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L’impression 3D pour construire des structures modulaires fonctionnelles

Si vous vous intéressez au secteur de la construction et ses innovations, vous avez sûrement déjà dû voir les fameux “coodo” de l’entreprise Loft To Go (LTG). Ce sont des structures modulaires fonctionnelles disponibles en aluminium/acier ou en bois, qui…

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Future Tree, une structure en béton imprimée en 3D qui rappelle la nature

L’utilisation du béton dans l’impression 3D est en train de révolutionner l’industrie de la construction. Des maisons aux passerelles pour piétons, la fabrication additive offre une grande liberté de conception qui dépasse les limites de l’imaginable. Grâce à sa rapidité…

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⁣I’m so proud of being part of this new mapping with my original music written for the casino Viage in Bruxelles played by night during full december. ( Boulevard Anspach 1000 Bruxelles )⁣
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⁣Visual Artist : Simon Lebon ⁣
⁣Music and sound design : Geraldine Kwik ⁣
⁣Place : Grand Casino Brussels Viage⁣
⁣https://www.viage.be/fr/ ⁣
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⁣#bruxelles ##brussels #casino #viage #casinonight #videomapping #loomprod  #originalsountrack #musicforpaintings  #mapping #composer #frenchcomposer #musicscore #ambient #composingmusic #sound #sounddesign #art #visual #millumin #madmapper #motiondesign #aftereffects #design #architecturalmapping #projectionmapping #movingimage #digitalartist #night (at Brussels, Belgium)
https://www.instagram.com/p/CDhG-Wipj7z/?igshid=uqppjxxumkcx

Une maison de 90 mètres carrés construite en quelques jours grâce à l’impression 3D

En Belgique, une maison de deux étages vient d’être érigée grâce à l’impression 3D : à partir de l’imprimante 3D béton BOD2 développée par COBOD, l’entreprise Kamp C a pu imaginer une structure de 90 mètres carrés, construite en trois…

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Un pont imprimé en 3D pour les piétons à Rotterdam

À Rotterdam, aux Pays-Bas, le premier pont pour piétons imprimé en 3D est en cours de construction et devrait être installé avant la fin de l’année 2020. Actuellement, il s’agit d’une passerelle en bois qui existe dans le Kralingse Bos,…

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Fast Complexity, vers un procédé d’impression 3D béton plus efficace

La fabrication additive commence à jouer un rôle très important dans l’industrie de la construction. L’impression 3D béton gagne de plus en plus de popularité auprès des architectes et des entreprises de construction pour deux raisons principales : elle est…

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SHARJAH LIGHT FESTIVAL: 05 -15 February 2020



Sharjah Light Festival illuminates the Emirate once a year showcasing local talent and internationally renowned audiovisual artists.

The audiovisual event features eye-opening displays of colors, images and lights inspired by a variety of subjects such as beauty, science, creativity and knowledge. 

The yearly festival attracts hundreds of thousands of visitors and takes them on a tour of cultural heights, music, artistic ingenuity and technical skills. Projection mapping artworks and lighting installations illuminate the beautiful architecture of Sharjah.

The festival fuses all the components of beauty, art, culture, education, innovation and higher thinking into one glorious event. 

It includes rich programmes, grouped into clusters based on up to 20 locations with new highlights every year showcase the architectural splendour of Sharjah and the beauty of its buildings.

Utilising creative and innovative light technology and specifically curated music, the architectural landmarks of the emirate, such as Al Noor mosque, Al Hisn Fort, Sharjah University City Campus as well as others can literally be seen in a new light.

Many of the designs are poetic and inspired by local culture, stories and traditions or incorporate nature and space, some are based on more modern art and design, all are beautiful and thought provoking.

The Sharjah Light Festival extends to the east coast towns of Dibba, Khorfakkan and Kalba. The 2019 edition featured well known artists and curators such as Larent Langlois, Cindy Lo, Studio Halpeji and Group F

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Interview to Genius Loci Weimar

Par : Marco Savo

We have supported Genius Loci Weimar and promoted their open call for audiovisual artists since their early start.

We felt now was the perfect time to interview the organizers of the projection mapping festival. One of the fastest growing audiovisual events in Europe. (German version below)

1. Can you tell us about the history, concept ans goals of Genius Loci Weimar?

The history of Genius Loci Weimar began 8 years ago, in 2012, when, as part of various regional development initiatives, we were looking for a concept that could combine modern media and historical heritage.

This is how the Genius Loci Weimar Festival came into being, initially on a smaller scale, which has since developed into an event with up to 50,000 visitors annually. The concept has always been to deal with the “spirit of the place” and its individual history, the “Genius Loci”.

We want to achieve several things with GLW: Always present is the goal of presenting aesthetically pleasing and high-quality artworks in Weimar. In addition, we also want to create a positive public and to address audiences of all ages and backgrounds throughout the festival.

As already mentioned, the “Genius Loci” is the focus of our artistic works. It is therefore also the goal to discuss history and to stimulate historical-cultural reflection, which certainly also has political and social aspects.
Another goal is to create and develop our own format, a brand that can provide a framework for the production of artistic works in this field.

The projection mapping scene is still quite young. Visibility, communication and networking are therefore also important concerns of our festival. Especially through the programme formats TALK, CLUB and LAB. There, in the LAB, the support and encouragement of young talents is increasingly taking place.

