directores de arte, ilustradores, diseñadores de movimiento y modeladores 3D, y generalmente muestra una fuerte estética del color, la accesibilidad de la audiencia y una historia sólida.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Los rusos Dreamlaser nos impactaron con una instalación no apta para epilépticos. Este estudio especializado en instalaciones audiovisuales de gran formato y espectáculos multimedia, ha recorrido todo el mundo realizando proyectos artísticos. Dentro del edificio Kooperativa Gallery, un recorrido circular se veía interrumpido por un juego de lásers que aparecían, desaparecían y se movían con cierta agresividad, poniendo a los espectadores en estado de alerta o peligro. La instalación se dividía en 4 partes, diferenciadas por el sonido, la música y un juego de espejos.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

La instalación Big Light nos explotó la cabeza a todos. A ver cómo explicamos esto. Los artistas Federico Díaz, Rafani, JM Ledgard, Dmitry Nikitin, Jan Hladil, Petr Pufler, Jonáš Rosůlek y Alan Tois fueron llamados para realizar una tarea difícil: ayudar a comprender y presentar un nuevo descubrimiento, un hallazgo inesperado de una serie de artefactos barrocos escondidos debajo del patio de Invalidovna del barrio Karlín y en el archivo militar local. Robots que descubren capas de tierra, humo de incienso, láser, ruidos y sonidos por el grupo de arte Rafani.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Adam Cigler & Petr Vacek (CZ) presentaron Reflection, una pieza que consiste en espejos móviles que reflejan y transforman el mundo. El espectador que se acerca al escenario iluminado se convierte en parte de la obra de arte. Estos dos jóvenes arquitectos exploran la interconexión sinérgica de las nuevas tecnologías y el proceso creativo del arte.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Memo Akten es un artista, científico y matemático apasionado de Estambul. Está interesado en la mezcla de naturaleza, ciencia, tecnología, ética, tradición y religión. Se inspira en la física, la biología molecular y evolutiva, la ecología, la neurociencia, la antropología, la sociología y la filosofía. Su pieza, localizada en el Museo de la Música de Praga, combinaba un juego de luces con unas proyecciones que interactuaban con ellos y con la música.

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Estreno en España del documental “Visualist” · Seminci Transmedia 22 de octubre

Par volatil

El documental «Visualist» sigue de gira. Después de su premier en Signal Festival de Praga, llega a Valladolid para su estreno en España. Después de la proyección, tendrá lugar una mesa redonda con sus directores y otras figuras representativas de la cultura audiovisual nacional para debatir sobre algunos de los temas que aborda el film. ¿Qué es el arte AV o arte audiovisual? El documental lo presenta como un formato artístico sólido, diverso y profundo que surgió de la escena de club y logró atravesar las puertas cerradas de las mejores galerías del mundo. Un formato que pertenece al futuro.

Robert Henke

La Semana Internacional de cine de Valladolid Seminci, incluyó bajo la sección “Seminci TRANSMEDIA” en su 62ª edición un ciclo de Live Cinema en su programación de la mano de bit:LAV, el año pasado sumaron una de las caras más innovadoras del cine actual: la realidad virtual. Este año, para la 64 SEMINCI, bit:LAV se atreve también con un nuevo escenario y un nuevo formato: el Fulldome en el Planetario del Museo de la Ciencia.

El ciclo dará comienzo el día 22 de octubre de 2019 con el estreno en España del documental Visualist, Those who see beyond de Manuel Cid y Pedro Pantaleón, que estarán acompañados en una posterior mesa de debate moderada por Virgina Díez, impulsora y co-directora del Festival de Cine Creative Commons de Valladolid (ccVAD).

Herman Kolgen

En este debate también participará Óscar Testón – OTU, productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.com; Patricia Dominguez Larrondo, responsable del Laboratorio audiovisual AVLab de Medialab-Prado; Manuel Prados Sánchez, artista y productor cultural, coordinador del Laboratorio de Realidades Sintéticas y Agencia_RV en Medialab-Prado y AlHuerto, impulsor del festival de artes visuales y sonoras DUAL CLUB que tiene lugar en el Espacio Tangente, centro de creación contemporánea independiente de Burgos.

Te dejamos a continuación la programación por horas de las actividades de Seminci Transmedia 2019.

ESTRENO VISUALIST & MESA DE DEBATE
¿Dónde? Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
¿Cuándo? 22 Octubre 18h – 21h

-Proyección documental: Visualist, Those who see beyond, Pedro Pantaleón, España
-Mesa de debate: Creación transmedia: nuevas narrativas y lenguajes vinculados al arte audiovisual.

REALIDAD VIRTUAL
Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
23, 24 Octubre 11h-13h 17h-20h
25 Octubre 17h-20h
CROW The Legend VR (Inglés) EEUU 2018 18’
ZERO Days VR (Inglés) EEUU 2017 22’
Dinner Party VR (Inglés) EEUU/ Puerto Rico 2018 14’
Kinoscope VR (Inglés) Francia 2017 10’
La Fuga L. 360º VR (Español) México 2018 7’
Perdido en el Tiempo VR (Español) España 2018 16’
El Sueño de la Hija del Jaguar VR (Español) EEUU / México 2019 8’

FULLDOME
Planetario – Museo de la Ciencia, Av. de Salamanca, 59, Valladolid
24, 25 Octubre 18h

Sacred Geometry, Darklight Studio
IMMERSIVE, Jeremy Oury
end(O), Alba G Corral & Alex Augier
GENESIS, Gnomalab
SPHERE, Mickaël Le Goff & Robert Koch
Latent Space, Monocolor
Bio Inspire, VOID

De nuevo bit:LAV acerca a la ciudad de Valladolid las propuestas tecnológicas más novedosas y ofrece nuevas formas de entender la creación fílmica. Porque hoy, para el cine, no existen los límites de la pantalla.

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L’Hivernal Festival : un petit frère annoncé pour le Festival d’Annecy

Par Shadows

CITIA, organisme à qui l’on doit l’organisation du Festival d’Annecy, nous annonce le lancement d’un nouvel évènement : L’Hivernal Festival.

Prévu du 6 au 8 décembre, il proposera une sorte de best-of du Festival d’Annecy 2019, mais aussi de nouvelles avant-premières, rencontres et ateliers.
Il faut voir cet Hivernal Festival, précise CITIA, comme un moyen d’inscrire son action « au plus près du territoire et dans le temps ». L’évènement ciblera donc un public essentiellement local, à l’inverse du Festival d’Annecy et de son aura mondiale.

Le programme n’est pas encore annoncé mais sera prochainement disponible.

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Festival Visual Brasil llega a su 17 edición 27 y 28 de septiembre Barcelona

Par volatil

El Festival Visual Brasil, que se celebra el jueves 26, viernes 27 y el sábado 28 de septiembre en el Punt Multimèdia del Parc de l’Espanya Industrial, contará con videoarte, mapping 3D, performances audiovisuales y talleres sobre la producción de vídeo en tiempo real, la cultura de la creación libre y los nuevos formatos colaborativos. La entrada es gratuita.

Participan más de 60 artistas, colectivos locales e internacionales y actividades repartidas en dos escenarios: el Escenario VB celebrará las noches dedicadas a la música tropical latinoamericana, todos los shows acompañados de los mejores artistas visuales, y el Espacio TKLAB que está dedicado a propuestas más experimentales.
Y el viernes 27 de septiembre a las 22.00h. se proyectarán mappings 3D en la fachada del Punt Multimèdia creados por varios artistas visuales.

OPENING
La noche del jueves 26 de septiembre celebrará la apertura del festival con un debate con los artistas Laura Ramirez (Optika), Gianluca Del Gobbo y el proyecto Métron

El artista Rumbo Tumba con ritmos andinos crea una atmósfera de luz y movimiento que invita a bailar. En la segunda presentación de la noche, el artista argentino Microfeel hará un show audiovisual en directo para presentar su nuevo trabajo, Fractal Synesthesia.

La noche del viernes 27 de septiembre Visual Brasil celebrará una gran fiesta con lo mejor de la música tropical.Estas sesiones irán acompañadas de los visuales de VJ Gago, VJ Ovideo , Vinicius Luz, integrante del premiado colectivo VJZARIA, Vini Fabretti, Carol Santana y MarQu Vr.

La noche del sábado 29 de septiembre los visuales correrán a cargo de los hermanos brasileños VJ Eletroiman y Homem Gaiola, Marina DND y Nai, el catalán Neokinok y Optika, también conocida como Laura Ramirez, VJ HADRON y el colectivo TKLAB.

