NDI Scan Converter disables G-SYNC in UWP fullscreen games

NDI 4 Tools - Adobe CC Plugins - Character Animator not showing NDI as an option

Hello all,

I have Character Animator installed through Creative Cloud on Windows 10.

Downloaded Newtek NDI for Creative Cloud from https://www.newtek.com/software/adobe-creative-cloud/.

(and yes, I made sure to include the options for CC, I/O, etc. - screenshot attached)

The NDI option just will not show up under Live Output under Preferences in Character Animator.

I've looked around for that NewTek_NDI-Transmit.prm and can't find it anywhere, and I'm having no luck finding documentation of what the plugin should be.

I've uninstalled NewTek, rebooted, re-downloaded (making SURE the CC options were selected) and re-installed. Still no luck.

NDI is working - I can run the test broadcast, and I can even get the test broadcast to come in as a source on streamlabs OBS.... I just can't get Character Animator to give it as an option. Seems like it must be a problem with a missing plugin but I can't find it (or documentation for it). Help!

Specs: Character Animator 3.0

Windows 10

NDI loaded 11/24/19.

This Adobe forum thread seems to suggest that I just need to find NewTek_NDI_Transmit.prm.... I can't. Other folks in the same thread seem to be having the same issue.
https://community.adobe.com/t5/chara...0760552#M11495

Can anyone tell me what the plugin for Character Animator is called and where it should be located? Is it the same NewTek_NDI_Transmit.prm? If so - what to do if it's not coming through on the installer?


My next step is to install Premiere just to test out if I can get an NDI output from there. Beyond that I was going to try it on Mac Instead.
Happy to provide any other info or screenshots that might be helpful.
Thanks so much and Happy Thanksgiving to those who celebrate.

Attached Thumbnails

 

Scan converter crashes on Dell Lattitude E7240

Crónica del Mira Festival 2019 · Más Live Cinema que nunca & 3 entrevistas de vídeo

El MIRA SON Estrella Galicia llegó a su 9ª edición del 5 al 9 de noviembre con algunas novedades, el festival celebró su última edición en Fabra i Coats, epicentro de MIRA desde que nació en 2011. Esta edición contó con más instalaciones inmersivas de lo habitual y sus actividades se extiendieron durante toda la semana y en otros espacios de Barcelona como Teatre Lliure, Auditori, Espacio Simon 100, Ideal y Sala Razzmatazz.

Este año tuvimos esa sensación nostálgica de despedida, no del festival, sabemos que seguirá vivo en otro espacio, pero sí del edificio Fabra i Coats. Es difícil imaginarse el Mira en otro lugar. Por eso decidimos profundizar un poco más y hacer entrevistas a algunos artistas visuales: Anna Diaz de Hamill Industries, Pedro Maia y Antoni Arola. Queremos hacer una mención especial al MIRA Dome by adidas Originals, un formato al que tenemos un cariño especial por su dificultar y su capacidad de transportar al espectador a otra dimensión. En esta edición destacamos “Realness”, un proyecto audiovisual inmersivo en 360º creado por la artista digital Sandrine Deumier y la compositora Myriam Bleau.

Empezaremos nuestra crónica hablando de los shows audiovisuales. A diferencia de otros años, en los que predominaron contenidos más digitales, 3d, o incluso el glitch, este año el estilo que más abundó fue el Live Cinema, imágenes figurativas, de estilo cinematográfico y súper nítidas con mucho storytelling y mensaje. Destacamos en esta línea los shows audiovisuales de Alessandro Cortini, que presentaba su nuevo disco VOLUME MASSIMO con unas visuales ultra producidas, a máxima calidad y con una dirección de arte y de fotografía sublimes.

Roly Porter + MFO, el show combinó imágenes cinematográficas misteriosas y mágicas que parecían sacadas de un bosque encantado, con juegos de luces en distintos puntos del público y una voz en directo cautivadora. El show de Biosphere pasó directamente a nuestro TOP 1 por su maravillosa combinación de Live Cinema en estado puro ya que el directo combinaba imágenes con audio, juego de luces desde el escenario y desde diferentes puntos de la pista.

