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Mine S Contrôleur MIDI modulaire et multi protocole

Par : LeCollagiste — 23 mai 2019 à 10:01
Special Waves Mine S

Le Mine S est un contrôleur MIDI modulaire multi protocole et intelligent conçu pour donner le pouvoir de créer et piloter vos logiciels de musique, de VJing, show lumière ou montage vidéo. Le Mine S permet de créer votre propre ergonomie en fonction du logiciel utilisé, il est compatible MIDI, HID, OSC, DMX et Art-Net. 6 types de modules encastrables avec du potentiomètre, du bouton sensitif à LED RGB et double bouton toggle et on/off, du jog infini, du slider et du bouton blank. Mine S est capable de reconnaître la position, l’orientation et le type de module inséré. Opérationnel sur Windows et Mac via USB et MIDI IN et OUT, la bestiole est proposée sur Indiegogo en ce moment pour 285 $ en configue minimum. Sortie prévue en novembre de cette année, la campagne vient de dépasser les objectifs à 122 %, il reste 16 jours. Special Waves est une compagnie italienne, elle proposera des mises à jour du firmware régulièrement.

Special Waves Mine S
Special Waves Mine S
Special Waves Mine S
Special Waves Mine S
Special Waves Mine S
Special Waves Mine S
Special Waves Mine S
Special Waves Mine S

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Kubrick’s Odyssey 2019, el primer mapping audiovisual dentro de un cine

Par : volatil — 21 mai 2019 à 11:56

El pasado viernes 10 de mayo en el cine Kubrick de Vilafranca del Penedès, el compositor musical Roger Subirana y la artista visual Silvia Isach, aka Sínoca, llevaron a cabo una experiencia pionera de mapping audiovisual nunca antes realizada en la sala de un cine.

Una obra inédita de video mapping inmersivo, emotiva, experimental, transgresora y de carácter futurista, inspirada en la película ‘2001: Una Odisea del espacio’ de Stanley Kubrick. Un espectáculo novedoso que activa los estímulos sensoriales gracias a la fusión de los efectos sonoros y la música con las imágenes sobre dos superficies: la pantalla del cine y la instalación de un monolito situado delante, creando de esta manera un  espacio 3D.

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Mini station ZBOX QX3P5000 de Zotac en mode Xeon et Nvidia Quadro

Par : LeCollagiste — 21 mai 2019 à 10:48
ZBOX QX3P5000

Dans le monde des minis station, Zotac annonce une petite brutasse avec la Zbox QX3P5000 à base de processeur Intel Xeon E-2136 à 6 coeur cadencés à 3.3 GHz, d’une Nvidia Quadro P5000 à 16 Go de GDDR5, jusqu’à 64 Go de RAM, 4 sortie HDMI 2.0B en 4K 60Hz, 1 emplacement SSD 2.5 pouces, 1 emplacement SSD NVMe M.2, lecteur de carte SDXC, 6 sorties USB 3.1 Gen2 dont 1 en USB-C, 1 Thunderbolt 3, du Ethernet Killer 10/100/1000/2500, du Bluetooth 5 ainsi que du WiFi 6 AX1650. De la puissance dans un petit volume pour des performances dédiées aux professionnels de la vidéo live. Pas encore de prix sur cette super bestiole testostéronée.

ZBOX QX3P5000
ZBOX QX3P5000
ZBOX QX3P5000
ZBOX QX3P5000
ZBOX QX3P5000

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HYPER lance le hub USB-C iPad Pro 6 en 1

— 16 mai 2019 à 17:00
HyperDrive - Hub USB-C iPad Pro 6 en 1 ©DR

L'attente est enfin terminée pour les utilisateurs d'iPad Pro souhaitant tirer le meilleur parti de leurs appareils. À la suite du succès de leur dernière campagne de financement participatif Kickstarter / Indiegogo, HYPER est fier d’annoncer que le hub Hyper-Drive 6-en-1 USB-C pour iPad Pro qui sera désormais disponible pour le grand public. Après avoir collecté plus de 1,2 million de dollars, le HyperDrive est l’accessoire iPad Pro le plus financé au monde.

 

En connectant simplement le concentrateur USB-C HyperDrive 6-en-1 à l'iPad Pro, les utilisateurs peuvent désormais optimiser la connectivité de leur périphérique sans avoir recours à plusieurs dongles. HyperDrive transforme le seul port USB Pro de l'iPad Pro en 6 ports essentiels le tout dans un boîtier compact : 

  • HDMI
  • prise audio de 3,5 mm
  • SD
  • micro SD
  • USB-A 3.0
  • USB-C

L'adaptateur de plug-in HyperDrive ultra-compact comporte un support unique (en attente de brevet mondial) amovible et remplaçable qui maintient le concentrateur USB-C en place et fonctionne parfaitement avec le Folio Apple Smart (clavier).

Conçu spécifiquement pour l'Apple iPad Pro 2018, le concentrateur USB-C HyperDrive 6-en-1 est disponible dans les mêmes couleurs de gris aluminium et d'argent argenté que l'iPad Pro et constitue l'accessoire idéal pour les étudiants, les voyageurs d'affaires et les utilisateurs d'iPad Pro qui veulent un maximum de connectivité et de commodité dans un ensemble compact. Un câble d'extension USB-C est inclus pour que HyperDrive fonctionne avec tout périphérique USB-C.

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ER...VA 51 :: VJ EMIKO

Par : rickcancado — 14 mai 2019 à 12:38

Fecha: 25/05/2019
18:30hs
Local: Porta Roja
Carrer Tapioles, 53
Entrada Libre
BCN


18.30 hs :: Debate y presentación de proyectos


19.00 hs :: Video Visual Brasil 2019
Convocatoria Abierta del Festival


19.30 hs :: Presentación VJ Emiko
VJ Emiko / Okime Emiko / Emilia Gumańska
Artista visual con sede en Wrocław, Polonia. Productora de video, fotógrafa de cine, editora de cine, VJ.
Las propuestas audiovisuales de Emiko tienen como base de producción la improvisación. A partir de la relación entre las personas filmadas, la escenografía minimalista (pero sensualmente construida) ella crea una vibración de intimidad, una atmósfera de confesión sutil. Al utilizar objetos analógicos, Emiko evoca efectos visuales que, paradójicamente, pueden confundirse fácilmente con los digitales. Emiko presentó sus VJ sets en numerosas galerías de arte, así como en festivales de música y cine, como: DOUR Festival, Fusion Festival, PÖFF | Tallinn Black Nights Film Festival, BAM Festival, Mapping Festival, sound: frame festival, LPM Live Performance Meeting Mexico City, Audioriver, SPLICE Festival. Ella también actúa activamente la escena local.
web: https://www.facebook.com/emikovj
vimeo: https://vimeo.com/vjemiko


20.30 hs:: VJ SET + DJ
Sonikgroove
Productor y DJ Colombiano residente en Barcelona cuyo sonido surge de la combinación de la música electrónica con elementos orgánicos del folclore tradicional, creando paisajes sonoros atemporales y exóticos.

Su singular estilo cargado de bajos contundentes, ritmos ancestrales y sonidos espaciales lo han llevado a presentarse en numerosas ciudades de Europa y Latinoamérica.

www.soundcloud.com/sonikgroove

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Vivatech : Cenareo bientôt leader sur le marché de l’affichage dynamique…

— 15 mai 2019 à 17:00
Cenareo bientôt leader sur le marché de l’affichage dynamique… © DR

CityMeo, startup française qui développe une solution de gestion d’affichage dynamique intuitive et collaborative en mode SaaS a été rebaptisée Cenareo au début de l'année. On peut actuellement découvrir son offre sur le Stand Hewlett Packard Entreprise de Vivatech dans le Hall 1 du Parc des Expositions de Versailles...

 

Créée en 2012 par quatre ingénieurs, Cenareo, propose une technologie, ouverte, intuitive et résolument « usercentric », pensée pour permettre aux gestionnaires de parcs d’écrans de déployer facilement les stratégies de communication les plus inventives.

En phase d’hyper croissance depuis sa création, la société est déjà composée de 32 collaborateurs. Avec sa nouvelle identité, elle se donne l’objectif d’asseoir ses aspirations et de marquer son changement d’envergure…

 

« Avec déjà 8 000 écrans équipés dans 32 pays et un bureau à Munich, en Allemagne, nous avons l’ambition de devenir un leader mondial. Nous avons voulu jouer avec le nom Cenareo (prononcé “Scénario”) qui fait référence à la mise en scène pour appuyer nos objectifs et nous positionner en tant qu’acteur majeur pour donner vie aux histoires de nos clients », souligne David Keribin, CEO de Cenareo.

« Nous sommes prêts à accompagner davantage de communicants dans l’orchestration de leurs contenus, dans la création de leurs scénarios de diffusion et la théâtralisation des points de vente », complète Valérie Besnard, directrice de la communication de Cenareo.

 

 www.cenareo.com

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RED et NVIDIA démocratisent les workflows 8K en temps réel

Par : Andrea — 15 mai 2019 à 15:17

RED Digital Cinema lance le R3D SDK et l’application REDCINE-X PRO avec décodage et dématriçage accélérés sur les plateformes NVIDIA® CUDA.

En utilisant le décodage et le dématriçage intensifs des fichiers RED R3D sur un ou plusieurs GPU NVIDIA, la lecture en temps réel, l’édition et le rendu chromatique en 8K sont désormais disponibles.

Lors du processus de post-production, cette nouvelle combinaison logiciel/matériel offre plus d’efficacité et présente de nombreux avantages :

  • Lecture en 8K en temps réel, 30 ips ou plus, performances de lecture optimales.
  • Conversion jusqu’à 10 fois plus rapide, en fonction du format et du contenu.
  • Efficacité et contrôle de la qualité améliorés côté processus de vérification du contenu.
  • Liberté créative en utilisant des fichiers R3D flexibles au lieu de fichiers proxy.

Un technologie 8K performante est possible avec une carte graphique NVIDIA Quadro® RTX ™ 6000 et 8000, GeForce® RTX ™ 2080 Ti et TITAN RTX ™ et un PC à configuration standard.

Les créateurs peuvent obtenir des améliorations supplémentaires avec des configurations multi-GPU et même avec les cartes NVIDIA plus anciennes. De plus, les nouveaux ordinateurs portables dotés de cartes NVIDIA RTX proposés par les principaux fabricants, notamment Acer, Alienware, ASUS, Dell, Gigabyte, HP, Lenovo, Razer, MSI et Samsung, offrent une lecture en temps réel jusqu’à 8K et beaucoup plus de souplesse.

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Voces, instalación audiovisual inmersiva por playmodes

Par : otu_oscarteston — 14 mai 2019 à 23:23

Voces es una instalación audiovisual inmersiva que toma como lienzo la arquitectura interior de la Fundición Mayor de la Fábrica de Artillería de Sevilla.

La voz de la ciudadanía, elemento clave de este nuevo espacio cultural, insufla nueva vida a esta arquitectura singular. Voz que se transforma en luz, estableciendo un diálogo entre la arquitectura y sus futuros habitantes, entre el pasado y el presente, entre distintas culturas, opiniones y credos.

Real Fabrica de Artilleria de Sevilla
17, 18, 19 de Mayo . De 21h – 0h

www.playmodes.com

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Visionarium Art Festival. 17 al 19 de Mayo en Vilafranca del Penedés

Par : otu_oscarteston — 14 mai 2019 à 22:54

Este fin de semana el equipo de Vjspain se desplaza a Vilafranca del Penedés para asistir al Visionarium Art Festival. Un festival del que seguramente no hayáis oído hablar todavía, es el primer festival de este tipo en el mundo.

El Visionarium Art Festival es un evento dedicado al arte visionario, pensado para juntar artistas, decoradores y creadores visuales y poder crear, enseñar, exponer y aprender juntos durante tres días, y acercar este mundo al público en general. Se celebra del 17 al 19 de mayo, aunque hay también pases especiales de un solo día para los residentes en la provincia de Barcelona.

Se podrán en común diferentes expresiones de arte visionario: pinturas en lienzo, esculturas, instalaciones, video, proyecciones en 360º, sonido, hologramas o realidad virtual.

Algunos de los artistas que veremos:

Android Jones, uno de los artistas más aclamados de este género, presenta Samskara, una proyección inmersiva sobre un domo.

Ihtianderson, promotores del festival, artistas que llevan desde 2007 decorando los mayores festivales psicodélicos del mundo, innovando en cada instalación con nuevas técnicas jugando con transparencias y profundidades. Montarán la decoración del festival y expondrán sus lienzos.

Centaurus, uno de los mayores artistas actuales de string art.

Pascal Ferry, pintor Francés que ha expuesto sus obras por todo el mundo, con grandes influencias del arte místico y simbólico.

Julius Hursthuis, explorando el mundo de los fractales a través de animaciones y realidad virtual.

Luminokaya, que ha evolucionado a lo largo de 20 años a través de diferentes técnicas, como cine 4D, realidad virtual o escultura digital en vivo.

O Natural Warp, que lleva años explorando el arte digital psicodélico, últimamente también a través de video en 360º y realidad virtual.

Por nombrar algunos, pero aquí podéis ver muchos más.

Además, lo más interesante de este festival es la posibilidad de participar en diferentes talleres para compartir y aprender técnicas con los diferentes artistas, así como charlas, live painting y body art.