The AV media are to be further established as an art form and artistic format and to move away from the “avant-garde” or even “nerd corner”, in which they are still often located. To emphasize their potential as an aesthetic direction with different artistic styles and tastes is the goal of Genius Loci Weimar.



2. The festival advocates the importance of video mapping as an audiovisual tool to deliver relevant contents, rather than mere entertainment gimmick. How do you think GLW have been impacting the relationship between the community and the architectonic heritage of the city?



Thanks to the festival, a considerable exchange takes place every year on several levels within the city. The citizens of Weimar have become real “fans” of the festival and its formats and are curiously looking forward to seeing which new locations will be played at each year and can be experienced in new ways.

Thus, in addition to very prominent buildings such as the National Theatre or the Herderkirche in the city centre, the Ilmpark and a squatted house in Gerberstraße have already been in the spotlight.

Especially at controverse locations, such as Gerberstraße 3, exciting exchanges can arise: There, the “bourgeoisie” became observer of the usually sceptically eyed façade of the squatted house, the inhabitants of the house project became hosts at the same time – also for the otherwise avoided “establishment”. An exciting situation for everyone, which can only arise during a live event and on-site.

Genius Loci Weimar 2015 Winner - Audiovisual Event

However, in any case, reflection is always encouraged: exchange and examination of past times and other lifestyles. The buildings also appear in new contexts, the library was once filled with fictitious visions or the theatre was shown as an important place of democracy. The selection and the type of performance should always have a very specific effect.

The fact that the concept is sustainable can be seen from the fact that other projection festivals are following up, launching similar strategies or even asking for a transferable concept.

In the end, the awareness for places and cities is always sensitized by the unique, site-specific spectacles.



3. GLW Open Call is the core of the festival. Can you explain the complex decision process you undertake every year to award the three prizes? Are there any project that have been particularly relevant for you in the past editions?


The audiovisual event starts already in spring with the publication of our Open Call and the announcement of the three competition buildings. A prize money of 15.000 Euro per building is awarded and we receive applications with artistic projects from all over the world during the competition period.

At the end of the competition, the applications will be judged by a jury of experts, while the public will also be able to vote at this early stage to decide who will perform their work in late summer.

During the past eight festival editions, a wide range of artistic styles were chosen as competition winners. Exciting, for example, was last year’s masterfully implemented, seemingly interactive audiovisual performance by Jonas Denzel on the façade of the newly opened Bauhaus Museum in Weimar.



Of 2016, the combination of live performance and video projection on a surface of water from Dieselqueen is also remembered.



Or the already mentioned mapping with the title “Grain Metal Punk” by VJZARIA on the façade of the squatted house in Gerberstraße.



4. During these uncertain times many audiovisual events decided to implement hybrid or online formats. Can you tell us about GLW position in the current scenario?


Genius Loci Weimar continues to believe in the presence and magic of live events. We continue to believe in video mapping as a unique, ephemeral and sensual event, accompanied by overwhelming sound and an immense size that can be experienced collectively in public space. This is why we continue to focus on the live event on-site.


5. How do you see Genius Loci Weimar in the next 10 years?


Genius Loci Weimar aims to further extend its constant growth path of recent years. As a festival and brand, GLW will continue to grow in breadth, but also in depth.

The reflective formats such as the relatively new TALK will continue to be expanded and refined. AV hybrids as a stage format, as has been the case with AV cinema in recent years, are also to be further developed and refined.

In the middle and long term, closer cooperation with universities is also conceivable, for example in the form of the creation of a new institute or similar. However, the core will always be the video and its connection to the historical heritage of the city!


Discover more about the audiovisual event




GERMAN VERSION

Können Sie uns etwas über die Geschichte, das Konzept und die Ziele von Genius Loci Weimar erzählen?

Angefangen hat die Geschichte von Genius Loci Weimar bereits vor 8 Jahren, im Jahr 2012. Im Rahmen verschiedener Initiativen zur Regionalentwicklung suchten wir nach einem Konzept, das es schafft, moderne Medien und historisches Erbe miteinander zu verbinden. Dabei entstand das Genius Loci Weimar Festival, zunächst in kleinerem Umfang, das sich inzwischen zu einer Veranstaltung mit bis zu 50.000 Besucher*innen jährlich entwickelt hat. Das Konzept war dabei schon immer die Auseinandersetzung mit dem „Geist des Ortes“ und seiner individuellen Geschichte, dem „Genius Loci“ eben.

Wir möchten mit GLW mehre Dinge erreichen: Immer präsent ist natürlich das Ziel, ästhetisch ansprechende und hochwertige Kunstwerke in Weimar zur Aufführung zu bringen. Dazu kommt aber auch der Anspruch, eine positive Öffentlichkeit zu schaffen und mit dem Festival milieu- und altersübergreifend Zuschauer*innen anzusprechen.

Wie schon eben gesagt steht der „Genius Loci“ im Mittelpunkt unserer künstlerischen Arbeiten. Es ist also auch Ziel, Geschichte zu thematisieren und zu einer historisch-kulturellen Reflexion anzuregen, die durchaus auch politische und gesellschaftliche Facetten in sich trägt.