TKLAB, EL SEGUNDO ESCENARIO
El segundo escenario de Visual Brasil está dedicado a propuestas más experimentales. El viernes 27 de septiembre se celebrará la Sesión Algorave -TOPLAP con música y visuales generados con código en directo. Poetry in the Darkness – KØMMEN es un Live AV onírico acerca de la identidad y la memoria. La última presentación irá a cargo de MoOoM & Dabba – VJ Waldemar.

El sábado 28 de septiembre actuarán la artista Periférica – Chochopower, con una presentación audiovisual contestadora y política sobre el feminismo contemporáneo. El artista independiente Elijah Okello nacido en Uganda y criado en DK, además de las presentaciones de Synchron, MoOoM & Pangea, GAYONCÉ ROSE, y [sudo]_unReal producida por Marina DND y Juan Andres Carcamo aka Vj Nais.

MAPPING 3D EN LA FACHADA DEL PUNT MULTIMÈDIA
Varios estudios creativos y artistas presentarán cada uno un mapping 3D, tendencia mundial de realización audiovisual, en la fachada del Punt Multimèdia. Los mappings únicamente se podrán ver el viernes a las 22.00hs. Los estudios que participan son: Darklight Studio, Vini Fabretti, Homem Gaiola, Marqu VR, Chema Siscar y VJ Lê Pantoja.

PERFORMANCES AUDIOVISUALES
La programación de la 17a edición de Visual Brasil también incluye performances e instalaciones:
LA MANTISHeidi Valda & Gemma Reverter crea una nueva herramienta para la animación de marionetas basada en programación de software libre.

MÉTRON es una instalación audiovisual que explora la percepción del espacio.

Homem Gaiola con la escultura lumínica Espiral de transmutación enfatiza la importancia de la naturaleza con las tradiciones ancestrales tales como el Chamanismo y el Candomblé.

Dopamina de la artista Babi Avelino es una instalación de video con imágenes suyas cotidianas.

Somos Naturaleza del VJ ELETROIMAN trabaja el concepto de sabiduría y espíritu de las plantas a través de un mapping realizado en una gran máscara.

Instalación láser interactiva de DIMA VJ desarrolla la sincronía audiovisual a partir de la proyección láser.

TALLERES Y OTRAS PROPUESTAS DE FORMACIÓN
LED LAB – Escenarios mutantes

TALLER de LED Mapping y Stage Design
Días: 26 y 27 de septiembre 2019
Horario: de 16 a 20 hrs
Lugar: Punt Multimedia, Casa del Mig, C/ Muntadas 1
Precio: 75€
Inscripciones:
https://www.telenoika.net/tallers-2019
Más información en www.telenoika.net/tallers o tallers@telenoika.net

INFORMACIÓN PRÁCTICA
17 Festival VISUAL BRASIL
Jueves 26, Viernes 27 y sábado 28 de septiembre Entrada libre
Horarios: Jueves de 20.00h. a 23.00h. Viernes de 18.00h. a 01.00h. Sábado de 18.00h. a 02.00h.
Lugar: Punt Multimèdia, Casa del Mig, Parc de l’Espanya Industrial C/ Muntadas, 1, Barcelona

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LEV Matadero Madrid del 17 al 20 de octubre 2019

Par volatil

LE.V. Festival llega a su 13ª edición en Gijón del 2 y el 5 de mayo y, como novedad, estrena su programación en el centro madrileño de creación contemporánea, Matadero,  del 17 al 20 de octubre. L.E.V o el Laboratorio de Electrónica Visual tendrá lugar en ambas ciudades. Además, el line up del festival, se potenciará con propuestas concretas deslocalizadas denominados LEVents.

Os dejamos con el resumen visual de la edición anterior en Gijón.

Como viene siendo habitual, nos ofrecen shows audiovisuales singulares, directos, conciertos, instalaciones, workshops y residencias artísticas. En Matadero Madrid, el festival se centra en experiencias inmersivas, directamente relacionadas con la realidad virtual, instalaciones de sonido envolvente, en definitiva, las nuevas narrativas nacidas de la mezcla de todos estos lenguajes actuales.

L.E.V. Festival desarrollará su propio laboratorio de experimentación, innovación y descubrimiento en Matadero Madrid durante cuatro días. El público podrá acceder a un circuito de experiencias únicas, y acercarse así a la creación audiovisual más experimental.

Propuestas que no queremos perdernos en LEV Matadero 2019.

«EXALAND» es una performance audiovisual que utiliza los “controladores portátiles” de Remidi para interactuar con sonidos e imágenes a través de una proyección en vídeo audiorreactiva y un vídeo audiorreactivo de realidad virtual 360° en los dispositivos móviles del público

Spime.im es un colectivo artístico que emplea proyectos transmedia para investigar las estéticas y los idiomas derivados de la afirmación de la realidad digital.internacional.

El músico, productor y artista contemporáneo estadounidense James Ferraro estrenará en L.E.V. Matadero una composición de música generativa inspirada en Requiem for Recycled Earth, la primera parte de su gran obra épica Four Pieces of Mirai. Ferraro construye una alegoría filosófica sobre el declive de la civilización y muestra un presente distópico bajo el manto de una partitura poética y contemplativa.

Un sistema de música generativa interpretada en directo con acompañamiento de flauta y oboe y en formato audiovisual producto de la colaboración de Ferraro con el artista digital Maotik, que ha sido compuesta específicamente para ser sentida y escuchada por el sistema de sonido Soundscape que se instalará en la Nave 16.

Pedagogy es el nuevo proyecto de Nate Boyce y Eli Keszler. Nate Boyce es un músico y artista visual que lleva más de una década exponiendo sus vídeos, esculturas y performances por todo el mundo. Eli Keszler es un artista, compositor y percusionista de Nueva York. Su música, sus instalaciones y sus obras visuales se han expuesto en numerosos museos a nivel internacional. El dúo trabaja en las fronteras de la hard fusion, el metal, la electrónica y las percusiones industriales.

Nkisi es el seudónimo de Melika Ngombe Kolongo, que utiliza su actividad como productora, músico, DJ y comisaria para canalizar sus constantes investigaciones en el campo del sonido como herramienta de comunicación más allá de lo puramente lingüístico. Actualmente trabaja en Initiation, un proyecto que cuestiona de forma radical y visceral el formato de concierto audiovisual, en colaboración con el artista visual Charlie Hope.

Marta Verde es artista visual y programadora creativa. Su trabajo se construye a través del uso de software y/o hardware personalizado y específico para cada conjunto visual, lo que le permite manipular todo el contenido en tiempo real y explorar los límites del ruido visual, la repetición y el vínculo entre lo orgánico y lo electrónico. También le hará las visuales a Héctor Sandoval (50% de Exium), que tras veinte años y más de cien trabajos publicados a lo largo de su carrera, crea un nuevo proyecto llamado Tensal.

La nueva sección Vortex de L.E.V. Matadero está centrada en proyectos nacidos en la intersección entre cine, arte y tecnología, el videojuego y la creación electrónica.

Vortex prestará especial atención a propuestas de creadores canadienses a través de un Focus Quebec que integrará propuestas como Eternity Be Kind, una experiencia colectiva de la artista Myriam Bleau y el avatar digital LaTurbo Avedon que propone un futuro distinto de representación en lo musical y en lo personal navegando entre el hyperpop, el simbolismo mítico y los toques barrocos; Membrane, de Push 1 stop & Wiklow, una obra de creación generativa, a medio camino entre la performance y la instalación audiovisual, que, a modo de trampantojo, redefine la percepción del espacio y la luz; y la performance retrofuturista Imaginary Optics I & II de Maxim Corbeil-Perron que, a través anaglifos estereoscópicos (las gafas 3D de toda la vida), creará una poderosa experiencia envolvente.

LaTurbo Avedon es un avatar y una artista creada en el espacio virtual. Su trabajo gira en torno a la autoría y la identidad no físicas. Myriam Bleau es una compositora, artista digital e intérprete radicada en Montreal que crea sistemas audiovisuales que van más allá de la pantalla, como instalaciones sonoras e interfaces musicales para performances. LaTurbo Avedon interpreta la música de Myriam Bleau en una performance audiovisual multiplataforma.

No queremos perdernos ni un solo directo de los que ofrece VORTEX. Aquí algunos vídeos para que se os pongan los dientes largos. En otro artículo profundizaremos un poquito más sobre todos los directos de esta sección.

