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How to Find and Secure Locations for Your Next Film

In this article, we’ll look at resources for finding locations, and how to put the most "money on the screen" — not in the pockets — of ...

Building Your Own Car Rig — Commercial Insider Edition

Par : Rob Wayne

In this next video for fiscally clever car rigging, we'll break down the mission control setup inside the car. Plus, my experience with these techniques.

A Guide to Turning Your Podcasts into Video Podcasts

From podcaster to videomaker — how can you use video in podcasts, what are some different video styles, and how can you stay ahead of the growing ...

La semaine prochaine, grand concours des 15 ans du Mag LeCollagiste

15 ans LeCollagiste

Une brève rapido pour vous annoncer que la semaine prochaine je lance un concours pour les 15 du Mag du LeCollagiste en partenariat avec Millumin, HeavyM, Smode, Lumings, Blendy Dome VJ et Resolume.


6 jours de concours en 6 clics et pas moins de 17 licences et autres friandises en cadeaux.


À la semaine prochaine, rendez-vous le 18 novembre 2019 ici même.


15 ans Mag LeCollagiste


Translation, Übersetzung, Traducción, Tradução, Conversione, Vertaling, Tłumaczenie, перевод

15 ans Mag du LeCollagiste
Du 18 au 24 novembre 2019



La semaine prochaine, grand concours des 15 ans du Mag LeCollagiste est un billet de LeCollagiste VJ.
LeCollagiste VJ - Mag du LeCollagiste, actu sur la culture VJING, Vidéo Mapping, info video et high tech.

Sienna Presents NDI Access Manager for Linux

Par : livepad
Sienna Presents NDI v4.0 Access Manager for Linux
Translated into 11 languages, with pop up help for each field.
Most likely will be a free download.

Coming soon....

Intersections – The Frank-Ratchye STUDIO for Creative Inquiry Celebrates its 30th Anniversary

Intersections – The Frank-Ratchye STUDIO for Creative Inquiry Celebrates its 30th Anniversary
In October CAN headed to Pittsburgh to toast the 30th Anniversary of The Frank-Ratchye STUDIO for Creative Inquiry. The event was accompanied by "Intersections," a dynamic group exhibition showcasing many of the anti-disiciplinary works produced within the labs. Here, we review the show and share details about various included works.

Mocha Pro 2020 Packed with New Features for VFX Artists

The latest version of Mocha Pro just hit the scene, and it’s chock-full of new tools geared toward visual effects artists.

Costume Designer Ginger Martini on Production Prep and Post Process

PremiumBeat examines the important role clothes play in film and television in this conversation with fashion designer-turned-costume maven Ginger Martini.

The Battle for the Mid-Tier Cinema Camera Market: C500 Mark II Vs. FX9

For documentary, non-scripted, corporate, and reality work, the FS7 and C300 MII remain the top choices for filmmakers, owner-operators, and producers.

New NDI 4.0 version of NDI Monitor for iOS now available.

Par : livepad
Sienna released a new version of the NDI Monitor for iOS today.

The new app adds support for NDI4 sources (the previous version did not support NDI4 sources), NDI 4.0 discovery server, enhanced support for NDI Routing.

The biggest news is performance - the new version has much better performance, and now adds the option to enable full resolution NDI display - provided your device and your network connection can deliver that.

Its a great refresh for a unique and really useful app.

Currently still at the existing v1.0 price - but it will probably increase shortly - so if you don't already have it - there is a heads up.

The Ad Astra Editing Team On Creating “Quiet Intensity” in The Edit

The "Ad Astra" film editing team sat down with PremiumBeat to describe their process and what it's like working with director James Gray.

5 Preparation Tips for Directing Your Next Commercial

A well-prepared director is a good director. Take a look at five useful tips for preparing to direct any commercial spot.

The Best Scenario for Using Space Lights: An Introduction

Shooting in natural light, outdoors, can often be a limiting experience. Introducing the space light — a great alternative to outdoor lighting.