Todo esto acompañado de música étnica, instrumental, ambient, psychill y downtempo, con conciertos y actuaciones en vivo. En un entorno natural en la zona del Penedés.

Aquí podéis ver el video de presentación del festival:

Queremos visitar y vivir este festival como una nueva aventura dentro de la serie de festivales que nos rodean en el día a día. Un festival diferente a los que solemos ir y pionero en España, con un encanto especial por la localización y la temática tan basada en lo visual.

Agradecemos a la organización la invitación de conocer de primera mano el festival y poder contarlo a la vuelta. ¿Nos acompañáis?

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Un projecteur multivues 3D/4K chez Digital Projection...

— 22 mai 2019 à 17:00
Le Bell Museum utilise la technologie laser 4K de Digital Projection pour son planétarium ©DR

Jusqu’à présent, l’ensemble des solutions 3D avaient une limite majeure dans leur rôle immersif : tous les utilisateurs voient exactement la même image, le même angle de vue, indépendamment de l’endroit où il se trouve par rapport à la zone de projection.

 

Avec l’INSIGHT 4K HFR360, Digital Projection fait la preuve de l’étendue de son avance technologique par rapport à la concurrence en offrant enfin à l’industrie une expérience 3D entièrement immersive, interactive, mais aussi, collaborative...

La technologie de projection Multi-View 3D permet à un seul projecteur, doté d’une fréquence d’images ultra-rapide, de projeter les images pour plusieurs spectateurs et/ou utilisateurs sur le même écran. La position de chaque personne est « trackée » et chaque participant voit, grâce à ses lunettes, uniquement l’image calculée pour son propre angle de visualisation, ceci même s’il change de position. Les utilisateurs peuvent dans le même temps interagir entre eux et se voir dans un contexte collaboratif où le partage prime...

 

 

 

 

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Mediation culturelle : le Centre Pompidou expérimente le podcast

— 2 mai 2019 à 17:00
Les podcasts du Centre Pompidou ©DR

Afin de rendre l’art moderne et contemporain accessible au plus grand nombre et de guider ses publics aussi bien dans les collections que dans les expositions temporaires, le Centre Pompidou adopte le format sonore et ludique du podcast...

 

Le podcast Les Visites du Centre Pompidou accompagne désormais de manière exclusive les parcours de visite, avec des contenus offrant au public de nouvelles approches et expériences de l'exposition (interviews de conservateurs, d’artistes ou de créateurs, immersions dans la conception des œuvres...). Le premier podcast sera disponible pour l'exposition Préhistoire, une énigme moderne à partir du 8 mai prochain.

Le Centre Pompidou enrichit par ailleurs sa collection de podcasts Un dimanche, une œuvre, rebaptisée Un podcast, une œuvre. Ces podcasts éclairent les œuvres et les artistes de la collection à travers le prisme d'un thème de société. Pour sa troisième saison, cette série explore les rapports entre art et féminismes.

 

Disponibles sur le site centrepompidou.fr/Podcasts, les podcasts du Centre Pompidou sont aussi accessibles en écoute et en téléchargement sur toutes les grandes plateformes de diffusion de podcasts ainsi que sur Deezer.

 

 

 Un nouveau format de parcours d'aide à la visite des expositions et du musée

À écouter chez soi, en mobilité ou in situ au Centre Pompidou, avant, pendant ou après sa visite, les podcasts Les Visites du Centre Pompidou réinventent le format d’écoute et se substituent aux audioguides classiques. Ces formats de 20 à 25 minutes sont notamment proposés pour les expositions des Galeries 1, 2 et 3. La narration est pensée par salle et non par œuvre afin de faciliter le déplacement et l’immersion du visiteur. Le premier podcast de parcours de visite Préhistoire, une énigme moderne plonge ainsi le visiteur au cœur de l’expérience temporelle proposée par l’exposition. Grâce au dialogue entre deux peintres, enfermés dans une grotte préhistorique, l'auditeur appréhende les réflexions sur le rapport entre l’art et la question de l'origine de l'humanité.

 

Les voix

 

La comedienne Elina Löwensohn

Elina Löwensohn est une actrice cosmopolite née en Roumanie, de nationalité américaine et vivant en France (Les Garçons sauvages, Un long dimanche de fiançailles, etc...). Elle traverse films, vidéos, photos et pièces de théâtre avec un goût prononcé pour la métamorphose. Son goût pour la performance l'a conduite à travailler avec certains plasticiens vidéastes tels que Marcelline Delbecq, Tom de Pékin, ainsi qu'avec le cinéaste Bertrand Mandico. Avec ce dernier, elle imagine également une série de 21 films sur 21 ans, fondés sur l’idée de la mise en abîme du rapport actrice-réalisateur. Les podcasts des prochaines expositions temporaires Préhistoire, une énigme moderne (Galerie 1, 8 mai - 16 septembre 2019) et Dora Maar (Galerie 2, 5 juin - 26 août 2019) sont portés par la voix d'Elina Lowensohn.

 

Les podcasters du « Bruit de l'art »

Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne sont deux jeunes historiens de l’art, co-fondateurs du podcast Le Bruit de l’art. Ils partagent tous deux la même curiosité pour l’art contemporain et l'ensemble de ses acteurs. Victoria Le Boloc’h-Salama est aussi membre de l’association Jeunes Critiques d’art et Florian Champagne, contributeur du magazine Revue. Après une première collaboration avec le Centre Pompidou dans le cadre du Bruit de l'art consacré à des designers, artistes ou conservateurs liés à la programmation du Centre Pompidou (matali crasset, Frédéric Migayrou et Yuki Yoshikawa, Hicham Berrada…), Victoria Le Bolloch-Salama et Florian Champagne, sont les voix des prochaines Visites du Centre Pompidou pour les expositions Galeries du 20e siècle (Musée, à partir du 22 mai 2019), Bernard Frize. Sans repentir (Galerie 3, 29 mai - 26 août 2019) ainsi que des expositions Takesada Matsutani (Galerie du musée), Ernest Mancoba (Galerie 0) et Sonja Ferlov Mancoba (Galerie d'art graphique) du 26 juin au 23 septembre 2019.

 

 

UN PODCAST, UNE ŒUVRE

 

Saison « Art et Féminismes »

4 Épisodes

L'émission Un podcast, une œuvre fonctionne par saison thématique autour de quatre œuvres: chaque mois, un épisode est diffusé pendant quatre mois. Chacun des épisodes aborde une œuvre des collections du Centre Pompidou à travers une grande question de société. Après deux premières saisons consacrées à la consommation et à l’utopie, Un podcast, une œuvre interroge en quatre épisodes les rapports entre art et féminismes: quelle est la place des femmes dans l’art ? Quelle est la capacité de l’art à bouleverser les mœurs et les modes de pensée ? Ces podcasts, qui peuvent être écoutés indépendamment d’une visite in situ, sont non séquencés et d'une durée de 15 à 20 minutes.

 

Les voix

Elsa Daynac 

Pour Un podcast, une œuvre la journaliste Elsa Daynac fait revivre d'anciennes archives sonores du Centre Pompidou en y mêlant des morceaux de musiques contemporaines, des interviews inédites et des points de vue inattendus. Les virgules sonores originales, conçues spécialement par la chanteuse Nawel Ben Kraiem et par Nassim Kouti, ponctuent cette immersion sonore dans les collections du Musée national d'art moderne.

 

Hors Série de l'Été, Les Rencontres d'Arles

Lydie Mushamalirwa

À l’occasion des 50 ans des Rencontres d’Arles, cette émission hors série d'Un podcast, une œuvre propose d’écouter l’œil de cinq photographes et d’interroger leur engagement social et politique à travers le thème de la frontière. Chaque épisode a pour point de départ une photographie ou une série de photographies appartenant aux collections du Centre Pompidou et réalisées par une artiste ayant participé aux Rencontres d’Arles. Susan Meiselas et Valérie Jouve comptent parmi les photographes présentées. Journaliste (RFI, Artistikrezo, Arte Radio..), Lydie Mushamalirwa vit et travaille à Arles.

 

 

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Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

Par : greg — 14 mai 2019 à 16:42

Je réponds ici à un étudiant qui me demandait : “Que pensez-vous des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) et cela change-t’il votre manière de voir les choses?”. Voici ma réponse. Disons que ce sont des technologies relativement anciennes en réalité. Je faisais du raytracing il y a 25 ans déjà et de la 3D temps-réel … Continuer la lecture de Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

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Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

Par : greg — 14 mai 2019 à 16:42

Je réponds ici à un étudiant qui me demandait : “Que pensez-vous des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) et cela change-t’il votre manière de voir les choses?”. Voici ma réponse. Disons que ce sont des technologies relativement anciennes en réalité. Je faisais du raytracing il y a 25 ans déjà et de la 3D temps-réel … Continuer la lecture de Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

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Caméra & Café Spécial Panasonic AG-CX350

Par : Andrea — 10 mai 2019 à 16:56

Rejoignez-nous le vendredi 24 mai pour assister à une matinée dédiée à la découverte et à la prise en main de la caméra Panasonic AG-CX350. Le Caméra & Café #AGCX350, c’est également l’occasion d’échanger avec les experts Panasonic, notre équipe et de réseauter avec les autres participants. Et pour finir, une promo exceptionnelle vous est réservée !

La Panasonic AG-CX350 est une caméra de nouvelle génération, dotée de fonctionnalités de connectivité avancées pour les applications de diffusion web et de streaming. Cette caméra intègre un capteur MOS 4K haute définition et haute sensibilité de type 1.0, permettant d’obtenir une qualité d’image 10 bits et une résolution 4K ou FHD jusqu’à 50/60p sur une carte SDXC. Elle est aussi bien adaptée pour filmer de courts documentaires, des films étudiants, ou encore des événements d’entreprise.

Nous espérons vous retrouver nombreux !

Q/R sur mesure

Valeur pratique

Ambiance conviviale

Je réserve mon horaire

Points forts de la Panasonic AG-CX350

Capteur 1.0 ” 15Mpx, sensibilité F12 / F13
Prend en charge HLG et SDR
Zoom intelligent 32x et système hybride 5 axes
Écran LCD 3,2“ et viseur OLED
3 bagues de contrôle (zoom, mise au point, iris)
Fonctions d’enregistrement d’images 4K 60p 10 bits et HDR
HD Live Streaming pour connexion à Facebook et YouTube Live

Caméra & Café Spécial Panasonic AG-CX350

N’attendez plus pour vous inscrire et réservez votre place via le formulaire ci-dessous :

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☐ ☆ ✇ TRM

[Promo] Jusqu’à 500 euros remboursés sur une variété de caméscopes Sony

Par : TRM Antoine — 10 mai 2019 à 10:24

Jusqu’au 31 juillet 2019, bénéficiez jusqu’à 500 euros remboursés sur une sélection de caméscopes Sony.

Au menu, on retrouve les caméras Super 35 FS7/FS7 Mark II et FS5/FS5 Mark II sur lesquelles vous pourrez profiter respectivement d’un remboursement de 500 et 400 euros.

Sur les caméscopes de poing, Sony vous fait bénéficier de 400 euros sur le PXW-Z280 et 300 euros sur les PXW-Z190 et PXW-Z150.

Enfin sur les caméscopes compacts, Sony propose un remboursement de 300 euros sur les PXW-Z90 et HXR-NX80 et 200 euros sur le PXW-X70.

Il y a de quoi franchir le pas pour renouveler son équipement !

Vous aurez jusqu’au 31 août 2019 (soit 1 mois après la fin de l’offre) pour demander votre cashback à Sony. Pour demander votre remboursement, munissez-vous de votre facture et suivez les procédures décrites après avoir cliqué ici.

 

 

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La Nurserie d'Audiens fait un appel à candidatures...

— 8 mai 2019 à 16:00
La Nurserie ©DR

La Nurserie, la « pépinière-incubateur » d’Audiens qui accueille et accompagne des entrepreneurs des secteurs des industries créatives et culturelles lance son appel à candidature.

 

Le dispositif :

  • Un espace de co-working au sein des locaux d’Audiens à Vanves.
  • Un accompagnement ponctuel en interne (juridique, financier et social).
  • L’accès aux espaces et services d’Audiens.
  • La participation au Réseau Culture & Innovation : évènements, rencontres professionnelles, outils de communication...

 

 Les start-ups précédemment accompagnées  : Artify -Vizity - Clic Muse - Linkaband - Elson - Okast - Nomadmusic - Brightzone - Toot sweet - Invidam - Rhythm and Town - Tracktl - Hirvi.

L’admission s’opère sur dossier. L’appel à candidature de la promotion 2019-2020 est ouvert jusqu’au 3 juin, pour une intégration au dispositif début juillet.

 

> Informations et dossier de candidature  

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Taller de Gráfica Generativa. Dibujando con código

Par : neokinok — 1 mai 2019 à 00:30
Data del taller: 
09/07/2019 - 17:00 to 12/07/2019 - 21:00
Inscripció: 
Oberta
Preu: 
50 €

Taller/// Gráfica Generativa. Dibujando con código

Dates del taller: 09 -12 de juliol 2019

Horari: 17:00- 21:00 hrs

Lloc : Carrer Tapioles 53, baixos. 08004 Poble sec

Introducció

La artista y tecnóloga creativa Alba G. Corral imparte este taller de introducción en el mundo de la gráfica generativa a través del uso de la herramienta Processing. Se trata de un lenguaje de programación y entorno de desarrollo integrado de código abierto basado en Java, de fácil utilización, y que sirve como medio para la enseñanza y producción de proyectos multimedia e interactivos de diseño digital.