Las imágenes figurativas tuvieron presencia también en las visuales de Hamil Industries, que nos sorprendieron con una cámara en directo que grababa a Floating Points y a ellos mismos, así como a los efectos visuales de las burbujas grabadas también en directo para convertirlo en audio y proyectarlo a tiempo real con Ableton Live. Casi nada. En esta entrevista nos lo cuentan mejor.

Flipamos con las visuales de Dan Tombs para Blanckmass, muchos colores, strobo y el equilibrio perfecto de gráfica y vídeo. Pedro Maia se sincronizó con Vessel de manera excelente, ya son muchos años y muchos bolos juntos y eso se nota en el escenario, máxima compenetración entre los dos. También nos cautivaron las visuales de Leeza Pritychenko junto a Batu. 3D elegante, sublime uso del color y mucha intensidad. Reiner Kohlberg hizo las visuales de Kali Malone y se decantó por el uso de gráfica y ruido solo en blanco y negro como viene haciendo en sus últimos proyectos. Interesantes también las múltiples pantallas de Weirdcore para compañar la música de Smerz, contenidos visuales de estilo publicitario que se subdividían y se movían siguiendo las melodías de la música. Evelyn Bencicova acompañó en el escenario a Clark con visuales misteriosas, casi de película de terror, a un ritmo suave y pausado, ideal para ese estilo de música.

Y ahora le toca a las instalaciones. Los lásers siempre cautivan, «Dualimismo» de Carlos Saez nos sorprendió con una colaboración inesperada, ni más ni menos que Arca, con un teclado y un láser en un ojo.

Queremos felicitar desde aquí a los estudiantes de máster y licenciados de la escuela ELISAVA por su instalación «Alice» y su representación del infinito.

Y nuestra instalación preferida, «Un hilo de 11W», un láser que recorría todo el festival de la mano de Antoni Arola al que quisimos entrevistar para saber más.

Hasta aquí nuestra crónica del Mira Festival 2019. Estamos ansiosos por saber dónde tendrá lugar la 10ª edición y queremos celebrar con todo el equipo del festival esta década maravillosa de artes visuales y música experimental.

La entrada Crónica del Mira Festival 2019 · Más Live Cinema que nunca & 3 entrevistas de vídeo aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

Coming soon to a screen new you.... NDI Monitor for Apple TV

.......Coming soon to a screen new you..........

FULL NDI vs NDI HX

Blurring the boundaries between technology and the individual – Exclusive interview with Shoeg.

After seeing Shoeg’s project Infiltrate at LEV Matadero, we decided to catch up with him in Barcelona to find out more about his work, and to try and decipher the fascinating performance we saw that intrigued us to discover what technologies he uses to create his live AV shows.

Primarily I understand, you would consider yourself to be a musician, am I right? Or how would you label yourself? When did you decide to experiment with the A/V side of your show?

In the last years I’ve changed that way of seeing myself, so I would say I’m an artist. It’s not only sound anymore, I feel really that I am trying to express myself also through my code, my visual stuff, even my movements. I’m also collaborating with dance companies, where it is quite important to know how you move on stage, and this made me aware of that. So, for example I try to play without the table and computer blocking the visual line to the audience. I have also changed my relationship with sound, focusing more on textured layers instead of pitch.  

I started as a “musician”, but my visual side has been always there. I’ve been working for 15 years as a video editor, and I always had this fascination about image and sound synchronicity and feedback. 

Have you created the visual part of the show yourself or collaborated with a visual artist? (If so, who and why?) If not, tell us about how you developed the project and any challenges you faced in dealing with both elements of the performance.

I almost always create my own stuff. I’m not closed to collaborating with other people, but I tried to involve other artists in the past and for a reason it almost never happened, except for when I worked at the very beginning on the project with Ana Drucker, but after that I spent 2-3 years without a visual show, and I was really missing it. At some point, I wanted it back and I decided I had to refresh my coding knowledge to achieve what I wanted. I studied Computer Science for a couple of years, so at least I had a starting point – more or less.

I wanted to build a real time reactive visual system, that could be completely autonomous in a live set. The idea was to set up a bunch of rules, and do something sound reactive that could last 45 minutes in a live set without getting boring. So first challenge in this process was choosing which tools suited my needs the better. I tried, for example, Open Frameworks, which was a bit too complicated for my coding skills. Later, I knew about game engines like Unreal or Unity, which are free and you can do a lot of things scripting, easier to code. It’s also great to have this good amount of documentation and works done by other people online. I’m curious now about what Touch Designer can do, but for the moment Unity allows me to have a precise control of what I need. 