Services d’impression 3D : les prestataires en France

Avoir recours à la fabrication additive n’implique pas toujours la possession d’une imprimante 3D : il existe aujourd’hui de nombreux services d’impression 3D qui mettent à disposition leur savoir-faire et technologies pour créer tout type de pièce, du prototype fonctionnel […]

Getting Your Lights and Camera in Impossible Places

The Mini MAX is a great option to lighting a scene, giving the actors and camera the freedom to move and shoot at almost 360 degrees.

Adobe Unveils Auto Reframe and Other Video Editing Updates

Auto Reframe, Character Animator 3.0 and Premiere Rush app updates headline the latest Cloud updates announced at Adobe Max.

Get Schooled by These Timeless Film History Docs

Challenge your perspective with these documentaries on filmmakers, their tools, the histories they encapsulate, and the cultural context of their work.

Improve Your Podcast with Royalty-Free Music Tracks

The key to a successful podcast is establishing a unique-but-consistent image and tone. Here's how royalty-free music tracks can help.

Marta Verde

Marta is a Creative Coder and Digital Artists from Galicia, based in Madrid.

Originally, she studied Fine Arts, and now she is specialised in new media arts and digital technologies applied to the performance arts. She also teaches at the Fab Academy, as an expert in digital fabrication.

Marta develops visuals, interactive and generative graphics, as well as dynamic/interactive content for lighting design, custom electronic devices and wearables, interactive installations for musicians, dance and theatre companies, artists, designers and arts institutions.

Her work is constructed through the use of custom built software and hardware specific to each visual set, allowing her to manipulate all the content in real time and to explore the limits of visual noise, repetition and the link between the organic and the electronic.

She works primarily in Spain and Portugal on a wide variety of projects, from theatre to festivals. Marta has also performed at festivals such as Primavera Sound, LEV Matadero, Sonic Arts Festival, MIRA and WOS Festival.

She also has taught about technology and interactivity at: IED Madrid, Ephemereal Architecture Masters Degree at ETSAM Madrid, Medialab-PradoLa Casa Encendida ,Fundación TelefónicaBAUUOC, and has mentored Hackatons at Makers of Barcelona with

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3D light and audiovisual show by Huma and Eyesberg

This week, we caught up with Huma about his most recent project ‘Eva,’ to find out a little more about how his musical project developed into a live AV show. Huma is Andrés Satué’s personal project, an evolution from his early musical days in a rock band to his more recent progression into the world of electronic music. He’ll be performing ‘Eva’ at Mira Festival, Fabra i Coats, Barcelona, Thursday 7th November

Tell us a bit about the visual side of your show. What can the audience expect in terms of live A/V performance?

The idea is to treat light from a 3D environment by making the light beams coincide, forming geometric figures in motion in the air.

Have your created the visual part of the show yourself or collaborated with a visual artist? (If so, who and why?) If not, tell us about how you developed the project and any challenges you faced in dealing with both elements of the performance.

I’m working with Jose Vaaliña from Eyesberg studio. It was a very natural collaboration, we met after finishing two gigs I did in Barcelona and we talked about the possibility of working together as we have very similar ideas about the relation between music and visuals, now it’s happening and I can say we are both really happy with the results.

What tools and set up are you using for the show? 

We are using 5 powerful projectors, various smoke machines (fog and hazer) and also some visuals. The beams of light will react to sound to create a symbiosis between both. Also we will use some lights and strobes for punctual moments.

How do you feel about the importance of the visual experience in your projects past and present?

It is something I have always thought about as a very important element. Even when I played in rock bands lots of years ago we always carried a few lights to add impact to the final part of the show.

Since I’m working as Huma, I collaborated with Drömnu using visuals at the very beginning, then moved to colorful L.E.D.s, smoke and strobes working with Juan Pablo Larrazabal and now I wanted to try new things and Jose appeared. I like the idea of doing something immersive, not something that you have to look at the detail or that can distract the public but something that will enhance the music. 