Ein weiteres Ziel ist das Erschaffen und Weiterentwickeln eines eigenen Formats, einer Marke, die der Produktion von künstlerischen Arbeiten in diesem Bereich einen Rahmen geben kann.

Die Videomapping-Szene ist noch recht jung. Sichtbarkeit, Kommunikation und Vernetzung sind also auch wichtige Anliegen unseres Festivals, insbesondere durch die Veranstaltungsteile TALK, CLUB und LAB. Dort, im LAB, findet auch verstärkt die Nachwuchsförderung statt. Die AV-Medien sollen als Kunstform und als künstlerisches Format noch weiter etabliert werden und heraus aus der „Avantgarde-“ oder sogar „Nerd-Ecke“, in der sie noch teilweise verortet werden. Ihr Potenzial als eine ästhetische Richtung mit unterschiedlichen künstlerischen Stilen und Geschmacksrichtungen herauszustellen, ist Ziel von Genius Loci Weima

Das Festival befürwortet die Bedeutung von Video-Mapping als audiovisuelles Instrument zur Vermittlung relevanter Inhalte und nicht als bloßen Unterhaltungsgag. Wie hat GLW Ihrer Meinung nach die Beziehung zwischen der Gemeinschaft und dem architektonischen Erbe der Stadt beeinflusst?

Innerhalb der Stadt findet dank des Festivals jedes Jahr aufs Neue ein erheblicher Austausch auf mehreren Ebenen statt. Die Weimarer*innen sind inzwischen zu richtigen „Fans“ des Festivals und seiner Formate geworden und erwarten gespannt, welche neuen Orte jedes Jahr bespielt und auf neue Weise erfahren werden können.

So war neben sehr prominenten Gebäuden wie dem Nationaltheater oder der Herderkirche in der Innenstadt auch schon der Ilmpark und ein besetztes Haus in der Gerberstraße im Rampenlicht.

Gerade an kontroversen Orten, wie beispielsweise der Gerberstraße 3, können spannende Begegnungen entstehen: Das „Bürgertum“ wurde dort zum Betrachter der sonst so skeptisch beäugten Fassade des besetzten Hauses, die Bewohnerinnen des Hausprojekts wurden gleichzeitig zu Gastgeberinnen – auch für das sonst gemiedene „Establishment“. Eine spannende Situation für alle, die so nur im Moment eines Live-Events vor Ort entstehen kann.

Auf jeden Fall wird aber immer zur Reflexion angeregt: Austausch und Auseinandersetzung mit vergangenen Zeiten und anderen Lebenswelten. Auch die Gebäude treten in neuen Kontexten auf, die Bibliothek wurde einmal mit fiktiven Gebäudevisionen bespielt oder das Theater als Ort der Demokratie thematisiert. Die Auswahl und die Art der Bespielung sollen dabei immer eine ganz bestimmte Wirkung erzielen.

Dass das Konzept trägt, sieht man auch daran, dass andere Projektionsfestivals nachlegen und ähnliche Konzepte an den Start bringen oder sogar nach einem übertragbaren Konzept anfragen.

Letztlich wird immer das Bewusstsein für Orte und Städte durch die einmaligen, ortsgebundenen Spektakel sensibilisiert.

Der GLW Open Call ist das Herzstück des Festivals. Können Sie den komplexen Entscheidungsprozess erklären, den Sie jedes Jahr für die Vergabe der drei Preise durchführen? Gibt es Projekte, die für Sie in den vergangenen Ausgaben besonders relevant waren?

Das Festival beginnt bereits im Frühjahr mit der Veröffentlichung unseres Open Calls und der Bekanntgabe der drei Wettbewerbsgebäude. Pro Gebäude ist ein Preisgeld von 15.000 Euro ausgelobt und uns erreichen im Wettbewerbszeitraum Bewerbungen mit künstlerischen Projekten aus der ganzen Welt ein.

Nach Ende werden die Bewerbungen zum einen von einer Expert*innenjury beurteilt, und zum anderen kann auch das Publikum bereits an dieser frühen Stelle mit Hilfe des Public Votes mitbestimmen, wer im Spätsommer seinen Wettbewerbsbeitrag zur Aufführung bringen wird.

Während der vergangenen acht Festivaleditionen konnte eine große Bandbreite an künstlerischen Stilen als Wettbewerbssieger*innen gekürt werden. Spannend war zum Beispiel im letzten Jahr die gekonnt umgesetzte, scheinbar interaktive, audiovisuelle Performance von Jonas Denzel auf der Fassade des neu eröffneten Bauhaus-Museums in Weimar.

Aus 2016 ist aber auch die Kombination aus Live-Performance und Video-Projektion auf eine Wasserfläche von Dieselqueen in Erinnerung geblieben.

Oder das schon angesprochene Mapping mit dem Titel „Grain Metal Punk“ von VJZARIA an der Fassade des besetzten Hauses in der Gerberstraße.

In diesen unsicheren Zeiten haben sich viele audiovisuelle Veranstaltungen entschieden, hybride oder Online-Formate einzusetzen. Können Sie uns über die Position des GLW im aktuellen Szenario berichten?

