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Resumen de la mesa redonda sobre ‘Visualist’ en Valladolid: Seminci Transmedia 2019

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Después del estreno en Signal Festival de Praga, Visualist’ sigue de gira. Su estreno a nivel nacional fue en Seminci, la Semana Internacional de cine de Valladolid. La siguiente parada será el festival BIME PRO, que nos hizo un hueco en su programación de conferencias. Pedro Pantaléon dará una charla el miércoles 30 mientras muestra algunos fragmentos seleccionados del documental.

Volvamos a Seminci, llevamos ya tres años siendo mediapartner de una sección del festival que aborda temas relacionados con la visuales. Ya os contamos que incluyó en 2017 un ciclo de Live Cinema en su programación y generó también un espacio de debate para explorar el alcance de la práctica del Live Cinema, a demás de directos audiovisuales como el de Marta Verde & NegrøNegrø o Hector de la Puente. El año pasado ya empezó a hablarse de la «comunicación transmedia» y la «Realidad Virtual», con una mesa de debate en la que participó la visualista catalana Xarlene. También hubo directos audiovisuales como el de Los Voluble. Todo ello en el Teatro Zorrilla y  coordinado por bit:LAV.

Este año, apuestan por el formato fulldome y además de ser mediapartner, formamos parte de su programación, con la proyección de Visualist, Those who see beyond y una mesa redonda, en la que Oscar Testón y Pedro Pantaleón expresarían su visión sobre este nuevo arte que tantas etiquetas recibe: visuales, vjing, directos A/V, comunicación A/V, Live Cinema o el término más moderno «Creative coder», de esto y de muchos otros temas se habló en esta mesa redonda, que tuvo lugar de 18h a 21h, con la impulsora del Festival de Cine Ccvad, Virginia Diez, que moderó la mesa redonda sobre la creación transmedia.

Fue en la Sala Experimental del Teatro Zorrilla, con la presencia de uno de los directores del documental, Pedro Pantaleón; el productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.Com, Oscar Testón-Otu; la responsable del laboratorio AvLab, Manuel Prados de Medialab-Prado, Alberto de Espacio Tangente y Virginia Díez como moderadora. Entre el público, Manu Cid (co-director del documental), Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas) y Marta Verde (artista visual que aparece en ‘Visualist’).

En este caso entrevistamos a Pedro Pantaléon y Manu Cid, para que nos cuenten cómo fue la experiencia y qué temas se abordaron en la mesa redonda. Empezamos por Pedro.

¿Cómo fue la aventura de viajar a Valladolid a estrenar el documental en territorio nacional?
Oscar, Rubén, Manu y yo salimos juntos de Madrid y llegamos a Valladolid. Quedamos con Teresa de bit:LAV, que nos llevó al Teatro Zorrilla para hacer las pruebas técnicas. Después no dieron las acreditaciones y un libro con toda la programación. Nos hizo mucha ilusión aparecer en ese libro.

¿Cómo reaccionó el público a la proyección del documental?
La sala estaba llena, la gente se reía en los momentos en los que se tenían que reír. El público respondió muy bien, tuvo muy buena acogida. Virginia, la moderadora de la mesa redonda nos presentó y se inició el debate.  A mi derecha tenía Alberto que era es responsable del Espacio Tangente de Burgos, a mi izquierda tenía a Oscar, y junto a Oscar los responsables de MediaLab pro. Expliqué qué fue lo que nos motivó a hacer el documental y mi trayectoria como Videojockey.

¿Qué temas salieron? ¿Qué preguntaba el público?
Se habló del origen del Videojockey, cómo surge, cómo han llegado a exponer en museos, todo giraba entorno al hilo argumental del documental. Un señor nos hizo una pregunta muy buena. ¿Qué tipo de formación habían recibido los artistas que salían en el documental para poder llegar a hacer esas obras? Le parecía curioso que todos hicieran cosas tan diferentes. Las respuestas hacían referencia a la tecnología y al auto-aprendizaje de cada artista y eso explica por qué cada uno elige un camino distinto. Se habló de la comunicación transmedia, me hace gracia porque cuando yo estudié en la universidad ya se hablaba de esta palabra aunque aún no existía, 15 años después ya es una realidad.