El acceso al subconsciente a través de los sentidos será el germen de Infiltrate Live av, el nuevo proyecto audiovisual de Shoeg.

 

 

La entrada LEV Matadero Madrid del 17 al 20 de octubre 2019 aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

Top 5 A/V performances at L.E.V, Madrid 2019 we want to see

Par Hayley Cantor

 

 

This year is a pivotal year for L.E.V. Festival as they take residence in Madrid for the first time. When we attended L.E.V. way back in 2014, we were astounded by the potential of this seemingly small festival in Gijón. It inspired us with its delicate combination of musical and audio-visual performance, its variation between genres and the balance between sit-down performances and exceptionally well-curated concerts. We loved the daytime with the change of venue to the botanical gardens, and ending the day in a church.

1. Plaid – Polymer, Live AV

As LEV themselves state on their website, Plaid is able to fill venues as diverse as the Sydney Opera House, right through to Berghain.

On Warp Records, as they approach their 30th anniversary, Plaid are a clear reference to the industry.

“The problems and benefits of Polymers felt like good themes for this album, their repetitious strength, endurance and troubling persistence, the natural versus the synthetic, silk and silicone, the significant effect they have on our lives.” – Plaid

Dancers, inspired by the colossal quantities of plastic in our oceans, shows that Polymer is much more than just a musical performance, but an artistic reference to the world context in which their creation has been made. The official music video, whilst quite surrealist, and disturbing, is strangely beautiful. We’re really excited to see how this can translate to a live visual performance.

2. SPIME.IM

This seems to be the technological performance of the festival. With growing exploration into the world of virtual and digital technologies, new media art really is at the cutting edge of what’s to come and is an exhilirating way to be introduced to new world contexts.

EXALAND is an AV performance using ‘wearable controllers,’ which we imagine to be a development on what we saw with Chagall’s performance using the mi.mu gloves at Sonar Festival some years back http://www.audiovisualcity.org/avcity/2016/05/23/sonarplusd-chagall-mi-mu-gloves/

These guys have got all of the buzz words Audioreactive Video Projection and an Audioreactive Video in VR/360°, as well as 3D art and electronic music, not forgetting of course, immersive.

We’re interested to see this interactive performance for the visual aesthetic and graphics, and of course, one of the audiovisual artist’s favourite topics: audio-reactivity.

3. HP [HASWELL&POWELL] W/ VISUALS BY MATHIAS GMACHL

We’re always intrigued by a write-up that focuses a lot on the visual aspect of the performance, particularly as this isn’t always common practice in the industry, and the description of Mathias Gmaci, triggers a lot of intrigue.

As director of the studio, Loop, who create ‘experiences and environments that radically rethink the future’, we get the impression that this will be yet another audiovisual performance to remember.

‘Mathias Gmachl is a trans-disciplinary artist, researcher and design thinker. He is director of studio Loop.pH founded in 2003 to form an entirely new creative practice that reaches beyond specialist boundaries by facilitating collaborative spaces, mediating between digital & biological media and intervening at an urban scale to re-imagine life in the city.’ -L.E.V.

4. Nkisi: Initiation Live AV
Based in London, and coming to L.E.V with a new live AV format in collaboration with artist Charlie Hope, Nkisi promises ‘African rhythms, uncompromising European hard dance tropes, foreboding synth melodies and a relentless, galvanising energy, as harnessed for her increasingly kinetic live performances.’

If that isn’t a description to get the juices going, we don’t know what is. Unable to find any link to Charlie Hope’s previous work, we decided we’d leave this one as a surprise (although we did catch a few exciting sneaky glimpses on Instagram of a performance at Kraftwerk, Berlin…shhhh).

It’s always good to leave a performance for surprise, we think.

5. Alessandro Cortini – VOLUME MASSIMO Live AV

Volume Massimo debuted at Berlin Atonal just a few days ago and will tour all the way to the Barbican in London. Like Plaid, the visual aesthetic is photographic, and is said to take the audience on an emotional journey, using music as a map for life’s journey. It tells the story via footage from the family archives.

Synthesizers, combined with memory, this will be another piece to make us think. Oh, and did we forget to mention that he’s best known as the keyboard for Nine Inch Nails, not to mention has collaborated with the likes of Ladytron and is now member of Los Angeles alternative electronic band, SONOIO.

So, what are you waiting for? If you’re planning on attending the event, get in touch and we’ll see you there!

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Eufònic Festival 2019 · Destacamos su parte más visual

Par volatil

Eufònic es un festival alrededor de las artes sonoras, visuales y digitales, de cuatro días de duración (del 5 al 8 de septiembre) y que se celebra en Sant Carles de la Ràpita y, de mediados de agosto a mediados de septiembre, se expande con instalaciones artísticas a varios espacios de Terres de l’Ebre: Amposta, Miravet, Roquetes, Tortosa y Ulldecona. Eufònic son artes excepcionales en su más amplia acepción: actuaciones audiovisuales, talleres, instalaciones en espacios museísticos, acciones sonoras, actividades para el público familiar y conciertos en espacios singulares. En Eufònic hay espacio para todo tipo de propuestas, siempre con la experimentación y la búsqueda constante como objetivo, lejos de fórmulas preestablecidas.

La jornada Eufònic Pro se celebrará el viernes 6 septiembre de 11:00 a 17:30 en el nuevo y remodelado Maset Espai Jove de Sant Carles de la Ràpita y se configura como un programa transversal de actividades teóricas y prácticas. Tomando el relevo a la jornada #supportvisualists, celebrada los últimos tres años.

Las actividades contarán con ponentes como Natalia Fusch (programadora del festival Gamma de San Petersburgo), las creadoras Elena Juárez y Sofía Crespo, el coreógrafo Roberto Oliván (Deltebre Dansa), Pete Thornton (programador del festival Splice de Londres), Néstor Torrens (director del festival Keroxen de Canarias), Pat Quinteiro (prensa y comunicación de festivales como Jazz Formentera o Mutek Barcelona), Luis “Kitas” Banrezes (del festival Tremor de Las Açores), Olivier Rappoport (Mixtur) y Albert Pujol (Fira Litterarum), entre otros.

Con inscripción gratuita, Eufònic Pro es un punto de encuentro para los profesionales de la creación y la gestión cultural multidisciplinaria, en una ventana abierta y bidireccional al mundo de la creatividad entendida en todas sus vertientes que incluye la música, las artes visuales y digitales y las artes escénicas y en movimiento, siempre con el objetivo de fortalecer el conocimiento y contribuir a su transformación.

DESTACAMOS LA PARTE MÁS VISUAL DEL LINE UP DE ESTA EDICIÓN

Artista visual y creativa new-media establecida en Madrid, Elena Juárez trabaja con gráficos interactivos, generativos e instalaciones multimedia, y ha participado en charlas y talleres en espacios capitales como Medialab Prado o Matadero. Pero es su práctica principal, con una especial motivación para “iluminar espacios oscuros” y una vinculación tan grande con la música electrónica, que nos hace proponerle acompañar los dos DJ sets de cierre de las noches Eufònic, con C.E.E. Shephers y Ylia. Geometría y narrativas abstractas parametreadas en vivo y en directo.

El Auditori Sixto Mir de Sant Carles de la Ràpita acogerá dos espectáculos audiovisuales por parte de artistas internacionales, trabajos que solo se pueden ver en espacios escénicos como teatros o auditorios, con escenario y caja negra. Los dos espectáculos que conforman la programación del Auditori son «Membrane» de los quebequeses Push 1 Stop & Wiklow y «_nybble_» del francés Alex Augier.

Entre el diseño 3D motion y el arte generativo, el trabajo de la quebequesa Push 1 Stop se forma a través de la acumulación de ambientes narrativos elegantemente precisos y complejos, que le ha llevado a ser considerada una de las mejores artistas visuales del momento. Junto al también canadiense Wiklow han creado “Membrane”, un pieza generativa de proyecciones volumétricas, humo ascendente y algoritmos reactivos, invitándonos a entrar en un espacio creado entre la percepción y la ilusión. Juntos inaugurarán el Auditori Sixto Mir, el nuevo espacio del festival dedicado a los espectáculos audiovisuales y digital-performativos.

