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Primero el vídeo y después la música. Alba G Corral y Carles Viarnès · ‘The Dance’

Par volatil

Hace unos años fuimos a ver un concierto del compositor y pianista Carles Viarnès con las visuales de Alba G Corral, verles actuar por separado es maravilloso, pero juntos hacen magia. Al terminar nos explicaron que estaban haciendo un proyecto juntos, Alba había creado una pieza visual y Carles tenía que «ponerle música», la idea era invertir el orden establecido.

Alba tituló al vídeo «The Dance» porque le sugiere unas telas que bailan. El tema que compuso Carles para este vídeo se llama «Collige Virgo Rosas«, que está disponible online desde hoy y forma parte de un disco que verá la luz el 15 de noviembre bajo el nombre «Nun» editado por Bankrobber. Hace unas semanas salió un primer single, que puedes escuchar también en Spotify, ‘Mira Gestorum’.

Tanto Alba como Carles se admiran mucho mutuamente y están encantados de actuar juntos. Este proyecto es un símbolo de este brillante trabajo en equipo que les ha llevado a cautivar a tantas personas desde distintos escenarios de teatros, festivales y salas de todo el territorio nacional.

Entrevistamos a Alba y a Carles para saber más sobre esta colaboración. Empezamos por Alba, respetando el orden de creación de este trabajo colaborativo.

¿Cómo surge la idea, cuándo y dónde?
Fue hace bastante tiempo, en una residencia artística en París, creé muchísimo material aquellos días. Los vídeos tenían una estética que me gustaba mucho. Llevaba tiempo pensando en hacer lo contrario a lo que se suele hacer. Los visualistas siempre hacemos visuales para una música ya realizada. Yo he trabajado mucho con Carles y cuando seleccioné el vídeo que quería que fuera «musicalizado», tuve muy claro que Carles haría su música.

¿Cómo es el vídeo, por qué lo seleccionaste?
Es un vídeo 2D plano. Este trozo viene de un ensayo, capturando la pantalla, me gusta mucho por la textura que me recuerda mucho a telas, estaba investigando sobre texturizar. El diseñador Alexandre Mc Queen me inspira mucho. Conseguí darle al vídeo un efecto 3d y cierto volumen. La moda siempre me ha atraído mucho. El vídeo al final eran como unas telas que se movían,  me gustaba el movimiento que hacían, como una danza, un movimiento simple pero bonito. De ahí el nombre: «The Dance».

¿Lo hiciste con processing como siempre o usaste algún otro software? 
Sí, usé Processing en tiempo real, lo grabé directamente del ensayo. Es una pieza única, no podría volver a salirme igual.

¿Actuaciones que destaques con Carles?
Eufònic Festival, Eufònic Urbà, Moià (Festival «Pensament, Obra i Acció») o el Teatre de l’ Aurora de Igualada. La verdad es que me gustan todos los bolos con él. Es uno de los músicos con los que más disfruto actuando. Él también tiene mucho vínculo con les Terres de l’Ebre, nos une una sensibilidad parecida aunque los paisajes sonoros y visuales sean distintos.

¿Qué opinas del resultado final de tu pieza visual con la música de Carles?
Me encanta ver cómo ha quedado, veo como el ritmo musical viene del movimiento del pincel y como ha conseguido crear esta dinámica del tema musical a partir de la intensidad y el silencio. Me encanta cómo lo ha convertido en música. A partir de un vídeo muy minimal, ha hecho maravillas con el piano. Además, me hace mucha ilusión que lo haya metido en el disco que acaba de sacar.

Entrevistamos ahora a la parte musical del proyecto, Carles Viarnès.

¿Cómo te definirías, músico, pianista, compositor?
Yo diría que compositor. Es lo que más me motiva del mundo de la música y donde creo que puedo aportar algo especial. He actuado como intérprete, tanto de fagot, de pianista o de cantante, y he disfrutado mucho, pero el misterio de la creación me atrapa mucho. Y me expreso sobre todo utilizando el piano como canal principal.

Has musicalizado un cortometraje y una obra de teatro, ¿nos haces una pincelada de estos dos proyectos?
“Für Elise” es un cortometraje taiwanés centrado en la famosa melodía para piano de Beethoven, que los camiones de basura de Taiwán utilizan para avisar que están pasando. Yo he hecho unas variaciones, adecuándolo a la dinámica del corto y aportando mi estilo. Primero me he tenido que reconciliar con la melodía que todo pianista ha acabado aburriendo, y después desgranarla y jugar con los cuatro elementos principales que tiene.
En cuanto a la obra de teatro, se estrenó en la Sala Muntaner el pasado mayo. Es la “Danza de muerte” de Augusto Strindberg, una historia de soledad, amargura, de existencia vacía, de una pareja viviendo en una isla. El último disco ‘Schematismus’ me sirvió de punto de partida, puesto que es piano solo, desnudo. Pero ha acabado evolucionando a una música más elaborada para expresar los diferentes matices de cada momento y cada personaje.