Genius Loci Weimar glaubt auch weiterhin an die Präsenz und die Magie des Live-Events. An das Videomapping als einmaliges, vergängliches und sinnliches Ereignis, begleitet von überwältigendem Sound und einer immensen Größe, das kollektiv im Stadtraum erfahren werden kann. Deshalb fokussieren wir uns auch weiterhin auf die Live-Veranstaltung vor Ort.

Wie sehen Sie Genius Loci Weimar in den nächsten 10 Jahren?

Genius Loci Weimar will seinen konstanten Wachstumspfad der letzten Jahre weiter ausbauen. Als Festival und Marke soll weiter in die Breite, aber auch in die Tiefe gewachsen werden. Die reflektiven Formate wie etwa der noch recht neue TALK sollen auch weiterhin ausgebaut und verfeinert werden. Auch die AV-Hybride als Bühnenformat, wie beim AV-KINO in den letzten Jahren schon geschehen, soll noch weiter verfeinert werden.
Mittel- und Langfristig ist aber auch eine engere Kooperation mit Hochschulen, etwa in Form der Schaffung eines eigenen Instituts oder ähnliches denkbar

Kern wird aber immer das Video und seine Verknüpfung mit dem historischen Erbe der Stadt bleiben!

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Call for competition: GENIUS LOCI WEIMAR FESTIVAL 2020

GENIUS LOCI WEIMAR is looking for innovative ideas for the projection festival 04-06 September 2020.

15 April – 17 May 2020
30 sec video
Eur 45,000

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404.Zero

404-zero-duo-Audiovisual-Artists

This ambitious duo of A/V architects and toolmakers cook up mind-altering experiences in generative art that require expertise in math, coding and the science of sound.

By creating mesmerizing digital matter of frighteningly porous frontiers exclusively through TouchDesigner and modular gear, they push back the limits of footage and sample-free language that is opulent and breathtakingly singular.

Taking as starting points their most irrepressible fascinations with death, the unknown and the cosmos, they craft thrilling, precise, painterly code-art that broaches big philosophical questions and provides mesmerizing though highly speculative answers. Kristina and Aleksandr create modern generative art and innovative tools that raise the bar on the synergistic possibilities of visuals and sound.

They participated in many international festivals and exhibitions in Russia, Germany, Indonesia, USA, Peru. Including MUTEK festival, GAMMA festival, Electric Castle festival, LACMA, Moscow Planetarium, Orpheum Theatre LA e.t.c. 404’s works were selected by Japan Media Arts Festival and awarded by Genius Loci Weimar Festival, IMAP festival.

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⁣Ready for a new mapping light show with my new original music written for the Church in Lievin playing this night to Sunday night !!!⁣
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⁣Visual Artists : Susie-lou CHETCUTI, Patrick GRANDI, Jules HUVIG @juleshuvig/, Lucille JEANNIN, Loan LE HOANG, Simon LEBON, Hamza MRABET, Aurélien WOJTKO @_aurelien.w/ ⁣
⁣Music & Sound Design : Geraldine Kwik⁣
⁣Technique & Lights : Aurélien WOJTKO⁣
⁣Place : Église Saint-Amé - LIEVIN - FRANCE .⁣
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⁣#church #lightshow #lightart #light #lightinstallation #videomapping #loomprod  #originalsountrack #musicforpaintings  #mapping #composer #frenchcomposer #musicscore #ambient #composingmusic #sound #sounddesign #art #visual #millumin #madmapper #motiondesign #aftereffects #design #architecturalmapping #projectionmapping #movingimage #digitalartist #night
https://www.instagram.com/p/B7ba5jWppcU/?igshid=84b7s5bq9hzr

Self-Choreographing Network – Cyber-physical design and interactive bending-active systems

Self-Choreographing Network – Cyber-physical design and interactive bending-active systems
Created by Mathias Maierhofer and Valentina Soana at the ICD, 'Self-Choreographing Network' is a project aiming to challenge the prevalent separation between (digital) design and (physical) operation processes of adaptive and interactive architectural systems.

Artificial Arcadia – Measured and adjustable landscapes

Artificial Arcadia – Measured and adjustable landscapes
Created by Fragmentin in collaboration with KOSMOS architects, 'Artificial Arcadia' is an interactive installation that creates a performative scenographic landscape for visitors to explore and calls them to consider how contemporary landscape entangles natural, artificial and digital realms.

Chartres en Lumières – 2017



Chartres en lumières

Septembre 2018, Chartres – France



This is the first time Pixel n’Pepper had the chance of creating an interactive installation for children and parents. They chose the Origami theme to create small 3D paper scenes. ​​​​​​​Using a touch screen of 42 inches, the user was able to choose between 4 different themes in which he could select different animations and apply them to the facade of the Chapel Ste Foy, which was divided into 5 zones. The players could also play with 3D objects such as a planet, a giant squid or a lion, and make them move in real-time, or change their textures and colors.

Credit

  • Production Company : Pixel n’Pepper / Creative Director : Nathanaelle Picot
  • Modeling : Franck Poterlot / Programing : Florence
  • Technical Director : Gael Picquet / 3D Graphists : Cyril Delapeyre
  • Music by Loïc Masson

Japonisme 2018 – Eiffel Tower



Japonisme 2018

Septembre 2018, Paris – France



On the occasion of Japonismes 2018, the Eiffel Tower will be adorned for the first time with the colors of Japan by two world-renowned lighting designers: Motoko Ishii, Japanese pioneer in the world of lighting design and her daughter Akari-Lisa Ishii, a renowned Parisian designer.