Alex Augier es un artista francés, que ha presentado sus trabajos en festivales como Scopitone o Nemo (Francia), Elektra (Canadá) o Media Ambition Tokyo (Japón), y creador con Alba G. Corral de los espectáculos “end(O)” (Today’s Art 2018) y “ex(O)” (LEV 2019, Sónar 2019), viaja a Eufònic con «_nybble_», una pieza audiovisual en la cual combina música y luz en un minimalismo digital a través de cuatro pantallas transparentes que acogen -físicamente- al artista en su interior, donde aquello que ves y aquello qué oyes forma un todo electrónico, orgánico, en una entidad sinestésica onírica y poética. Uno de los más sugerentes creativos visuales y sonoros del momento.

Como ya es tradición, el fin de semana anterior a los días centrales de Eufònic se presentan las instalaciones artísticas en otras poblaciones, espacios museísticos o temporalmente habilitados que acogen trabajos de artistas internacionales y actuaciones especiales. Roc Jiménez de Cisneros, maestro de la computer music, presenta “sense títol” en el Museu de Tortosa, una instalación de láseres que remite a la cultura rave. Presentará su instalación de láseres “sin título” (¿o pensabais que ya se había estandarizado?), donde promete una experiencia intensa y, al mismo tiempo, extremadamente sutil nacida de la pieza que presentó el año pasado en Arts Santa Mònica. Del club al museo, la computer music siempre ha tenido un nombre, pero a este artista barcelonés se le quedan cortas las etiquetas.

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La nueva instalación de luz cinética del colectivo VOLNA se llama «Duel»

Par volatil

Transformar espacios usando la luz es lo que mejor sabe hacer el colectivo VOLNA. Un grupo de artistas de San Petesburgo basado en la comunicación y la arquitectura y que provienen de distintos campos como la música, el arte y la cultura.

Ya te hablamos de sus instalaciones:
“The Open Plain”
“Schwarzwald”
«Coulisse»

Esta vez presentan una instalación de luz cinética llamada «Duel», que se inspira en la idea de que el conflicto puede actuar como una fuerza impulsora. El concepto de dualidad encuentra expresión en el esquema de color acromático de la instalación, así como en su construcción y forma. Los elementos principales de la instalación son 16 discos, todos casi planos y cada uno con dos lados opuestos: uno oscuro y uno claro. Los opuestos se encuentran en un estado constante de «duelo» entre sí, y todos sus intentos de alcanzar el uno al otro resultan en una rotación tridimensional continua. Uno reconoce en este movimiento los giros y vueltas característicos de una moneda que ha sido lanzada al aire. La suerte ha sido lanzada, pero el resultado aún no se ha decidido. El movimiento de los discos a través del aire crea escenas coreografiadas con luces y sombras que se mueven a través del espacio, el subproducto de una confrontación entre dos principios opuestos pero interconectados.

La instalación se presentó por primera vez del 27 al 28 de julio de 2019 en el Present Perfect Festival en San Petersburgo en un espacio separado en la antigua fábrica. 16 elementos de luz motorizados se fijaron a una estructura de 30 metros de largo ensamblada en forma de parábola y luego se movieron en un movimiento sincronizado suave mediante un software creado a medida.

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Blackmagic Design Live Production Workflow Captures Festival Beauregard

Par Zazil Media

Fremont, CA – August 19, 2019 – Blackmagic Design today announced that a multicamera SMPTE fiber solution, featuring the Blackmagic URSA Broadcast with ATEM Camera Control Panel, was deployed across the main stage at this year’s Festival Beauregard, and delivered live coverage of performances by Fatboy Slim, Interpol, Disclosure and more. Set in the grounds of ...

El vídeo mapping de Graffmapping en Electric Daisy Festival 2019

Par volatil

Graffmapping es un proyecto de investigación y experimentación entorno al graffiti tradicional y las nuevas tecnologías. Fundado por Richard Santana en 2012 en las Islas Canarias, España.

Viajaron al EDC LAS VEGAS 2019, NEVADA. (Electric Daisy Festival) los días 17,18,19 de Mayo de 2019 para realizar un proyecto de mapping tanto en 2D y 3d para los artistas (Golden305, urbanruben, & Infct) creadores del mural “Plur Vibes” de 9×12 metros. La ubicación ha sido en el gran circuito Las Vegas Motor Speedway.

Realizaron un vídeo mapping dinámico durante los 3 días del festival, en el horario nocturno desde las 22:00 horas hasta las 04:00 de la madrugada jugando con la música en directo del Dj que tenían frente al mural. El significado de Plur Vibes se traduce a paz, amor, unidad y respeto. PLUR no es solo un momento de rave, es un estilo de vida con vibraciones positivas para todas las personas.

El mural se realizó con colores muy vivos y llamativos, dentro de la temática del festival, donde abundan gran cantidad de colores y luces en cada esquina del circuito. Creando una experiencia más para los asistentes tanto de día, como de noche al ritmo de la música. El equipo de trabajo que participó en la creación del vídeo mapping son los siguientes: Zuluoh, VidakFilms, Suglas, FluffDesigner, Juan Pablo Salinas y Juanjo Fernández. Producido por Richard Santana.

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Creators of “This Isn’t Me” Team with ONE TWENTY NINE FILMS to Bring Show to TV

Par Artisans PR

Comedy pilot about a gay man who tutors a trans youth has won a string of awards on the festival circuit. SAN FRANCISCO—Writer Ben Kawaller and director Adrian Rojas Elliot have partnered with One Twenty Nine Films to develop their award-winning short film This Isn’t Me into a television series. The comedy about an aimless ...

Legendary colourist Yvan Lucas reunites with Quentin Tarantino for ‘Once Upon a Time… in Hollywood’

Par Caroline Shawley

  LONDON — 5 August 2019: The latest movie written and directed by Quentin Tarantino, Once Upon a Time… in Hollywood, took the 2019 Cannes Film Festival by storm. The film visits late 60’s Los Angeles with colour and vitality realised by cinematographer Robert Richardson. To create the distinctive vintage look of the period, Yvan ...

Norberg Festival

Par Nina Verhagen

NORBERG, July 25-27 2019

Norbergfestival is a 20-year running festival, held on the abandoned iron mine site of Mimerlaven in Norberg, Sweden.

A growing group of artists presents contemporary music, performances, and interdisciplinary works. We make use of what the site provides and we sleep on the ground. We extract what we produce and leave the mine as it was left in 1981.

 

Norbergfestival brings experimental music and performing arts to the defunct mining site of Mimerlaven, centrally located in the small post-industrial town of Norberg, Västmanland, Sweden.

Three days a year, industrial concrete buildings transform into an international playground where festival visitors experience a multicolored spectrum of electronic music, sound art, and clubs. Norbergfestival offers a unique mixture of live electronic music at the spectacular location around Mimerlaven, an abandoned mining area in the small town of Norberg.

Since it’s inauguration in 1999, the festival has evolved from a utopian counter-cultural assembly to a national front-runner and internationally recognized platform for groundbreaking and unique musical experiences. Together with light and sound installations, workshops in the fields of audio and video and a friendly and creative atmosphere matched by none, this truly makes Norbergfestival one-of-a-kind.

In 17 years Norbergfestival has grown from being a utopian project for a handful of people into one of the most important annual events in the Scandinavian electronic music scene.

 

Norberg Festival 

Norberg, Sweden

info@norbergfestival.com

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Norberg Festival

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Otu & Volàtil en Sónar Festival 2019 · Nuestro TOP 10 de la 26ª edición

Par volatil

Ya han pasado casi dos semanas desde nuestra aventura en la 26ª edición de Sónar Festival. Nos ha dado tiempo de leer crónicas, artículos de opinión y resultados generales. 20.000 asistentes menos que en la edición anterior. Tal como aclamaba la última nota de prensa que recibimos “Un Sónar global, intercultural, femenino, queer y radical. 105.000 asistentes procedentes de más de 120 países».

Aquí va nuestra crónica de la parte más visual de la edición 2019. Fácil, sencilla, directa y sin rodeos, ¿vale? Hemos decidido compartir nuestro TOP 10. QUEREMOS DEJAR MUY CLARO QUE EL ORDEN NO ES IMPORTANTE,  todos serían el TOP1, se trata de seguir apoyando la escena visual, ese es nuestro objetivo. 

Pero antes queremos hacer una pequeña reflexión. Esta edición ha sido especial por muchas razones. Y aunque se presentaron muchos baches, la organización supo mantener la cabeza bien alta y demostrar su alto grado de profesionalidad como en todas sus ediciones anteriores.

1 – El cambio de fecha. Después de un cuarto de siglo teniendo lugar el tercer finde de junio, este año, como sabéis, se realizó un mes más tarde por intereses comerciales y económicos de Fira Barcelona.