¿Es la primera vez que compones un tema a partir de un vídeo?
De un video tan abstracto sí. He compuesto para imágenes y secuencias más descriptivas, más argumentales, donde la música complementa un discurso visual ya de por sí bastante completo.

¿Qué te ha parecido la experiencia?
Ha habido muchas dudas y muchas sorpresas. Lo que pensaba que terminaría en uno o dos días, han acabado siendo varias semanas enteras. Tenía claro que quería conseguir un diálogo entre las visuales y la música y que ninguna de las dos partes podía predominar sobre la otra. La principal duda era dónde colocaba la música. Tenía la opción de seguir de lejos las visuales, como un fondo, con cada parte funcionando a su aire: esto me permitía hacer un discurso musical más coherente, pero era muy tentador acompañar los giros, las expresiones concretas de las líneas, para reforzar y complementar. Al final he optado por un término medio siempre que ha sido posible. He respetado sobre todo la estructura y las entradas de nuevos materiales.

¿Cómo está estructurada esta pieza?
Tiene dos partes, principalmente. Lo que he interpretado de las visuales de Alba es que la primera parte tiene una dinámica de líneas descendientes – no decadentes-, que dibujan giros pero que no se acaban concretando,  lo he plasmado con unos motivos musicales inocentes circulares que van descendiendo acompañante las líneas que bajan. La primera parte acaba con un punto emocional musical que corresponde con la entrada de color. La segunda parte, en cambio, la entiendo como ascendiente y constructiva, y los motivos musicales van en este sentido. Pero sobre todo lo que quería transmitir musicalmente es el hecho de que la figura que construye Alba sea tan imponente, tanto que parece un tótem, algo sagrado.

¿Cómo es trabajar con Alba? 
Fácil. Tiene un don. Cualquier cosa que hace destila magia y musicalidad. Es lo que tienen los artistas, que subliman aquello que tocan. Entonces poner música es, además de fácil, un placer.

¿Cuál es el show que habéis hecho juntos del que estás más orgulloso y por qué?
Hemos hecho unos cuantos, ya. Pero el primero fue muy especial y sorprendente, en el festival Eufònic Urbà de 2014. A pesar de ser el primero llegamos a un alto grado de compenetración: prácticamente estábamos explicando el mismo mensaje, los mismos matices emocionales, era un mismo lenguaje pero explicado por canales diferentes.

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Top 10 artículos más leídos del 2018

Par volatil

Este año ha sido grande por muchos motivos. Desde Vjspain apoyamos el documental “Visualist, those who see beyond”, que muy pronto verá la luz. Gracias a este proyecto hemos profundizado en el trabajo de grandes artistas tanto locales como internacionales.

Pero además, hemos sido espectadores de directos audiovisuales de gran calidad en varios festivales del país. En marzo dentro del marco de Mutek Barcelona alucinamos con el directo de Herman Kolgen y el show de Alexandre Burton & Julien Roy (artificiel). Viajamos a Madrid para conocer el proyecto Sonar360º by MEDIAPRO, el dome que disfrutamos después en Sónar Día Barcelona y redactamos este artículo sobre la parte visual del Sónar 2018. Viajamos a Gijón para disfrutar de la programación del L.E.V Festival y nunca olvidaremos la actución de Hiroaki Umeda. También estuvimos en Amsterdam y tuvimos la suerte de ver el directo apoteósico de Nanotak en el festival Dekmantel. Otra de las aventuras inolvidables de 2018 fue nuestro viaje a Praga y este vídeo resumen del Signal Festival. La mejor edición del Mira Festival y la gran presencia de artistas visuales mujeres será también difícil de olvidar.

Y ahora, sin más preámbulos, damos paso al top 10 de los posts más leídos del año.

#TOP1 – Augmented Laser Projection Interaction · Colorsound

La proyección aumentada a tiempo real con láser fue un éxito, un híbrido entre proyección y láser calibrado con interacción a partir de un código personalizado hecho con VVVV.