Credit

  • Planners and Producers:Motoko Ishii & Akari-Lisa Ishii
  • Lighting Design & Production:Motoko Ishii & Motoko Ishii Lighting Design (Tokyo), Akari-Lisa Ishii & I.C.O.N., (Paris)

Bunker De Lumières



Bunker De Lumières – 2018

Nov 2018, Jeju Island, South Korea


After the tremendous success of Atelier des Lumières in France, Culturespaces further deploys
the concept of immersive digital art exhibition with a new venue: Bunker de Lumières. The new
art center will be inaugurated on November 16 in South Korea. The new impressive project was
created using 28 media servers by Modulo Pi.

While Atelier des Lumières will soon celebrate 1 million visitors just 9 months after opening in
Paris, Culturespaces will inaugurate a new digital art center in South Korea. Bunker de Lumières
is established on the tourist island of Jeju, in a former command center which was transformed
to host the AMIEX® concept – Art & Music Experience – developped by Culturespaces.

Augustin de Cointet de Fillain, Multimedia Project Director at Culturespaces, explains: “We were
looking for more than a location. What matters to us is the character of the venue that will host
our digital art exhibitions.” The bunker of the Jeju island was found by TMONET, a South-Korean
company specializing in new technologies. Culturespaces has signed its very first licensing
agreement, granting TMONET the exploitation of the venue.

The former 1,600 sqm bunker was redesigned to host the future digital art exhibitions, in
accordance with the venue’s original character and volumes. Culturespaces was in charge of the
layout plan study and audiovisual material recommendation.
About the AV equipment, Augustin de Cointet de Fillain explains: “For consistency, userfriendliness,
and reliability reasons, Modulo Pi’s media server system is our chosen solution for all our digital art centers. The show we are playing in different sites has been encoded once in the Modulo Pi’s systems. Some adjustments are made to adapt the show to each venue, but the logic remains the same. This helps us save a great amount of time.”

A total of 28 x Modulo Kinetic were installed in the Bunker de Lumières’ control room. The
comprehensive solution designed by Modulo Pi was used from the study phase: “We import a 3D
model of the venue directly in Modulo Kinetic’s interface to do the simulation. This allows us to
choose the most appropriate video-projectors and lenses, and determine the projection area”,
comments Augustin de Cointet de Fillain.
Due to the low ceiling height, the simulation resulted in the selection of the EBLU1105 videoprojector by Epson. Chosen for their optical ratio, 90 video-projectors were installed.

The first exhibition will be dedicated to Gustav Klimt’s artwork to commemorate the 100-year
anniversary of the Austrian painter’s death. The show created by Gianfranco Iannuzzi, Renato
Gatto, and Massimiliano Siccardi can also be seen at Atelier des Lumières in Paris.
An important work was done in terms of scenography to adapt the show to the South-Korean
venue. To face the challenge offered the bunker’s architecture with its low ceiling height and
numerous pillars, Culturespaces’ teams joined several pillars together, hence creating cubes
used as new projection surfaces, completed by mirrors and reflection effects.

The 28 Modulo Kinetic and 90 video-projectors are feeding a 3,400 sqm projection area. Modulo
Pi’s media servers helped deal with all overlapping areas, and they centralize the control of the
architectural lighting, the 40 audio speakers, and the overall show control.

Augustin de Cointet de Fillain further details the choice for Modulo Kinetic for all their existing
and future digital art centers: “Modulo Kinetic is an all-in-one solution that enables us to manage
everything through one powerful system. With Modulo Kinetic, we know we have a steady system
working 24/7, which is also easy to setup and operate. Its flexible UI Designer allows the creation
of a show control interface tailored for the local teams who will be responsible for the running of
the site and its maintenance.”
Several user panels were created with Modulo Kinetic’s UI Designer. They include all relevant
information for an optimized and safe site operation, with the UPS status among other things. All
created panels are available on iPad for a friendly use.

The AV integration was done by Live-Lab, assisted by the French company Pixel N’Pepper. The
install was completed in 5 weeks, with teams working on the video-projectors installation, and
configuration of the media servers at the same time. Modulo Kinetic’s new show import feature
enabled several operators to work simultaneously on media transfer, timeline encoding, and show
control. A daily import then allowed to merge the last show versions.
Local teams were trained to learn how to use Modulo Kinetic to control the whole installation,
show, and maintenance tools.

Visitors will discover the Bunker de Lumières starting November 16. They will enjoy a unique art
experience around Gustav Klimt’s artwork, an immersive approach made possible through
technology.

Culturespaces keeps on rolling out its AMIEX® concept with new digital art centers that will open
in the city of Bordeaux in France, as well as the United States, and Asia. “Technology in service of
artworks enables us to offer a new approach to art. The immersive experience we create appeals
to senses, and relies on emotion. It seduces and brings a new audience to these works of art”
concludes Augustin de Cointet de Fillain.

More than 500,000 visitors are expected for the first year of the Bunker de Lumières.