Objetivos :

• Obtener conocimientos básicos en la utilización de la herramienta Processing
• Introducción a los primeros conceptos de programación
• Tener una base para poder profundizar en la creación visual o gráfica generativa
• Aprendizaje de la metodología de producción, utilización de los recursos en red para resolver dudas, aprendizaje autónomo y trabajo en grupo para la resolución de problemas y creación de piezas
• Aproximación al código visual y el arte digital enfocado al “art code”

PROGRAMA

Parte 1
-Introducción a Processing, el lenguaje de los bocetos digitales
-Recorrido por creaciones visuales y gráfica generativa
-La comunidad de Processing
-Instalación de la herramienta

Parte 2
-Primeras líneas de código. Interface
-Pocas líneas de código: grandes resultados. Sintaxis
-Aprendamos a hablar con la máquina y a controlarla
-Funcionamiento de modo continuo
-Dibujo Interactivo con el mouse
-Utilización de la libreria PDF
-Exportación del proyecto en vector para la impresión
-Extendamos Processing: Librerías
-Creación de un sketch visual
-Exportación de sketches

Dirigido a: Artistas visuales, diseñadores, programadores y toda persona interesada en el código visual y gráfica generativa. No se requieren conocimientos previos

Requerimientos: Traer un ordenador, ya sea MAC , Windows o Linux

BIO
Alba G. Corral (b. 1977 – Madrid) con base en Barcelona : Artista visual , desarrolladora de código y docente. Con formación en ingeniería informática, Corral ha estado creando arte utilizando el software durante la última década. Su práctica se extiende a través del vivo, vídeo, los medios digitales y la instalación. A través de diferentes prácticas artísticas explora narrativas abstractas. Su nombre se ha dado a conocer mediante sus actuaciones audiovisuales en vivo donde integra la codificación y la elaboración, en colaboración con músicos en tiempo real. En el marco de la docencia enseña programación visual enfocada a diseñadores y artistas en diferentes espacios tanto en charlas, talleres y workshops. Dedicados al código creativo con herramientas de software Libre (processing).
Es comisaria en el festival Eufònic."

http://blog.albagcorral.com

Inscripcions / Inscripciones / Registration

http://www.telenoika.net/tallers-2019

CATALÀ:

Objectius :

• Obtenir coneixements bàsics en la utilització de l'eina Processing
• Introducció als primers conceptes de programació
• Tenir una base per poder aprofundir en la creació visual o gràfica generativa
• Aprenentatge de la metodologia de producció, utilització dels recursos en xarxa per resoldre dubtes, aprenentatge autònom i treball en grup per a la resolució de problemes i creació de peces
• Aproximació al codi visual i l'art digital enfocat a el “art code”

PROGRAMA

Part 1

-Introducció a Processing, el llenguatge dels esbossos digitals
-Recorregut per creacions visuals i gràfica generativa
-La comunitat de Processing
-Instal·lació de l'eina

Part 2

-Primeres línies de codi. Interface
-Poques línies de codi: grans resultats. Sintaxi
-Aprenguem a parlar amb la màquina i a controlar-la
-Funcionament de manera contínua
-Dibuix Interactiu amb el mouse
-Utilització de la libreria PDF
-Exportació del projecte en vector per a la impressió
-Estenguem Processing: Llibreries
-Creació d'un sketch visual
-Exportació de sketches

Dirigit a: Artistes visuals, dissenyadors, programadors i tota persona interessada en el codi visual i gràfica generativa. No es requereixen coneixements previs

Requeriments: Portar un ordinador, ja sigui MAC , Windows o Linux

Alba G. Corral (1977 – Madrid) amb residència a Barcelona : Artista visual, programadora de codi i docent. Amb formació en enginyeria informàtica, Corral ha estat creant art utilizant software durant l'última dècada. La seva pràctica s'extén a través del directe, el vídeo, mitjans digitals i la instal·lació. A través de diferents pràctiques artístiques explora narratives abstractes.
EL seu nom s'ha donat a conèixer mitjançant les seves actuacions audiovisuals en viu on integra la codificació i l'elaboració, en colaboració amb músics en temps real.
Dintre del marc de la docència ensenya programació visual enfocada a dissenyadors i artistes en diferents espais tant en xerrades, tallers i workshops. Dedicats al codi creatiu amb eines de software lliure (processing) .
És comissària al Festival Eufònic."

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SELECTED PROJECTS AYA CONFERENCE 2019

Par : neokinok — 25 avril 2019 à 14:03

RESOLUCIÓN AYA 2019
31 mayo - 2 junio, 2019




Título: La espiral de transmutación
Autor: Homem Gaiola (Brasil)

Tipo de obra: Instalación visual de LEDS
Descripción: LA ESPIRAL DE TRANSMUTACIÓN
La instalación hecha a partir de LEDs programáticos, tiene la estructura de una mandala tridimensional. Para crear el dibujo de la mandala se han realizado investigaciones acerca de diferentes tradiciones ancestrales como el candomblé, el chamanismo. También tiene referencias a matemáticos y filósofos de la historia como Pitágoras, Hermes y Kepler. La mandala en varias tradiciones espirituales se convierte en una herramienta para concentrar la atención de practicantes, un instrumento de orientación espiritual para establecer un espacio sagrado para la meditación y la inducción al trance.


L'Espiral de transmutació
La instal·lació feta a partir de Leds programàtics, té l'estructura d'una mandala tridimensional. Per a crear el dibuix de la mandala s'han realitzat recerques sobre diferents tradicions ancestrals com el candomblé, el xamanisme. També té referències a matemàtics i filòsofs de la història com Pitàgores, Hermes i Kepler. La mandala en diverses tradicions espirituals es converteix en una eina per a concentrar l'atenció de practicants, un instrument d'orientació espiritual per a establir un espai sagrat per a la meditació i la inducció al trance.


The spiral of transmutation
The installation made from programmatic LEDs has the structure of a three-dimensional mandala. In order to create the drawing of the mandala, research has been carried out on different ancestral traditions such as candomblé, shamanism. It also has references to mathematicians and philosophers of history such as Pythagoras, Hermes and Kepler. The mandala in various spiritual traditions becomes a tool to focus the attention of practitioners, an instrument of spiritual guidance to establish a sacred space for meditation and induction into trance.


espiral_de_transmutacion.png




Título: Somos Naturaleza
Autor: TkLab Grupo de investigación de Telenoika (Barcelona)
Tipo de obra: Mapping de objetos
Descripción: Somos Naturaleza es una propuesta que desarrolla el concepto de sabiduría y espíritu de las plantas. Es una travesía visual que pretende destacar la importancia de la naturaleza, a través de personajes y símbolos que mezclan el elemento humano con el vegetal, resaltando la importante relación de respeto e interdependencia que existe entre ambos. Se sumerge al público en una experiencia perceptiva, en la que las superficies de caras creadas a partir de impresión en 3d ganan vida.


Somos Naturaleza
Somos Naturaleza és una proposta que desenvolupa el concepte de saviesa i esperit de les plantes. És una travessia visual que pretén destacar la importància de la naturalesa, a través de personatges i símbols que barregen l'element humà amb el vegetal, ressaltant la important relació de respecte i interdependència que existeix entre tots dos. Se submergeix al públic en una experiència perceptiva, en la qual les superfícies de cares creades a partir d'impressió en 3d guanyen vida.


Somos Naturaleza
Somos Naturaleza is a proposal that develops the concept of wisdom and spirit of plants. It is a visual journey that aims to highlight the importance of nature, through characters and symbols that mix the human element with the vegetable, highlighting the important relationship of respect and interdependence that exists between them. The public is immersed in a perceptive experience, in which the surfaces of faces created from 3D printing gain life.


somos_naturaleza


Título: Sound of Lights
Autor: Naziha Mestaoui (Belgica) y Huni Kui Tribe (Perú)

Tipo de obra: Instalación visual interactiva
Website: http://nazihamestaoui.com/one-beat-one-tree/video/
Descripción: La obra Sonido de Luces es una colaboración artística de los artistas de la tribu Huni Kuin de Amazonia (Mahku), con la artista digital Naziha Mestaoui, y está pensada para conectar la tecnología y el conocimiento ancestral para dar a conocer el invisible y crear una experiencia sensible. La instalación reproduce las diferentes facetas de las vibraciones que conforman nuestra realidad: sonidos, luz, materia, energía, emociones.


Sound of Lights
L'obra Sound of Lights és una col·laboració artística dels artistes de la tribu Huni Kuin d'Amazònia (Mahku), amb l'artista digital Naziha Mestaoui, i està pensada per a connectar la tecnologia i el coneixement ancestral per a donar a conèixer l'invisible i crear una experiència sensible. La instal·lació reprodueix les diferents facetes de les vibracions que conformen la nostra realitat: sons, llum, matèria, energia, emocions.


Sounds of lights
The work Sounds of Lights is an artistic collaboration between the artists of the Huni Kuin tribe of Amazon (Mahku) with the digital artist Naziha Mestaoui, intended to connect both the technology and the ancestral knowledge to show the invisible and create a sensitive experience. The installation unfolds the diversity of vibrations that build our reality: sound, light, matter, energy, feelings.


naziha_mestauoi




Título: Invisibles
Autor: Tklab. Grupo de investigación de Telenoika (Barcelona)

Tipo de obra: Instalación visual interactiva
Descripción: La instalación es un homenaje a las tribus no contactadas de la selva amazónica. Muchos pueblos tienen que desplazarse por el avance del progreso en su habitat. Se alejan de los límites de la nada, de la destrucción de la naturaleza. Otros pueblos contactados han sufrido grandes catástrofes y múltiples muertes a causa de enfermedades desconocidas transmitidas por los foráneos. La instalación quiere representar las miradas observadoras de los pueblos originarios desde los límites de la selva no domesticada. “Hasta que no se tale el último árbol del Amazonas, los pueblos invisibles no desaparecerán del planeta”. El espectador al visitar la instalación, es parte de ella, y interactua con ella, a través de sensores de movimiento y de ruido, que previenen a los habitantes de la selva de los peligros de las presencias extranjeras, poniendo en guardia todo el ecosistema.


Invisibles
La instal·lació és un homenatge a les tribus no contactades de la selva amazònica. Molts pobles han de desplaçar-se per l'avanç del progrés en el seu hàbitat. S'allunyen dels límits del no-res, de la destrucció de la naturalesa. Altres pobles contactats han sofert grans catàstrofes i múltiples morts a causa de malalties desconegudes transmeses pels forans. La instal·lació vol representar les mirades observadores dels pobles originaris des dels límits de la selva no domesticada. “Fins que no es tali l'últim arbre de l'Amazones, els pobles invisibles no desapareixeran del planeta”. L'espectador en visitar la instal·lació, és part d'ella, i interactua amb ella, a través de sensors de moviment i de soroll, que prevenen als habitants de la selva dels perills de les presències estrangeres, posant en guàrdia tot l'ecosistema.


Invisibles
The installation is a tribute to the uncontacted tribes of the Amazon rainforest. Many people have to move because of the progress of their habitat. They move away from the limits of nothingness, of the destruction of nature. Other people contacted have suffered great catastrophes and multiple deaths due to unknown diseases transmitted by outsiders. The installation wants to represent the observing eyes of the native peoples from the limits of the non-domesticated forest. "Until the last tree of the Amazon is cut, the invisible peoples will not disappear from the planet." The viewer, when visiting the installation, is part of it, and interacts with it, through motion and noise sensors, which prevent the inhabitants of the jungle from the dangers of foreign presences, putting the whole ecosystem on guard.


aya-19-invisibles-foto-3.png




Sección Proyectos VR



Título: El Eterno Canto de Olivia Arévalo
Autor: Josecarlos Flórez Garcia (Perú)
Tipo de obra: Instalación inmersiva
Duración: 15 min.
Website: http://josecarlosflorez.com/el-eterno-canto-de-olivia-arevalo/
Descripción: El Eterno Canto de Olivia Arévalo es un proyecto audiovisual e inmersivo que nace con la idea de darle eco a la voz de Olivia Arévalo, sábia indígena, onaya, sanadora de plantas medicinales y difusora de los Íkaros o "Cantos Sagrados" de la comunidad amazónica Shipibo-Konibo, que falleció en el año 2018.


L'Etern Canto d'Olivia Arévalo
L'Etern Canto d'Olivia Arévalo és un projecte audiovisual i immersiu que neix amb la idea de donar-li eco a la veu d'Olivia Arévalo, savia indígena, onaya, guaridora de plantes medicinals i difusora dels Íkaros o "Cantes Sagrats" de la comunitat amazònica Shipibo-Koniko, que va morir l'any 2018.


The Eternal Song of Olivia Arévalo
The Eternal Song of Olivia Arévalo is an audiovisual and immersive project born with the idea of echoing the voice of the indigenous wise Olivia Arévalo, onaya, healing of medicinal plants and diffuser of the Íkaros or "Sacred Songs" of the Amazonian community Shipibo-Konibo. She died in 2018.





