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Après avoir conquis l’Europe, l’Inde et l’Afrique, l’entreprise COBOD s’attaque aux Etats-Unis. C’est la startup floridienne Printed Farms qui a fait appel aux services de la société danoise pour construire le premier bâtiment via impression 3D en Floride. Une méthode…
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Ces dernières années, le rôle de la fabrication additive dans l’industrie de la construction est devenu de plus en plus important. Les imprimantes 3D béton n’ont cessé de gagner en popularité auprès des architectes et des entreprises de construction. Après…
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On commence l’année 2021 avec une startup que vous connaissez sûrement si vous suivez l’évolution de l’impression 3D dans la construction : ICON. Basée aux Etats-Unis, l’entreprise fait en effet partie des acteurs qui bouleversent ce secteur. Avec une demande…
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Il y a deux mois, nous vous annoncions la construction d’un premier bâtiment résidentiel en Allemagne à l’aide d’une imprimante 3D COBOD : le fabricant danois remet le couvert en présentant cette fois-ci un immeuble résidentiel de trois étages aux…
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C’est dans la petite ville normande de Harfleur que ce nouveau bâtiment imprimé en 3D a trouvé sa place. Baptisé Sphère, il est le résultat d’une collaboration entre Bouygues Bâtiment Grand Ouest, le bailleur social Immobilière Basse Seine (IBS) et…
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Et si Paris pouvait prochainement accueillir son premier pont imprimé en 3D ? C’est en tout cas bien parti puisque la Plaine Commune Grand Paris vient d’accorder la conception et la réalisation d’une passerelle de 40 mètres au groupement d’entreprises…
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Si vous vous intéressez au secteur de la construction et ses innovations, vous avez sûrement déjà dû voir les fameux “coodo” de l’entreprise Loft To Go (LTG). Ce sont des structures modulaires fonctionnelles disponibles en aluminium/acier ou en bois, qui…
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L’utilisation du béton dans l’impression 3D est en train de révolutionner l’industrie de la construction. Des maisons aux passerelles pour piétons, la fabrication additive offre une grande liberté de conception qui dépasse les limites de l’imaginable. Grâce à sa rapidité…
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The festival fuses all the components of beauty, art, culture, education, innovation and higher thinking into one glorious event.
It includes rich programmes, grouped into clusters based on up to 20 locations with new highlights every year showcase the architectural splendour of Sharjah and the beauty of its buildings.
Many of the designs are poetic and inspired by local culture, stories and traditions or incorporate nature and space, some are based on more modern art and design, all are beautiful and thought provoking.
The Sharjah Light Festival extends to the east coast towns of Dibba, Khorfakkan and Kalba. The 2019 edition featured well known artists and curators such as Larent Langlois, Cindy Lo, Studio Halpeji and Group F
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The history of Genius Loci Weimar began 8 years ago, in 2012, when, as part of various regional development initiatives, we were looking for a concept that could combine modern media and historical heritage.
This is how the Genius Loci Weimar Festival came into being, initially on a smaller scale, which has since developed into an event with up to 50,000 visitors annually. The concept has always been to deal with the “spirit of the place” and its individual history, the “Genius Loci”.
As already mentioned, the “Genius Loci” is the focus of our artistic works. It is therefore also the goal to discuss history and to stimulate historical-cultural reflection, which certainly also has political and social aspects.
Another goal is to create and develop our own format, a brand that can provide a framework for the production of artistic works in this field.
The AV media are to be further established as an art form and artistic format and to move away from the “avant-garde” or even “nerd corner”, in which they are still often located. To emphasize their potential as an aesthetic direction with different artistic styles and tastes is the goal of Genius Loci Weimar.
Thus, in addition to very prominent buildings such as the National Theatre or the Herderkirche in the city centre, the Ilmpark and a squatted house in Gerberstraße have already been in the spotlight.
Especially at controverse locations, such as Gerberstraße 3, exciting exchanges can arise: There, the “bourgeoisie” became observer of the usually sceptically eyed façade of the squatted house, the inhabitants of the house project became hosts at the same time – also for the otherwise avoided “establishment”. An exciting situation for everyone, which can only arise during a live event and on-site.
However, in any case, reflection is always encouraged: exchange and examination of past times and other lifestyles. The buildings also appear in new contexts, the library was once filled with fictitious visions or the theatre was shown as an important place of democracy. The selection and the type of performance should always have a very specific effect.