You’ve been making music for more than 10 years now. What is the project that you are most proud of, or have the most attachment to so far?

Well, I’m always more attached to the last thing I’ve ever done. Even though I really think that ‘Eva’ and this show is the project in which I have worked the most on and the project I’m the proudest of to date.

Got any questions for Andrés, Eyesberg, or just want to share anything with us? Jot down your thoughts below 🙂

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This “Pocket Film School” Teaches Everything You’d Learn in Film School

Let’s examine why Pocket Film School is a great tool for your career by giving you real-world training for professional film and video production.

Primero el vídeo y después la música. Alba G Corral y Carles Viarnès · ‘The Dance’

Par : volatil

Hace unos años fuimos a ver un concierto del compositor y pianista Carles Viarnès con las visuales de Alba G Corral, verles actuar por separado es maravilloso, pero juntos hacen magia. Al terminar nos explicaron que estaban haciendo un proyecto juntos, Alba había creado una pieza visual y Carles tenía que «ponerle música», la idea era invertir el orden establecido.

Alba tituló al vídeo «The Dance» porque le sugiere unas telas que bailan. El tema que compuso Carles para este vídeo se llama «Collige Virgo Rosas«, que está disponible online desde hoy y forma parte de un disco que verá la luz el 15 de noviembre bajo el nombre «Nun» editado por Bankrobber. Hace unas semanas salió un primer single, que puedes escuchar también en Spotify, ‘Mira Gestorum’.

Tanto Alba como Carles se admiran mucho mutuamente y están encantados de actuar juntos. Este proyecto es un símbolo de este brillante trabajo en equipo que les ha llevado a cautivar a tantas personas desde distintos escenarios de teatros, festivales y salas de todo el territorio nacional.

Entrevistamos a Alba y a Carles para saber más sobre esta colaboración. Empezamos por Alba, respetando el orden de creación de este trabajo colaborativo.

¿Cómo surge la idea, cuándo y dónde?
Fue hace bastante tiempo, en una residencia artística en París, creé muchísimo material aquellos días. Los vídeos tenían una estética que me gustaba mucho. Llevaba tiempo pensando en hacer lo contrario a lo que se suele hacer. Los visualistas siempre hacemos visuales para una música ya realizada. Yo he trabajado mucho con Carles y cuando seleccioné el vídeo que quería que fuera «musicalizado», tuve muy claro que Carles haría su música.

¿Cómo es el vídeo, por qué lo seleccionaste?
Es un vídeo 2D plano. Este trozo viene de un ensayo, capturando la pantalla, me gusta mucho por la textura que me recuerda mucho a telas, estaba investigando sobre texturizar. El diseñador Alexandre Mc Queen me inspira mucho. Conseguí darle al vídeo un efecto 3d y cierto volumen. La moda siempre me ha atraído mucho. El vídeo al final eran como unas telas que se movían,  me gustaba el movimiento que hacían, como una danza, un movimiento simple pero bonito. De ahí el nombre: «The Dance».

¿Lo hiciste con processing como siempre o usaste algún otro software? 
Sí, usé Processing en tiempo real, lo grabé directamente del ensayo. Es una pieza única, no podría volver a salirme igual.

¿Actuaciones que destaques con Carles?
Eufònic Festival, Eufònic Urbà, Moià (Festival «Pensament, Obra i Acció») o el Teatre de l’ Aurora de Igualada. La verdad es que me gustan todos los bolos con él. Es uno de los músicos con los que más disfruto actuando. Él también tiene mucho vínculo con les Terres de l’Ebre, nos une una sensibilidad parecida aunque los paisajes sonoros y visuales sean distintos.