Credit

  • Content Production : Gianfranco Iannuzzi – Renato Gatto – Massimiliano Siccardi
  • Technical Production: Live Lab & Pixel N’Pepper
  • Music : Luca Longobardi
  • AMIEX® immersive art by Culturespaces

Tráiler “Visualist, those who see beyond” · Tres entrevistas en una

Par : volatil

Seguro que has oído hablar del documental Visualist, una idea que nace de dos cracks que se encontraron con una misma ilusión y decidieron llevarla a cabo fuese como fuese. Pedro y Manu (directores del documental) no sabían por aquel entonces que a Oscar (fundador de Vjsapain y Otucinema) le seduciría hasta tal punto la idea, que produciría el documental para después distribuirlo.

Ya entrevistamos en su día a este dúo fantástico que está haciendo realidad su sueño. Nos contaron anécdotas sobre los rodajes por Europa y descubrimos cómo empezó todo. Para los despistados, aquí los artículos anteriores:

Refractivo y Vjspain presentan Visualist, el documental que estábamos esperando
Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores
“Visualist, those who see beyond” aterriza en Nueva York para grabar las últimas entrevistas del documental

En esta entrevista nos centramos en la fase de edición y hemos querido bucear por las entrañas del documental a través del equipo que lo hace posible. ¿Cómo fueron las entrevistas realizadas en Estados Unidos?, ¿cuándo podremos ver el documental terminado?, ¿cómo ha ido el proceso de edición?.  Si sigues leyendo, disfrutarás de tres entrevistas en una.

ENTREVISTA A PEDRO, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL, PRODUCTOR EJECUTIVO Y EDITOR.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
No soy capaz de decir cuáles han sido las tres mejores entrevistas del documental. Siempre he estado atento a los artistas que despuntaban en el sector. Recuerdo la estructura “Square” que crearon 1024 Architecture con Etienne De Crecy, el mapping que hizo Antivj en un club con Ricardo Villalobos, cuando compré las licencias de Modul8 y Madmapper, el trabajo que hacía el sello Pfadfinderei, el mapping de Pablo Valbuena, “Timber” de Cold Cut  (también recuerdo cuando actuaron en Madrid en un festival en la complutense), ese viaje con 23 amigos de Córdoba a Frankfurt, al festival Time Warp y vimos el set de Richie Hawtin con su set de visuales apoteósico.

Recuerdo el proyecto de “Living Room” de Mr Beam en el que se veía una habitación con muebles blancos y mediante un proyector se “amueblaba”, “Le Petit Chef” de Skullmapping (micro mapping épico), el mapping de la Catedral de Santiago, las obras de Daniel Canogar, “Liquid Diesel” de Dvein (una pasarela con hologramas), Monolake (Robert Henke) pinchando con unos visuales brutales por el año 2010, recuerdo a mi amigo Michael Valiente enseñándome el trabajo que hacía Francois Vogel.

Pero si puedo decir que nunca olvidaré haber conocido a todos estos artistas en sus estudios donde llevan años trabajando. Y esto es un recuerdo muy actual que tengo y que siempre lo recordaré como uno de los mejores momentos de mi vida.

– ¿Cómo fue la última entrevista del documental a Daito Manabe?
Surrealista. Acabábamos de llegar de Estados Unidos y me llama Manu por teléfono y me dice que Daito Manabe había posteado una foto en instagram y que estaba en Madrid. Conseguimos contactar con él, la entrevista fue en la oficina de Otucinema, se la hicimos en inglés y él contestó en japonés. No sabíamos lo que contestaba, pero más adelante contamos con una chica japonesa para la traducción y nos enteramos de lo que había dicho. Daito fue súper amable con nosotros y culminó el cartel del documental.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
En San Francisco por varios motivos. Nunca había estado en San Francisco. Fuimos a entrevistar a Bradley (Gmunk)  que es un ídolo para nosotros. Se suponía que era la última entrevista con lo cual era el fin del rodaje. Al terminar la entrevista le di a Manu un abrazo enorme y le felicité por el buen trabajo que había hecho. Puedo decir que es mi ciudad favorita hasta la fecha. El año que viene iré a conocerla bien.

– ¿Qué tal la experiencia en América del Norte?
Viajar es muy enriquecedor. Manu, Oscar y yo entrevistamos a Zach Lieberman y a Steve Giralt. Después nos fuimos a Montreal. Entrevistamos en un mismo día a Myriam Bleau y Herman Kolgen. Herman tiene el estudio más flipante que hemos visto en todo el rodaje. No hay espacio para poder describírtelo. Su entrevista fue brutal. Y con Myriam fue genial también, muy buena entrevista, muy didáctica, se expresaba muy bien. Decir que ninguno de los dos conocíamos demasiado a Oscar y después de este viaje hemos hecho muy buenas migas. Ahora somos amigos.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
A día de hoy nos encontramos en fase de edición. Hemos optado por editar por bloques o por temáticas. Nos quedan dos bloques solamente por editar, cuando esta noticia este publicada ya habremos terminado los bloques. Esos bloques están de manera ordenada y con un sentido. Ahora toca seguir la típica estructura de guión y desordenar un poco todo esto y tendremos una primera edición en timeline. Ya sabemos más o menos cuánto va a durar el docu pero no lo vamos a decir. Yo soy editor, colorista y me encargo de la postproducción. Manu está conmigo siempre. Dos pensando mejor que uno. Hacemos buen equipo.

