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Hier — 2 avril 2020Vos flux RSS

Meet Endlesss, the iOS app for collaborative music making

Par Vicky
Endlesss Tim Exile app

Tim Exile, longtime producer, performer, synth designer, and all-around musical aficionado, has finally released his much-awaited Endlesss app. And honestly, he couldn’t have timed it any better (though we’re sure he’s probably thinking the same thing). Endlesss is a new program that allows you to make music in real time with friends around the globe, […]

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Live streaming the Sunday sermon with Shogun 7

Par Denise Williams

With live-streaming soaring, the class-leading Shogun 7 HDR monitor-recorder-switcher is in high demand. It’s easy-to-use live switching and multi-channel ISO recording function make it quick and easy to deploy into settings from houses of worship to colleges, to vloggers front rooms. It offers a no stress setup to create live multi-camera content in no time ...

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Edgeware adds automated QoE optimization to its multi-CDN control platform StreamPilot

Par rlyl

Broadcasters and content providers will benefit from unified view and automated problem mitigation to optimize QoE when delivering content in multi-CDN environments Stockholm, Sweden – March 24, 2020 – Edgeware has today announced the addition of its automated optimization capability to its multi-CDN control platform StreamPilot. Referred to as AutoPilot, the feature gives broadcasters and ...

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Overlap Interview

Par Hayley Cantor

I have been exceptionally lucky to be able to pick Overlap’s Michael Denton’s brains with all of those nitty gritty questions about their career that every visual artist wonders about. How did they get to be where they are? What was the VJ scene like in the nineties? How is their relationship with technology and whose work inspires them? 

Overlap are true veterans and represent original artists on the audiovisual live performance scene, not only have they experienced more changes in performance technology than I’ve had hot dinners, they’ve been up there with some of the most popular artists of our time, performing with the likes of Chemical Brothers and have animated artwork by Damien Hirst.

You have presented your work in some of the most prestigious international galleries around the world, including the Pompidou in Paris, Tate Modern, and the Victoria and Albert Museum as well as done a VJ set with the Chemical Brothers. What is the project that you are most proud of? 

Remixing and VJing The Beatles Magical Mystery Tour film for its cinema première at the South Bank with Noise of Art was a highlight.

We’re pleased with the editions on SeditionArt. They incorporate a lot of ideas from the past and are also feeding into some future shows.  Musically, Greylight Green  is something that works when you’re in the right mood. As these recent editions highlight, we’ve always been at the more arty end of the Vjing/music industry, and the more musical end of the art world.  The music industry and the fine art worlds attribute value in such different ways. But twenty years ago, we were lucky to stumble into a certain era of EDM culture, it was like the early days of flying’s uncharted freedoms. In Turnmills nightclub in Holborn, I remember one of the guys from Reality Check, (the house VJ and AV  team, for nights, including The Gallery and Trade etc), saying they showed art to thousands of clubbers every week – and they did.  Hopefully for an audience the circling and repeating imagery of VJ-ing done well can create a kind of memory image burn effect – they go home with a ‘memory painting’

Fine art galleries and big projects have not necessarily been the most rewarding – the really interesting moment for us was being at clubs and festivals with a large amount of freedom, developing a  style of imagery and delivery without record companies and DJ Managers controlling what we did. It was genuinely creative and new, yet fulfilling a need. This for any artist is a luxury.

Early on we’d be flown out to Creamfields in Andalucia with Microchunk, or wherever, and literally be immediately on stage with a 50k audience and the DJ, no pre planning or rehearsing, ” 5 mins guys”, maybe an artist logo at the beginning, then mix. 

As Overlap you have experimented with the majority of the audiovisual art formats. Is there one in particular that you enjoy?  

Long VJ sets are a nice journey, in medium sized venues with a few different feeds going into multiple screens and low lighting.  AV sets are always a bit more stressy – as doing the visual/music/sound for maybe 40 mins, feels more contrived/pre planned and edgy.  Multi screens can make things a lot more architectural/sculptural, with 3d projections on objects etc, and simpler more graphic imagery. So a mixture of graphic and more pictorial screens is a nice balance. Again we tend towards a more art bias, whereas a lot of club imagery is a fairly bombastic extension of the lighting show – think rising chevrons.  Equally a very simple installation/projection on a gallery wall can be really satisfying.  For AV sets, good acoustics and smaller venues suit the minimal music we make.

I’m sure you have collaborated and met with many of the world’s most famous audiovisual and new media artists on the scene. Who particularly inspires you?