Título: RHESUS
Autor: Error 43 (Portugal)

Tipo de obra: Instalación inmersiva
Website: www.error-43.com/docs/rhesus
Descripción: Rhesus, es el nombre de la especie del primate Sam (Macaca mulatta), que se envió al espacio en 1960 y se ha utilizado en múltiples macetas de laboratorio, por su similitud con los humanos. Esta situación ha hecho que hoy se encuentre dentro de la lista de animales en vías de extinción. Rhesus explora la relación existente entre los hombres y el ciberespacio con un ‘display’ de diferentes tecnologías, VR, leap motion y proyección, que interactúan entre ellas y los usuarios, transformando orgánicamente el espacio donde está ubicado.  Como antítesis de la situación de los Macaca Mulatta, Rhesus quiere explorar las diferentes formas de crear espacio simbiòticament entre la tecnología y los humanos.


Rhesus
Rhesus, és el nom de l’espècie del primat Sam (Macaca mulatta), que es va enviar a l’espai l’any 1960 i s’ha utilitzat en múltiples tests de laboratori, per la seva similitud amb els humans. Aquesta situació ha fet que avui es trobi dins la llista d’animals en vies d’extinció. Rhesus explora la relació existent entre els homes i el ciberespai amb un ‘display’ de diferents tecnologies, VR, leap motion i projecció, que interactuen entre elles i els usuaris, transformant orgànicament l’espai on està ubicat.  Com a antítesi de la situació dels Macaca Mulatta, Rhesus vol explorar les diferents formes de crear espai simbiòticament entre la tecnologia i els humans.


Rhesus
Rhesus, is the name of the primate species Sam (Macaca mulatta), which was sent to space in 1960 and has been used in multiple laboratory pots, because of its similarity with humans. This situation has made it today in the list of animals in danger of extinction. Rhesus explores the relationship between men and cyberspace with a 'display' of different technologies, VR, leap motion and projection, which interact with each other and users, organically transforming the space where it is located. As an antithesis to the situation of the Macaca Mulatta, Rhesus wants to explore the different ways of creating symbiotic space between technology and humans


rhesus.jpg




Título: “Ayahuasca - Kosmik Journey”
Autor: Jan Kounen (Francia)
Tipo de obra: Película inmersiva.
Duración: 18 min.
Website: https://www.diversioncinema.com/ayahuasca
Descripción: Una experiencia visionaria a través de los reinos de las plantas medicinales, dirigida por el curandero tradicional de los Shipibo en la selva amazónica. Esta experiencia asombrosa es un viaje a través de una de las prácticas espirituales más misteriosas del planeta: la ayahuasca, la vid del alma y cómo encontrar su espacio interior. Experimenta la magia y el poder curativo de ayahuasca.


Ayahuasca - Kosmik Journey
Una experiència visionària a través dels regnes de les plantes medicinals, dirigida pel chaman tradicional dels Shipibo en la selva amazònica. Aquesta experiència sorprenent és un viatge a través d'una de les pràctiques espirituals més misterioses del planeta: la ayahuasca, la vinya de l'ànima i com trobar el seu espai interior. Experimenta la màgia i el poder curatiu de ayahuasca.


Ayahuasca - Kosmik Journey
A visionary experience through the realms of the medicinal plants, led by indigenous Shipibo traditional healer in the amazon rainforest.This mind blowing experience is a voyage through one of the most mysterious spiritual practices on the planet: Ayahuasca, the vine of the soul, and how to find your inner space. Experience the magic and healing power of ayahuasca.




Título: Awavena
Autor: Lynette Wallworth (Australia)
Tipo de obra: Película inmersiva.
Duración: 17.50 min.
Website: http://www.awavenavr.com/
Descripción: Awavena se elabora por invitación y en íntima colaboración con los yawanawa durante una época de peligro y potencial para su gente, su bosque y los ecosistemas conectados que impulsan el planeta. La película apunta a no provocar empatía por los yawanawa, sino que es un regalo de ellos, para aquellos que visitarán virtualmente su bosque y recibirán esta transmisión, un regalo que esperan que cambie nuestra conciencia, cambiando la forma en que percibimos el mundo y las decisiones que tomamos.


Awavena
Awavena s'elabora per invitació i en íntima col·laboració amb els yawanawa durant una època de perill i potencial per a la seva gent, el seu bosc i els ecosistemes connectats que impulsen el planeta. La pel·lícula apunta a no provocar empatia pels yawanawa, sinó que és un regal d'ells, per a aquells que visitaran virtualment el seu bosc i rebran aquesta transmissió, un regal que esperen que canviï la nostra consciència, canviant la forma en què percebem el món i les decisions que prenem.


Awavena
Awavena is made after the invitation of the Yawanawa, and made in intimate collaboration with them, the during a time of both peril and potential for their people, their forest, and the connected ecosystems that drive the planet. The aim of the film not to provoke empathy for the Yawanawa but is rather a gift from them, to those who will virtually visit their forest and receive this transmission — a gift that they hope will shift our consciousness, changing the way we perceive the world and the decisions we make.

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Taller /// Live AV//Festival Seco

Par : neokinok — 10 avril 2019 à 00:47
Data del taller: 
23/04/2019 - 16:00 to 11/05/2019 - 20:00
Inscripció: 
Tancada
Preu: 
60 €

Dates:  23-24, 26-27 d’abril. 7-8 i 11 de maig de 2019

Horari: 17:00- 21:00 hrs

Lloc: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec

Dia 11 de maig: Presentació conjunta dels treballs dels participants del taller. Plaça de les Tres Xemeneies durant els concerts del Festival Seco de música interurbana y artes visuales. (https://www.festivalseco.com/)

Docents : Blanca Rego / Alba Corral / Ricardo Cançado (Vj Electroiman) / Diego Suárez (Not Me) / Xevi Gibert / Vj
Spetto / José Carlos Florez / Neokinok /EasyKL vj

Taller /// Live AV//Festival Seco

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Sons 3D à l’Abbaye

— 8 mai 2019 à 16:00
Le son 3D (ou binaural) permet de jouer avec l’espace et d’enrichir une narration. La voix devient un personnage romanesque qui entraîne le visiteur dans une épopée très évocatrice. © Julien Helaine-Narrative

À la croisée de la musique, du patrimoine et de l’histoire, le programme de médiation numérique et sonore de l’Abbaye aux Dames à Saintes est un modèle du genre.

 

Haut lieu de l’architecture romane dédié à la musique (avec son célèbre festival de musique baroque, son conservatoire et son orchestre), l’Abbaye aux Dames à Saintes (dirigée par Odile Pradem-Faure et Frédéric Saint-Pol) désirait attirer de nouveaux publics pour les embarquer dans des expériences à la fois sensorielles et musicalement actives.

Baptisé « Musicaventure », l’ambitieux programme de médiation élaboré en 2015, qui court jusqu’en 2022, a donné lieu à la création de dispositifs tout à fait originaux comme les Voyages sonores, les Concerts spatialisés et le Carrousel musical.

Premier volet développé par l’agence d’ingénierie culturelle Aubry et Guiguet (AG Studio) avec Narrative et Modulo Digital (en charge depuis une dizaine d’années du développement digital de la Cité musicale), les deux parcours d’interprétation, intitulés Voyages sonores, ont misé sur le son spatialisé et « augmenté ». Exemplaires pour la simplicité de leur interface (un casque stéréo et un guide multimédia), la justesse de leurs scénarii et la parfaite maîtrise de leur réalisation, les Voyages sonores, en service depuis deux ans, continuent à remporter un vif succès auprès du public (13 000 visiteurs en 2017).

 

 

Voyages en son 3D

L’enjeu était de narrer l’histoire de l’Abbaye aux Dames au travers de la musique (depuis sa fondation au XIe siècle) et d’immerger le public dans des narrations sonores, puissantes et « augmentées » par un son binaural (ou son 3D) restitué au casque. « Le son 3D impacte fortement l’imaginaire en révélant l’invisible », rappelle Cécile Cros, cofondatrice avec Laurence Bagot de l’agence multimédia Narrative. « Le patrimoine devient alors le décor d’un récit mêlant émotions et connaissances. »

Dans les deux voyages sonores proposés à Saintes, Le Voyage initiatique et Le Voyage héroïque, la musique est la narratrice inspirée de l’histoire, faisant revivre, pour le premier parcours, les temps forts et les hôtes célèbres du lieu (abbesses, compositeurs, personnages historiques...) ; en prenant la forme, pour le second voyage plutôt dédié au jeune public, d’une quête sonore qui fait « parler » les murs et réveiller les fantômes de l’Abbaye.

Pour que l’effet d’immersion soit optimal, tous les tournages ont été réalisés in-situ, et les comédiens ont été enregistrés dans les salles mêmes où les visiteurs sont susceptibles de se trouver. Enregistrées également sur place, toutes les musiques scandent les deux parcours, ainsi que la plupart des bruitages qui renseignent sur les époques traversées. Seuls ont été réalisés en postproduction des effets sonores impossibles à reproduire comme des bombardements par exemple (pendant la Seconde Guerre mondiale).

Pour restituer la qualité et la grande diversité acoustique de l’Abbaye (avec ses salles voûtées, sa nef), les designers sonores Bergame Periaux et Léa Chevrier ont procédé à un enregistrement binaural non traqué au moyen d’une tête artificielle Neumann, accompagné de prises à la perche. « Nous avons choisi de travailler sur deux espaces distincts », explique Léa Chevrier, ingénieur du son sur Le Voyage initiatique. « Les prises binaurales externalisent le son tandis que les prises traditionnelles l’intériorisent dans le casque. »

L’option Head Tracking, qui suit en permanence la direction de la tête via la centrale inertielle du casque et recalcule le spectre sonore environnant, ne se justifiait pas pour ces parcours de découverte dont l’enjeu était d’obtenir un effet immersif puissant plutôt qu’un rendu sonore précis : chaque parcours, comprenant treize stations d’écoute musicales (pour environ deux minutes d’écoute chacune), étant conçu de sorte à ce que la direction de la tête du visiteur soit toujours connue.

Les deux parcours sonores se déclenchent de manière automatique grâce à une quarantaine de balises Bluetooth (iBeacons) disséminées à l’intérieur et à l’extérieur du monument. « Le public est invité par la voix du narrateur à se déplacer de station en station. Mais les parcours, minutés de manière identique, réservent une grande liberté dans la découverte de cette visite séquentielle », remarque Jean de la Roche, de Modulo Digital.

Pour expérimenter les parcours dans les meilleures conditions d’écoute immersive, Modulo Digital, qui a également géré toute la partie technique, a opté pour un casque haute définition Audio-Technika ATH MSR 7 fermé, relié à un guide multimédia Meder Commtech : « Tout le contenu est embarqué sur le guide. Les visiteurs partagent ainsi une expérience sonore de qualité identique, poursuit Jean de la Roche. La solution de l’application, qui demande à être téléchargée sur le matériel de l’utilisateur, n’a pas été retenue pour cette raison. »

Si l’immersion sonorhe a démontré toute sa pertinence à l’Abbaye aux Dames et est appelée à conquérir d’autres sites et d’autres publics, le dispositif de médiation devrait évoluer. Modulo Digital travaille ainsi à une nouvelle génération de casque qui fera l’économie du guide tenu à la main. Autonome et doté d’une ergonomie adaptée au web sonore (ou à d’autres types d’immersion), le casque sera cette fois-ci accompagné d’un son binaural traqué (ce qui autorisera des parcours interactifs) et d’une localisation plus fine de la personne en cartographie simultanée ou Slam (simultanuous localisation and mapping).

Forte du succès des Voyages sonores à l’Abbaye aux Dames, Narrative commence, quant à elle, à déployer, pour d’autres lieux et narrations, ce principe de déambulation immersive en son 3D. C’est ce scénario de visite qu’a choisi, pour sa part, le château de Vaux-le-Vicomte (ouverture au printemps 2019).

 

 

Un Manège à trois temps

L’Abbaye aux Dames étend encore sa vocation musicale en se dotant d’un outil original de sensibilisation à la musique, le Carrousel musical. Ouvert au printemps 2018, celui-ci emprunte la forme d’un manège forain et invite à une approche sensorielle, dynamique et ludique de la musique.

Sous son « chapiteau » aux facettes miroitantes, dix-sept instruments virtuels, accessibles dans une structure en osier évoquant le corps d’un basilic géant (créature mythique du bestiaire roman), sont à découvrir et expérimenter en solo ou à plusieurs le temps de trois tours de manège. Certains s’inspirent d’instruments « classiques » comme le piano, la flûte ou les percussions, d’autres sont plus inattendus et invitent à tirer sur des cordes (vocales) pour déclencher des voix, actionner des manettes pour jouer d’un accordéon ou déplacer ses mains au-dessus d’un Theramin...

Sur cet « instrumentarium » numérique, tournant et sonore, chacun peut improviser et ressentir, quel que soit le niveau de sa pratique, le plaisir du musicien. Guidé par un « chef d’orchestre », le tour de manège s’achève sur l’écoute d’une partition musicale issue des notes et des sons émis par tous les participants (une vingtaine peuvent chevaucher le corps du basilic).

Imaginée par AG Studio avec Modulo Digital et l’équipe de l’Abbaye, cette expérience musicale a nécessité la création, par le studio de conception sonore et multimédia Blue Yeti (Royan), d’une lutherie spéciale : les instruments disposant tous d’une interface gestuelle spécifique et incluant des périphériques Midi (claviers et pads), des capteurs (rotatifs, de contact, piézo-électriques, magnétiques...) ou des interfaces leapmotion. Les instruments du basilic reconfigurent également leur timbre ou leur volume sonore en fonction de la composition choisie lors du tour de manège.