2 – La huelga de «riggers» y el poco apoyo que ha recibido el festival por parte de l’Ajuntament o de la propia Fira dejó mucho que desear.

3 – La asistencia del fundador y creador de esta plataforma online, que empezó como un foro para Vj’s de habla hispana y se ha convertido en un amplificador de proyectos audiovisuales. Sí, Óscar Testón vino a Barcelona y vivimos esta experiencia juntos. Óscar tiene una mirada muy cultivada sobre el mundo de las visuales y las conversaciones después de cada show han sido súper enriquecedoras.

Y ya sin más preámbulos, nuestro TOP 10. ¡Allá vamos!

Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección.

Top 2 – Seguimos con Ouchhh talento directo a los sentidos desde Istanbul. El escenario del auditorio del sónar (Sónar Complex) vibró con la fuerza del dúo de psych-afro-tech-avant-rock español Za! La parte visual mantuvo la tensión logrando una experiencia multidisciplinar que conectó ciencia, arte y tecnología. Ouchhh es un estudio new media formado por varios creativos de diferentes disciplinas que trabaja en los campos de la inteligencia artificial y el arte a partir de datos. Te hablamos de ellos la crónica del Mira 2017.

Top 3 – No podíamos faltar al show de Los Voluble porque iríamos a todos los bolos que hacen. Porque son auténticos, puros y directos. Es que ya solo con el título “Flamenco is not a crime”, te despiertan la curiosidad y las ganas de ir a verles. Como viene siendo habitual: vanguardia, política y flamenco con mucho ritmo, clase y talento. Han creado su propio lenguaje audiovisual para denunciar o hacernos pensar sobre temas como la religión, la política y la actualidad.

Top 4 – Uno de los directos que más ilusión nos hacía de esta edición de Sónar Festival era el de Hamill Industries.  El sábado a las 14h en el auditorio y contra-programados por lo que viene siendo “la siesta”, nos ofrecieron una fiesta en toda regla. Sincronía de luces, imágenes y láser acompañada por unas buenas atmósferas. Una pena ese día la potencia de sonido en el auditorio que desmereció el show.

Top 5 –  De nuestro formato preferido, la Dome, en el espacio Sónar360 byMediapro, y dentro de la programación del Sónar+D, elegimos el show de Alba G. Corral junto al músico Alex Augier, el único espectáculo en directo en este espacio. Quizá por la magia del directo o por sus palabras antes de empezar la proyección, logramos meternos hasta el fondo dentro de ese mundo de escenarios generativos.

Top 6 – Lo de Daito Manabe es otra historia. Si ibas a ver el show sin saber nada del proceso creativo, la sensación era de decepción. Pero si te explican que “dissonant imaginary” es el nuevo proyecto en forma de show tecnológico y sonoro creado junto al doctor Yukiyasu Kamitani. Y si además, descubres que el procedimiento de toma de señales del cerebro (a partir de un scanner y un proceso de resonancia magnética) y posterior análisis y decodificación del Dr. Kamitani son utilizados por Manabe para crear un espectáculo visual y sonoro que puede marcar un antes y un después en la relación que se establece entre música y cerebro, la cosa cambia.

Top 7 – Max Cooper. Con su potencia y contundencia en directo. Como única apreciación se echaba de menos la figura de un vj en escena, ya que la propuesta visual que le acompaña es muy potente y eso hace pensar que parte de su show visual está enlatado… (upsss!!).

Top 8 – Joanie Lemercier nos mostraba su nueva obra «Nebulae» en la Dome con la música de Joshua Sabin (Subtext label). Un ejercicio de formas geométricas a su más puro estilo que sacaban partido al formato Dome, haciendo flotar de una escena a otra. Gran sorpresa nos llevamos al inicio de su set ya que empezó con imagen figurativa. Algo que en Lemercier nos sorprende.

Top – 9 – Mención especial a los directos de Nicola Cruz y SEBASTIAN. Del primero hemos descubierto que las visuales fueron obra de Fidel Eljuri, un artista visual de Quito al que le hicimos una entrevista súper interesante en 2016.

Top – 10 – Lo de SEBASTIAN fue muy grande. Su música, una mezcla de Justice y 2ManyDjs provoca en el público eso que pocos consiguen, que todos salten sin parar. Las visuales, muy simples, letras y colores. Me costó encontrar al autor pero lo logré, tras investigar un poco el Instagram del artista, que es ni más ni menos del director de cine Gaspar Noe. ¿Qué no te lo crees? Pues mira. No estaba proyectando ahí en directo pero le ha hecho parte del contenido para su show seguro.

No queremos terminar el artículo sin mencionar la instalación de Onionlab, un espacio interactivo e inmersivo de luz e imagen controlada por los movimientos de los visitantes. La experiencia de Onionlab para Desigual invita a encontrarse con el artista interior. Nos perdimos la combinación de proyección, lasers, cámaras, reconocimiento del movimiento, gráficos en tiempo real, sensores biométricos, proyección envelope y luces LED. Y es que entre una cosa y otra al final, no pudimos verla. Ojalá se repita pronto y ahí estaremos.

Cerramos la crónica con esta declaración de Otu (Oscar Testón). 

«Ha sido un placer vivir la experiencia del Sónar, no sólo por la cantidad de oferta cultural que te ofrece el festival, sino por la calidad de la gente que te encuentras. Viejos compañeros que ves tras años y te emocionas al volver a compartir unas horas o días y sobre a mis cercanos que me aguantaron carros y carretas. El año que viene prometo ir al Sónar noche».

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RED BEE MEDIA POWERS AND SUPPORTS REMOTE PRODUCTION FOR CANAL+ DURING CANNES FILM FESTIVAL 2019

Par Ericsson

CANAL+ were keen to use remote production in their operations during the Cannes Film Festival 2019; broadcasting shows from “TV Festival”, managing all post-production for the CANAL+ Group in Cannes and providing all opening and closing ceremonies at the festival to international broadcasters Red Bee Media facilitated and supported higher-quality workflows for 32 feed remote ...

Siggraph 2019

Par LeCollagiste
Siggraph 2019

Le Siggraph 2019 se tiendra du 28 au 1er août 2019 au centre des congrès de Los Angeles, conférence et exposition internationale sur les techniques d’infographie et interactivité. Le Siggraph accueil de nombreux chercheurs, scientifiques, ingénieurs, artistes et experts sur les nouvelles idées et solutions créatives pour le traitement d’image, les technologies immersives VR, AR, modélisation 3D, motion capture. Le Siggraph invite à découvrir les dernières trouvailles et innovations créatives. Sans oublier le Siggraph Computer Animation Festival, pour les créateurs de film d’animation numérique.

Siggraph 2019
Siggraph 2019
Siggraph 2019

Siggraph 2019 est un billet de LeCollagiste VJ.
LeCollagiste VJ - Mag du LeCollagiste, actu sur la culture VJING, Vidéo Mapping, info video et high tech.

SIGNAL Festival

Par Nina Verhagen

PRAGUE, October 10-13 2019

The SIGNAL Lighting Festival is the largest cultural event in the Czech Republic, which, thanks to the unique interconnection of art, urban space and modern technologies, has attracted more than 2 million viewers for its five-year existence.

The festival uniquely combines visually attractive works with demanding installations of international quality. Its approach thus appeals to both broad and professional public.

The SIGNAL Festival brings to the streets of Prague cutting-edge forms of art which show the streets and recesses of the capital city in new perspectives due to the connection between technology and light.
About twenty installations annually combine visually attractive work with demanding installations of international quality.

The festival concept determined by its art council aims at the public and also experts. Owing to its support of new artworks, the SIGNAL Festival represents a respected platform also on an international level and it is a popular place to see new projects in the field of visual art.

For four days in October, the historical heart of Prague will be turned into a center of new technologies, amazing ideas, and unbound creativity. SIGNAL Festival will revive both well-known and hidden mysterious places of Prague with creations of renowned Czech and foreign audiovisual artists.

 

Signal Festival 

Kubelíkova 1548/27

Praha, Czech Republic

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Sensorium Festival del 7 al 9 junio en Bratislava

Par volatil

Marta Verde nos regala esta crónica de Sensorium Festival 2019. Toda tuya si sigues leyendo.

Sensorium es festival de tamaño pequeño-mediano, muy completo (workshops, panels, charlas, performances…) en una ciudad europea seguro desconocida para muchos; que nos recuerda a los inicios del antiguo Resonate; tanto por el contenido como por el tipo de venues elegidos para las diferentes actividades. Totalmente recomendable. Se agradecen iniciativas como esta, hechas por un equipo humano con ganas de hacer las cosas bien.