Loads of things inspire me, from motorcycling to design and architecture. More recently though works/gigs by Ryoichi Kurokawa, Fuse, some of the things AntiVJ have done, Davide Quayola. Nils Frahm, Biosphere, through to more obscure music form France Jobin to gallery based artist like Mat Collishaw. But also painters like Nigel Cooke, with his circuitous multi picture planes that create a pictorial balance that your eye follows round and around – comparable to good VJ mixing.  We were lucky to be part of a talented group of VJs represented by Microchunk in our VJing hey day – unique underground artists. I think we all inspired and motivated each other to push further artistically. Lady Pat and Grand Dame are two of Anna’s favourite, similarly self taught, audiovisual artists.

The art of VJing is a relatively new term for the art of live video mixing. When did you first become aware of the term and how has it changed for you over the years? 

Firstly it was the definitive move away from the pop video, which had been: point camera at people singing the song, illustrate/narrative/advertise – ie. TV.  So the culture of EDM remixing, had the authority to legitimize its visual equivalent and create the context for VJing. It’s a term I’m not overly fond of, but it does put you on the stage side of technician, ie you make and shape content – not to demean the amazing art, that is light mixing, house sound, etc. VJ content is a form of visual serialism, like music about patterns, removing the asymmetry of drama, its infinitely more complex in its potential multi layer/screen applications than linear media, maybe more so than music.

When I was at Chelsea art school, there was Glitch (first time around, VHS crash editing, late 80’s),  video artist lecturers talked derogatorily of ‘club wallpaper’,meaning all things shallow. But I was interested in this form, that had a use and the public liked – unlike so much video art of the era.

The first time I got paid to show images in a bar – also in Holborn, was in 1985.  The fee, one bottle of wine.

The first time I thought about something like VJing was as a very young kid, around the time the Beatles released The White album, in the back of my dad’s car one evening, driving along country roads in Dorset and thinking about ‘films’ that would be like the trees sliding past the windows. Non narrative loop structures – I certainly didn’t know what narrative meant at the time, but I did have this strange certainty of there being a future for this sensory/sensual idea.  The first time I got paid to show images in a bar – also in Holborn, was in 1985.  The fee, one bottle of wine.  Then I showed an AV Album work called  Open at  Megatripolis, Heaven, Charing Cross around 1994.   I met Anna in the late nineties we got invited to do stuff at the ICA and bars in Shoreditch etc.  We formed Overlap and she learned a lot of the Adobe programmes very fast and we started to get paid to VJ, both loving the visual depth, luminosity and surprises that multilayering and keying threw up.

Photo still from Overlap’s project, Lipstick Earth

How would you define the difference between an AV set and a VJ set? Could you describe one of your set ups to us?

People I know who travel the world for major DJ acts are operating in a different world from small AV acts. There’s’ a big difference between doing multi screen VJing, with pre programmed triggered clips via midi, osc etc  and mixing live on the fly, by feel.  Ben Francis who does visuals for Calvin Harris, for example is taking code with BPM info etc, from the CDJ’s, but is also live mixing.  Keeping the audio and imagery separate still seems to be an industry standard. The music driving the imagery, which makes sense in some ways, but is also strangely anachronistic. When we do an AV set we have married imagery to 8 bar loops, some elements are locked with time code if we’re using a separate music source, CDJ’s etc and some not, to make it more organic.  Most AV performers drive Resolume with Ableton or code, or at least lock them. Unusually, we use Resolume a lot for sound. 

Photo courtesy of overlap.co.uk

AV shows can be done in so many ways. In the end it seems the content and the feel of what you’re doing is probably more important than how you’re doing it.  How much do you want to do live – how much does the audience care how dexterous you are?   DJ’s spend a lot of time dramatically illustrating that they’re turning a mixer knob,  that appears to have the equivalent friction of pulling a ship back up a launching ramp, they haven’t got anything else visually to do. Where as, if you’re doing a multi 4 Bar loop AV set, five layers deep and you’re triggering them live, you’re busy with no time for the high friction mixer antics. 

Recently we’ve been using performance tools like Resolume to create on as well as a performance tool. I tend to pick it up like a guitar and mess around, sometimes its a really useful ‘writing’ instrument too. 

As a Barcelona resident, I can’t help but notice that you once had regular visual slots at Razzmatazz. Tell me more about that! How was the VJ scene in Barcelona back then? How is the scene in the UK these days?

This was VJ-ing with visual specialists/agency Microchunk , who were represented by William Morris, which meant we were well looked after.  There was a core group of artists including Lady Pat, Mischa Ying, Ben Francis, Muthabored, Todd Graft and ourselves and we were lucky to perform and make installations everywhere from Norway’sHove festival, to Glastonbury. In Barcelona, we’d perform two nights, mainly at The Loft, Friday and Saturday from around 11pm till 6.30 in the morning, sometimes just Anna and I, but often other VJ’s. The local VJs were very gracious about us filling their slots.  It was always full on at Razzmatazz, a really intense atmosphere. The club was always packed.We’re not really involved with the UK club scene  at the moment, but friends who work for major acts seem to be far more controlled by a corporate plan.  