The fact that the concept is sustainable can be seen from the fact that other projection festivals are following up, launching similar strategies or even asking for a transferable concept.
In the end, the awareness for places and cities is always sensitized by the unique, site-specific spectacles.
The audiovisual event starts already in spring with the publication of our Open Call and the announcement of the three competition buildings. A prize money of 15.000 Euro per building is awarded and we receive applications with artistic projects from all over the world during the competition period.
At the end of the competition, the applications will be judged by a jury of experts, while the public will also be able to vote at this early stage to decide who will perform their work in late summer.
During the past eight festival editions, a wide range of artistic styles were chosen as competition winners. Exciting, for example, was last year’s masterfully implemented, seemingly interactive audiovisual performance by Jonas Denzel on the façade of the newly opened Bauhaus Museum in Weimar.
Of 2016, the combination of live performance and video projection on a surface of water from Dieselqueen is also remembered.
Or the already mentioned mapping with the title “Grain Metal Punk” by VJZARIA on the façade of the squatted house in Gerberstraße.
Genius Loci Weimar continues to believe in the presence and magic of live events. We continue to believe in video mapping as a unique, ephemeral and sensual event, accompanied by overwhelming sound and an immense size that can be experienced collectively in public space. This is why we continue to focus on the live event on-site.
Genius Loci Weimar aims to further extend its constant growth path of recent years. As a festival and brand, GLW will continue to grow in breadth, but also in depth.
In the middle and long term, closer cooperation with universities is also conceivable, for example in the form of the creation of a new institute or similar. However, the core will always be the video and its connection to the historical heritage of the city!
Angefangen hat die Geschichte von Genius Loci Weimar bereits vor 8 Jahren, im Jahr 2012. Im Rahmen verschiedener Initiativen zur Regionalentwicklung suchten wir nach einem Konzept, das es schafft, moderne Medien und historisches Erbe miteinander zu verbinden. Dabei entstand das Genius Loci Weimar Festival, zunächst in kleinerem Umfang, das sich inzwischen zu einer Veranstaltung mit bis zu 50.000 Besucher*innen jährlich entwickelt hat. Das Konzept war dabei schon immer die Auseinandersetzung mit dem „Geist des Ortes“ und seiner individuellen Geschichte, dem „Genius Loci“ eben.
Wir möchten mit GLW mehre Dinge erreichen: Immer präsent ist natürlich das Ziel, ästhetisch ansprechende und hochwertige Kunstwerke in Weimar zur Aufführung zu bringen. Dazu kommt aber auch der Anspruch, eine positive Öffentlichkeit zu schaffen und mit dem Festival milieu- und altersübergreifend Zuschauer*innen anzusprechen.
Wie schon eben gesagt steht der „Genius Loci“ im Mittelpunkt unserer künstlerischen Arbeiten. Es ist also auch Ziel, Geschichte zu thematisieren und zu einer historisch-kulturellen Reflexion anzuregen, die durchaus auch politische und gesellschaftliche Facetten in sich trägt.
Ein weiteres Ziel ist das Erschaffen und Weiterentwickeln eines eigenen Formats, einer Marke, die der Produktion von künstlerischen Arbeiten in diesem Bereich einen Rahmen geben kann.
Die Videomapping-Szene ist noch recht jung. Sichtbarkeit, Kommunikation und Vernetzung sind also auch wichtige Anliegen unseres Festivals, insbesondere durch die Veranstaltungsteile TALK, CLUB und LAB. Dort, im LAB, findet auch verstärkt die Nachwuchsförderung statt. Die AV-Medien sollen als Kunstform und als künstlerisches Format noch weiter etabliert werden und heraus aus der „Avantgarde-“ oder sogar „Nerd-Ecke“, in der sie noch teilweise verortet werden. Ihr Potenzial als eine ästhetische Richtung mit unterschiedlichen künstlerischen Stilen und Geschmacksrichtungen herauszustellen, ist Ziel von Genius Loci Weima
Innerhalb der Stadt findet dank des Festivals jedes Jahr aufs Neue ein erheblicher Austausch auf mehreren Ebenen statt. Die Weimarer*innen sind inzwischen zu richtigen „Fans“ des Festivals und seiner Formate geworden und erwarten gespannt, welche neuen Orte jedes Jahr bespielt und auf neue Weise erfahren werden können.