Se usó la temática “La mente aumentada” como una lente para poder explorar el modo en la que los artistas, diseñadores y tecnólogos trabajan con el concepto de “aumento” como principio creativo.

Las actividades fueron muchas, pero estos son mis highlights:

Instalaciones

Había dos tipologías de instalaciones, las reunidas en el venue principal, el Pistori Palace (donde también se daban las charlas, networking y otras actividades), e instalaciones en otros lugares de la ciudad; outdoors y galerías de arte (para los cuales no hacía falta entrada, eran abiertas al público)

Un bonito detalle la botella de agua de cristal con la programación del festival que entregaban con la pulsera. Con el calor que hizo en esas fechas se agradecía.

Otro detalle muy interesante, es que se hizo un tour gratuito previa inscripción el último día del festival, con visitas guiadas a las instalaciones, con explicaciones de los artistas/comisarios. Un gran modo de hacer más comunidad y también para el propio público tener una visión más completa de las piezas. También se hizo un “urban sound walk” promocionado por un artista sonoro, en el que los asistentes experimentaban diferentes sensaciones y un punto de “vista” diferente de la ciudad, mediante el recorrido de ésta con un dispositivo especial creado por el artista.

Pistori Palace: Sorprendente la mezcla de diferentes tipos de proyectos (bastante VR pero también proyectos que interseccionaban diferentes disciplinas, con una gran importancia por resaltar la parte física: la fabricación digital estaba muy presente), además de la presencia de algunas piezas de estudiantes de ECAL; con un nivel muy alto.

Dyne Modular System
Luca Kasper

El acabado de este kit de sintetizadores modulares con interfaces táctiles desarrollado por este estudiantede Écal era muy interesante; además del uso de superficies táctiles o gestos en vez de potenciómetros y sliders.

ORB /play
Roman Mackovič

Esta instalación estaba situada antes de la zona de las charlas. Se trataba de un objeto interactivo esférico colocado encima de una estructura con rodamientos que permitía que rotase libremente sobre la base. Los gráficos se comportaban como un puzzle con físicas que se readaptaba a la posición de la esfera; generando sonido también a través de la colisión de estas piezas. Muy interesante.

Light Them All
Corentin Vignet

Otro proyecto interactivo jugable (el objetivo era encender las lámparas utilizando el teléfono móvil como controlador, pudiéndose jugar en grupo) muy bien ejecutado, proveniente de la escuela Écal

πTon
Cod.Act

Impresionante. Se trataba de una instalación performática, por lo que no estaba permanentemente en funcionamiento; sino que los pases se repetían a lo largo del día.

Se trataba de un extraño cuerpo elástico compuesto por módulos similares a llantas, que reaccionaban al sonido resultando una mezcla entre las distorsiones de una estructura elástica y síntesis en tiempo real de la voz humana.

The Inflovable Machine

Monica Rikić

Se trata de un instrumento musical colaborativo creado a partir de unos grandes inflables con forma tubular que se hinchan y deshinchan mediante la interacción del público y van generando de esta forma diferentes sonidos, como si de un órgano de aire se tratara. El público interactúa con la pieza mediante unos tubos dispuestos en una caja de control, por los que puede soplar, activando unos ventiladores que van hinchando y deshinchando los globos, creando distintos sonidos y composiciones musicales colectivas.

Conceptualmente, y en la línea temática de la ‘mente aumentada’ de Sensorium y ‘La ciencia del amor’ de Silbersalz, la pieza dispone de 3 botones en la parte frontal que modifican el tipo de output del instrumento. Cada uno de ellos se vincula a uno de los tres estados del amor, basado en la investigación de Helen Fisher (speaker invitada al festival Alemán): impulso sexual, amor romántico y apego.

Satelit gallery

Matthew Plummer Fernandez – Augmented Authorship

La obra de Fernández reflexiona sobre los conceptos de autoría y los procesos automatizados. Sus últimas piezas hablan sobre el concepto de aumentado como principio del diseño, y explora cómo los procesos computacionales facilitan nuevas formas de autoría y de creación.
Ejemplos: una escultura que fusiona todos los modelos 3d disponibles online de Mickey Mouse en una.
O un bot que rastrea uno de los repositorios más importantes de impresión 3d ; se descarga modelos random de diferentes usuarios, generando nuevos modelos a partir de ellos; incluso utilizando los títulos originales para generar los nuevos.

Performances
A4, KARPATSKÁ 2, BRATISLAVA

Jonathan Reus – iMac Music

Puro glitch.
El instrumento base de la performance, tanto para generar audio como para vídeo, era un Imac G3 circuitbendeado. Los propios sonidos del sistema modulados y los gráficos eran la base de la performance, dirigida en 3 actos. Cada acto realmente terminaba cuando el ordenador no aguantaba más y se reiniciaba de modo forzado.

Charlas, panels & industry

El nivel de las charlas (parte que considero muy importante en un festival de estas características) era muy alto, incluyendo tanto artistas consagrados (Elliot Woods de Kimchi & Chips, Claire Tymon de FutureEveryhing… ) como nuevos talentos o perfiles no tan conocidos a nivel internacional.
El acogedor tamaño del festival hacía muy accesible la posibilidad de hacer preguntas, o incluso de en momentos de networking o impass, poder charlar tranquilamente con los artistas.
Se trataron temáticas como el futuro del VR en las artes, como la tecnología “aumenta” la creatividad, la arquitectura digital en la educación….
Además, se hicieron otro tipo de “panels” abiertos al público en la ciudad, para los cuales no hacía falta entrada (un buen ejercicio para acercar el festival a la ciudad

Otro punto interesante del festival fue que se llevó a cabo un “industry meetup”, donde personas provenientes de la industria y otros festivales europeos relacionados con los medios digitales, compartieron ideas y experiencias para mejorar la interrelación y favorecer el intercambio entre ellos.

Cris Valenzuela impartió un workshop iniciático de un día completo enfocado en el uso de Runway, herramienta de Machine Learning para aplicaciones creativas. No pudimos asistir, pero la gente que salía del taller, tenía cara de haber recibido mucha información en poco tiempo, lo que es bueno 🙂
También había hueco para los más pequeños, con un taller dirigido a ellos.

Autora del artículo: Marta Verde

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FilmLight finishing gives distinction to Cannes winners

Par Caroline Shawley

  LONDON — 3 July, 2019: Two of the top prizes at this year’s Cannes Film Festival have gone to ground-breaking movies which rely on FilmLight colour science for their distinctive looks. Parasite, from Korean director Bong Joon Ho, took the Palme d’Or, while director Mati Diop won the Grand Prix for Atlantique (Atlantics), the ...

Hamill Industries & Shelly: Audible Spectrums · Sónar 2019

Par volatil

Este año el Sónar cambia de fechas.  18, 19 y 20 de julio serán las fechas del Sónar 2019. Nosotros, como es habitual, vamos a ir seguro. Como siempre, la programación está llena de joyas imperdibles pero este post se lo queremos dedicar a Hamill Industries & Shelly y a su proyecto Audible Spectrums. ¿Cuándo? Tomad nota, el sábado 20 de 14:00h – 14:40h en Sónar de Día – SonarComplex.

Fue en el Mira Festival 2016, que tuvimos la suerte de asistir a la conferencia de Hamill Industries, un estudio de Barcelona, formado por Pablo Barquín y Anna Díaz, y entendimos el trabajo que hay detrás de un videoclip como el de Floating Points y de la instalación que han montado en todos los conciertos de la gira del grupo. Ellos aseguran que no les gusta hacer las cosas fáciles y que prefieren complicarse. Es complejo definirles, a ellos también les cuesta, son ingenieros, artesanos, diseñadores, vj’s, inventores pero ellos se sienten más cómodos con la palabra “makers”. Trabajan tanto con las manos como con la pantalla del ordenador.

Audible Spectrums es el nuevo show audiovisual realizado por Hamill Industries. Una vez más, dan un paso hacia el pasado basándose en la visualización analógica del sonido gracias a una mezcla de tecnologías de los años 80 y modernas. Un show que combina a la perfección luces, láser y visuales que reaccionan a frecuencias de sonido, estructurado en loops de audio y teniendo en cuenta su modulación, de forma que las propias olas de sonido se convierten en visuales y viceversa. Escuchar lo que ves.