– ¿Cómo llegasteis al primer guión?
Después de hacer las transcripciones fuimos abriendo secuencias en el timeline con las entrevista de cada artista. Marcamos timecodes en cada pregunta y todo esto lo llevamos a papel, para poder trabajar de manera ordenada y no volvernos locos. 220 páginas en total con todas las declaraciones. Cada uno de nosotros tenía una copia impresa y marcamos diferentes temáticas con colores. Durante el verano hemos ido leyendo y subrayando. Después de las vacaciones empezamos a crear un timeline con todo lo subrayado.

– ¿Y al segundo guión?
Después de la segunda criba de declaraciones se nos ha quedado un guión literario de 50 páginas más o menos. Ahora tenemos muy claro lo que va a salir y lo que no.

– Como director y editor del documental, ¿estás contento con el resultado?
Como director es un orgullo poder contar esta historia y como editor estoy muy animado. Me encaja todo muy bien, no hemos tenido demasiados problemas a la hora de darle forma. Esto viene porque habíamos hecho una buena preproducción con las preguntas que le hemos hecho a los artistas. Así que con la primera fase de la edición que es lo que estamos haciendo ahora estamos muy emocionados. Después viene el sonido, y a la vez el etalonaje y por último la postproducción.

ENTREVISTA A  MANU, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL & DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

– ¿En qué ciudades habéis realizado entrevistas?
Si no me equivoco, hemos grabado en un total de catorce ciudades: Madrid, Barcelona, Santiago de Compostela, Ibiza, Ginebra, París, Londres, Bruselas, Lovaina, Utrecht, Berlin, Nueva York, Montreal y San Francisco. En algunas de ellas por partida doble, como Londres, Paris, Barcelona o Bruselas. Ha sido genial poder viajar tanto para rodar el documental y tener la oportunidad de conocer tantos artistas en sus estudios.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
Es muy difícil responder con una sola experiencia… La grabación a Pierre Schneider y Francois Wunschell (1024 architecture) fue muy divertida por su sentido del humor, pero pisar la oficina de Ninja Tune en Londres y conocer a toda una institución como Matt Black es algo tremendo. En Montreal, Herman Kolgen nos abrió las puertas de su casa y nos hizo un tour por sus increíbles espacios de trabajo. En Nueva York, en un estudio situado en un rascacielos de Manhattan, Steve Giralt nos hizo una demo de cómo funciona su cámara super slow motion usando nuestra claqueta. Todo han sido grandes experiencias por el mero hecho de conocer a los artistas.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
Joannie Lemercier, por el recorrido que nos cuenta desde los inicios del arte visual hasta nuestros días y porque es Joannie Lemercier. Francois Wunschell por su particular visión del mundo del videoarte y su capacidad de transmitir conceptos bastante complejos. Y Matt Black, por sus amplios conocimientos y su contundencia en las respuestas.  Sumo a Daito Manabe, porque su manera de entender la relación entre el ser humano y la tecnología está a otro nivel.

– ¿Qué tal la experiencia en Estados Unidos?
Maravillosa en todos los aspectos. Primero porque esta vez Oscar nos acompañó en una gran aventura y compartimos grandes anécdotas que nunca olvidaremos. Conocimos y entrevistamos a artistas como Steve Giralt, Myriam Bleau, Zach Lieberman, Herman Kolgen y Bradley Gmunk, poco más que añadir… Bradley es muy agradecido. El viaje fue una paliza de horas de vuelo y trayectos, pero también tuvimos tiempo de patear Nueva York y Montreal. Y de San Francisco decir que es una ciudad que me sorprendió en todos los aspectos, vamos que me pareció una pasada y apenas estuvimos unas horas. Pedro y yo nos cruzamos Estados Unidos para entrevistar a Bradley, viajamos desde Montreal con vuelo de vuelta a la mañana siguiente, y aun así tuvimos tiempo de disfrutar de unas penosas vistas del Golden Gate (por culpa de la niebla) y de celebrar el supuesto fin de rodaje del documental con una merecida cena en Chinatown. Todo son grandes recuerdos de un viaje así y más cuando lo haces con dos cachondos como Pedro y Oscar.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
Estamos encarando la primera fase de la edición, básicamente seleccionando y estructurando el guión por temáticas. Pedro es el editor del documental por sus buenas dotes como montador, y los dos nos ponemos de acuerdo para ver qué entra, qué dejamos fuera y cómo hilamos los totales que tenemos. Vamos poco a poco dándole forma.

– Como director de fotografía del documental, ¿estás contento con el resultado?

Sí, siempre hay que estar contento de lo que uno hace y el género documental tiene muchas complicaciones. A veces porque el espacio es muy pequeño, porque somos un equipo mínimo o porque el tiempo es oro y cada segundo cuenta. Hay siempre mil factores a tener en cuenta, como en todos los puestos, y estoy contento de que hayamos sido capaces grabar este documental como lo hemos hecho.

ENTREVISTA A OSCAR TESTÓN, PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL

– ¿Tu top 3 de entrevistas del documental?
La verdad es que no puedo ser muy crítico en este tema ya que solo he asistido a las entrevistas que hicimos en EEUU y Canadá. Así que solo puedo opinar sobre 5 artistas. Pero espero con ansia escuchar a 1024 Architecture, a Joanie Lemercier y a Daniel Canogar. Por ahora mi preferido es Herman Kolgen.