You have both lived through a plethora of technological developments throughout your careers, starting with the use of VHS in your installations. What is your relationship with technology? Is it one of love and hate or it is a match made in heaven?

Anna and I are different generations –  before I met Anna, I spent a lot of time blagging my way into analogue beta edit suites in Soho to make material – it was tricky, but looking back people were incredibly kind and helped me realise effecting footage shot on motorcycle trips with a clockwork Bolex.   Anna and I started at the point of very low resolution VJ software – so we used hybrid mixtures of micro chapter DVD loops and Flash loops mixed with V4’s. I like the things that technology makes possible, but get frustrated with the art world tendency to think if you ‘paint ‘ with technology, that you should necessarily be using the very latest tech and trend.  I enjoy mapping and responsive VR etc, but equally I like the confines of a rectangle and a painters vocabulary.  Music doesn’t seem to have the same linearity, no one would think it odd playing a 1960’s Fender.

I enjoy mapping and responsive VR etc, but equally I like the confines of a rectangle and a painters vocabulary. Music doesn’t seem to have the same linearity, no one would think it odd playing a 1960’s Fender.

I notice that landscapes have been a recurring theme in your work, right up to your most recent project of Transitional Landscapes. What is it about landscapes as a subject that inspires you?

We all project memories and feelings onto our immediate surroundings. Landscape is a good genre to play with the relationship between still and moving imagery, the romantic v the analytical, the unveiling of narrative contrasted by the implicit ambiguities of painting (movies v fine art). 

Mixing trees from around the world is strangely satisfying, they’re overlaying branches having a legitimacy. English copses with New World deserts keyed through wallpaper and fabric’s repeated motifs reference Richard Dadd’s The Fairy Feller’s Master-Stroke’s, heightened stillness, petrified trees and flattened nature,  more tapestry than living environment.  Then we can add other man made impositions, ghosts of utilities, power lines, imagined data paths, architectural plans, wiring diagrams and intimate blinking status LEDs. It seems to suite a  first person view, apart from narrative. 

What would be your advice be to young audiovisual enthusiasts who are keen to develop their careers in the industry?

Like the fine art world there are so many different strands of audiovisual arts. It will keep changing, entertainment will morph.  How and what ‘artists’ do v creatives and ‘technicians’ etc is complicated.  The EDM model was that music was the most important element – but now with performance more of an earner than record sales – maybe the creatives/technicians/, (not the artists)  are the main act.  To further confuse it all,  AV is crossing over with fine art and stage design etc.  So maybe listen to everyone and ignore them all.

Find out more about Overlap on their artist page

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Overlap

Par Hayley Cantor

Born in the heart of the VJ boom in the 90s, after their own artistic experimentation, and Michael’s first ever (what we would call now) VJ gig in 1985, Michael Denton and Anna McCrickard formed Overlap in 1998. They are based in Hastings in the UK. Unlike some VJs, who purely focus on the visual side of the art form, Overlap are a an AV collaborative duo in the purest sense of the concept, who also produce minimalist music in parallel with their exploration of both moving and still image. They’ve also performed at many a festival, forming part of a collective of VJs represented by Microchunk.

Their work takes the form of live audiovisual performances, exhibitions, transitional paintings, installations, VJ sets and even prints, and takes on audiovisual culture from a fine art perspective, which makes their work both fascinating and unique in a wide variety of different contexts.

Overlap started VJ-ing and performing AV sets as regular guests of resident VJs Reality Check at Turnmill’s club (The Gallery, London Calling) in 1998, guesting with Reality Check at The Chemical Brothers’ headline set at Turnmill’s Millenium gig in London’s Docklands. The next decade saw Overlap’s visuals splashed across screens at major international festivals including Creamfields, Andalucia, Electric Picnic Ireland, Glastonbury’s Glade stage, Pete Tong’s Wonderland in Ibiza and Glastonbury’s Glade, as part of the Microchunk visuals boutique. They created visuals for for the Industrial Resolution installation at the first Manchester International Festival: performed live on the largest indoor screen in Europe, accompanying the world’s leading DJs including Carl Cox, Fatboy Slim, Laurent Garnier, Layo, Pete Tong and Sasha. Overlap also played regular VJ slots at Razzmatazz (Loft), Barcelona and Pete Tong’s Wonderland, Eden, Ibiza (Deadmau5, Groove Armada). Overlap were commissioned by Microchunk to animate Damien Hirst artwork for Pete Tong’s Ushuaia at Le Grand Bazaar, Ibiza in 2013. 