Queríamos saber más, así que también entrevistamos a Manu Cid, el co-director de ‘Visualist’ que en esta ocasión participó desde el público.

¿Qué temas destacarías de los que se hablaron en la mesa redonda? 
Se habló de la necesidad de hacer este documental para dar a conocer esta escena que está tan en la sombra. Se estuvo hablando del tema de las etiquetas, que en realidad no tienen mucho sentido pero sirven para identificar lo que hacen cada uno de estos artistas. Y ahí saqué el tema  de cómo podíamos llamar a este «nuevo arte» de una forma más global, porque quizá si le ponemos una única etiqueta, si lo englobamos bajo un mismo concepto, quizá ese concepto, terminaría impulsando la escena de algún modo. ¿Cómo podríamos englobar todo esto para que llegara a más gente? Ahí cada uno daba su opinión. Salió muchas veces el nombre de “Creative Coder”, que sería lo más avanzado o lo más puntero ahora mismo. Otro tema interesante que salió fue la influencia de todo este desarrollo tecnológico en la sociedad. Tendemos a asociar la tecnología y la inteligencia artificial a cosas no necesariamente buenas. Se habló de la posibilidad de ser esclavos de esa misma tecnología.

¿Y el papel de la mujer en un sector mayoritariamente masculino?
Se habló del papel de la mujer, ahí Marta Verde dio su opinión, dijo que es un sector en el que hay más hombres que mujeres, aunque también se defendió la idea de que cada vez hay más mujeres y se mencionó a Xarlene y a Alba G. Corral.

¿Qué otro tema destacarías?
Otra cosa interesante que salió es que, a diferencia de otras disciplinas artísticas, los visualistas tienen backgrounds muy diversos. Arquitectos, matemáticos, ingenieros, y esto es algo que lo hace más interesante, rico, esto es algo que lo desconoce mucha gente.

¿Se habló de la evolución de la figura del Vj?
Realmente el videjockey lleva existiendo mucho tiempo, pero los shows actuales le dan más protagonismo. Aunque hay que tener claro que las visuales no son estrictamente necesarias, que dependen de la intención del directo y del espacio en el que se está trabajando.

Otro tema que surgió es “si siempre el Vj está detrás del músico, es el que sigue la música y pone las visuales” ¿Existe la posibilidad de que sea al revés? Teniendo en cuenta que el Vj es una figura que ha crecido y ha evolucionado subordinada a la figura del DJ y eso es lo que probablemente ha hecho que esté siempre en segundo plano. Se habló de la posibilidad de invertir esa idea. Oscar Testón comentó que lo había intentado, que había hecho una sesión en la que él ponía las visuales y el músico tenía que seguirlo a él, pero que había sido muy complicado.

¿Y la definición de VJ fue un tema del debate?
Hubo algunas intervenciones sobre qué es un Vj. Pedro dijo que para él un VJ es un visualista que trabaja con su propio material, graba y edita sus propias visuales para usarlas en sus sets o instalaciones, no para que «alguien» se le descargue de internet y lo use en beneficio propio. Yo se lo rebatí porque en realidad mientras tu tengas un discurso, tu puedes coger material ya creado, es algo que se ha hecho siempre, tanto en Live Cinema como en Vjing. Para Matt Black es el rey del Sample y sus obras siempre se han basado en usar muestras de creaciones de otros artistas tanto de vídeo como de audio, aunque luego haya desarrollado las suyas a partir de ellas.

¿Hacia dónde va todo esto? ¿Cuál es el futuro?
Una de las preguntas que se lanzaron fue «hacia dónde va todo esto», ¿cuáles son los límites?. Y ahí nadie tenía una respuesta clara, igual que el propio documental. Yo hice una intervención explicando que en los últimos festivales que he ido, como el LEV Matadero de la semana pasada, en el que hubo un espacio dedicado a la Realidad Virtual, en Seminci Transmedia que este año ha tenido mucho contenido relacionado con Realidad Virtual y en la última edición del Sónar Barcelona también hubo mucha presencia de VR e Inteligencia Artificial. ¿Quizá vamos hacia allí? Aunque al final, lo que yo pienso es que la realidad virtual es una de las muchas posibilidades a las que está abierto el mundo digital.