#TOP2 – Telenoika organiza el ER…VA40 :: Comunidad AV Península Ibérica

El objetivo del encuentro fue ampliar los debates sobre las producciones de Live AV en la Península Ibérica y fortalecer las redes entre los colectivos de artistas audiovisuales.

#TOP3 – Mira Festival. Resumen visual a través de 3 vídeos.

Hicimos resumen visual de los shows A/V que vimos, las instalaciones interactivas y la dome.

#TOP4 – Exposición “Work into the light” by Slidemedia

Un viaje retrospectivo por su trayectoria.

#TOP5 – ‘Luces por Segundo’ by Martin Borini aka Ailaviu

Esta presentación audiovisual formó parte de la programación de Mutek Buenos Aires 2017, una propuesta audiovisual con la música de Luis Maria Ducasse, sonidos techno o acid house y en formato hardware live set.

#TOP6 – Duodécima edición de L.E.V Festival Gijón
A esta edición del Laboratorio de Electrónica visual se sumó la creatividad de la italiana Michela Pelusio para interpretar la física cuántica.

#TOP7 – Videomapping en el Museo del Prado por su bicentenario de la mano de Onionlab

El show organizado por la agencia de eventos Ciudadano Kien, se complementó con una actuación teatral aérea de la mano de la Fura dels Baus, la guinda final la puso Pirotecnia Vulcano.

#TOP8 – Nomada Studio y Conrad Roset presentan el videojuego GRIS

Esta es la historia de Adrián Cuevas y Roger Mendoza que un día conocieron a Conrad Roset en Barcelona, del encuentro surgió un proyecto que duraría unos años y que hoy ha visto la luz. GRIS es el primer videojuego del estudio barcelonés Nomada Studio.

#TOP9 – Signal Festival Praga.

El Signal Festival es el festival de luz de Praga. Este año ha llegado a su 5ª edición y nos invitaron a disfrutar de sus obras en vivo y en directo.

#TOP10 – Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores.

Pedro Pantaléon y Manuel Sanchez-Cid son los directores del documental Visualist. Han tenido la suerte de conocerse y encajar a la perfección en un punto concreto de su trayectoria profesional.

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Tráiler “Visualist, those who see beyond” · Tres entrevistas en una

Par volatil

Seguro que has oído hablar del documental Visualist, una idea que nace de dos cracks que se encontraron con una misma ilusión y decidieron llevarla a cabo fuese como fuese. Pedro y Manu (directores del documental) no sabían por aquel entonces que a Oscar (fundador de Vjsapain y Otucinema) le seduciría hasta tal punto la idea, que produciría el documental para después distribuirlo.

Ya entrevistamos en su día a este dúo fantástico que está haciendo realidad su sueño. Nos contaron anécdotas sobre los rodajes por Europa y descubrimos cómo empezó todo. Para los despistados, aquí los artículos anteriores:

Refractivo y Vjspain presentan Visualist, el documental que estábamos esperando
Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores
“Visualist, those who see beyond” aterriza en Nueva York para grabar las últimas entrevistas del documental

En esta entrevista nos centramos en la fase de edición y hemos querido bucear por las entrañas del documental a través del equipo que lo hace posible. ¿Cómo fueron las entrevistas realizadas en Estados Unidos?, ¿cuándo podremos ver el documental terminado?, ¿cómo ha ido el proceso de edición?.  Si sigues leyendo, disfrutarás de tres entrevistas en una.

ENTREVISTA A PEDRO, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL, PRODUCTOR EJECUTIVO Y EDITOR.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
No soy capaz de decir cuáles han sido las tres mejores entrevistas del documental. Siempre he estado atento a los artistas que despuntaban en el sector. Recuerdo la estructura “Square” que crearon 1024 Architecture con Etienne De Crecy, el mapping que hizo Antivj en un club con Ricardo Villalobos, cuando compré las licencias de Modul8 y Madmapper, el trabajo que hacía el sello Pfadfinderei, el mapping de Pablo Valbuena, “Timber” de Cold Cut  (también recuerdo cuando actuaron en Madrid en un festival en la complutense), ese viaje con 23 amigos de Córdoba a Frankfurt, al festival Time Warp y vimos el set de Richie Hawtin con su set de visuales apoteósico.

Recuerdo el proyecto de “Living Room” de Mr Beam en el que se veía una habitación con muebles blancos y mediante un proyector se “amueblaba”, “Le Petit Chef” de Skullmapping (micro mapping épico), el mapping de la Catedral de Santiago, las obras de Daniel Canogar, “Liquid Diesel” de Dvein (una pasarela con hologramas), Monolake (Robert Henke) pinchando con unos visuales brutales por el año 2010, recuerdo a mi amigo Michael Valiente enseñándome el trabajo que hacía Francois Vogel.