Overlap also work with the Noise of Art collective as resident VJ-s and moving image artists. Their fine art single screen video works have been screened at the ICA, BFI and Tate Modern. Recent projects include:- a celebration of 100 Years of Electronic Music at the National Portrait Gallery London; Forest Tree limited edition for Sedition Art; audiovisual “painting” installations for the National Trust’s Fenton House and Calke Abbey; opening the Arquiteturas Film Festival in Lisbon with their Places that Dance AV set; short films “Returning” and “Switch” awarded special mentions at the Avanca and EMAF film festivals; an audiovisual performance in the British Ambassador’s Residence in Beijing. Recent art screenings/performances of their works have included Aquatint at Riders on the Mall/ROM, MUSZI, Budapest and Digital Graffiti, Florida, Forest Tree at STRP Biennale at Strijp S in Eindhoven and Cloud Edged at Light Fantastic, House of Nobleman, Frieze.

Perhaps one of the most poignant aspects of their audiovisual artwork is its accessibility and ability to be embraced and engaging in such an extensive mixture of spaces, including performances and installations everywhere from music festivals (Creamfields, Splice festival, Madatac, Fiber, Generate, Big Chill, STRP Biennale); and night clubs (Razzamatazz, Barcelona, Wonderland – Eden, Ibiza), to prestigious galleries (Tate Modern, Pompidou, National Portrait Gallery, the Victoria and Albert Museum), as well as being featured in some important publications on VJ culture, such as Audio – Visual Art and VJ Culture (2006) They even remixed and VJed The Beatles Magical Mystery Tour film for its cinema première at the South Bank with Noise of Art at London’s BFI.

Their working process involves adding and removing layers, degrees of opportunism and systematised chance, creating generative combinations ranging from slow transitional paintings, to fast flowing AV performances. 

Their most recent work includes Transitional Landscape, designed for exhibition and art installation, ‘Rooms’, which explores the relationship between indoors and outdoors, combining and fusing luscious wallpaper motifs with beautiful organic landscape scenes. It juxtaposes man-made life with that of the wonders of the natural world.  

Find out more about their work here:

Website | Seditionart | Bandcamp | Vimeo

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Calrec — Chuck Ibey, A1 Mixer: A craft interview

Par Jump

What is your background and how did you get into broadcast sound? I have been in live broadcast television since I was 17 and just about to graduate high school. I knew I wanted to be involved in audio, and at first I wanted to be in music. I wanted to tour with a band ...

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Beelink annonce un support officiel d’EmuELEC pour ses TV-Box Android

Par Pierre Lecourt

Après un premier partenariat avec CoreELEC, Beelink renouvelle l’expérience avec EmuELEC. Les diverses TV-Box pourront donc démarrer sur deux systèmes alternatifs. Android d’un côté, CoreELEC de l’autre. Dans le second cas, une version optimisée d’EmuELEC pour les puces Amlogic embarquées dans les box GT-King, GT-King Pro mais également GT1 et GT1 Ultimate.

Beelink GT King-Pro

Une fois le système démarré, l’utilisateur pourra piocher dans sa logithèque personnelle pour lancer des ROMs de jeux situés sur le stockage de la Box. Il faut d’abord télécharger l’image fournie correspondant à votre Box et à son SoC sur la page GitHub du projet. La version 3.4 du projet est sortie début février et propose de nombreuses fonctionnalités. 

Beelink a posté un guide sur son forum mais les étapes à suivre sont très simples.

Si votre box propose un SoC Amlogic S922X, S905X2 ou S905X3, vous devrez télécharger la version :
EmuELEC-Amlogic-ng.arm-x.x-Generic.img.gz

Si votre box embarque un SoC Amlogic S912 ou S905X, vous choisirez la version
EmuELEC-Amlogic.arm-x.x-Generic.img.gz

Une fois téléchargé, vous pourrez utiliser l’image avec un logiciel de gestion d’images ISO classique comme Etcher ou Win32DiskImager pour l’installer sur une carte SDXC (si possible rapide).

Vous devrez ensuite modifier un fichier situé dans le répertoire “Devices Tree” correspondant à votre SoC. Les fichiers sont listés précisément et indiquent toutes les puces Amlogic supportées. Prenez le fichier correspondant, déplacez le à la racine de la carte SD et renommez le en dtb.img.

Retirez la carte et glissez là dans votre Box. Une fois la carte en place, démarrez votre solution – il sera peut être nécessaire de maintenir le bouton reset1 pour un premier démarrage, et EmuELEC se lancera et vous permettra de retrouver divers émulateurs pour vos jeux. En retirant la carte SD, vous retrouverez un système Android classique.