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El show audiovisual inmersivo de Desert & Desilence

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Desert y Desilence unieron fuerzas para crear un nuevo espectáculo audiovisual inmersivo en directo, un show absolutamente inspirador. Estrenado en el festival Sónar Barcelona 2019, la idea es que pueda ir mutando a medida que evolucione.

Tuvimos la suerte de vivir en primera persona este show, si leíste nuestra crónica del Sónar Festival Barcelona 2019 ya lo habrás visto. Incluso fue nuestra imagen de portada unos meses. Citamos textualmente «Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección». También te hablamos de Desilence y de su participación en el Eufònic Festival 2016.

Desert es el dúo compuesto por Eloi Caballé y Cristina Checa, una pareja de compositores / productores españoles que han ido captando lentamente la atención de toda España, Europa y Estados Unidos. Sus sonidos a menudo complejos pero hipnóticos son un ejemplo perfecto de sus universos creativos musicales únicos y prospectivos. Son versátiles y magnéticos, por lo que están abiertos a participar en diferentes campos, como los sectores audiovisual, de videojuegos o tecnológico.

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Crónica del estreno de ‘Visualist’ & nuestro Top 6 de obras del Signal Festival 2019

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El Festival de la luz de Praga, Signal Festival, llegó a su 7ª edición, más maduro, más contundente y con varias propuestas que nos llamaron la atención. El año pasado cubrimos el festival y realizamos una pequeña pieza de vídeo resumiendo nuestra experiencia. Esta vez era distinto, íbamos a presentar el documental «Visualist, Those Who See Beyond” en el cine Svetozor, un referente del cine de culto e independiente en Praga. Tuvimos la suerte de ver todas las instalaciones de esta edición (más abajo destacamos las que más nos gustaron) y descubrir Praga con otros ojos, en equipo. Un equipazo formado por los directores del documental (Pedro Pantaleón & Manu Cid), el productor Oscar Testón, Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas), Sergio Testón (responsable de la post-producción de sonido) y una servidora, Paula Taboada (Volàtil), liderando las redes sociales y gestionando la comunicación del docu.

El cine Svetozor resultó ser la localización ideal para este estreno mundial. Una sala acogedora de unas 50 butacas y con espectadores que venían, en su gran mayoría, del sector visual, «arte digital». El director del Festival, Martin Posta, integrante también de la selección de artistas que aparecen en el documental, hizo una presentación a la altura de nuestras expectativas y a la altura del film. Manu Cid explicaba que el documental pretendía ser una declaración de intenciones y Pedro Pantaléon presentó a cada uno de los del equipo, comentando qué función teníamos cada uno. Después de ver la pieza, la rueda de preguntas tocó temas como el criterio de selección de artistas entrevistados, qué artistas fue imposible entrevistar, aprendizajes que salieron de su realización o la relación entre sus directores. Conocimos a varios artistas como Gonzalo Soldi de HUB Studio y terminamos de cañas con él y Martin Posta.

Este año el «about» de la web del festival era claro y contundente con el tema que abordaba. Citamos una parte: «Revolución. Estamos en el umbral de la cuarta revolución industrial. Cada minuto, la inteligencia artificial, la nanotecnología, la biotecnología, la movilidad autónoma y la impresión 3D transforman el mundo que nos rodea. Sin embargo, la revolución también se percibe como un cambio en el sentido amplio de la palabra. Mejora, transformación, en términos generales o simplemente personales. Cambio de la sociedad o revolución de los descubrimientos y métodos científicos.

Desde sus inicios, el Signal Festival ha experimentado una revolución. Partiendo del espectáculo de videomapping y el diseño de luces, ha crecido hasta convertirse en un festival de arte digital respetado y un evento de arte / tecnología que actualmente pertenece a los más importantes de la República Checa.

Y sin más preámbulos, pasamos a destacar las 6 obras que más nos impactaron. No necesariamente en este orden.

El estudio Nohlab nos sorprendió con un vídeomapping lleno de texturas y absolutamente sincronizado, dando como resultado una pieza sólida e intensa que te atrapaba desde el minuto 1. La fachada de la iglesia de Saints Cyril and Methodius parecía tener vida propia.