Pour que la restitution finale soit en effet harmonieuse, trois compositions sur mesure (baroque, électro et jazz) ont été écrites pour servir de trame harmonique aux partitions des joueurs : « Toutes les notes produites sur les instruments appartiennent à des gammes prédéfinies et harmonisées entre elles », précise le co-fondateur de Blue Yeti, Jean-Michel Couturier, qui signe les compositions avec Jean-Michael Celerier, Gregory Cosenza, Anne Morata et Catherine Contour. « Le clavier du piano ne propose ainsi que des touches blanches. Pas de risque de faire de fausses notes : le Carrousel ne prend en compte que l’expressivité du jeu. »

Pour mettre au point cette délicate orchestration, Blue Yeti a recouru entre autre à Ossia Score, un logiciel open source co-développé avec LaBRI/Scrime de l’Université de Bordeaux. « Score interprète les sons et les notes produites par les instruments virtuels (issus pour la plupart de la base de données Kontakt de Native Instruments) en fonction des données issues du programme sous Max/MSP gérant les capteurs », poursuit Jean-Michel Couturier.

« Dans le Carrousel, Score est également utilisé comme un véritable séquenceur audio, avec le développement de nouvelles fonctionnalités pour la lecture de fichiers audio, la prise en charge des plugs-in VST des instruments virtuels, la gestion Midi, le mixage du son et la gestion de cartes audionumériques professionnelles. »

Cette partition collective est diffusée par une couronne de huit haut-parleurs amplifiés (et un caisson de basse) situés en périphérie du Carrousel, chaque musicien disposant d’un retour direct du son qu’il produit via un haut-parleur placé dans l’instrument. Conçu également comme la partition d’un spectacle global, le manège (en liaison wi-fi et HF entre le plateau tournant et le dôme) abrite par ailleurs une création lumière de Christophe Renaud, laquelle se module en fonction des changements de gamme de la composition musicale (via six lyres asservies et projecteurs PAR).

Les instruments, quant à eux, sont soulignés par des rubans de pixels led RGB contrôlés en Artnet. Parachevant la magie du manège, un praxinoscope motorisé installé sous le dôme, dont l’effet est doublé par un miroir, livre, lors du final, une animation dont la vitesse de rotation (et son éclairage) est en lien avec la musique.

Cette machinerie complexe (mise en œuvre par RC Audiovisuel) garde toutefois l’esprit forain : le Carrousel musical créé et assemblé par Métalobil peut être potentiellement démonté (surtout le corps du basilic) et installé ailleurs. « Nous pouvons imaginer qu’il fasse l’objet d’un parcours d’auteur. Un musicien célèbre pourrait ainsi se l’approprier et donner sa vision », propose François Guiguet, cofondateur de AG Studio.

 

 

Concerts spatialisés à l’Abbatiale

Proposés en même temps que les Voyages sonores, les Concerts spatialisés permettent aux visiteurs toujours équipés d’un casque Audio-Technika de réécouter, in-situ, les plus grands concerts du festival. Là encore, la spatialisation du son participe à l’effet d’immersion.

Les enregistrements (un ou deux par an depuis 2016) se font en binaural, mais aussi en multicanal. Ils recourent tous à une tête binaurale et parfois sont complétés par des micros (un arbre Decca à cinq micros par exemple) : « Trois micros sont omnidirectionnels et les deux autres sont placés près des instruments afin de récupérer des sons de proximité », précise Léa Chevrier qui est intervenue entre autre sur Les Vêpres de Monteverdi. « Au mixage, les sons sont binauralisés pour recréer un 5.1 dans le casque. Ce que nous recherchons, dans ces Concerts spatialisés, c’est plutôt la sensation d’immersion que la précision de la spatialisation. »

 

 

Cabinets musicaux et Musicothèque, les futures partitions

Pour compléter le projet musical de l’Abbaye aux Dames, ont été prévus des Cabinets musicaux ainsi qu’une Musicothèque. À l’étude depuis trois ans par AG Studio (pour une ouverture en 2020), les Cabinets musicaux seront thématiques et mettront en avant l’interprétation musicale en s’appuyant sur de nombreux audiovisuels et interactifs. La Musicothèque (à l’horizon 2022), quant à elle, valorisera le patrimoine musical et permettra de consulter les archives de la Cité musicale sur place (dans des lieux d’écoute individuels) mais aussi en ligne.

Depuis les années 1970, la Cité, qui réalise des captations audio et vidéo à chaque édition de son festival, dispose en effet d’un fonds riche de quelque 300 documents sonores (déposés entre autre à l’INA) dont des pièces rares comme les enregistrements du chef d’orchestre Philippe Herreweghe, l’un des fondateurs du festival.

 

 

Le son 3D (ou binaural) permet de jouer avec l’espace et d’enrichir une narration. La voix devient un personnage romanesque qui entraîne le visiteur dans une épopée très évocatrice. © Julien Helaine-Narrative

Dans le Voyage sonore 3D, le visiteur, guidé par la voix d’un guide narrateur, s’immerge dans l’histoire de l’Abbaye aux Dames pour une déambulation d’une durée de plus d’une heure. © Sébastien Laval

Ponctués de balises iBeacon disséminées sur le parcours du visiteur, les voyages sonores 3D comportent plusieurs stations d’écoute matérialisées par des plots rouges. © Sébastien Laval

Une tête artificielle a été utilisée pour l’enregistrement du son binaural (restitution en stéréo dans le casque). © Julien Helaine-Narrative

Érigé devant l’entrée de l’Abbatiale, le Carrousel musical abrite un instrumentarium numérique et inédit. © Marion Bertin

Sons 3D à l’Abbaye

À la croisée de la musique, du patrimoine et de l’histoire, le programme de médiation numérique et sonore de l’Abbaye aux Dames à Saintes est un modèle du genre.

Annick Hémery

Haut lieu de l’architecture romane dédié à la musique (avec son célèbre festival de musique baroque, son conservatoire et son orchestre), l’Abbaye aux Dames à Saintes (dirigée par Odile Pradem-Faure et Frédéric Saint-Pol) désirait attirer de nouveaux publics pour les embarquer dans des expériences à la fois sensorielles et musicalement actives.

Baptisé « Musicaventure », l’ambitieux programme de médiation élaboré en 2015, qui court jusqu’en 2022, a donné lieu à la création de dispositifs tout à fait originaux comme les Voyages sonores, les Concerts spatialisés et le Carrousel musical.

Premier volet développé par l’agence d’ingénierie culturelle Aubry et Guiguet (AG Studio) avec Narrative et Modulo Digital (en charge depuis une dizaine d’années du développement digital de la Cité musicale), les deux parcours d’interprétation, intitulés Voyages sonores, ont misé sur le son spatialisé et « augmenté ». Exemplaires pour la simplicité de leur interface (un casque stéréo et un guide multimédia), la justesse de leurs scénarii et la parfaite maîtrise de leur réalisation, les Voyages sonores, en service depuis deux ans, continuent à remporter un vif succès auprès du public (13 000 visiteurs en 2017).

Voyages en son 3D

L’enjeu était de narrer l’histoire de l’Abbaye aux Dames au travers de la musique (depuis sa fondation au XIe siècle) et d’immerger le public dans des narrations sonores, puissantes et « augmentées » par un son binaural (ou son 3D) restitué au casque. « Le son 3D impacte fortement l’imaginaire en révélant l’invisible », rappelle Cécile Cros, cofondatrice avec Laurence Bagot de l’agence multimédia Narrative. « Le patrimoine devient alors le décor d’un récit mêlant émotions et connaissances. »

Dans les deux voyages sonores proposés à Saintes, Le Voyage initiatique et Le Voyage héroïque, la musique est la narratrice inspirée de l’histoire, faisant revivre, pour le premier parcours, les temps forts et les hôtes célèbres du lieu (abbesses, compositeurs, personnages historiques...) ; en prenant la forme, pour le second voyage plutôt dédié au jeune public, d’une quête sonore qui fait « parler » les murs et réveiller les fantômes de l’Abbaye.

Pour que l’effet d’immersion soit optimal, tous les tournages ont été réalisés in-situ, et les comédiens ont été enregistrés dans les salles mêmes où les visiteurs sont susceptibles de se trouver. Enregistrées également sur place, toutes les musiques scandent les deux parcours, ainsi que la plupart des bruitages qui renseignent sur les époques traversées. Seuls ont été réalisés en postproduction des effets sonores impossibles à reproduire comme des bombardements par exemple (pendant la Seconde Guerre mondiale).

Pour restituer la qualité et la grande diversité acoustique de l’Abbaye (avec ses salles voûtées, sa nef), les designers sonores Bergame Periaux et Léa Chevrier ont procédé à un enregistrement binaural non traqué au moyen d’une tête artificielle Neumann, accompagné de prises à la perche. « Nous avons choisi de travailler sur deux espaces distincts », explique Léa Chevrier, ingénieur du son sur Le Voyage initiatique. « Les prises binaurales externalisent le son tandis que les prises traditionnelles l’intériorisent dans le casque. »

L’option Head Tracking, qui suit en permanence la direction de la tête via la centrale inertielle du casque et recalcule le spectre sonore environnant, ne se justifiait pas pour ces parcours de découverte dont l’enjeu était d’obtenir un effet immersif puissant plutôt qu’un rendu sonore précis : chaque parcours, comprenant treize stations d’écoute musicales (pour environ deux minutes d’écoute chacune), étant conçu de sorte à ce que la direction de la tête du visiteur soit toujours connue.

Les deux parcours sonores se déclenchent de manière automatique grâce à une quarantaine de balises Bluetooth (iBeacons) disséminées à l’intérieur et à l’extérieur du monument. « Le public est invité par la voix du narrateur à se déplacer de station en station. Mais les parcours, minutés de manière identique, réservent une grande liberté dans la découverte de cette visite séquentielle », remarque Jean de la Roche, de Modulo Digital.

Pour expérimenter les parcours dans les meilleures conditions d’écoute immersive, Modulo Digital, qui a également géré toute la partie technique, a opté pour un casque haute définition Audio-Teknika ATH MSR 7 fermé, relié à un guide multimédia Meder Commtech : « Tout le contenu est embarqué sur le guide. Les visiteurs partagent ainsi une expérience sonore de qualité identique, poursuit Jean de la Roche. La solution de l’application, qui demande à être téléchargée sur le matériel de l’utilisateur, n’a pas été retenue pour cette raison. »

Si l’immersion sonore a démontré toute sa pertinence à l’Abbaye aux Dames et est appelée à conquérir d’autres sites et d’autres publics, le dispositif de médiation devrait évoluer. Modulo Digital travaille ainsi à une nouvelle génération de casque qui fera l’économie du guide tenu à la main. Autonome et doté d’une ergonomie adaptée au web sonore (ou à d’autres types d’immersion), le casque sera cette fois-ci accompagné d’un son binaural traqué (ce qui autorisera des parcours interactifs) et d’une localisation plus fine de la personne en cartographie simultanée ou Slam (simultanuous localisation and mapping).

Forte du succès des Voyages sonores à l’Abbaye aux Dames, Narrative commence, quant à elle, à déployer, pour d’autres lieux et narrations, ce principe de déambulation immersive en son 3D. C’est ce scénario de visite qu’a choisi, pour sa part, le château de Vaux-le-Vicomte (ouverture au printemps 2019).

Un Manège à trois temps

L’Abbaye aux Dames étend encore sa vocation musicale en se dotant d’un outil original de sensibilisation à la musique, le Carrousel musical. Ouvert au printemps 2018, celui-ci emprunte la forme d’un manège forain et invite à une approche sensorielle, dynamique et ludique de la musique.

Sous son « chapiteau » aux facettes miroitantes, dix-sept instruments virtuels, accessibles dans une structure en osier évoquant le corps d’un basilic géant (créature mythique du bestiaire roman), sont à découvrir et expérimenter en solo ou à plusieurs le temps de trois tours de manège. Certains s’inspirent d’instruments « classiques » comme le piano, la flûte ou les percussions, d’autres sont plus inattendus et invitent à tirer sur des cordes (vocales) pour déclencher des voix, actionner des manettes pour jouer d’un accordéon ou déplacer ses mains au-dessus d’un Theramin...

Sur cet « instrumentarium » numérique, tournant et sonore, chacun peut improviser et ressentir, quel que soit le niveau de sa pratique, le plaisir du musicien. Guidé par un « chef d’orchestre », le tour de manège s’achève sur l’écoute d’une partition musicale issue des notes et des sons émis par tous les participants (une vingtaine peuvent chevaucher le corps du basilic).

Imaginée par AG Studio avec Modulo Digital et l’équipe de l’Abbaye, cette expérience musicale a nécessité la création, par le studio de conception sonore et multimédia Blue Yeti (Royan), d’une lutherie spéciale : les instruments disposant tous d’une interface gestuelle spécifique et incluant des périphériques Midi (claviers et pads), des capteurs (rotatifs, de contact, piézo-électriques, magnétiques...) ou des interfaces leapmotion. Les instruments du basilic reconfigurent également leur timbre ou leur volume sonore en fonction de la composition choisie lors du tour de manège.