Le partenariat entre Beelink et EmuELEC ne signifie pas que les autres box ne seront pas aptes a lancer EmuELEC, le guide d’installation fourni par le système est compatible avec énormément de modèles. Mais Beelink devrait apporter du support au système et va proposer des machines avec les deux systèmes en parallèle. On pourra donc choisir dès la sortie du produit sur quelle image démarrer : Android TV pour de la vidéo en streaming par exemple, EmuELEC pour jouer grâce à une petite carte SD livrée.

Si vous avez une box Android sous SoC Amlogic qui traîne, vous savez quoi faire ce Week-End.

Beelink annonce un support officiel d’EmuELEC pour ses TV-Box Android © MiniMachines.net. 2020.

CONVOCATORIA ABIERTA – Processing Community Day 25 de abril · Medialab-Prado (Madrid)

Par volatil

El próximo 25 de abril, durante todo el día, en Medialab-Prado (Madrid) se celebrará el Processing Community Day; una iniciativa impulsada desde la Processing Foundation con la finalidad de hacer más visible y divulgar sobre temas relacionados con la programación creativa, el arte y la tecnología en diferentes ciudades del mundo; para crear más comunidad. En Madrid está impulsada desde el grupo de Creative Coding Madrid.

La convocatoria estará abierta hasta el día 10 de marzo. Propuestas de charlas, talleres, demos y performances. Encontrarás toda la info aquí.

Se abrirá una convocatoria para crear contenido para ser mostrado en la pantalla exterior de Medialab-Prado, sobre la plataforma de programalaplaza.

Está confirmada la presencia de Alba G. Corral y Jaime Munárriz, que nos hablarán sobre su trabajo y procesos creativos en torno al arte y la tecnología.

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Mediaproxy to focus on future of IP-based solutions and OTT monitoring with LogServer at NAB 2020

Par Page Melia PR

Melbourne, Australia: 3 March 2020 – Mediaproxy, the leading provider of software-based IP broadcast solutions, will highlight recent upgrades to its industry leading LogServer logging, monitoring, and analysis system on Booth SU8502 at NAB Show 2020, taking place in Las Vegas from April 18-22. With a growing change in direction by broadcasters away from SDI ...

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Un programme Atari sur vinyle (et sur Apple Music)

Par Pierre Dandumont

Il y a longtemps, j’avais parlé d’un jeu ZX81 sur vinyle. Et cette fois, je suis tombé sur un programme Atari (8 bits) sur vinyle… mais aussi sur iTunes.

Le programme se trouve sur le vinyle Över Tid Och Rum de Adolphson-Falk. J’ai trouvé ma copie sur Discogs, directement depuis la Suède (pays d’origine du groupe). Je n’ai pas découvert ça seul : je me suis basé sur le travail d’un suédois (Andreas Nilsson), qui a publié les informations et mis en ligne la « ROM ». Vous trouverez ses explications en suédois ou en anglais.- (dans Projects).

La pochette du disque


L’arrière parle bien d’Atari

Je trouve tout de même intéressant de vous expliquer comment j’ai fait. Premièrement, j’ai utilisé une platine vinyle avec une sortie USB (une Sony PS-LX300, un modèle d’entrée de gamme). Je vous passe les nombreux essais, pour aller à l’essentiel : la partie USB ne permet pas de régler l’amplification, et le son est trop faible pour décoder directement l’ensemble.

Au départ, j’ai essayé de passer par une entrée micro, mais ce n’est pas la solution la meilleure et j’ai eu plus d’erreurs. Après pas mal d’essais, je suis passé par Audacity, et quelques filtres. Une fois les données enregistrées, il faut filtrer les données sous ~3900 Hz et celles au-dessus de ~5350 Hz (filtres passe-haut et passe-bas). La raison ? L’enregistrement des données s’effectue avec un 1 à 5 327 Hz et un 0 à 3 995 Hz. Ensuite, j’ai amplifié et testé. Dans mon cas, j’ai du amplifier à 30 dB pour un résultat valable. Une fois que c’est fait, il faut enregistrer en mono et en WAV.



L’étape suivante, c’est la conversion en .cas, le format accepté par les émulateurs Atari. J’ai d’abord testé A8CAS, qui a l’avantage de fonctionner sous macOS. Enfin, il faut tout de même compiler les bibliothèques nécessaires, mais ça marche. Mais avec mon enregistrement, il ne décode pas correctement. J’ai donc tenté WAV2CAS. Ce n’est pas très pratique, parce qu’il ne fonctionne pas avec un Windows 64 bits (il doit utiliser des composants 16 bits) mais bien avec un Windows 32 bits. Après un passage dans une machine virtuelle, j’ai donc obtenu mon fichier .cas. Le programme donne des erreurs, mais ça se lance quand même, donc je suppose qu’il doit essayer de traiter des données qui se trouve à la fin de mon enregistrement.