On the other hand, I wanted to work with objects from the real world in 3D aesthetics. I could model them with Blender, but I have no idea. So I learned some 3D techniques, like photogrammetry or 3D scanning. I remember wanting something more “perfect”, but discovered almost by accident the beautiful imperfections this techniques introduce in the models.

We recently saw your performance of your latest project ‘Infiltrate’ at LEV Matadero. What tools and set up are you using for the show? 

All the sound was generated using a couple of Etee sensors that the guys at Tangi0 lent me for a couple of months. These devices capture my hand and finger motion, as well as pressure data, and that is converted into MIDI signal through a Max MSP patch. Finally, MIDI is sent to the Virus and Digitakt. I had to bring hardware synths to the live sets, because I need a lot of polyphony to build these big layers of sound, and I couldn’t achieve it in virtual synths. Then, the visual stuff is a Unity app reacts to the sound mix. 

How does the use of this technology improve, or add to the quality and experience of your show for you, as an artist?

It allows to express myself in ways I could’ve never imagined. I’ve never performed as comfortable and with wide palette of possibilities with an instrument until I discovered motion sensors combined with the computer. The ability to map any behaviour to any response allows you to optimize your abilities in order to get what you want. This can’t ever happen with “traditional” instruments, you have to adapt to the instrument rigidness and background. I also see the coding process as a prosthesis, an extension able to repeat mechanical operations while you pierce through them.

What does the future hold for Shoeg in the world of live performance?

In the near future, I have to improve a lot of things: I want to make my hands more prominent on stage and be less computer dependent. People keep asking what is happening with the sensors, and I want to make it a bit more understandable. I also have this long list of ideas to code which don’t have time to make, and I would also like to collaborate with other people. But before that, I want to record a new album. I hope I’ll be able to work on it in the next months. 

You can find out more about Shoeg’s work through his artist page.

The post Blurring the boundaries between technology and the individual – Exclusive interview with Shoeg. appeared first on Audiovisualcity.

⁣ ⁣⁣ ⁣#repost @delight_lab⁣ ⁣__________________⁣ ⁣⁣ ⁣Preparando...

⁣
⁣⁣
⁣#repost @delight_lab⁣
⁣__________________⁣
⁣⁣
⁣Preparando @kuzefest en el @mnbachile #kuzefest2017 #kuzefest #festivaldeluzstgo #delightlab (at Museo Nacional de Bellas Artes - Santiago de Chile)
https://www.instagram.com/p/B5HwxrmJyBP/?igshid=1gvktf3skw77t

⁣ ⁣⁣ ⁣#repost...

View this post on Instagram

A post shared by Millumin (@millumin2) on Nov 21, 2019 at 12:44am PST

⁣
⁣⁣
⁣#repost @parakhonich⁣
⁣__________________⁣
⁣⁣
⁣Возвращаемся в март 2019⁣
⁣⠀⁣
⁣В этом проекте нужно высказать уважение заказчику который не побоялся технических сложностей связанных с данным номером открытия 🤘⁣
⁣⠀⁣
⁣Несмотря на все трудности, проект состоялся, клиент доволен☺️ Мы результатом тоже довольны💪⁣
⁣⠀⁣
⁣Клиент: @lab.company для Примсоцбанк⁣
⁣Идея: adlab + @kogan.margarita ⁣
⁣Оборудование: @lightart.ru @prosoundvl ⁣
⁣Производство: @industrial_magic
https://www.instagram.com/p/B5HwgyfJaNj/?igshid=1eur31ejgrhj2

⁣ ⁣⁣ ⁣#repost @ex_lumina⁣ ⁣__________________⁣ ⁣⁣ ⁣Second...