¿Qué opinas del resultado final de tu pieza visual con la música de Carles?
Me encanta ver cómo ha quedado, veo como el ritmo musical viene del movimiento del pincel y como ha conseguido crear esta dinámica del tema musical a partir de la intensidad y el silencio. Me encanta cómo lo ha convertido en música. A partir de un vídeo muy minimal, ha hecho maravillas con el piano. Además, me hace mucha ilusión que lo haya metido en el disco que acaba de sacar.

Entrevistamos ahora a la parte musical del proyecto, Carles Viarnès.

¿Cómo te definirías, músico, pianista, compositor?
Yo diría que compositor. Es lo que más me motiva del mundo de la música y donde creo que puedo aportar algo especial. He actuado como intérprete, tanto de fagot, de pianista o de cantante, y he disfrutado mucho, pero el misterio de la creación me atrapa mucho. Y me expreso sobre todo utilizando el piano como canal principal.

Has musicalizado un cortometraje y una obra de teatro, ¿nos haces una pincelada de estos dos proyectos?
“Für Elise” es un cortometraje taiwanés centrado en la famosa melodía para piano de Beethoven, que los camiones de basura de Taiwán utilizan para avisar que están pasando. Yo he hecho unas variaciones, adecuándolo a la dinámica del corto y aportando mi estilo. Primero me he tenido que reconciliar con la melodía que todo pianista ha acabado aburriendo, y después desgranarla y jugar con los cuatro elementos principales que tiene.
En cuanto a la obra de teatro, se estrenó en la Sala Muntaner el pasado mayo. Es la “Danza de muerte” de Augusto Strindberg, una historia de soledad, amargura, de existencia vacía, de una pareja viviendo en una isla. El último disco ‘Schematismus’ me sirvió de punto de partida, puesto que es piano solo, desnudo. Pero ha acabado evolucionando a una música más elaborada para expresar los diferentes matices de cada momento y cada personaje.

¿Es la primera vez que compones un tema a partir de un vídeo?
De un video tan abstracto sí. He compuesto para imágenes y secuencias más descriptivas, más argumentales, donde la música complementa un discurso visual ya de por sí bastante completo.

¿Qué te ha parecido la experiencia?
Ha habido muchas dudas y muchas sorpresas. Lo que pensaba que terminaría en uno o dos días, han acabado siendo varias semanas enteras. Tenía claro que quería conseguir un diálogo entre las visuales y la música y que ninguna de las dos partes podía predominar sobre la otra. La principal duda era dónde colocaba la música. Tenía la opción de seguir de lejos las visuales, como un fondo, con cada parte funcionando a su aire: esto me permitía hacer un discurso musical más coherente, pero era muy tentador acompañar los giros, las expresiones concretas de las líneas, para reforzar y complementar. Al final he optado por un término medio siempre que ha sido posible. He respetado sobre todo la estructura y las entradas de nuevos materiales.

¿Cómo está estructurada esta pieza?
Tiene dos partes, principalmente. Lo que he interpretado de las visuales de Alba es que la primera parte tiene una dinámica de líneas descendientes – no decadentes-, que dibujan giros pero que no se acaban concretando,  lo he plasmado con unos motivos musicales inocentes circulares que van descendiendo acompañante las líneas que bajan. La primera parte acaba con un punto emocional musical que corresponde con la entrada de color. La segunda parte, en cambio, la entiendo como ascendiente y constructiva, y los motivos musicales van en este sentido. Pero sobre todo lo que quería transmitir musicalmente es el hecho de que la figura que construye Alba sea tan imponente, tanto que parece un tótem, algo sagrado.

¿Cómo es trabajar con Alba? 
Fácil. Tiene un don. Cualquier cosa que hace destila magia y musicalidad. Es lo que tienen los artistas, que subliman aquello que tocan. Entonces poner música es, además de fácil, un placer.