L’émulateur

La, c’est plus compliqué. Je n’ai pas d’Atari 8 bits et je ne connais pas bien la machine. J’ai d’abord essayé sous macOS avec Atari800MacX. Attention, il faut les ROMs. Le problème, c’est que même en émulant un Atari 600XL… ça ne passe pas. La commande CLOAD ne charge pas correctement. J’ai essayé Rainbow avec le même souci sous macOS, avant de passer à Altirra sous Windows. Avec ce dernier, ça fonctionne. Je peux charger la ROM (commande CLOAD) puis lancer le programme (RUN). Il y a des artefacts visuels mais un Warm Reset corrige le tout.

Avant


Après

Donc ça marche, que ce soit avec la version fournie par Andreas Nilsson ou avec la mienne, chargée du vinyle. Cette vidéo montre d’ailleurs que ça doit passer avec un vrai Atari (enfin, je crois, c’est assez flou pour être une copie directe). Assez bizarrement, je n’ai pas les mêmes effets, donc c’est possible que l’émulateur ne fonctionne pas correctement avec ce fichier. En tout cas, j’obtiens ça dans mon émulateur.

Et l’Apple Music du titre ?

La partie amusante, c’est que les données sont disponibles sur iTunes. Vous pouvez aller sur cette page et l’album est disponible sur Apple Music. Ca ne fonctionne qu’en Suède (enfin, en tout cas pas en France) mais ce n’est pas un problème, pour une raison simple. La piste de données dure moins de 30 secondes et donc elle est disponible entièrement en extrait sur le site d’Apple. Il suffit donc d’enregistrer le flux avec Audio Hijack pour obtenir une copie propre. En effectuant juste les mêmes filtres passe-haut et passe-bas, j’ai obtenu un .wav utilisable avec A8CAS. Le résultat est le même avec les émulateurs, par contre : ça passe avec Altirra, pas avec les autres.

Pour ceux que ça intéresse, l’encodage Atari date de la fin des années 70 et donc ce n’est pas très efficace : on a environ 30 secondes de signal à 600 bauds (600 bits par seconde), donc en gros 1 ko de donnée (en format « CD », mes fichiers font ~3 Mo). On a connu plus efficace, évidemment. Il s’agit juste ici d’une démo et pas d’un jeux, mais ça reste une anecdote intéressante.

Midway : le tournant de la seconde guerre mondiale mis en images par Scanline VFX

Par Shadows

L’an passé, Rolland Emmerich a dévoilé en salles sa vision de la bataille de Midway, une des batailles aéronavales les plus importantes de la seconde guerre mondiale. L’évènement était à l’origine prévu comme une attaque surprise des forces japonaises sur les Îles Midway afin d’écraser les forces américaines pour sécuriser l’avance japonaise dans le Pacifique et forcer les USA à négocier la fin du conflit. Les renseignements américains ont cependant réussi à comprendre où et quand la flotte japonaise comptait frapper, permettant de transformer l’attaque en guet-appens : les quatre principaux porte-avions japonais furent coulés.
L’évènement fut un tournant dans le conflit : les japonais furent dès lors en infériorité dans le Pacifique.

L’adaptation cinéma d’Emmerich, projet qui le tenait fortement à coeur, a connu un échec commercial. Voici néanmoins un aperçu des efforts injectés dans le film, avec un breakdown proposé par le studio Scanline VFX. Les équipes ont travaillé à la fois sur le début du film, avec l’attaque de Pearl Harbor, et des séquences de la bataille de Midway proprement dite. Le tout est évidemment riche en avions, navires, simulations d’eau et explosions.

L’article Midway : le tournant de la seconde guerre mondiale mis en images par Scanline VFX est apparu en premier sur 3DVF.

PIDS 2020 : la CGEV crée un incendie infernal pour Le Bazar de la Charité

Par Shadows

La série Le Bazar de la Charité, visible sur TF1 et désormais sur Netflix, met en scène des personnages liés par une tragédie. Cette dernière est sur une catastrophe bien réelle : un brasier aussi soudain que violent qui, le 4 mai 1897, se solda par la mort de plus de 120 personnes issues pour la majorité d’entre elles de la société mondaine parisienne.

Afin de représenter cette tragédie à l’écran, le réalisateur Alexandre Laurent a fait appel au studio CGEV (la Compagnie Générale des Effets Visuels). Un choix qui s’explique par le travail de la CGEV sur le film Sauver ou périr, sorti en 2018 : ce dernier avait mis en scène une caméra immergée au coeur des flammes et très mobile, avec les pompiers. Or Alexandre Laurent souhaitait justement employer ce type d’approche pour l’incendie du Bazar de la Charité. Un plaisir pour la CGEV, qui a expliqué durant la conférence qu’il est toujours agréable de travailler avec des réalisateurs ambitieux et sachant faire confiance aux effets visuels.