So war neben sehr prominenten Gebäuden wie dem Nationaltheater oder der Herderkirche in der Innenstadt auch schon der Ilmpark und ein besetztes Haus in der Gerberstraße im Rampenlicht.
Gerade an kontroversen Orten, wie beispielsweise der Gerberstraße 3, können spannende Begegnungen entstehen: Das „Bürgertum“ wurde dort zum Betrachter der sonst so skeptisch beäugten Fassade des besetzten Hauses, die Bewohnerinnen des Hausprojekts wurden gleichzeitig zu Gastgeberinnen – auch für das sonst gemiedene „Establishment“. Eine spannende Situation für alle, die so nur im Moment eines Live-Events vor Ort entstehen kann.
Auf jeden Fall wird aber immer zur Reflexion angeregt: Austausch und Auseinandersetzung mit vergangenen Zeiten und anderen Lebenswelten. Auch die Gebäude treten in neuen Kontexten auf, die Bibliothek wurde einmal mit fiktiven Gebäudevisionen bespielt oder das Theater als Ort der Demokratie thematisiert. Die Auswahl und die Art der Bespielung sollen dabei immer eine ganz bestimmte Wirkung erzielen.
Dass das Konzept trägt, sieht man auch daran, dass andere Projektionsfestivals nachlegen und ähnliche Konzepte an den Start bringen oder sogar nach einem übertragbaren Konzept anfragen.
Letztlich wird immer das Bewusstsein für Orte und Städte durch die einmaligen, ortsgebundenen Spektakel sensibilisiert.
Das Festival beginnt bereits im Frühjahr mit der Veröffentlichung unseres Open Calls und der Bekanntgabe der drei Wettbewerbsgebäude. Pro Gebäude ist ein Preisgeld von 15.000 Euro ausgelobt und uns erreichen im Wettbewerbszeitraum Bewerbungen mit künstlerischen Projekten aus der ganzen Welt ein.
Nach Ende werden die Bewerbungen zum einen von einer Expert*innenjury beurteilt, und zum anderen kann auch das Publikum bereits an dieser frühen Stelle mit Hilfe des Public Votes mitbestimmen, wer im Spätsommer seinen Wettbewerbsbeitrag zur Aufführung bringen wird.
Während der vergangenen acht Festivaleditionen konnte eine große Bandbreite an künstlerischen Stilen als Wettbewerbssieger*innen gekürt werden. Spannend war zum Beispiel im letzten Jahr die gekonnt umgesetzte, scheinbar interaktive, audiovisuelle Performance von Jonas Denzel auf der Fassade des neu eröffneten Bauhaus-Museums in Weimar.
Aus 2016 ist aber auch die Kombination aus Live-Performance und Video-Projektion auf eine Wasserfläche von Dieselqueen in Erinnerung geblieben.
Oder das schon angesprochene Mapping mit dem Titel „Grain Metal Punk“ von VJZARIA an der Fassade des besetzten Hauses in der Gerberstraße.
Genius Loci Weimar glaubt auch weiterhin an die Präsenz und die Magie des Live-Events. An das Videomapping als einmaliges, vergängliches und sinnliches Ereignis, begleitet von überwältigendem Sound und einer immensen Größe, das kollektiv im Stadtraum erfahren werden kann. Deshalb fokussieren wir uns auch weiterhin auf die Live-Veranstaltung vor Ort.
Genius Loci Weimar will seinen konstanten Wachstumspfad der letzten Jahre weiter ausbauen. Als Festival und Marke soll weiter in die Breite, aber auch in die Tiefe gewachsen werden. Die reflektiven Formate wie etwa der noch recht neue TALK sollen auch weiterhin ausgebaut und verfeinert werden. Auch die AV-Hybride als Bühnenformat, wie beim AV-KINO in den letzten Jahren schon geschehen, soll noch weiter verfeinert werden.
Mittel- und Langfristig ist aber auch eine engere Kooperation mit Hochschulen, etwa in Form der Schaffung eines eigenen Instituts oder ähnliches denkbar
Kern wird aber immer das Video und seine Verknüpfung mit dem historischen Erbe der Stadt bleiben!