Pero si puedo decir que nunca olvidaré haber conocido a todos estos artistas en sus estudios donde llevan años trabajando. Y esto es un recuerdo muy actual que tengo y que siempre lo recordaré como uno de los mejores momentos de mi vida.

– ¿Cómo fue la última entrevista del documental a Daito Manabe?
Surrealista. Acabábamos de llegar de Estados Unidos y me llama Manu por teléfono y me dice que Daito Manabe había posteado una foto en instagram y que estaba en Madrid. Conseguimos contactar con él, la entrevista fue en la oficina de Otucinema, se la hicimos en inglés y él contestó en japonés. No sabíamos lo que contestaba, pero más adelante contamos con una chica japonesa para la traducción y nos enteramos de lo que había dicho. Daito fue súper amable con nosotros y culminó el cartel del documental.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
En San Francisco por varios motivos. Nunca había estado en San Francisco. Fuimos a entrevistar a Bradley (Gmunk)  que es un ídolo para nosotros. Se suponía que era la última entrevista con lo cual era el fin del rodaje. Al terminar la entrevista le di a Manu un abrazo enorme y le felicité por el buen trabajo que había hecho. Puedo decir que es mi ciudad favorita hasta la fecha. El año que viene iré a conocerla bien.

– ¿Qué tal la experiencia en América del Norte?
Viajar es muy enriquecedor. Manu, Oscar y yo entrevistamos a Zach Lieberman y a Steve Giralt. Después nos fuimos a Montreal. Entrevistamos en un mismo día a Myriam Bleau y Herman Kolgen. Herman tiene el estudio más flipante que hemos visto en todo el rodaje. No hay espacio para poder describírtelo. Su entrevista fue brutal. Y con Myriam fue genial también, muy buena entrevista, muy didáctica, se expresaba muy bien. Decir que ninguno de los dos conocíamos demasiado a Oscar y después de este viaje hemos hecho muy buenas migas. Ahora somos amigos.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
A día de hoy nos encontramos en fase de edición. Hemos optado por editar por bloques o por temáticas. Nos quedan dos bloques solamente por editar, cuando esta noticia este publicada ya habremos terminado los bloques. Esos bloques están de manera ordenada y con un sentido. Ahora toca seguir la típica estructura de guión y desordenar un poco todo esto y tendremos una primera edición en timeline. Ya sabemos más o menos cuánto va a durar el docu pero no lo vamos a decir. Yo soy editor, colorista y me encargo de la postproducción. Manu está conmigo siempre. Dos pensando mejor que uno. Hacemos buen equipo.

– ¿Cómo llegasteis al primer guión?
Después de hacer las transcripciones fuimos abriendo secuencias en el timeline con las entrevista de cada artista. Marcamos timecodes en cada pregunta y todo esto lo llevamos a papel, para poder trabajar de manera ordenada y no volvernos locos. 220 páginas en total con todas las declaraciones. Cada uno de nosotros tenía una copia impresa y marcamos diferentes temáticas con colores. Durante el verano hemos ido leyendo y subrayando. Después de las vacaciones empezamos a crear un timeline con todo lo subrayado.

– ¿Y al segundo guión?
Después de la segunda criba de declaraciones se nos ha quedado un guión literario de 50 páginas más o menos. Ahora tenemos muy claro lo que va a salir y lo que no.

– Como director y editor del documental, ¿estás contento con el resultado?
Como director es un orgullo poder contar esta historia y como editor estoy muy animado. Me encaja todo muy bien, no hemos tenido demasiados problemas a la hora de darle forma. Esto viene porque habíamos hecho una buena preproducción con las preguntas que le hemos hecho a los artistas. Así que con la primera fase de la edición que es lo que estamos haciendo ahora estamos muy emocionados. Después viene el sonido, y a la vez el etalonaje y por último la postproducción.