Benjamin Blatière (compositing) et Guillaume Le Gouez (VFX Sup.)

Le making-of présenté montre d’ailleurs bien que cette intention de départ a été pleinement mise en oeuvre :

En pratique, il a fallu mettre en place un gros travail de préparation, en dialoguant avec le réalisateur mais aussi en s’appuyant sur le storyboard. Le projet s’est scindé en deux types de plans : intérieurs et extérieurs, la méthodologie ne pouvant être la même puisque les intérieurs ont été filmés en studio (à Brie sur Marne) tandis que les extérieurs ont été tournés dans une rue de Paris. Or, un mois plus tôt, un incendie criminel avait eu lieu dans le même quartier parisien que cette rue ; la mairie avait par conséquent choisi d’interdire toute flamme sur le tournage. Il a donc fallu travailler avec le chef opérateur sur l’éclairage (intensité, couleur) de manière à obtenir des images satisfaisantes sur lesquelles ajouter les effets visuels.

Une vue en extérieur, sans effets (mais avec un éclairage surplombant et une légère fumée, qui ont permis d’avoir une ambiance adaptée) puis avec.

Dans les studios de Brie sur Marne, au contraire, des effets spéciaux (et notamment des rampes à feu) ont pu être utilisés, ce qui a permis de créer une base plus facilement. Ces flammes réelles ont aussi aidé les comédiens à se projeter plus facilement que face à des murs vides.

En haut, les images tournées en studio ; en bas, avec rajouts d’effets par la CGEV

La CGEV a souligné l’importance de la prise de données lors du tournage (mesures, photogrammétrie) afin de faciliter le travail de l’équipe de tracking/layout. Autre intérêt d’une présence en plateau : pouvoir contrôler certains éléments, rappeler au réalisateur et aux comédiens ce qui sera ajouté dans l’image.

L’équipe nous a expliqué certains choix artistiques : le bâtiment de la série s’éloigne volontairement des données historiques, la narration exigeant trois parties bien distinctes permettant de mieux faire comprendre la progression du feu et le déplacement des personnages. De même, le bazar d’origine était éphémère et donc en bois, alors que la version de la série utilise aussi de la pierre, ce qui rend l’ensemble plus esthétique et impressionnant. Un fronton a par ailleurs permis de rajouter le nom du lieu, là encore pour expliciter un peu plus l’action auprès des spectateurs.

En ce qui concerne les flammes proprement dites, pour les extérieurs l’équipe a mélangé flammes 2D et 3D. Houdini/Mantra, Maya Fluids ont permis de gérer plusieurs éléments ; les flammes 2D, de leur côté, étaient donc de vraies flammes filmées lors du tournage, sur fond noir. Les banques de stock footage comme ActionVFX ont aussi eu leur importance.
En intérieur, les flammes sur le plateau ont été d’une grande aide, et ont pu être complétées par des flammes 2D.

A noter aussi, concernant la fumée : si lors du tournage avec comédiens elle était peu présente (afin d’éviter les problèmes en post, notamment sur le tracking), chaque plan a été doublé en rajoutant de la fumée et sans les comédiens. Ceci a permis d’avoir un déplacement de fumée cohérent dans l’espace, et parfois de récupérer directement cet effet.

Un dernier point : il a été possible de faire brûler une partie des décors, ce qui a notamment été utile pour les effets de flammes au plafond.

La CGEV garde un bon souvenir de ce projet, riche en flammes et en mouvements de caméra complexes : un joli défi pour l’équipe, qui a travaillé trois mois pour fabriquer les 25 minutes de plans truqués demandés.

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Presteigne Broadcast Hire North Expands Hire Desk

Par Manor Marketing

Crawley, West Sussex, 25 February, 2020 – Presteigne Broadcast Hire, a leading dry hire and total multi-location production equipment provider, today announced the appointment of Jane Skinner as Senior Hire Desk Co-ordinator. Reporting to Presteigne North Hire Manager Roy Gaterell, Skinner is based at the company’s northern office in Warrington, equidistant between Manchester and Liverpool. Skinner ...

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Les technologies du Mandalorien bientôt disponibles sous Unreal Engine

Par Shadows

Dans notre interview de Chris Edwards en partie consacrée à la série The Mandalorian, ce dernier expliquait que The Third Floor et ILM avaient travaillé étroitement avec Unreal Engine pour mettre en place le pipeline utilisé, et notamment le fameux affichage sur panneaux LED.