– ¿Cómo ha sido la experiencia de liderar la producción del documental?
La verdad es que la experiencia empieza ahora, la parte donde yo más participo acaba de empezar. Los meses anteriores mi trabajo ha sido muy fácil ya que mis compañeros lo han tenido todo atado y ha sido un placer viajar y escuchar cómo iban sumándose artistas al proyecto. Ahora comienza todo el plan de mover el documental.

– ¿Cuándo está previsto el estreno y dónde?
La fecha exacta dependerá del patrocinador, si la idea es hacer más actividades y acciones los días del estreno del documental, ya nos estamos moviendo en ese camino. No quiero dar mucha más información pero en mi cabeza resuena ver el documental con calorcito en Madrid.

– A nivel distribución, ¿hay un plan?
Sssssshhhh, estamos trabajando en eso y queremos tenerlo más atado antes de compartirlo con vosotros. Os queremos sorprender.

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Vibrations



Vibrations

August & September 2018, Avignon – France


Vibrations is the new summer creation for the Palais des Papes. This show has immersive touches and embarks visitors in a pictural panorama, as a tribute to the site’s beauty and environment.

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Parle m’en !



Parle m’en !

Summer 2018, Rennes – France


For this new creation, the Brittany Parliament gives visitors a tour of Rennes city.

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J’ai fait un rêve – 2018



J’ai fait un rêve – 2018

Summer 2018, Nancy – France


Once again, the good old Stanislas invites visitors to admire the talent of Nancy city’s artists, and presents a new sequence dedicated to art, nature, and industry. Hosted on one of the most beautiful square in the world (listed as a UNESCO World Heritage site), this show has been renewed every year for the past 10 years, and has fired the imagination of more than 800 000 people in 2018 alone.

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Raytracing Temps-réel: RTX/Architecture Turing de Nvidia et DXR de Microsoft

Par : greg

Aujourd’hui, on va parler de la nouvelle architecture Turing chez Nvidia avec la gamme de cartes RTX permettant d’effectuer du  Raytracing Temps-réel (enfin, en partie). On parlera aussi de la technologie DXR de Microsoft — et on fera le tout, durant une pause café ! C’est le fruit de 10 ans de travail chez NVidia, … Continuer la lecture de Raytracing Temps-réel: RTX/Architecture Turing de Nvidia et DXR de Microsoft

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En 2018, Unreal Engine s’affirme comme le leader de l’architecture Temps-réelle

Par : greg

Durant le congrès annuel CGarchitect de 2018, les chiffres sont tombés. UE4 est le 4ième moteur de rendu toute catégories (incluant les offlines) avec une progression de 100% — Unity est 7ième. C’est le 1er (52%) pour ce qui est rendu temps-réel (Unity 4ième après Corona et Arnold). Dans le monde, 17% des étudiants se … Continuer la lecture de En 2018, Unreal Engine s’affirme comme le leader de l’architecture Temps-réelle

En 2018, Unreal Engine s’affirme comme le leader de l’architecture Temps-réelle

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What If (short edit) – White Night Melbourne 2018

It is a short edit of our 6 min long artwork created for White Night Melbourne 2018 on the Royal Exhibition Building.

WHAT IF..
Buildings came to life and transformed?
Mythical, Magical creatures were real?
There was a 5th dimension?
Spirituality and higher consciousness had a visual presence?
There was a portal to another more perfect world?

Creative theme: David Atkins / White Night Melbourne
Creative concept: István Dávid, Csaba Világosi, Viktor Vicsek
Art Director: Csaba Világosi
Technical supervisor: Viktor Vicsek
3d modeling: Dániel Szalkó
Producer: István Dávid
3d animators:
Kornélia Csikós
Katalin Katona
Viktor Vicsek
Csaba Világosi
Ivó Kovács
András Nagy aka XYZ
Balázs Szőcs
Character animation: Bálint Benkovits
Music: AMB
Sound design: Fine Cut Bodies
Projectors and technical execution: Electric Canvas

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Malakoff Médéric Dinner

Diner Malakoff Médéric

May 2018, Ateliers des Lumières, Paris

Credit

Bain & Compagnie

Bain & Compagnie Launch Party

May 2018, Ateliers des Lumières, Paris

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3D Architecture Mapping /// Bordos.Artworks & Invited Artists (HU) /// Mapping Festival 2012

mappingfestival.ch

Musée d’Art et d’Histoire, Geneva, May 19th, 2012

Bordos.ArtWorks and Invited Artists
3D artists:  Laszlo Zsolt Bordos, Ivo Kovacs, Daniel Szalko, Andras Miklos Balogh

Sound:  Alva Noto. Courtesy of Alva Noto  and  Budde Music / Schubert Music Publishing Kft
Tracks: Kristallgitter/ Autorec2002; Uni Dia, Uni Deform, Uni Mode/Unvrs2011
Label: Raster-Noton

Concept & Direction: Laszlo Zsolt Bordos / alias Bordos.ArtWorks
Video Edit: Fabien Jupille
Video Technician Master: Adrien Boulanger
Video by Fabien Jupille, Linda Cavaliero, Jérome Monnot, & Vania Jaikin Miyazaki.

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