Pour que la restitution finale soit en effet harmonieuse, trois compositions sur mesure (baroque, électro et jazz) ont été écrites pour servir de trame harmonique aux partitions des joueurs : « Toutes les notes produites sur les instruments appartiennent à des gammes prédéfinies et harmonisées entre elles », précise le co-fondateur de Blue Yeti, Jean-Michel Couturier, qui signe les compositions avec Jean-Michael Celerier, Gregory Cosenza, Anne Morata et Catherine Contour. « Le clavier du piano ne propose ainsi que des touches blanches. Pas de risque de faire de fausses notes : le Carrousel ne prend en compte que l’expressivité du jeu. »

Pour mettre au point cette délicate orchestration, Blue Yeti a recouru entre autre à Ossia Score, un logiciel open source co-développé avec LaBRI/Scrime de l’Université de Bordeaux. « Score interprète les sons et les notes produites par les instruments virtuels (issus pour la plupart de la base de données Kontakt de Native Instruments) en fonction des données issues du programme sous Max/MSP gérant les capteurs », poursuit Jean-Michel Couturier.

« Dans le Carrousel, Score est également utilisé comme un véritable séquenceur audio, avec le développement de nouvelles fonctionnalités pour la lecture de fichiers audio, la prise en charge des plugs-in VST des instruments virtuels, la gestion Midi, le mixage du son et la gestion de cartes audionumériques professionnelles. »

Cette partition collective est diffusée par une couronne de huit haut-parleurs amplifiés (et un caisson de basse) situés en périphérie du Carrousel, chaque musicien disposant d’un retour direct du son qu’il produit via un haut-parleur placé dans l’instrument. Conçu également comme la partition d’un spectacle global, le manège (en liaison wi-fi et HF entre le plateau tournant et le dôme) abrite par ailleurs une création lumière de Christophe Renaud, laquelle se module en fonction des changements de gamme de la composition musicale (via six lyres asservies et projecteurs PAR).

Les instruments, quant à eux, sont soulignés par des rubans de pixels led RGB contrôlés en Artnet. Parachevant la magie du manège, un praxinoscope motorisé installé sous le dôme, dont l’effet est doublé par un miroir, livre, lors du final, une animation dont la vitesse de rotation (et son éclairage) est en lien avec la musique.

Cette machinerie complexe (mise en œuvre par RC Audiovisuel) garde toutefois l’esprit forain : le Carrousel musical créé et assemblé par Métalobil peut être potentiellement démonté (surtout le corps du basilic) et installé ailleurs. « Nous pouvons imaginer qu’il fasse l’objet d’un parcours d’auteur. Un musicien célèbre pourrait ainsi se l’approprier et donner sa vision », propose François Guiguet, cofondateur de AG Studio.

Concerts spatialisés à l’Abbatiale

Proposés en même temps que les Voyages sonores, les Concerts spatialisés permettent aux visiteurs toujours équipés d’un casque Audio-Technika de réécouter, in-situ, les plus grands concerts du festival. Là encore, la spatialisation du son participe à l’effet d’immersion.

Les enregistrements (un ou deux par an depuis 2016) se font en binaural, mais aussi en multicanal. Ils recourent tous à une tête binaurale et parfois sont complétés par des micros (un arbre Decca à cinq micros par exemple) : « Trois micros sont omnidirectionnels et les deux autres sont placés près des instruments afin de récupérer des sons de proximité », précise Léa Chevrier qui est intervenue entre autre sur Les Vêpres de Monteverdi. « Au mixage, les sons sont binauralisés pour recréer un 5.1 dans le casque. Ce que nous recherchons, dans ces Concerts spatialisés, c’est plutôt la sensation d’immersion que la précision de la spatialisation. »

Cabinets musicaux et Musicothèque, les futures partitions

Pour compléter le projet musical de l’Abbaye aux Dames, ont été prévus des Cabinets musicaux ainsi qu’une Musicothèque. À l’étude depuis trois ans par AG Studio (pour une ouverture en 2020), les Cabinets musicaux seront thématiques et mettront en avant l’interprétation musicale en s’appuyant sur de nombreux audiovisuels et interactifs. La Musicothèque (à l’horizon 2022), quant à elle, valorisera le patrimoine musical et permettra de consulter les archives de la Cité musicale sur place (dans des lieux d’écoute individuels) mais aussi en ligne.

Depuis les années 1970, la Cité, qui réalise des captations audio et vidéo à chaque édition de son festival, dispose en effet d’un fonds riche de quelque 300 documents sonores (déposés entre autre à l’INA) dont des pièces rares comme les enregistrements du chef d’orchestre Philippe Herreweghe, l’un des fondateurs du festival.

 

Article paru pour la première fois dans Sonovision #14, p.18-20. Abonnez-vous à Sonovision (4 numéros/an + 1 Hors-Série) pour accéder, à nos articles dans leur totalité dès la sortie du magazine.

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Mediation culturelle : le podcast va-t-il remplacer l'audioguide ?

— 22 mai 2019 à 17:37
Les podcasts du Centre Pompidou ©DR

Afin de rendre l’art moderne et contemporain accessible au plus grand nombre et de guider ses publics aussi bien dans les collections que dans les expositions temporaires, le Centre Pompidou adopte le format sonore et ludique du podcast. Avec cette démarche tournée vers le numérique, le centre national d’art et de culture ouvre probablement une voie de mediation culturelle qui servira  de modèle pour d'autres établissements...

 

 

Lorsque l'on met met en vis à vis les avantages du podcast versus ceux de l'audioguide, la balance penche lourdement en faveur du podcast... Le format de type BYOD (bring your own device) supprime toute la logistique de maintenance, de mise à jour et la gestion de distribution et récupération des appareils... Autant d'opérations qui sont souvent un mal nécessaire pour les établissement culturels. Son accès gratuit partout dans le monde répond à sa mission de démocratisation de la cuture, il peut même convaincre à distance de l'intérêt d'une exposition... Le musée peut par ailleurs récupérer des datas analytiques autour de l'usage de ses podcasts et donc déterminer quels sont les centres d'intérêt de ses audiences. Le format a aussi l'avantage de séduire un public jeune...

 

Le podcast Les Visites du Centre Pompidou accompagne désormais de manière exclusive les parcours de visite, avec des contenus offrant au public de nouvelles approches et expériences de l'exposition (interviews de conservateurs, d’artistes ou de créateurs, immersions dans la conception des œuvres...). Le premier podcast sera disponible pour l'exposition Préhistoire, une énigme moderne à partir du 8 mai prochain.

Le Centre Pompidou enrichit par ailleurs sa collection de podcasts Un dimanche, une œuvre, rebaptisée Un podcast, une œuvre. Ces podcasts éclairent les œuvres et les artistes de la collection à travers le prisme d'un thème de société. Pour sa troisième saison, cette série explore les rapports entre art et féminismes.

 

Disponibles sur le site centrepompidou.fr/Podcasts, les podcasts du Centre Pompidou sont aussi accessibles en écoute et en téléchargement sur toutes les grandes plateformes de diffusion de podcasts ainsi que sur Deezer.

 

 

 Un nouveau format de parcours d'aide à la visite des expositions et du musée

À écouter chez soi, en mobilité ou in situ au Centre Pompidou, avant, pendant ou après sa visite, les podcasts Les Visites du Centre Pompidou réinventent le format d’écoute et se substituent aux audioguides classiques. Ces formats de 20 à 25 minutes sont notamment proposés pour les expositions des Galeries 1, 2 et 3. La narration est pensée par salle et non par œuvre afin de faciliter le déplacement et l’immersion du visiteur. Le premier podcast de parcours de visite Préhistoire, une énigme moderne plonge ainsi le visiteur au cœur de l’expérience temporelle proposée par l’exposition. Grâce au dialogue entre deux peintres, enfermés dans une grotte préhistorique, l'auditeur appréhende les réflexions sur le rapport entre l’art et la question de l'origine de l'humanité.

 

Les voix

 

La comedienne Elina Löwensohn

Elina Löwensohn est une actrice cosmopolite née en Roumanie, de nationalité américaine et vivant en France (Les Garçons sauvages, Un long dimanche de fiançailles, etc...). Elle traverse films, vidéos, photos et pièces de théâtre avec un goût prononcé pour la métamorphose. Son goût pour la performance l'a conduite à travailler avec certains plasticiens vidéastes tels que Marcelline Delbecq, Tom de Pékin, ainsi qu'avec le cinéaste Bertrand Mandico. Avec ce dernier, elle imagine également une série de 21 films sur 21 ans, fondés sur l’idée de la mise en abîme du rapport actrice-réalisateur. Les podcasts des prochaines expositions temporaires Préhistoire, une énigme moderne (Galerie 1, 8 mai - 16 septembre 2019) et Dora Maar (Galerie 2, 5 juin - 26 août 2019) sont portés par la voix d'Elina Lowensohn.

 

Les podcasters du « Bruit de l'art »

Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne sont deux jeunes historiens de l’art, co-fondateurs du podcast Le Bruit de l’art. Ils partagent tous deux la même curiosité pour l’art contemporain et l'ensemble de ses acteurs. Victoria Le Boloc’h-Salama est aussi membre de l’association Jeunes Critiques d’art et Florian Champagne, contributeur du magazine Revue. Après une première collaboration avec le Centre Pompidou dans le cadre du Bruit de l'art consacré à des designers, artistes ou conservateurs liés à la programmation du Centre Pompidou (matali crasset, Frédéric Migayrou et Yuki Yoshikawa, Hicham Berrada…), Victoria Le Bolloch-Salama et Florian Champagne, sont les voix des prochaines Visites du Centre Pompidou pour les expositions Galeries du 20e siècle (Musée, à partir du 22 mai 2019), Bernard Frize. Sans repentir (Galerie 3, 29 mai - 26 août 2019) ainsi que des expositions Takesada Matsutani (Galerie du musée), Ernest Mancoba (Galerie 0) et Sonja Ferlov Mancoba (Galerie d'art graphique) du 26 juin au 23 septembre 2019.

 

 

UN PODCAST, UNE ŒUVRE

 

Saison « Art et Féminismes »

4 Épisodes

L'émission Un podcast, une œuvre fonctionne par saison thématique autour de quatre œuvres: chaque mois, un épisode est diffusé pendant quatre mois. Chacun des épisodes aborde une œuvre des collections du Centre Pompidou à travers une grande question de société. Après deux premières saisons consacrées à la consommation et à l’utopie, Un podcast, une œuvre interroge en quatre épisodes les rapports entre art et féminismes: quelle est la place des femmes dans l’art ? Quelle est la capacité de l’art à bouleverser les mœurs et les modes de pensée ? Ces podcasts, qui peuvent être écoutés indépendamment d’une visite in situ, sont non séquencés et d'une durée de 15 à 20 minutes.

 

Les voix

Elsa Daynac 

Pour Un podcast, une œuvre la journaliste Elsa Daynac fait revivre d'anciennes archives sonores du Centre Pompidou en y mêlant des morceaux de musiques contemporaines, des interviews inédites et des points de vue inattendus. Les virgules sonores originales, conçues spécialement par la chanteuse Nawel Ben Kraiem et par Nassim Kouti, ponctuent cette immersion sonore dans les collections du Musée national d'art moderne.

 

Hors Série de l'Été, Les Rencontres d'Arles

Lydie Mushamalirwa

À l’occasion des 50 ans des Rencontres d’Arles, cette émission hors série d'Un podcast, une œuvre propose d’écouter l’œil de cinq photographes et d’interroger leur engagement social et politique à travers le thème de la frontière. Chaque épisode a pour point de départ une photographie ou une série de photographies appartenant aux collections du Centre Pompidou et réalisées par une artiste ayant participé aux Rencontres d’Arles. Susan Meiselas et Valérie Jouve comptent parmi les photographes présentées. Journaliste (RFI, Artistikrezo, Arte Radio..), Lydie Mushamalirwa vit et travaille à Arles.

 

 

☐ ☆ ✇ Panasonic Vidéo Pro – Le blog en français

Google Earth Studio: pilotez un drone depuis votre ordinateur

Par : Sébastien François — 9 mai 2019 à 07:56

Tout le monde connait Google Earth qui permet de se promener sur la planète. Mais il y a plus fort: Google Earth Studio passe à la 3D et permet ainsi de monter des séquences aériennes directement depuis votre navigateur. Finies les autorisations de vol en ville! Les résultats sont bluffants et préfigurent peut-être l’avenir du montage vidéo.

Google Earth Studio (que nous appellerons GES dans cet article), c’est un peu la suite logique de Google Earth. Cet outil en ligne permettait déjà beaucoup puisque l’on pouvait voyager sur toute la planète grâce à une banque phénoménale d’images satellite. Le problème, c’est qu’en zoomant au maximum, on se retrouvait avec une image « plate » et pixelisée. Si Google Earth a beaucoup été utilisé post-production avec cet effet de zoom depuis l’univers vers un point précis du globe, Google Earth Studio va bien plus loin:
– Les données du globe ont quasiment toutes été modélisées en 3D.
– GES est devenu un outil de création cinématique en ligne où l’on dessine ses propres trajets aériens, avec animation de tous les paramètres possibles (caméra, cible, heure du jour ou de la nuit, nuages…).
– Le logiciel permet aussi de générer des « track points » qui peuvent ensuite être utilisés dans After Effects pour ajouter des éléments (marqueurs, textes…). Et pour mieux se rendre compte des possibilités de l’outil, en voici la démonstration:

Nous allons donc faire un tour d’horizon de l’outil et vous montrer à quel point il est simple. Il permet ainsi d’ajouter des cinématiques à vos montages pour localiser des lieux par exemple. C’est bien sûr gratuit, à condition de laisser la « Watermark » de Google sur vos images.