View this post on Instagram

A post shared by Millumin (@millumin2) on Nov 21, 2019 at 12:48am PST

⁣
⁣⁣
⁣#repost @ex_lumina⁣
⁣__________________⁣
⁣⁣
⁣Second #ledlight #artinstallation for @festilumi #bonifacio, featuring #3deffect on both #light and #audio in St Dominique street, making the festival entrance a real #immersiveart #audiovisual #experience. Made with love on @touchdesigner, @millumin2 and @mad_mapper, driving #sound and #lightcreation using only #video files.⁣⁣
⁣⁣⁣⁣
⁣⁣⁣⁣
⁣⁣#lightsculpture #ledartist #immersiveexperience #lightart #lightartist #lightfestival #street #animation #festilumi #visualart #installationart #millumin #madmapper #madlight #leddisplay (at Bonifacio)
https://www.instagram.com/p/B5Hw6zHpAGg/?igshid=dnhjri1dco8n

Quick Tip / NDI camera App/Virtual Input

Previous version of libNDI for Mac

El 27 de noviembre se presenta en Casabanchel-Madrid “Visualist, Those Who See Beyond”

«Visualist» es un documental que narra una gran historia que debía ser contada y que tras sus recientes y ovacionadas participaciones en festivales como Signal Festival de Praga, La Semana Internacional de Cine de Valladolid Seminci (hicimos un resumen del debate), el festival BIME PRO en Bilbao, o el MIRA Festival en Barcelona, llega el próximo miércoles 27 de noviembre al centro de reflexión, creación e innovación Casabanchel en Madrid (C/ Santiago Estévez, 26,) que contará con el pase del documental presentado por sus directores Pedro Pantaleón y Manuel Cid, y que además se completará con una mesa redonda – debate entre el equipo del documental y el público asistente. Al finalizar, todos los asistentes podrán disfrutar de un cóctel y pica pica.

“Visualist, Those Who See Beyond”, reivindica el papel de figuras como la del videojockey y nos acerca a artistas como Joanie Lemercier, uno de los primeros vj en experimentar y crear conceptos creativos nuevos nunca antes vistos, en sus inicios con el sello visual Antivj; o 1024 Architecture, pioneros en crear estructuras para la cultura clubbing o en realizar mappings arquitectónicos. O artistas multidisciplinares como Herman Kolgen quién con el preciosismo de sus live cinema, sus impactantes producciones y sus piezas futuristas, ha dimensionado la relación del público con el concepto de show AV, como lo han hecho sobrepasando los límites audiovisuales con el avance de la tecnología, artistas como Daito Manabe, Zach Lieberman o Myriam Bleau, una de las experimentadoras que trabaja la luz a través de objetos, haciéndola casi tangible, más relevantes.

Más allá del show en vivo, y profundizando en el amplio abanico de posibilidades que ofrecen esta nuevas disciplinas artísticas, a través de los testimonios de todos estos creadores, “Visualist, Those Who See Beyond” expone y sienta las bases de lo que reivindica como el nuevo lenguaje audiovisual, proponiendo el Visual Art como el formato artístico del futuro. Y es que siendo una forma de arte urbano nacida de las profundidades del underground y de la cultura del club, con su paso e importancia a los eventos más mainstream, su trascendencia ha llegado ya lugares más «ortodoxos» como los museos y galerías de arte, y actualmente su papel como canal de expresión artística crece exponencialmente siendo el nuevo vínculo artístico de la sociedad/público con el lenguaje audiovisual.

La música es el otro gran hilo conductor, ya que en gran medida, todo este movimiento artístico audiovisual se gestó en los clubs de música electrónica. La BSO ha sido compuesta por Rubén Kielmannsegge, productor de música electrónica, pionero del nu-jazz en España, DJ en salas de toda Europa y ganador, junto a Chop Suey, de un Premio Goya a la Mejor Canción Original por su trabajo en la película Mi Vida Sin Mí de Isabel Coixet (2011). El diseño de sonido y mezcla corre de la mano de Sergio Testón, técnico especializado en postproducción de audio para cine y TV, nominado en 2017 al Premio Goya al Mejor Sonido por su trabajo en la película Ozzy,de Alberto Rodríguez.

“A nivel personal, hacer este documental ha sido toda una experiencia pero sobre todo un aprendizaje. Era un reto contar la historia de este nuevo mundo audiovisual, debido a la escasez de información existente sobre algo que podemos considerar muy reciente. Después de estar años vinculado a la escena de club, quería mostrar el arte que hay más allá de la música. De lo que paradójicamente todo el mundo ve, pero de los que pocos saben lo que hay detrás. Esta es la historia del videojockey, de cómo evoluciona y de cómo ha sentado las bases de un nuevo lenguaje audiovisual basado en la experiencia y que no tiene límites.” – señala Manuel Cid, co-director del documental, quien además añade – “Gracias a Oscar Testón, la persona detrás de Vjspain, pudimos agrandar el proyecto e ir muchos más lejos. Yo desconocía hasta donde llegaba el trabajo de estos artistas: live cinema, instalaciones, mappings, creaciones que parten de códigos… sin duda, es una historia que debía ser contada.”