Mapping 3D de la mano de Skilzstudio. Su pieza ‘Evolution’ cuenta la historia del deseo humano de un futuro mejor. El estudio cuenta con guionistas, directores de arte, ilustradores, diseñadores de movimiento y modeladores 3D, y generalmente muestra una fuerte estética del color, la accesibilidad de la audiencia y una historia sólida.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Los rusos Dreamlaser nos impactaron con una instalación no apta para epilépticos. Este estudio especializado en instalaciones audiovisuales de gran formato y espectáculos multimedia, ha recorrido todo el mundo realizando proyectos artísticos. Dentro del edificio Kooperativa Gallery, un recorrido circular se veía interrumpido por un juego de lásers que aparecían, desaparecían y se movían con cierta agresividad, poniendo a los espectadores en estado de alerta o peligro. La instalación se dividía en 4 partes, diferenciadas por el sonido, la música y un juego de espejos.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

La instalación Big Light nos explotó la cabeza a todos. A ver cómo explicamos esto. Los artistas Federico Díaz, Rafani, JM Ledgard, Dmitry Nikitin, Jan Hladil, Petr Pufler, Jonáš Rosůlek y Alan Tois fueron llamados para realizar una tarea difícil: ayudar a comprender y presentar un nuevo descubrimiento, un hallazgo inesperado de una serie de artefactos barrocos escondidos debajo del patio de Invalidovna del barrio Karlín y en el archivo militar local. Robots que descubren capas de tierra, humo de incienso, láser, ruidos y sonidos por el grupo de arte Rafani.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Adam Cigler & Petr Vacek (CZ) presentaron Reflection, una pieza que consiste en espejos móviles que reflejan y transforman el mundo. El espectador que se acerca al escenario iluminado se convierte en parte de la obra de arte. Estos dos jóvenes arquitectos exploran la interconexión sinérgica de las nuevas tecnologías y el proceso creativo del arte.

Foto: Pedro Pantaleón (Refractivo)

Memo Akten es un artista, científico y matemático apasionado de Estambul. Está interesado en la mezcla de naturaleza, ciencia, tecnología, ética, tradición y religión. Se inspira en la física, la biología molecular y evolutiva, la ecología, la neurociencia, la antropología, la sociología y la filosofía. Su pieza, localizada en el Museo de la Música de Praga, combinaba un juego de luces con unas proyecciones que interactuaban con ellos y con la música.

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Estreno en España del documental “Visualist” · Seminci Transmedia 22 de octubre

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El documental «Visualist» sigue de gira. Después de su premier en Signal Festival de Praga, llega a Valladolid para su estreno en España. Después de la proyección, tendrá lugar una mesa redonda con sus directores y otras figuras representativas de la cultura audiovisual nacional para debatir sobre algunos de los temas que aborda el film. ¿Qué es el arte AV o arte audiovisual? El documental lo presenta como un formato artístico sólido, diverso y profundo que surgió de la escena de club y logró atravesar las puertas cerradas de las mejores galerías del mundo. Un formato que pertenece al futuro.

Robert Henke

La Semana Internacional de cine de Valladolid Seminci, incluyó bajo la sección “Seminci TRANSMEDIA” en su 62ª edición un ciclo de Live Cinema en su programación de la mano de bit:LAV, el año pasado sumaron una de las caras más innovadoras del cine actual: la realidad virtual. Este año, para la 64 SEMINCI, bit:LAV se atreve también con un nuevo escenario y un nuevo formato: el Fulldome en el Planetario del Museo de la Ciencia.

El ciclo dará comienzo el día 22 de octubre de 2019 con el estreno en España del documental Visualist, Those who see beyond de Manuel Cid y Pedro Pantaleón, que estarán acompañados en una posterior mesa de debate moderada por Virgina Díez, impulsora y co-directora del Festival de Cine Creative Commons de Valladolid (ccVAD).

Herman Kolgen

En este debate también participará Óscar Testón – OTU, productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.com; Patricia Dominguez Larrondo, responsable del Laboratorio audiovisual AVLab de Medialab-Prado; Manuel Prados Sánchez, artista y productor cultural, coordinador del Laboratorio de Realidades Sintéticas y Agencia_RV en Medialab-Prado y AlHuerto, impulsor del festival de artes visuales y sonoras DUAL CLUB que tiene lugar en el Espacio Tangente, centro de creación contemporánea independiente de Burgos.