¿Cuál es el show que habéis hecho juntos del que estás más orgulloso y por qué?
Hemos hecho unos cuantos, ya. Pero el primero fue muy especial y sorprendente, en el festival Eufònic Urbà de 2014. A pesar de ser el primero llegamos a un alto grado de compenetración: prácticamente estábamos explicando el mismo mensaje, los mismos matices emocionales, era un mismo lenguaje pero explicado por canales diferentes.

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Retrogaming made in France: 10 épisodes pour redécouvrir l’histoire de la création des jeux vidéo à la Française

Par : greg

Retrogaming Made in France plonge dans la légende de la “French touch” du jeu vidéo, à la (re)découverte du gameplay et des graphismes surannés de ces “hits” qui ont largement influencé ceux d’aujourd’hui. C’est l’histoire des origines de l’industrie du jeu vidéo en France en dix épisodes, dix jeux cultes, commentés par leurs créateurs mais … Continuer la lecture de Retrogaming made in France: 10 épisodes pour redécouvrir l’histoire de la création des jeux vidéo à la Française

ShareGrid Acquires BorrowFox in Plan to Expand to United Kingdom

The U.S.-based ShareGrid will absorb the peer-to-peer equipment sharing company BorrowFox, and expand ShareGrid into the UK in 2020.

Industry Insights: Bernie Su on His Emmy-Winning Series “Artificial”

Premium Beat spoke with Artificial creator, Bernie Su, who was game to answer some questions about this innovative, interactive experience.

The Mood Board: Set the Tone for Your Next Short Film

While there are no set rules for what goes in a mood board, I’m going to show you a few things you can include to help convey ...

Retrogaming made in France: 10 épisodes pour redécouvrir l’histoire de la création des jeux vidéo à la Française

Par : greg

Retrogaming Made in France plonge dans la légende de la “French touch” du jeu vidéo, à la (re)découverte du gameplay et des graphismes surannés de ces “hits” qui ont largement influencé ceux d’aujourd’hui. C’est l’histoire des origines de l’industrie du jeu vidéo en France en dix épisodes, dix jeux cultes, commentés par leurs créateurs mais … Continuer la lecture de Retrogaming made in France: 10 épisodes pour redécouvrir l’histoire de la création des jeux vidéo à la Française

Resumen de la mesa redonda sobre ‘Visualist’ en Valladolid: Seminci Transmedia 2019

Par : volatil

Después del estreno en Signal Festival de Praga, Visualist’ sigue de gira. Su estreno a nivel nacional fue en Seminci, la Semana Internacional de cine de Valladolid. La siguiente parada será el festival BIME PRO, que nos hizo un hueco en su programación de conferencias. Pedro Pantaléon dará una charla el miércoles 30 mientras muestra algunos fragmentos seleccionados del documental.

Volvamos a Seminci, llevamos ya tres años siendo mediapartner de una sección del festival que aborda temas relacionados con la visuales. Ya os contamos que incluyó en 2017 un ciclo de Live Cinema en su programación y generó también un espacio de debate para explorar el alcance de la práctica del Live Cinema, a demás de directos audiovisuales como el de Marta Verde & NegrøNegrø o Hector de la Puente. El año pasado ya empezó a hablarse de la «comunicación transmedia» y la «Realidad Virtual», con una mesa de debate en la que participó la visualista catalana Xarlene. También hubo directos audiovisuales como el de Los Voluble. Todo ello en el Teatro Zorrilla y  coordinado por bit:LAV.

Este año, apuestan por el formato fulldome y además de ser mediapartner, formamos parte de su programación, con la proyección de Visualist, Those who see beyond y una mesa redonda, en la que Oscar Testón y Pedro Pantaleón expresarían su visión sobre este nuevo arte que tantas etiquetas recibe: visuales, vjing, directos A/V, comunicación A/V, Live Cinema o el término más moderno «Creative coder», de esto y de muchos otros temas se habló en esta mesa redonda, que tuvo lugar de 18h a 21h, con la impulsora del Festival de Cine Ccvad, Virginia Diez, que moderó la mesa redonda sobre la creación transmedia.