Terminamos el artículo con dos declaraciones de sus directores.

“Tras un largo proceso de investigación, realizamos las primeras entrevistas a artistas como Robert Henke, Joanie Lemecier o 1024 Architecture. Artistas de renombre a los que se sumarían muchos otros de diferentes partes del mundo. Pedro y yo viajamos a sus estudios con nuestro equipo para conocer más acerca de su trabajo, sus trucos y su manera de entender el arte. Para nosotros fue genial sentir que querían participar en nuestra obra y realmente nos hizo ser conscientes del gran valor de nuestra película. Todos nos recibieron con tremendas ganas de hablar acerca de su trabajo… Creo que, por ejemplo, los VJ de grandes artistas como Richie Hawtin o Moderat, también están deseando que se hable de su parte. Una parte fundamental del show”. – Explica Manuel Cid, co-director del documental.

“Habiendo trabajado como videojockey en salas y festivales nacionales y siendo fan y seguidor del trabajo de todos los artistas que forman el line up de la película, echaba en falta un documental que los reuniera. Diez años he tardado en llevar a cabo esta idea, hasta que conocí a Manu y pude hacerlo realidad. Dirigir este proyecto ha sido todo un privilegio; viajar, conocerlos a todos, adentrarme en sus estudios, entrevistarlos y dar vida a Visualist”- Asegura Pedro Pantaleón, co-director del documental.

“A nivel personal, hacer este documental ha sido toda una experiencia pero sobre todo un aprendizaje. Era un reto contar la historia de este nuevo mundo audiovisual, debido a la escasez de información existente sobre algo que podemos considerar muy reciente. Después de estar años vinculado a la escena de club, quería mostrar el arte que hay más allá de la música. De lo que paradójicamente todo el mundo ve, pero de los que pocos saben lo que hay detrás. Esta es la historia del videojockey, de cómo evoluciona y de cómo ha sentado las bases de un nuevo lenguaje audiovisual basado en la experiencia y que no tiene límites.” – señala Manuel Cid, co-director del documental, quien además añade –  “Gracias a Oscar Testón, la persona detrás de Vjspain, pudimos agrandar el proyecto e ir muchos más lejos. Yo desconocía hasta donde llegaba el trabajo de estos artistas: live cinema, instalaciones, mappings, creaciones que parten de códigos… sin duda, es una historia que debía ser contada.”

La entrada El 27 de noviembre se presenta en Casabanchel-Madrid “Visualist, Those Who See Beyond” aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

TC Camera iOS app

Attached Thumbnails

 

15 ans de culture VJing avec le Mag du LeCollagiste

Le Mag du LeCollagiste est riche d’une histoire nourrie par l’image live, 15 ans de culture VJing, de terrain, de rencontre, de festival, d’échange avec des artistes VJ et performeurs internationaux, des studios, des développeurs de logiciels Vjing et VidéoMapping et fabricants de matériel vidéo et VJing, d’expérimentation, de recherche et de développement, de veille technologique, de curation VJing.

Célébrons ensemble les 15 ans, le Mag du LeCollagiste et ses partenaires vous proposent six concours en six clics et vous offrent des licences pour les logiciels Millumin, HeavyM, Smode, Blendy Dome VJ, Lumings ou Resolume.

Lancement du concours le 18 novembre 2019

• Concours Millumin le 19 novembre 2019
• Concours HeavyM le 20 novembre 2019
• Concours Smode le 21 novembre 2019
• Concours Resolume le 22 octobre 2019
• Concours Blendy Dome VJ le 23 octobre 2019
• Concours Lumings le 24 novembre 2019

Choisissez bien votre concours, un nom et mail valide pour la totalité du concours et tentez de gagner une licence.

Tirage au sort le 25 novembre 2019

Pour participer au concours, laissez un commentaire sur le formulaire chaque jour, partagez ce billet sur vos réseaux, une seule participation pour tout le concours, choisissez bien votre logiciel.

NC1 Studio IO browswe control