ENTREVISTA A  MANU, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL & DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

– ¿En qué ciudades habéis realizado entrevistas?
Si no me equivoco, hemos grabado en un total de catorce ciudades: Madrid, Barcelona, Santiago de Compostela, Ibiza, Ginebra, París, Londres, Bruselas, Lovaina, Utrecht, Berlin, Nueva York, Montreal y San Francisco. En algunas de ellas por partida doble, como Londres, Paris, Barcelona o Bruselas. Ha sido genial poder viajar tanto para rodar el documental y tener la oportunidad de conocer tantos artistas en sus estudios.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
Es muy difícil responder con una sola experiencia… La grabación a Pierre Schneider y Francois Wunschell (1024 architecture) fue muy divertida por su sentido del humor, pero pisar la oficina de Ninja Tune en Londres y conocer a toda una institución como Matt Black es algo tremendo. En Montreal, Herman Kolgen nos abrió las puertas de su casa y nos hizo un tour por sus increíbles espacios de trabajo. En Nueva York, en un estudio situado en un rascacielos de Manhattan, Steve Giralt nos hizo una demo de cómo funciona su cámara super slow motion usando nuestra claqueta. Todo han sido grandes experiencias por el mero hecho de conocer a los artistas.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
Joannie Lemercier, por el recorrido que nos cuenta desde los inicios del arte visual hasta nuestros días y porque es Joannie Lemercier. Francois Wunschell por su particular visión del mundo del videoarte y su capacidad de transmitir conceptos bastante complejos. Y Matt Black, por sus amplios conocimientos y su contundencia en las respuestas.  Sumo a Daito Manabe, porque su manera de entender la relación entre el ser humano y la tecnología está a otro nivel.

– ¿Qué tal la experiencia en Estados Unidos?
Maravillosa en todos los aspectos. Primero porque esta vez Oscar nos acompañó en una gran aventura y compartimos grandes anécdotas que nunca olvidaremos. Conocimos y entrevistamos a artistas como Steve Giralt, Myriam Bleau, Zach Lieberman, Herman Kolgen y Bradley Gmunk, poco más que añadir… Bradley es muy agradecido. El viaje fue una paliza de horas de vuelo y trayectos, pero también tuvimos tiempo de patear Nueva York y Montreal. Y de San Francisco decir que es una ciudad que me sorprendió en todos los aspectos, vamos que me pareció una pasada y apenas estuvimos unas horas. Pedro y yo nos cruzamos Estados Unidos para entrevistar a Bradley, viajamos desde Montreal con vuelo de vuelta a la mañana siguiente, y aun así tuvimos tiempo de disfrutar de unas penosas vistas del Golden Gate (por culpa de la niebla) y de celebrar el supuesto fin de rodaje del documental con una merecida cena en Chinatown. Todo son grandes recuerdos de un viaje así y más cuando lo haces con dos cachondos como Pedro y Oscar.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
Estamos encarando la primera fase de la edición, básicamente seleccionando y estructurando el guión por temáticas. Pedro es el editor del documental por sus buenas dotes como montador, y los dos nos ponemos de acuerdo para ver qué entra, qué dejamos fuera y cómo hilamos los totales que tenemos. Vamos poco a poco dándole forma.

– Como director de fotografía del documental, ¿estás contento con el resultado?

Sí, siempre hay que estar contento de lo que uno hace y el género documental tiene muchas complicaciones. A veces porque el espacio es muy pequeño, porque somos un equipo mínimo o porque el tiempo es oro y cada segundo cuenta. Hay siempre mil factores a tener en cuenta, como en todos los puestos, y estoy contento de que hayamos sido capaces grabar este documental como lo hemos hecho.

ENTREVISTA A OSCAR TESTÓN, PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL

– ¿Tu top 3 de entrevistas del documental?
La verdad es que no puedo ser muy crítico en este tema ya que solo he asistido a las entrevistas que hicimos en EEUU y Canadá. Así que solo puedo opinar sobre 5 artistas. Pero espero con ansia escuchar a 1024 Architecture, a Joanie Lemercier y a Daniel Canogar. Por ahora mi preferido es Herman Kolgen.

– ¿Cómo ha sido la experiencia de liderar la producción del documental?
La verdad es que la experiencia empieza ahora, la parte donde yo más participo acaba de empezar. Los meses anteriores mi trabajo ha sido muy fácil ya que mis compañeros lo han tenido todo atado y ha sido un placer viajar y escuchar cómo iban sumándose artistas al proyecto. Ahora comienza todo el plan de mover el documental.

– ¿Cuándo está previsto el estreno y dónde?
La fecha exacta dependerá del patrocinador, si la idea es hacer más actividades y acciones los días del estreno del documental, ya nos estamos moviendo en ese camino. No quiero dar mucha más información pero en mi cabeza resuena ver el documental con calorcito en Madrid.

– A nivel distribución, ¿hay un plan?
Sssssshhhh, estamos trabajando en eso y queremos tenerlo más atado antes de compartirlo con vosotros. Os queremos sorprender.

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