Fue en la Sala Experimental del Teatro Zorrilla, con la presencia de uno de los directores del documental, Pedro Pantaleón; el productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.Com, Oscar Testón-Otu; la responsable del laboratorio AvLab, Manuel Prados de Medialab-Prado, Alberto de Espacio Tangente y Virginia Díez como moderadora. Entre el público, Manu Cid (co-director del documental), Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas) y Marta Verde (artista visual que aparece en ‘Visualist’).

En este caso entrevistamos a Pedro Pantaléon y Manu Cid, para que nos cuenten cómo fue la experiencia y qué temas se abordaron en la mesa redonda. Empezamos por Pedro.

¿Cómo fue la aventura de viajar a Valladolid a estrenar el documental en territorio nacional?
Oscar, Rubén, Manu y yo salimos juntos de Madrid y llegamos a Valladolid. Quedamos con Teresa de bit:LAV, que nos llevó al Teatro Zorrilla para hacer las pruebas técnicas. Después no dieron las acreditaciones y un libro con toda la programación. Nos hizo mucha ilusión aparecer en ese libro.

¿Cómo reaccionó el público a la proyección del documental?
La sala estaba llena, la gente se reía en los momentos en los que se tenían que reír. El público respondió muy bien, tuvo muy buena acogida. Virginia, la moderadora de la mesa redonda nos presentó y se inició el debate.  A mi derecha tenía Alberto que era es responsable del Espacio Tangente de Burgos, a mi izquierda tenía a Oscar, y junto a Oscar los responsables de MediaLab pro. Expliqué qué fue lo que nos motivó a hacer el documental y mi trayectoria como Videojockey.

¿Qué temas salieron? ¿Qué preguntaba el público?
Se habló del origen del Videojockey, cómo surge, cómo han llegado a exponer en museos, todo giraba entorno al hilo argumental del documental. Un señor nos hizo una pregunta muy buena. ¿Qué tipo de formación habían recibido los artistas que salían en el documental para poder llegar a hacer esas obras? Le parecía curioso que todos hicieran cosas tan diferentes. Las respuestas hacían referencia a la tecnología y al auto-aprendizaje de cada artista y eso explica por qué cada uno elige un camino distinto. Se habló de la comunicación transmedia, me hace gracia porque cuando yo estudié en la universidad ya se hablaba de esta palabra aunque aún no existía, 15 años después ya es una realidad.

Queríamos saber más, así que también entrevistamos a Manu Cid, el co-director de ‘Visualist’ que en esta ocasión participó desde el público.

¿Qué temas destacarías de los que se hablaron en la mesa redonda? 
Se habló de la necesidad de hacer este documental para dar a conocer esta escena que está tan en la sombra. Se estuvo hablando del tema de las etiquetas, que en realidad no tienen mucho sentido pero sirven para identificar lo que hacen cada uno de estos artistas. Y ahí saqué el tema  de cómo podíamos llamar a este «nuevo arte» de una forma más global, porque quizá si le ponemos una única etiqueta, si lo englobamos bajo un mismo concepto, quizá ese concepto, terminaría impulsando la escena de algún modo. ¿Cómo podríamos englobar todo esto para que llegara a más gente? Ahí cada uno daba su opinión. Salió muchas veces el nombre de “Creative Coder”, que sería lo más avanzado o lo más puntero ahora mismo. Otro tema interesante que salió fue la influencia de todo este desarrollo tecnológico en la sociedad. Tendemos a asociar la tecnología y la inteligencia artificial a cosas no necesariamente buenas. Se habló de la posibilidad de ser esclavos de esa misma tecnología.

¿Y el papel de la mujer en un sector mayoritariamente masculino?
Se habló del papel de la mujer, ahí Marta Verde dio su opinión, dijo que es un sector en el que hay más hombres que mujeres, aunque también se defendió la idea de que cada vez hay más mujeres y se mencionó a Xarlene y a Alba G. Corral.