Te dejamos a continuación la programación por horas de las actividades de Seminci Transmedia 2019.

ESTRENO VISUALIST & MESA DE DEBATE
¿Dónde? Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
¿Cuándo? 22 Octubre 18h – 21h

-Proyección documental: Visualist, Those who see beyond, Pedro Pantaleón, España
-Mesa de debate: Creación transmedia: nuevas narrativas y lenguajes vinculados al arte audiovisual.

REALIDAD VIRTUAL
Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
23, 24 Octubre 11h-13h 17h-20h
25 Octubre 17h-20h
CROW The Legend VR (Inglés) EEUU 2018 18’
ZERO Days VR (Inglés) EEUU 2017 22’
Dinner Party VR (Inglés) EEUU/ Puerto Rico 2018 14’
Kinoscope VR (Inglés) Francia 2017 10’
La Fuga L. 360º VR (Español) México 2018 7’
Perdido en el Tiempo VR (Español) España 2018 16’
El Sueño de la Hija del Jaguar VR (Español) EEUU / México 2019 8’

FULLDOME
Planetario – Museo de la Ciencia, Av. de Salamanca, 59, Valladolid
24, 25 Octubre 18h

Sacred Geometry, Darklight Studio
IMMERSIVE, Jeremy Oury
end(O), Alba G Corral & Alex Augier
GENESIS, Gnomalab
SPHERE, Mickaël Le Goff & Robert Koch
Latent Space, Monocolor
Bio Inspire, VOID

De nuevo bit:LAV acerca a la ciudad de Valladolid las propuestas tecnológicas más novedosas y ofrece nuevas formas de entender la creación fílmica. Porque hoy, para el cine, no existen los límites de la pantalla.

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Festival Visual Brasil llega a su 17 edición 27 y 28 de septiembre Barcelona

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El Festival Visual Brasil, que se celebra el jueves 26, viernes 27 y el sábado 28 de septiembre en el Punt Multimèdia del Parc de l’Espanya Industrial, contará con videoarte, mapping 3D, performances audiovisuales y talleres sobre la producción de vídeo en tiempo real, la cultura de la creación libre y los nuevos formatos colaborativos. La entrada es gratuita.

Participan más de 60 artistas, colectivos locales e internacionales y actividades repartidas en dos escenarios: el Escenario VB celebrará las noches dedicadas a la música tropical latinoamericana, todos los shows acompañados de los mejores artistas visuales, y el Espacio TKLAB que está dedicado a propuestas más experimentales.
Y el viernes 27 de septiembre a las 22.00h. se proyectarán mappings 3D en la fachada del Punt Multimèdia creados por varios artistas visuales.

OPENING
La noche del jueves 26 de septiembre celebrará la apertura del festival con un debate con los artistas Laura Ramirez (Optika), Gianluca Del Gobbo y el proyecto Métron

El artista Rumbo Tumba con ritmos andinos crea una atmósfera de luz y movimiento que invita a bailar. En la segunda presentación de la noche, el artista argentino Microfeel hará un show audiovisual en directo para presentar su nuevo trabajo, Fractal Synesthesia.

La noche del viernes 27 de septiembre Visual Brasil celebrará una gran fiesta con lo mejor de la música tropical.Estas sesiones irán acompañadas de los visuales de VJ Gago, VJ Ovideo , Vinicius Luz, integrante del premiado colectivo VJZARIA, Vini Fabretti, Carol Santana y MarQu Vr.

La noche del sábado 29 de septiembre los visuales correrán a cargo de los hermanos brasileños VJ Eletroiman y Homem Gaiola, Marina DND y Nai, el catalán Neokinok y Optika, también conocida como Laura Ramirez, VJ HADRON y el colectivo TKLAB.

TKLAB, EL SEGUNDO ESCENARIO
El segundo escenario de Visual Brasil está dedicado a propuestas más experimentales. El viernes 27 de septiembre se celebrará la Sesión Algorave -TOPLAP con música y visuales generados con código en directo. Poetry in the Darkness – KØMMEN es un Live AV onírico acerca de la identidad y la memoria. La última presentación irá a cargo de MoOoM & Dabba – VJ Waldemar.