Le principe

Attention, pour vous servir de GES vous devrez attendre quelques jours que Google approuve votre inscription. Pour ce faire, rendez-vous à l’adresse suivante: https://www.google.com/earth/studio/ et inscrivez-vous. Dans notre cas, il a fallu patienter 4 jours. D’autre part, GES ne marche qu’avec le navigateur Google Chrome (forcément), téléchargeable gratuitement sur n’importe quelle plateforme.
Ensuite, le fonctionnement est presque similaire à celui d’un logiciel de montage: une Timeline, des images clés pour animer les paramètres (trajet, cible, chemin…) et un moniteur de Programme qui va montrer en temps réel votre le vol virtuel de votre caméra. Nous allons réaliser l’exemple suivant qui montre Notre Dame de Paris avant qu’elle ne brûle:

Prise en main

Un fois connecté à GES, la plateforme en ligne vous propose de créer ou un « Blank Project » (Projet vierge), ou de choisir parmi des modèles d’animation déjà préconçus (exactement comme les modes de vol disponibles sur les drones). Pour plus de simplicité, on va choisir le mode « Fly to and Orbit » en cliquant sur « Quick Start »: autrement dit, on va voler d’un point A à un point B et effectuer une orbite autour de notre point d’intérêt.
GES_01

Il suffit ensuite de saisir la destination finale: dans notre cas « Notre Dame, Paris, France ». Le logiciel affiche aussitôt la vue satellite, puis, la simulation en temps réel du vol: vous pouvez changer l’altitude de d’arrivée, le rayon de l’orbite, l’angle d’approche… Tous ses paramètres seront bien sûr modifiables ultérieurement. Vos modifications sont appliquées en temps réel.

GES_02

Il ne reste enfin qu’à choisir la durée de l’animation. Par défaut, elle sera de 25 secondes. Vous découvrez ensuite l’interface du logiciel.

L’interface de Google Earth Studio

Par défaut, on ne dispose que de la vue finale en 3D. Il est donc préférable, pour affiner le trajet de la caméra, de passer en mode « 2 Viewports » grâce à l’icône de l’écran.
GES_03
A gauche, on visualise ainsi la carte et surtout le trajet de la caméra. De cette manière, on pourra très facilement customiser tous les mouvements et gérer les paramètres de déplacement. La Timeline quant à elle, montre toutes les images clés et la liste des paramètres. Dans notre exemple, on désire que le point de départ se situe dans l’espace et bien plus loin de Paris. Il suffit donc de placer la tête de lecture au début puis, de saisir une altitude de 35 Kilomètres, et, dans la barre de recherche, de taper « Frankfort » en Allemagne. Vous cliquez ensuite sur le losange de la rubrique « Camera Position » afin d’indiquer que vous avez modifié les images clés de position de la caméra.

GES_04
Si vous lancez la lecture, vous constatez donc que la caméra s’est positionnée au dessus de la ville allemande et ira jusqu’à Paris depuis le cosmos.
Astuce: Par défaut, GES effectue un trajet linéaire depuis l’espace, ce qui n’est pas très esthétique. Dans le menu Animation/Advanced, choisissez Logarithmic Altitude. Google va accélérer la descente vers le sol et arrondir la trajectoire, ce qui est bien plus satisfaisant.

Vous pouvez désormais sauter d’image clé en image clé pour modifier tout ce que vous désirez, et bien sûr créer des étapes sur le parcours.

Les paramètres supplémentaires

Vous aurez aussi compris que chaque point dans le Viewport « carte » correspond à une image clé de position de la caméra: vous pouvez ainsi les manipuler à loisir pour vous écarter de votre trajectoire initiale. Mais on peut aller encore plus loin. En cliquant sur Add attributes, on peut ajouter des paramètres supplémentaires, qui pourront eux aussi être animés: l’heure du jour ou de la nuit, l’angle de vue de la caméra, les nuages… De cette manière par exemple, en animant le Field of view (angle de la focale), vous allez pouvoir effectuer des zooms spectaculaires, ou, au contraire, élargir le champ pour avoir une vision panoramique de la scène.
GES_06

De plus, en sélectionnant une ou plusieurs images clés et en effectuant un clic-droit vous allez aussi pouvoir changer le mode d’interpolation de l’animation (ease-in, ease-out…) ou Auto-Ease (ce qui correspond à une courbe de Bézier automatique afin de lisser les mouvements).
GES_05

Les track-points et l’export

C’est une des autres forces de GES. Les track-points peuvent être ajoutés. Qu’est ce que ça veut dire? C’est qu’au moment de l’exportation du rendu final, GES va inclure des points de votre choix en 3D afin qu’un logiciel comme After Effects soit capable de « comprendre » les mouvements de la caméra et donc d’ancrer des éléments en 3D dans la scène. Pour mieux comprendre, contentez-vous d’ajouter un trackg-point sur la cible de la caméra (Notre Dame dans notre exemple) en effectuant un clic-droit sur la cible figurant la carte ou directement dans le moniteur final.
GES_07
Votre animation terminée, appuyez sur le bouton Render. Après avoir validé la durée et la résolution, passez à l’onglet « Advanced » et cochez la case « Include 3D tracking Data ». Lancez ensuite le rendu en cliquant sur Start. GES va générer toutes les images et vous proposer de télécharger un .zip.

GES_08

Ajoutez des éléments en 3D dans After Effects

Un fois le fichier téléchargé et décompressé, GES aura généré une suite d’images numérotées que vous pourrez importer en tant que film dans n’importe quel logiciel de montage. Mais le plus amusant est d’utiliser After Effects pour ajouter du texte 3D grâce au Track Points. Lancez After Effects, puis, depuis le menu Fichier/exécuter le script, sélectionnez le fichier .jsx généré par Google. Automatiquement, votre film est chargé dans une nouvelle Composition et surtout, After Effects a créé un objet nul et un calque de texte pour chaque Track-Point.
GES_09

Il suffit alors d’écrire n’importe quelle légende ou de lier à n’importe quel élément à l’objet nul pour qu’il soit modélisé en 3D et suive les mouvements de votre caméra. Vous n’aurez qu’à jouer sur l’orientation et la position pour qu’il matche avec votre scène. Ajoutez enfin un peu de motion blur et étalonnez un peu les images dans Lumetri pour qu’elles semblent moins artificielles et vous voilà avec des images de drone en version réalité augmentée.

Des ressources pour aller plus loin

Pour aller plus loin et en vidéo, nous vous recommandons ce tutoriel en français, du célèbre Stéphane Couchoud.

An anglais vous pouvez aussi suivre cette vidéo et la chaine associée.

 

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☐ ☆ ✇ CTM Solutions

CTM Solutions & R&S vous invite au 1er User Group "Clipster" le 23 Mai

Capture_decran_2019-05-08_a_22.51.27CTM avec Rohde & Schwarz vous invite à participer au 1er User Group France "R&S @Clipster"​ Mastering & Delivery – NAB 2019 un point sur les dernières nouveautés concernant : HDR ; IMF ; Dolby Vision... - Présentation du nouveau stockage R&S @SpycerNode le 23 Mai à partir de 14h30 chez CTM Solutions à Gennevilliers, inscription obligatoire :
☐ ☆ ✇ Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo

Curso de introducción a TouchDesigner por Juanjo Fernández (Gnomalab)

Par : volatil — 6 mai 2019 à 10:58

TouchDesigner es un software de aplicación en tiempo real desarrollado por Derivative. Funciona como una plataforma de desarrollo visual que proporciona las herramientas necesarias para crear todo tipo de proyectos en tiempo real. Ideal para realizar proyectos interactivos y vídeo mapping. Tiene un sistema de navegación particular, es compatible con una amplia gama de dispositivos, protocolos y herramientas externas que interactúan a través de sus respectivos operadores.

Imparte: Juanjo Fernández Rivero aka Gnomalab.

En este enlace toda la información y el programa.

No se requiere conocimiento previos del programa. El alumno debe traer ordenador portátil MAC o PC compatible.

Fecha: 25 y 26 de mayo 2019
Sábado 25 de 10h a 20h
Domingo 26 de 16h a 20h.
Lugar: Espai Erre (Barcelona)

Inscripciones aquí.

Más cursos organizados peor Derivative aquí.

La entrada Curso de introducción a TouchDesigner por Juanjo Fernández (Gnomalab) aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

☐ ☆ ✇ TRM

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Par : TRM Antoine — 6 mai 2019 à 10:11

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NDI Tool - Scan Converter - Window7

Par : Claude_bou — 5 mai 2019 à 22:53
Hi,
Is there any way to get an older version of NDI tools that will provide Scan Converter compatible with Win 7.
Thank you for your help.
☐ ☆ ✇ TRM

[Promo] -20% sur une sélection de produits Ledgo !

Par : TRM Antoine — 2 mai 2019 à 10:04

Jusqu’au 31 mai, bénéficiez d’une remise immédiate de -20% sur une sélection de produits Ledgo chez TRM (en boutique et en ligne sur trm.fr grâce au code LEDGO20).

Parmi cette sélection, vous trouverez des kits de panneaux LED et des fonds verts de haute qualité !

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Motion graphics

Par : neokinok — 1 juin 2018 à 13:11
Iniciación a Motion Graphics
Data del taller: 
20/06/2018 - 16:00 to 22/06/2018 - 20:00
Inscripció: 
Oberta
Preu: 
50 €

Fechas: Del 20 al 22 de Junio
Horario: De 17:00 a 20:00 H
Lugar de realización: C/ del Llatzeret 13, bajos, Barcelona (parada de metro Poble Nou)
Idioma: Castellano



Cada vez más, la gráfica en movimiento está presente en las pantallas de nuestros ordenadores, smartphones y tabletas, en el cine y la TV, en la publicidad que vemos en las calles y otros los espacios de uso público, este taller pretende ofrecer un panorama técnico de la utilización de After Effects como herramienta de creación de motiongraphics


Destinatarios:Taller de iniciación en motion graphics dirigido a cualquier interesado en incorporar animación digital dentro de sus propuestas profesionales. No se requiere experiencia previa pero sí ordenador portátil.


Objetivos: Conocer el funcionamiento general de After Effects así como la utilización de plugins y efectos para la elaboración de animaciones digitales en distintos formatos.

Contenido
MODUDO 1 Entorno en After Effects
• El espacio de trabajo (Interface) y su configuración
• Relación entre el proyecto y los archivos
• Configuración de inicio de una composición
• Uso de la ventana de proyecto
• Estructura interna de carpetas y almacenamiento
• Copias de seguridad de los proyectos
MODULO 2 conceptos
• Principios clásicos de la animación
MODULO 3 Animación I
• Importar archivos
• Organización de archivos y capas
• Utilización de keyframes
• Utilización de mascaras
MODULO 4 Animación II
• Capa de forma y animaciones
• Organización de archivos y capas
• Utilización de keyframes
• Utilización de mascaras
• Animación de tipografía
MODULO 4 Animación III
• Efectos
• Plugis
• Formatos de exportación
MODULO 4 Animación III
• 3D
• Iluminación
• Utilización de cámaras



Biografía del tallerista
Alvaro Muñozledo
Creativo audiovisual.www.mappingworld-lab.com

Master en artes digitales por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona y licenciado en comunicación audiovisual por la Universidad Del Claustro de sor Juana de México.
Su trabajo artístico incluye piezas audiovisuales en distintos formatos, reciclaje de tecnología, desarrollo de sistemas de interacción y colaboraciones con otros artistas.
Ha participado en distintas colectivas en México en recintos como; Museo Carrillo Gil, Museo Ex Teresa Arte Actual, Laboratorio Arte Alameda, Museo experimental Eco, Centro Multimedia CENART y Centro Cultural España. Ha participado en festivales como; LPM (Roma/México), SpaceVjMeeting (Polonia), VJ fest (Estambul), Festival Mediarte (Monterrey), Robot Festival (Bolonia), Festival Play (Barcelona), Mutek_ESP (Barcelona), Festival de video mapping en Pescara (Italia), Festival Internacional de Mapping en Gerona (España) en donde obtuvo el segundo lugar.
Fue residente artístico del MAC (Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa) De Coruña. Residente artístico en Laboratorio Symbolon en Barcelona. Actualmente forma parte de la mesa directiva de EX asociación de arte experimental y es coordinador de Industrias Creativas de Red de Talentos, en Barcelona.

Inscripcions/ register:
http://www.telenoika.net/tallers-2018

cicle-tallers
☑ ☆ ✇ Mediakwest - Formation

RAF/RADI, un bilan fructueux

— 30 avril 2019 à 16:00
Les RAF (Rencontres Animation Formation) et les RADI (Rencontres Animation Développement Innovation) proposent aux professionnels de l’animation un état des lieux très documenté du secteur. © Gregory Brandel/Pôle Image Magelis

Les RAF (Rencontres Animation Formation), qui fêtent leur dixième édition, et les RADI (Rencontres Animation Développement Innovation) continuent à questionner toutes les dimensions de la filière animation...