¿Qué otro tema destacarías?
Otra cosa interesante que salió es que, a diferencia de otras disciplinas artísticas, los visualistas tienen backgrounds muy diversos. Arquitectos, matemáticos, ingenieros, y esto es algo que lo hace más interesante, rico, esto es algo que lo desconoce mucha gente.

¿Se habló de la evolución de la figura del Vj?
Realmente el videjockey lleva existiendo mucho tiempo, pero los shows actuales le dan más protagonismo. Aunque hay que tener claro que las visuales no son estrictamente necesarias, que dependen de la intención del directo y del espacio en el que se está trabajando.

Otro tema que surgió es “si siempre el Vj está detrás del músico, es el que sigue la música y pone las visuales” ¿Existe la posibilidad de que sea al revés? Teniendo en cuenta que el Vj es una figura que ha crecido y ha evolucionado subordinada a la figura del DJ y eso es lo que probablemente ha hecho que esté siempre en segundo plano. Se habló de la posibilidad de invertir esa idea. Oscar Testón comentó que lo había intentado, que había hecho una sesión en la que él ponía las visuales y el músico tenía que seguirlo a él, pero que había sido muy complicado.

¿Y la definición de VJ fue un tema del debate?
Hubo algunas intervenciones sobre qué es un Vj. Pedro dijo que para él un VJ es un visualista que trabaja con su propio material, graba y edita sus propias visuales para usarlas en sus sets o instalaciones, no para que «alguien» se le descargue de internet y lo use en beneficio propio. Yo se lo rebatí porque en realidad mientras tu tengas un discurso, tu puedes coger material ya creado, es algo que se ha hecho siempre, tanto en Live Cinema como en Vjing. Para Matt Black es el rey del Sample y sus obras siempre se han basado en usar muestras de creaciones de otros artistas tanto de vídeo como de audio, aunque luego haya desarrollado las suyas a partir de ellas.

¿Hacia dónde va todo esto? ¿Cuál es el futuro?
Una de las preguntas que se lanzaron fue «hacia dónde va todo esto», ¿cuáles son los límites?. Y ahí nadie tenía una respuesta clara, igual que el propio documental. Yo hice una intervención explicando que en los últimos festivales que he ido, como el LEV Matadero de la semana pasada, en el que hubo un espacio dedicado a la Realidad Virtual, en Seminci Transmedia que este año ha tenido mucho contenido relacionado con Realidad Virtual y en la última edición del Sónar Barcelona también hubo mucha presencia de VR e Inteligencia Artificial. ¿Quizá vamos hacia allí? Aunque al final, lo que yo pienso es que la realidad virtual es una de las muchas posibilidades a las que está abierto el mundo digital.

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El show audiovisual inmersivo de Desert & Desilence

Par : volatil

Desert y Desilence unieron fuerzas para crear un nuevo espectáculo audiovisual inmersivo en directo, un show absolutamente inspirador. Estrenado en el festival Sónar Barcelona 2019, la idea es que pueda ir mutando a medida que evolucione.

Tuvimos la suerte de vivir en primera persona este show, si leíste nuestra crónica del Sónar Festival Barcelona 2019 ya lo habrás visto. Incluso fue nuestra imagen de portada unos meses. Citamos textualmente «Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección». También te hablamos de Desilence y de su participación en el Eufònic Festival 2016.

Desert es el dúo compuesto por Eloi Caballé y Cristina Checa, una pareja de compositores / productores españoles que han ido captando lentamente la atención de toda España, Europa y Estados Unidos. Sus sonidos a menudo complejos pero hipnóticos son un ejemplo perfecto de sus universos creativos musicales únicos y prospectivos. Son versátiles y magnéticos, por lo que están abiertos a participar en diferentes campos, como los sectores audiovisual, de videojuegos o tecnológico.

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