Dans un bref article, Jeff Farris d’Epic Games fait le bilan de cette expérience.
L’éditeur souligne que certains outils ont été développés, améliorés ou éprouvés dans le cadre du projet : les outils de collaboration multi-utilisateurs, le nDisplay System qui permet à un groupe de machines de rendre en temps réel des images massives de façon synchronisée, le système de compositing en direct qui a permis d’avoir des aperçus temps réel des séquences.
Epic Games évoque aussi le contrôle du mur de LEDs via un iPad, ou la possibilité d’enregistrer les données issues de prises de vue dans le Sequencer.

Toutes ces fonctionnalités, souligne Epic Games, sont soit déjà présentes dans Unreal Engine 4.24, soit arriveront dans la version 4.25. Comme nous l’expliquait Chris Edwards dans notre interview, Epic Games a bien compris que la production virtuelle représentait un marché intéressant. La guerre avec Unity se poursuit donc, pour le plus grand bien des utilisateurs qui se voient dotés d’outils toujours plus puissants.

On peut par conséquent s’attendre à voir de plus en plus de projets adopter le système de LEDs du Mandalorien, à petite ou grande échelle. Lors d’une la soirée de démonstration de motion capture chez Effigy, le 15 janvier dernier, des studios et techniciens français avaient d’ailleurs ouvertement indiqué leur intérêt pour cette approche.

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Mutek [ES]

Par Marco Savo

Barcelona, March 4-7 2020

MUTEK Barcelona marks 11 clicks around the sun on March 4-7, 2020, with 4 days and nights of live electronic music, audiovisual performances, professional activities and more.

After a decade of explorations and discoveries, the festival is preparing for a new era as a platform for dissemination and innovation in digital creativity with activities that will be developed throughout the year.

Maintaining the global commitment of the MUTEK international network to promote and create synergies with projects focused on diversity, gender equality and empowerment in the creative industry, in 2020, MUTEK.ES puts special emphasis on fostering spaces for artistic and professional formation, through different seminars and artistic residencies that will have their point of exhibition within the frame of the festival in March.

Characterized by its exceptional presentation standards and a curatorial approach that draws equally from international and national talent, always aiming to deliver revelation and discovery to our audiences, MUTEK Barcelona continues to operate in a human-scale, community-minded context.

Mutek ES 

Barcelona, Spain

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5 Creative and Reliable Ways to Make Your Own Music Videos

Par Jourdan Aldredge

Explore five methods for filming innovative and creative music videos with real-life examples from hits across genres and decades.

⁣ ⁣⁣ ⁣#repost...




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⁣#repost @paolo.morvan⁣
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⁣Scenography made for @beyond_nights with @julesbouit & @kw.an.za at @transbolyon⁣
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⁣BEYOND [Dissidence] - 13/12/19⁣
⁣@terence_fixmer ⁣
⁣@angelkarel ⁣
⁣@is.tigkeit ⁣
⁣@morpheusproduction X @thatmeltedguy_ ⁣
⁣Picture @rob_le_rob⁣
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⁣#scenography #scenographie #event #design #stagedesign #party #music #techno #technomusic #deep #mapping #light #lightray #structure #evenementiel #concert #dance #istigkeit #terencefixmer #angelkarel #lyon #clubtransbo #wood #woodstructure #led #millumin #neonlights (at Club Transbo)
https://www.instagram.com/p/B8wQR9CpsGb/?igshid=ao9vafinbu60

RE – TEXTURED Festival

Par Marco Savo

London, 2 – 4 April 2020

RE-TEXTURED is a multi-venue, multi-sensory festival for London and the UK.

The festival explores the relationship between experimental electronic music, modernist and industrial architecture and light and visual art, and is brought to you by the team behind Krankbrother.

Krankbrother Director Danny Clancy says: “RE-TEXTURED at Tobacco Dock is our most ambitious show to date. It’s one of the few buildings in London that allows us to fulfill our ambitions across light, sound and visual art, it’s unique structures, rooms and history have inspired us to push the edge a little more.”

RE – TEXTURED

London, Various locations

info@re-textured.com

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Phoenix FD 4.0 : découvrez les nouveautés du simulateur de fluides, fumée et feu

Par Shadows

Chaos Group présente un webinar d’un peu plus d’une heure autour de la version 4.0 de Phoenix FD, sa solution de simulation de fluides liquides et gazeux (eau, fumée, feu, etc) pour Maya et 3ds Max.

Notez que des versions d’essai du produit sont disponibles, de même que les scènes utilisées dans le webinar (via la description de la vidéo sur Youtube) : vous pouvez donc expérimenter sur votre propre machine les éléments présentés.

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