 

Elles font salle comble (plus de 340 professionnels en 2018) et débordent souvent sur leurs horaires impartis. Organisées par le Pôle Image Magelis (avec le CNC, le SPFA, la CPNEF Audiovisuel, l’Afdas, Audiens et la Ficam) et orchestrées par René Broca, les dynamiques rencontres professionnelles de l’animation (14, 15 et 16 novembre 2018 à Angoulême) ont su mettre en pratique les « vertus du débat public » en mettant face à face les professionnels de l’animation, les écoles, les institutions et les organisations syndicales. Leur bilan est flatteur.

Les chiffres de l’animation auscultés à la loupe (Les chiffres du secteur) autorisent des analyses fines du secteur dont la masse salariale a augmenté de manière spectaculaire ; l’étude souhaitée par le public des RAF sur les besoins réels en compétences et en formations des studios a donné lieu à plusieurs initiatives, dont la création d’une certification axée développement/programmation et d’un programme de Préparation opérationnelle à l’emploi (POE) porté par l’Afdas...

 

Pendants techniques des RAF, les RADI ne sont pas en reste. Ils ont su encourager les studios à exposer leurs pipelines de production de série ou de long-métrage, ainsi que leur logique de fabrication, voire leur R&D. Cette année, ce sont Cube Creative, Fortiche Prod, 2 Minutes, Tu Nous ZA Pas Vus Productions et TeamTO qui se sont prêtés au jeu. Sans oublier au passage de s’attarder sur des outils logiciels innovants qui font toujours l’objet de présentations très denses par leurs auteurs eux-mêmes.

Pour sa dernière édition, René Broca a tenu à mettre particulièrement en avant les TD (technical directors), la greffe réussie des logiciels libres avec un retour d’expérience probant, et à saluer l’ouverture de nouvelles écoles d’animation (preuve de la vitalité du secteur)… Autant de points forts qui ont relégué, temporairement, les inquiétudes des professionnels du secteur de l’animation face à la réforme de l’audiovisuel public qui sera mise en place courant 2020 (fermeture de France 4).

 

 

Focus sur les TD

Parmi la vingtaine de métiers aujourd’hui identifiés dans le secteur de l’animation et des VFX, les TD souffrent d’un déficit de reconnaissance. Interfaces entre les développeurs et les graphistes, ils sont pourtant les garants de toute chaîne de fabrication produisant du volume (long-métrage, série) dont les exigences de qualité et de productivité se montrent de plus en plus élevées. Avoir un suivi du projet à chaque étape et automatiser les tâches à faible valeur ajoutée artistique est devenu primordial.

« On ne s’autorise pas en France à parler de pipeline de production (organisation technique, workflow, solutions techniques trouvées...) comme s’il s’agissait d’un sujet tabou », rappelle le directeur technique Flavio Pérez (Les Fées Spéciales). « Cela ne facilite pas la connaissance de notre métier auprès des futurs professionnels et explique en partie la difficulté des studios d’animation et de VFX à embaucher des TD et des ingénieurs pour la R&D. »

 

Menée par Flavio Pérez, la table ronde Vous avez dit pipeline ?, qui réunissait Étienne Pêcheux (chef TD chez Illumination MacGuff) et Alexis Casas (Siggraph) et faisait suite à celle de l’an dernier, revenait sur l’intérêt à partager voire mutualiser certaines briques technologiques. Elle présentait également le groupe de travail Le Pipeline mis en place dans la foulée des RADI 2017, ainsi que la plate-forme lepipeline.org issue de leurs réflexions. Celle-ci prend soin d’inclure un glossaire des termes techniques qui, parfois, prêtent à confusion (assets, dataflow, workflow, etc.), et revient utilement sur la définition des métiers de la 3D, des postes et des tâches.

La plate-forme va surtout plus loin en évaluant les solutions commerciales d’Asset Manager, l’outil incontournable du pipeline, en précisant les formations de TD, considéré plus ici comme « un métier d’expérience » qu’un savoir théorique... Outre proposer à l’analyse des « postmortem » de productions (comptes-rendus), la plate-forme se propose de mettre en ligne, dans l’esprit de la communauté du logiciel libre, certaines briques logicielles et de constituer, à terme, des bonnes pratiques. « Il y a un besoin commun et urgent de communiquer et partager des expériences », écrit pour sa part Flavio Pérez dans le blog lepipeline.

Preuve que les échanges menés lors de l’édition 2017 ont porté leurs fruits, la branche professionnelle CPNEF Audiovisuel (Commission paritaire nationale emploi formation) vient de mettre en place un certificat de qualification professionnelle (CQP) expert technique. Résultant d’une étude conduite auprès des studios d’animation, celui-ci détermine le socle des compétences nécessaires au métier de TD et offre aux élèves ingénieurs une passerelle privilégiée vers ce secteur d’activité.

 

Lors de sa présentation aux RADI, le CQP, qui correspond à une formation de 400 heures en alternance, a reçu des marques d’intérêt de la part du réseau des écoles du Reca et d’ArtFX. Pour Ségolène Dupont (CPNEF Audiovisuel), le CQP peut se présenter sous la forme d’une formation en situation de travail (FEST) équivalente à du compagnonnage. Pour le CPNEF, la mise en place pourrait se faire au premier trimestre 2019.

 

 

Le libre profite à la série

À chaque édition, les RADI ne manquent jamais de mettre en avant des outils logiciels innovants (cette année, Kabaret et Golaem) et d’introduire de nouvelles méthodes prometteuses comme le plug-in open source MNPR (Maya Non Photorealistic Rendering) de rendu stylisé en temps réel pour Maya, développé par le LaBRI avec des chercheurs d’Inria Grenoble et de la Nanyang Technological University à Singapour.

Les RADI aiment également à revenir sur quelques cas pratiques. Cette année encore, les logiciels libres, qui se fraient une place de plus en plus importante dans les pipelines des studios, se retrouvent sur la sellette. Quelle place leur accorde la R&D ? Quel type de pipeline imposent-ils ?

 

Produite par Technicolor Animation Productions et fabriquée par Tu Nous ZA Pas Vus Productions*, la série télévisuelle 3D à fort volume, TeamDroniX (26 fois 22 minutes), témoigne d’une « reconversion » réussie vers le logiciel libre. Ouvert à Arles il y a neuf ans par Mathieu Rey, Thomas Giusiano et Marc Rius, ce studio a « basculé » vers le logiciel libre en 2017 : « Notre pipeline de fabrication était basé sur 3ds Max et Maya, décrit Mathieu Rey. Lorsque Blender est devenu opérationnel en production (à partir de la version 2.79), nous avons arrêté nos licences 3ds Max et Maya, et nous avons migré sur Linux. Du coup, notre pipe s’est grandement simplifié : il repose désormais sur Blender, Krita (à la place de Photoshop), le logiciel de suivi de production Kitsu (CG-Wire), FFmpeg pour encoder les vidéos... »

C’est ce pipe de production qui est utilisé sur la série TeamDroniX (réalisation Franck Michel et David Faure) pour laquelle Tu Nous ZA pas Vus Productions fabrique les nombreux assets 3D (une centaine de personnages, drones, etc.) en modélisation, rigging, texturing et animation. Ce pipeline est partagé, « à la virgule près », par Mikros Image (Technicolor) qui se charge des nombreux décors et « props », tandis que Malil’Art (Angoulême) effectue le compositing et les animations 2D (VFX).

 

Pour faciliter la communication entre les studios (Mikros travaille sur Shotgun), ont été développés en partenariat des nouveaux modules sur l’asset manager maison de Tu Nous ZA Pas Vus Productions, ainsi que des nouveaux outils open source : « Ces fonctionnalités étaient essentielles pour la série, mais n’existaient pas encore dans Blender, poursuit Mathieu Rey. Ainsi, pour le rendu sur Guerilla Render, nous avions besoin de réassigner automatiquement les textures aux personnages et de transporter les customs attributes. Second développement indispensable pour une production en multisite aux serveurs d’architecture différente : la création de variables d’environnement dans le filespath de Blender afin de faciliter l’échange des fichiers. »

À défaut d’être portées dans la nouvelle version de Blender, ces nouvelles fonctionnalités sont mises au fur et à mesure à la disposition des autres studios qui peuvent ainsi les mettre en production chez eux : « Le libre induit un nouvel état d’esprit et une nouvelle manière de collaborer entre les studios. Nous échangeons ainsi plus facilement avec ceux qui se sont équipés en même temps que nous, comme Cube Creative par exemple. »

 

 

Écoles, les nouvelles venues

À l’origine du Reca (Réseau des écoles françaises de cinéma d’animation), René Broca tenait à saluer la création récente de deux nouvelles écoles, l’ENSI à Avignon et VFX Workshop à Paris, et à revenir sur le contexte de leur ouverture. La plus inattendue est celle de l’ENSI. L’éviction brutale en janvier 2017 de Julien Deparis, directeur de l’école Mopa à Arles (anciennement Supinfocom), par la Chambre de commerce et d’industrie du Pays d’Arles avait suscité de très vives réactions de la part de l’équipe pédagogique, des étudiants et de leurs parents. Après avoir créé un comité de soutien, ceux-ci se sont réunis en comités de pilotage et ont réussi à persuader le directeur d’ouvrir une nouvelle école d’animation 3D afin de garantir aux élèves une continuité pédagogique et aussi rassurer le milieu professionnel inquiet de l’éventuelle disparition d’une filière renommée.

Ouverte en un temps record à Avignon, l’École des Nouvelles Images (ENSI), qui a repris une grande partie des élèves de Mopa, a été opérationnelle dès la rentrée 2017. Forte de partenariats avec l’Université d’Avignon et l’école ArtFx (Montpellier) ainsi que du soutien de grands noms de l’animation (Illumination Mac Guff, Mikros Image, TeamTO, Cube Creative...), la nouvelle structure (163 étudiants pour 2018) a obtenu le droit de délivrer un diplôme d’État dès sa première année de fonctionnement. Comme Mopa, elle forme en cinq ans aux métiers de l’animation 3D et son cursus, globalement inchangé, s’appuie pour l’essentiel sur l’enseignement de Maya (utilisé par la plupart des studios).

 

Autre aventure réussie, l’ouverture en 2017 de l’école des VFX-Workshop à Paris. Fondée par Renaud Jungmann (à l’origine des formations en animation 2D et 3D et jeu vidéo à LISAA) qui en est le directeur pédagogique, elle a pour but de former, en trois ans, des techniciens spécialistes des effets spéciaux numériques et de la postproduction. L’approche résolument technique de l’image se trouve à la base de cette école qui propose une alternative originale aux formations en animation plus orientées « Art appliqué ». L’école entend être un lieu d’apprentissage où les élèves acquièrent non seulement la connaissance des principaux outils logiciels (3D, motion capture...) mais aussi les principes de workflow spécifiques aux effets spéciaux numériques.

« Nous nous adressons à des élèves ayant une sensibilité à l’image photoréaliste sans forcément avoir des compétences en dessin, précise Renaud Jungmann. Dès la première année, ils apprennent à modéliser en 3D et à expérimenter les logiciels (14 sont accessibles dès la première année). Ils sont très vite amenés à décomposer l’image et à identifier les outils permettant de la produire. » Soutenue par le CNC (Centre national de la cinématographie), la formation, qui délivre le titre de « concepteur-technicien des effets spéciaux numériques », a accueilli sa première promotion en septembre 2017.

 

 

 

LES RAF PASSENT AU CRIBLE LE PLAN ANIMATION LONG-MÉTRAGE DU CNC

Salué par les professionnels présents aux RAF et très attendu par la filière, le nouveau Plan en faveur du long-métrage d’animation (soit une douzaine de mesures) concerne plusieurs directions du CNC (audiovisuel, cinéma, international, innovation vidéo et industries techniques).

Il permettra de mieux accompagner les films d’animation à toutes les étapes, du développement à leur distribution. En amont de la production, le plan prévoit entre autre un renforcement des dispositifs en place, dont l’aide au développement comme la « Passerelle animation ». Un producteur audiovisuel pourra ainsi mobiliser, en amont de la production d’un long-métrage d’animation, son soutien automatique (dans la limite de 40 %). L’aide au pilote sera également revalorisée et plafonnée à 100 000 euros par projet. La phase de production bénéficiera d’un bonus de 50 % du soutien automatique à la production (soit environ 400 000 euros de soutien automatique supplémentaire) et d’une majoration substantielle de 1,5 million d’euros de l’aide sélective à la création visuelle et sonore pour les films à dimension artistique.

 

Enfin, pour favoriser le rayonnement des films d’animation, le CNC élargit l’accès aux aides sélectives pour leur distribution dans l’hexagone. Les distributeurs étrangers d’œuvres françaises pourront également bénéficier d’une aide copilotée par le CNC et Unifrance (augmentation de 300 000 euros de l’enveloppe). Le plan de soutien du CNC (d’un montant de plus de 10 millions d’euros) résulte d’un an de concertation avec les professionnels du secteur de l’animation.

Pour le SPFA, il s’agit là de mesures fortes pour le film d’animation considéré comme le relais de croissance pour le secteur. Ce plan est entré en vigueur en janvier 2019.

 

* Lire à ce sujet « Tu Nous ZA Pas Vus Productions, un studio à Arles »

 

Article paru pour la première fois dans Mediakwest #30, p.106/108. Abonnez-vous à Mediakwest (5 numéros/an + 1 Hors-Série « Guide du tournage ») pour accéder, dès leur sortie, à nos articles dans leur intégralité.

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