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This ambitious duo of A/V architects and toolmakers cook up mind-altering experiences in generative art that require expertise in math, coding and the science of sound.
By creating mesmerizing digital matter of frighteningly porous frontiers exclusively through TouchDesigner and modular gear, they push back the limits of footage and sample-free language that is opulent and breathtakingly singular.
Taking as starting points their most irrepressible fascinations with death, the unknown and the cosmos, they craft thrilling, precise, painterly code-art that broaches big philosophical questions and provides mesmerizing though highly speculative answers. Kristina and Aleksandr create modern generative art and innovative tools that raise the bar on the synergistic possibilities of visuals and sound.
They participated in many international festivals and exhibitions in Russia, Germany, Indonesia, USA, Peru. Including MUTEK festival, GAMMA festival, Electric Castle festival, LACMA, Moscow Planetarium, Orpheum Theatre LA e.t.c. 404’s works were selected by Japan Media Arts Festival and awarded by Genius Loci Weimar Festival, IMAP festival.
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As a global leader, Net Insight’s mission is to deliver an improved media experience. The same focus goes for every professional working in the broadcasting industry. Every piece of high-quality visual content a creator makes is part of an effort of delivering an improved media experience to their target audience. And with Net Insight’s ...
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Net Insight will be an exhibitor at the 2020 NAB Show this April, and as part of its strategy to grow the core Media Networks business, the company has just acquired Aperi Corporation’s innovative product portfolio. The acquisition will complement and strengthen Net Insight’s media offering. Over the last few years, the Aperi products ...
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Seguro que has oído hablar del documental Visualist, una idea que nace de dos cracks que se encontraron con una misma ilusión y decidieron llevarla a cabo fuese como fuese. Pedro y Manu (directores del documental) no sabían por aquel entonces que a Oscar (fundador de Vjsapain y Otucinema) le seduciría hasta tal punto la idea, que produciría el documental para después distribuirlo.
Ya entrevistamos en su día a este dúo fantástico que está haciendo realidad su sueño. Nos contaron anécdotas sobre los rodajes por Europa y descubrimos cómo empezó todo. Para los despistados, aquí los artículos anteriores:
– Refractivo y Vjspain presentan Visualist, el documental que estábamos esperando
– Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores
– “Visualist, those who see beyond” aterriza en Nueva York para grabar las últimas entrevistas del documental
En esta entrevista nos centramos en la fase de edición y hemos querido bucear por las entrañas del documental a través del equipo que lo hace posible. ¿Cómo fueron las entrevistas realizadas en Estados Unidos?, ¿cuándo podremos ver el documental terminado?, ¿cómo ha ido el proceso de edición?. Si sigues leyendo, disfrutarás de tres entrevistas en una.
ENTREVISTA A PEDRO, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL, PRODUCTOR EJECUTIVO Y EDITOR.
– Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
No soy capaz de decir cuáles han sido las tres mejores entrevistas del documental. Siempre he estado atento a los artistas que despuntaban en el sector. Recuerdo la estructura “Square” que crearon 1024 Architecture con Etienne De Crecy, el mapping que hizo Antivj en un club con Ricardo Villalobos, cuando compré las licencias de Modul8 y Madmapper, el trabajo que hacía el sello Pfadfinderei, el mapping de Pablo Valbuena, “Timber” de Cold Cut (también recuerdo cuando actuaron en Madrid en un festival en la complutense), ese viaje con 23 amigos de Córdoba a Frankfurt, al festival Time Warp y vimos el set de Richie Hawtin con su set de visuales apoteósico.
Recuerdo el proyecto de “Living Room” de Mr Beam en el que se veía una habitación con muebles blancos y mediante un proyector se “amueblaba”, “Le Petit Chef” de Skullmapping (micro mapping épico), el mapping de la Catedral de Santiago, las obras de Daniel Canogar, “Liquid Diesel” de Dvein (una pasarela con hologramas), Monolake (Robert Henke) pinchando con unos visuales brutales por el año 2010, recuerdo a mi amigo Michael Valiente enseñándome el trabajo que hacía Francois Vogel.
Pero si puedo decir que nunca olvidaré haber conocido a todos estos artistas en sus estudios donde llevan años trabajando. Y esto es un recuerdo muy actual que tengo y que siempre lo recordaré como uno de los mejores momentos de mi vida.
– ¿Cómo fue la última entrevista del documental a Daito Manabe?