El show servirá también para mostrar cómo funciona el sistema creado por Hamill para la gira que acompañó a Floating Points durante el 2018. En este caso el dúo de creadores barceloneses estarán acompañados por uno de los productores emergentes más interesantes de la escena local, Shelly, participante nacional en la última edición de la Red Bull Music Academy en Berlín.

Hamill Industries es un estudio creativo formado por los realizadores, inventores y artistas visuales Pablo Barquín y Anna Diaz. Su práctica se centra en combinar técnicas digitales, robótica y visuales para explorar conceptos de la naturaleza, el cosmos y la física. Desde 2016 han acompañado de gira al productor, compositor y DJ Floating Points, y son los responsables de la parte visual de su álbum «Reflections – Mojave Desert».

Por su parte, Shelly – anteriormente conocido como DJ iTunes10.2 – es uno de los residentes de la emisora dublab.es y también mitad del dúo de new-trance/rave TOP74, además de formar parte de la familia alrededor del club alternativo El Pumarejo de Barcelona. Hammill y Shelly han trabajado ya anteriormente juntos en dos instalaciones: “Fundamental Noise”, en colaboración con Mans O, y la recién estrenada “Chrysalis”.

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Visionarium Art Festival. 17 al 19 de Mayo en Vilafranca del Penedés

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Este fin de semana el equipo de Vjspain se desplaza a Vilafranca del Penedés para asistir al Visionarium Art Festival. Un festival del que seguramente no hayáis oído hablar todavía, es el primer festival de este tipo en el mundo.

El Visionarium Art Festival es un evento dedicado al arte visionario, pensado para juntar artistas, decoradores y creadores visuales y poder crear, enseñar, exponer y aprender juntos durante tres días, y acercar este mundo al público en general. Se celebra del 17 al 19 de mayo, aunque hay también pases especiales de un solo día para los residentes en la provincia de Barcelona.

Se podrán en común diferentes expresiones de arte visionario: pinturas en lienzo, esculturas, instalaciones, video, proyecciones en 360º, sonido, hologramas o realidad virtual.

Algunos de los artistas que veremos:

Android Jones, uno de los artistas más aclamados de este género, presenta Samskara, una proyección inmersiva sobre un domo.

Ihtianderson, promotores del festival, artistas que llevan desde 2007 decorando los mayores festivales psicodélicos del mundo, innovando en cada instalación con nuevas técnicas jugando con transparencias y profundidades. Montarán la decoración del festival y expondrán sus lienzos.

Centaurus, uno de los mayores artistas actuales de string art.

Pascal Ferry, pintor Francés que ha expuesto sus obras por todo el mundo, con grandes influencias del arte místico y simbólico.

Julius Hursthuis, explorando el mundo de los fractales a través de animaciones y realidad virtual.

Luminokaya, que ha evolucionado a lo largo de 20 años a través de diferentes técnicas, como cine 4D, realidad virtual o escultura digital en vivo.

O Natural Warp, que lleva años explorando el arte digital psicodélico, últimamente también a través de video en 360º y realidad virtual.

Por nombrar algunos, pero aquí podéis ver muchos más.

Además, lo más interesante de este festival es la posibilidad de participar en diferentes talleres para compartir y aprender técnicas con los diferentes artistas, así como charlas, live painting y body art.

Todo esto acompañado de música étnica, instrumental, ambient, psychill y downtempo, con conciertos y actuaciones en vivo. En un entorno natural en la zona del Penedés.

Aquí podéis ver el video de presentación del festival:

Queremos visitar y vivir este festival como una nueva aventura dentro de la serie de festivales que nos rodean en el día a día. Un festival diferente a los que solemos ir y pionero en España, con un encanto especial por la localización y la temática tan basada en lo visual.

Agradecemos a la organización la invitación de conocer de primera mano el festival y poder contarlo a la vuelta. ¿Nos acompañáis?

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Sensorium Festival 2019: The Augmented Mind and Where to Look For It

Par CreativeApplications.Net Staff
Sensorium Festival 2019: The Augmented Mind and Where to Look For It
From the inventions of computing pioneer Douglas Engelbart to the philosophies of Andy Clark and David Chalmers: curator Philo van Kemenade reveals what inspired the 2019 edition of Bratislava’s Sensorium Festival (June 7-9)

L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores

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Entrevistamos a los programadores de L.E.V Festival, Cristina de Silva y Nacho de la Vega. L.E.V. es un Laboratorio de Electrónica Visual y también, como ya sabes, es el Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón. Un evento que desde hace más de 12 años ofrece una visión ecléctica y 360 grados del panorama de la creación ligada al arte digital audiovisual.

El L.E.V. Festival se basa en las sinergias que existen entre imagen y sonido en directo, la experimentación y por las múltiples hibridaciones entre géneros que manifiestan la importancia de las artes visuales y la música. Quizá no lo sabías pero El Laboratorio de Electrónica Visual rinde homenaje a través de sus siglas a Lev Thermen, científico ruso padre de los sintetizadores actuales).

Edición tras edición, desde Vjspain, hemos amplificado y comunicado el line up del festival, recomendando lo que no nos perderíamos del cartel. Esta vez, hemos querido ir un poco más allá y hemos entrevistado a sus programadores. Ellos hacen ese trabajo que no tiene lugar en los escenarios ni a ojos del público pero es imprescindible para que el L.E.V sea lo que es. Cristina de Silva (1972) y Nacho de la Vega (1968) forman FIUM, un colectivo de activistas culturales centrado en el vídeo, el sonido y las instalaciones multimedia. Además, desde hace años compaginan su trabajo artístico con el comisariado y la producción de diversos eventos como Arenas Movedizas y el L.E.V., puesto en marcha por el colectivo DATATRON 03XF del que ambos son miembros fundadores.

¿Tenéis redes sociales? 
Tenemos redes y bio compartidas como FIUM o DATATRON que son los colectivos desde los que siempre hemos articulado nuestros proyectos, ya sean creativos, curatoriales o mezcla de las dos cosas. Desde los comienzos siempre ha estado todo mezclado. Y por supuesto las del L.E.V.
A nivel personal no les damos mucho uso a las redes.

¿Cómo definiríais vuestro trabajo?
Somos una mezcla de activistas culturales, artistas multimedia y comisarios, estamos afincados en Gijón y somos directores del L.E.V. Festival, el Laboratorio de Electrónica Visual, y del Circuito de Propuestas Artísticas Arenas Movedizas, ambos en Gijón.

Desde hace 20 años formamos parte activa de la escena del arte digital y la cultura electrónica, sirviendo de catalizadores y propulsores de redes de trabajo y creando plataformas de visibilización de la creación contemporánea a través de proyectos curatoriales y colaborativos como la red internacional #ENCAC

Actualmente estamos focalizados en la gestión cultural y en la producción de proyectos relacionados con la cultura electrónica y el arte digital. Muy vinculados con la comunidad, nos interesa sumar públicos, energías y apoyos de instituciones públicas y privadas para crear ecosistemas estables de apoyo y diseminación de la creación contemporánea, buscando siempre un punto de vista multidisciplinar y heterogéneo.

Como FIUM, colectivo de artistas audiovisuales en activo desde 1998, hemos estado presente en multitud de eventos y establecido colaboraciones con creadores de diferentes ámbitos. En el año 2007 fundamos la plataforma DATATRON desde la que dimos vida al L.E.V. y actualmente también a los LEVents y L.E.V. Matadero.

¿Cuánto hace que programáis LEV?
13 años, llevamos programando el LEV desde la primera edición en el año 2007.

¿Cómo ha sido la evolución desde que empezasteis con esta labor?
Pues toda una aventura, ya que el Festival es algo vivo que te exige actualizarte contantemente. A lo largo de estos años, que han sido realmente intensos, hemos estado atentos a las nuevas escenas y a las nuevas herramientas y procesos creativos.

Un objetivo claro desde el principio es que queríamos ofrecer un proyecto a escala humana, cercano y accesible, que nos permitiera relacionarnos con el público pero también trabajar mano a mano con los artistas, estando en contacto con ellos, participando en coproducciones, realizando residencias artísticas, para no perder el pulso de lo que realmente está ocurriendo en los ámbitos de creación.

Paralelamente también hemos buscado nuevos espacios, momentos y maneras para alojar a las distintas propuestas, propiciando colaboraciones y redes para poder estar en contacto y compartir experiencias con proyectos similares.