Surrealista. Acabábamos de llegar de Estados Unidos y me llama Manu por teléfono y me dice que Daito Manabe había posteado una foto en instagram y que estaba en Madrid. Conseguimos contactar con él, la entrevista fue en la oficina de Otucinema, se la hicimos en inglés y él contestó en japonés. No sabíamos lo que contestaba, pero más adelante contamos con una chica japonesa para la traducción y nos enteramos de lo que había dicho. Daito fue súper amable con nosotros y culminó el cartel del documental.
– ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
En San Francisco por varios motivos. Nunca había estado en San Francisco. Fuimos a entrevistar a Bradley (Gmunk) que es un ídolo para nosotros. Se suponía que era la última entrevista con lo cual era el fin del rodaje. Al terminar la entrevista le di a Manu un abrazo enorme y le felicité por el buen trabajo que había hecho. Puedo decir que es mi ciudad favorita hasta la fecha. El año que viene iré a conocerla bien.
– ¿Qué tal la experiencia en América del Norte?
Viajar es muy enriquecedor. Manu, Oscar y yo entrevistamos a Zach Lieberman y a Steve Giralt. Después nos fuimos a Montreal. Entrevistamos en un mismo día a Myriam Bleau y Herman Kolgen. Herman tiene el estudio más flipante que hemos visto en todo el rodaje. No hay espacio para poder describírtelo. Su entrevista fue brutal. Y con Myriam fue genial también, muy buena entrevista, muy didáctica, se expresaba muy bien. Decir que ninguno de los dos conocíamos demasiado a Oscar y después de este viaje hemos hecho muy buenas migas. Ahora somos amigos.
– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
A día de hoy nos encontramos en fase de edición. Hemos optado por editar por bloques o por temáticas. Nos quedan dos bloques solamente por editar, cuando esta noticia este publicada ya habremos terminado los bloques. Esos bloques están de manera ordenada y con un sentido. Ahora toca seguir la típica estructura de guión y desordenar un poco todo esto y tendremos una primera edición en timeline. Ya sabemos más o menos cuánto va a durar el docu pero no lo vamos a decir. Yo soy editor, colorista y me encargo de la postproducción. Manu está conmigo siempre. Dos pensando mejor que uno. Hacemos buen equipo.
– ¿Cómo llegasteis al primer guión?
Después de hacer las transcripciones fuimos abriendo secuencias en el timeline con las entrevista de cada artista. Marcamos timecodes en cada pregunta y todo esto lo llevamos a papel, para poder trabajar de manera ordenada y no volvernos locos. 220 páginas en total con todas las declaraciones. Cada uno de nosotros tenía una copia impresa y marcamos diferentes temáticas con colores. Durante el verano hemos ido leyendo y subrayando. Después de las vacaciones empezamos a crear un timeline con todo lo subrayado.
– ¿Y al segundo guión?
Después de la segunda criba de declaraciones se nos ha quedado un guión literario de 50 páginas más o menos. Ahora tenemos muy claro lo que va a salir y lo que no.
– Como director y editor del documental, ¿estás contento con el resultado?
Como director es un orgullo poder contar esta historia y como editor estoy muy animado. Me encaja todo muy bien, no hemos tenido demasiados problemas a la hora de darle forma. Esto viene porque habíamos hecho una buena preproducción con las preguntas que le hemos hecho a los artistas. Así que con la primera fase de la edición que es lo que estamos haciendo ahora estamos muy emocionados. Después viene el sonido, y a la vez el etalonaje y por último la postproducción.
ENTREVISTA A MANU, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL & DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA
– ¿En qué ciudades habéis realizado entrevistas?
Si no me equivoco, hemos grabado en un total de catorce ciudades: Madrid, Barcelona, Santiago de Compostela, Ibiza, Ginebra, París, Londres, Bruselas, Lovaina, Utrecht, Berlin, Nueva York, Montreal y San Francisco. En algunas de ellas por partida doble, como Londres, Paris, Barcelona o Bruselas. Ha sido genial poder viajar tanto para rodar el documental y tener la oportunidad de conocer tantos artistas en sus estudios.
– ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
Es muy difícil responder con una sola experiencia… La grabación a Pierre Schneider y Francois Wunschell (1024 architecture) fue muy divertida por su sentido del humor, pero pisar la oficina de Ninja Tune en Londres y conocer a toda una institución como Matt Black es algo tremendo. En Montreal, Herman Kolgen nos abrió las puertas de su casa y nos hizo un tour por sus increíbles espacios de trabajo. En Nueva York, en un estudio situado en un rascacielos de Manhattan, Steve Giralt nos hizo una demo de cómo funciona su cámara super slow motion usando nuestra claqueta. Todo han sido grandes experiencias por el mero hecho de conocer a los artistas.
– Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
Joannie Lemercier, por el recorrido que nos cuenta desde los inicios del arte visual hasta nuestros días y porque es Joannie Lemercier. Francois Wunschell por su particular visión del mundo del videoarte y su capacidad de transmitir conceptos bastante complejos. Y Matt Black, por sus amplios conocimientos y su contundencia en las respuestas. Sumo a Daito Manabe, porque su manera de entender la relación entre el ser humano y la tecnología está a otro nivel.
– ¿Qué tal la experiencia en Estados Unidos?
Maravillosa en todos los aspectos. Primero porque esta vez Oscar nos acompañó en una gran aventura y compartimos grandes anécdotas que nunca olvidaremos. Conocimos y entrevistamos a artistas como Steve Giralt, Myriam Bleau, Zach Lieberman, Herman Kolgen y Bradley Gmunk, poco más que añadir… Bradley es muy agradecido. El viaje fue una paliza de horas de vuelo y trayectos, pero también tuvimos tiempo de patear Nueva York y Montreal. Y de San Francisco decir que es una ciudad que me sorprendió en todos los aspectos, vamos que me pareció una pasada y apenas estuvimos unas horas. Pedro y yo nos cruzamos Estados Unidos para entrevistar a Bradley, viajamos desde Montreal con vuelo de vuelta a la mañana siguiente, y aun así tuvimos tiempo de disfrutar de unas penosas vistas del Golden Gate (por culpa de la niebla) y de celebrar el supuesto fin de rodaje del documental con una merecida cena en Chinatown. Todo son grandes recuerdos de un viaje así y más cuando lo haces con dos cachondos como Pedro y Oscar.
– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
Estamos encarando la primera fase de la edición, básicamente seleccionando y estructurando el guión por temáticas. Pedro es el editor del documental por sus buenas dotes como montador, y los dos nos ponemos de acuerdo para ver qué entra, qué dejamos fuera y cómo hilamos los totales que tenemos. Vamos poco a poco dándole forma.
– Como director de fotografía del documental, ¿estás contento con el resultado?
Sí, siempre hay que estar contento de lo que uno hace y el género documental tiene muchas complicaciones. A veces porque el espacio es muy pequeño, porque somos un equipo mínimo o porque el tiempo es oro y cada segundo cuenta. Hay siempre mil factores a tener en cuenta, como en todos los puestos, y estoy contento de que hayamos sido capaces grabar este documental como lo hemos hecho.
ENTREVISTA A OSCAR TESTÓN, PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL
– ¿Tu top 3 de entrevistas del documental?
La verdad es que no puedo ser muy crítico en este tema ya que solo he asistido a las entrevistas que hicimos en EEUU y Canadá. Así que solo puedo opinar sobre 5 artistas. Pero espero con ansia escuchar a 1024 Architecture, a Joanie Lemercier y a Daniel Canogar. Por ahora mi preferido es Herman Kolgen.
– ¿Cómo ha sido la experiencia de liderar la producción del documental?
La verdad es que la experiencia empieza ahora, la parte donde yo más participo acaba de empezar. Los meses anteriores mi trabajo ha sido muy fácil ya que mis compañeros lo han tenido todo atado y ha sido un placer viajar y escuchar cómo iban sumándose artistas al proyecto. Ahora comienza todo el plan de mover el documental.
– ¿Cuándo está previsto el estreno y dónde?
La fecha exacta dependerá del patrocinador, si la idea es hacer más actividades y acciones los días del estreno del documental, ya nos estamos moviendo en ese camino. No quiero dar mucha más información pero en mi cabeza resuena ver el documental con calorcito en Madrid.
– A nivel distribución, ¿hay un plan?
Sssssshhhh, estamos trabajando en eso y queremos tenerlo más atado antes de compartirlo con vosotros. Os queremos sorprender.
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