El objetivo del programa de cada edición es generar un circuito de actividades que dialoguen entre si y con el público. Del que puedas disfrutar de manera íntegra, si es lo que te apetece ya que las actividades no se pisan, o sumarte de manera más tangencial acudiendo por ejemplo a las instalaciones. Creo que en las últimas ediciones quizás percibimos e intentamos diseñar aun más el Festival como un todo, una experiencia única global.

¿Cuesta conseguir programar a los nombres que os proponéis?
Cuesta, claro. Aunque a día de hoy el L.E.V. es un Festival consolidado y al que a los artistas les gusta venir, tienen que coincidir bastantes factores logísticos y económicos, a parte de la disponibilidad del artista. Los conexiones con Asturias son complejas, la producción técnica (aspecto que cuidamos mucho) tiene que ser compatible con el resto de espectáculos,… es un tetris total.)

¿Cambios destacables en cuanto a avances tecnológicos o tendencias en el sector visual y de arte digital?
Te puedes imaginar, en la última década el desarrollo ha sido increíble a nivel tecnológico y muy enriquecedor a nivel creativo. En el entorno digital las fronteras se han diluido hace tiempo, los espectáculos trascienden los formatos clásicos y da la impresión de que en estos momentos todas las ideas son realizables. El límite a nivel creativo ahora mismo no existe, las nuevas herramientas abren nuevas opciones para la creación colectiva, en red… Todo avanza muy rápido, es un ámbito en ebullición y eso es muy estimulante tanto para los creadores como para los programadores y, por supuesto, para el público.

¿En qué os basáis para la selección de artistas?
Básicamente proyectos que nos haya gustado y despertado nuestro interés, hay una parte emocional muy fuerte. Pero también entran otros factores en juego, como el desarrollo que tiene en directo, el uso de la tecnología, cómo se relacionada con el resto del programa que tienes en mente…

Nos gusta mezclar, no ponernos demasiados límites en lo que se debería programar o seguir las tendencias sin más. Por supuesto estamos siempre atentos a las nuevas escenas, pero buscamos que se integren con los proyectos pioneros y referenciales de otras épocas, propuestas nacionales y locales con artistas de diferentes nacionalidades, con recorridos diferentes y de ámbitos distintos. Luego ya hay que armar el tetris que antes comentábamos y, posiblemente, tengas que dejar algún proyecto en tierra porque no haya manera de encajarlo en la línea que buscamos para esa edición en concreto.

¿El espacio en el que tienen lugar las actividades, afecta a esta selección?
Absolutamente. También el horario, con quién compartes escenario, el aforo… Hay proyectos más versátiles que, desde nuestro punto de vista, sí que pueden desarrollar en diferentes espacios. Aunque, evidentemente, la percepción que te vas a llevar de ellos será diferente. Y otros que piensas que sólo van a funcionar en una localización concreta.

¿Algún ejemplo?
(esta pregunta es para hablar de los distintos espacios en los que se desarrolla el festival y el tipo de programación en cada uno de ellos).

Manufactory de Transforma, aunque es un proyecto que también tiene versión instalativa, solo podría desarrollarse en el Teatro, ya que se trata de una producción compleja con unos requisitos a nivel técnico que no podríamos asumir en otro espacio. El Teatro, en ese sentido, nos permite alojar y desarrollar espectáculos audiovisuales que de otra forma sería imposible.

La verdad es que este año creo que es una de las ediciones en las que más hemos jugado con este tema y hemos incluido por ejemplo en la Nave proyectos que quizás en a priori serían mas para programar en el Teatro, como Single Origin de Robin Fox, o Delta-T. Pero nos apetece empezar en la Nave con alguna propuesta más experimental para dar paso después a directos audiovisuales de formato más clásico.

Por otro lado, desde la pasada edición, hemos incluido programación en la Caja Escénica del Teatro de la Laboral porque echábamos de menos poder programar espectáculos de manera más íntima, para un aforo menor. Así que los domingos ofreceremos este tipo de propuestas en entornos especiales como la Caja Escénica o el escenario junto a al lago en el Jardín Botánico, este año con el fantástico Oliver Coates.

Y hemos tendido a buscar nuevas localizaciones para el día, ya que nos encanta programar en esta franja horaria, como el que se estrenó en la edición pasada, el Muséu del Pueblu d`Asturies, que tuvo una muy buena acogida por parte del público.

¿Qué le dirías a los amantes de las artes digitales para convencerles de no perderse LEV Festival 2019?
Jeje, nos da un poco de pudor pero venga, en plan peliculero: ya de mano si no conocen Asturias y Gijón tienen que venir, más aún siendo el LEV! 4 días de experiencias sónicas y visuales en espacios alucinantes.
Un compendio de propuestas muy ecléctico con el que podrás disfrutar las diferentes maneras en las que se trabaja en el campo de la creación audiovisual, electrónica y digital, en un entorno privilegiado, sin agobios y con un público fantástico:)

¿Este año habéis intentado programar más mujeres siguiendo la tendencia en otros festivales o básicamente como siempre, buscando la calidad sin importar el género?
Le damos mucha importancia a que haya proyectos de mujeres, por supuesto, estamos muy atentos para poder apoyar y dar cabida a estos proyectos, pero no trabajamos con cuotas.

Pero si hablamos de apoyar y visibilizar el trabajo de las mujeres creemos que también es importante no sólo el programarlas sino el contar con ellas en los equipos de trabajo, en este caso de los Festivales. Un ámbito laboral en el que, como en muchos otros, hay menos mujeres que hombres.

¿Algún artista “cabeza de cartel” que lo haga imperdible?
¡Ay, que difícil! ¿Transforma, Caterina Barbieri y Myriam Bleau?
¿Refik Anadol, Gazelle Twin y Radioactive Man?
¡Lanar Artefax!

¿Algún artista “que aún no es muy conocido” que lo haga imperdible.
Colin Self, Yamila y Mathilde Lavenne… ah, y Iglooghost y su loco mundo colorista.

¿Festival preferido para vosotros que no sea L.E.V?
Muchos, Semibreve en Braga, TodaysArt y Rewire en la Haya, CTM en Berlín, Mutek Montreal, Unsound, Stereolux… hay muchos que tenemos ganas de conocer pero que todavía no hemos tenido la oportunidad.

¿A qué artista os gustaría traer pero es inalcanzable o casi imposible?
Quizás propuestas con formaciones muy grandes, que es casi imposible alojar en un Festival con la operativa del L.E.V., por ejemplo: Cinematic Orquesta. O propuestas complejas por su producción como Squarepusher, al que llevamos varios años intentando cazar.

Artistas que habéis programado este año de los que estáis más orgullosos.
Lanark Artefax y el proyecto Scanaudience, que se estrenará en L.E.V. Y en general todos lo que tenemos alojados en residencia, como el fantástico Synspecies, de Elías Merino y Tadej Droljc, Ex(O) de Alex Augier y Alba Corral y Antivolume in/ext de Lucas Paris. Y los que estamos coproduciendo, como Manufactory de Transforma.

¿Qué es LEVents?
Los LEVents son programaciones en colaboración con otros festivales o espacios culturales que hacemos desde el L.E.V. pero de manera paralela. Siempre hemos propiciado estas colaboraciones, pero a la hora de poner orden en nuestros proyectos hemos decidido agruparlos bajo la etiqueta de LEVents, para poder comunicarlos mejor. El año pasado por ejemplo hicimos LEVents en colaboración con Medialab Prado (AVLab), Veranos de la Villa y Matadero, FICX (Festival Internacional de Cine de Gijón), Arenas Movedizas y NBO (Noche Blanca de Oviedo).

¿Y cómo es la extensión del festival a Madrid?
Es una propuesta que se articula y se complementa con la de edición de Gijón, focalizada en el audiovisual, la electrónica y la cultura digital, seguimos siendo el Laboratorio de Electrónica Visual, pero que buscará dar cabida a proyectos que se escapan de los formatos en lo que habitualmente venimos trabajando y tendrá nuevas secciones dedicadas a la realidades “inmersivas” desde un punto de vista historicista y experimental.
Concebimos L.E.V. Matadero como un proyecto con su propia identidad y que construye un tejido de programación entre las dos ediciones.
Tampoco queremos desvelar mucho pero, como comentábamos más arriba, las nuevas herramientas digitales nos ofrecen oportunidades insospechadas hace pocos años para poder seguir construyendo nuestro imaginario colectivo y, a la vez, evadirnos por un rato de esta realidad tan compleja y asfixiante que nos está tocando vivir.

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