El sábado 28 de septiembre actuarán la artista Periférica – Chochopower, con una presentación audiovisual contestadora y política sobre el feminismo contemporáneo. El artista independiente Elijah Okello nacido en Uganda y criado en DK, además de las presentaciones de Synchron, MoOoM & Pangea, GAYONCÉ ROSE, y [sudo]_unReal producida por Marina DND y Juan Andres Carcamo aka Vj Nais.

MAPPING 3D EN LA FACHADA DEL PUNT MULTIMÈDIA
Varios estudios creativos y artistas presentarán cada uno un mapping 3D, tendencia mundial de realización audiovisual, en la fachada del Punt Multimèdia. Los mappings únicamente se podrán ver el viernes a las 22.00hs. Los estudios que participan son: Darklight Studio, Vini Fabretti, Homem Gaiola, Marqu VR, Chema Siscar y VJ Lê Pantoja.

PERFORMANCES AUDIOVISUALES
La programación de la 17a edición de Visual Brasil también incluye performances e instalaciones:
LA MANTISHeidi Valda & Gemma Reverter crea una nueva herramienta para la animación de marionetas basada en programación de software libre.

MÉTRON es una instalación audiovisual que explora la percepción del espacio.

Homem Gaiola con la escultura lumínica Espiral de transmutación enfatiza la importancia de la naturaleza con las tradiciones ancestrales tales como el Chamanismo y el Candomblé.

Dopamina de la artista Babi Avelino es una instalación de video con imágenes suyas cotidianas.

Somos Naturaleza del VJ ELETROIMAN trabaja el concepto de sabiduría y espíritu de las plantas a través de un mapping realizado en una gran máscara.

Instalación láser interactiva de DIMA VJ desarrolla la sincronía audiovisual a partir de la proyección láser.

TALLERES Y OTRAS PROPUESTAS DE FORMACIÓN
LED LAB – Escenarios mutantes

TALLER de LED Mapping y Stage Design
Días: 26 y 27 de septiembre 2019
Horario: de 16 a 20 hrs
Lugar: Punt Multimedia, Casa del Mig, C/ Muntadas 1
Precio: 75€
Inscripciones:
https://www.telenoika.net/tallers-2019
Más información en www.telenoika.net/tallers o tallers@telenoika.net

INFORMACIÓN PRÁCTICA
17 Festival VISUAL BRASIL
Jueves 26, Viernes 27 y sábado 28 de septiembre Entrada libre
Horarios: Jueves de 20.00h. a 23.00h. Viernes de 18.00h. a 01.00h. Sábado de 18.00h. a 02.00h.
Lugar: Punt Multimèdia, Casa del Mig, Parc de l’Espanya Industrial C/ Muntadas, 1, Barcelona

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LEV Matadero Madrid del 17 al 20 de octubre 2019

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LE.V. Festival llega a su 13ª edición en Gijón del 2 y el 5 de mayo y, como novedad, estrena su programación en el centro madrileño de creación contemporánea, Matadero,  del 17 al 20 de octubre. L.E.V o el Laboratorio de Electrónica Visual tendrá lugar en ambas ciudades. Además, el line up del festival, se potenciará con propuestas concretas deslocalizadas denominados LEVents.

Os dejamos con el resumen visual de la edición anterior en Gijón.

Como viene siendo habitual, nos ofrecen shows audiovisuales singulares, directos, conciertos, instalaciones, workshops y residencias artísticas. En Matadero Madrid, el festival se centra en experiencias inmersivas, directamente relacionadas con la realidad virtual, instalaciones de sonido envolvente, en definitiva, las nuevas narrativas nacidas de la mezcla de todos estos lenguajes actuales.

L.E.V. Festival desarrollará su propio laboratorio de experimentación, innovación y descubrimiento en Matadero Madrid durante cuatro días. El público podrá acceder a un circuito de experiencias únicas, y acercarse así a la creación audiovisual más experimental.

Propuestas que no queremos perdernos en LEV Matadero 2019.

«EXALAND» es una performance audiovisual que utiliza los “controladores portátiles” de Remidi para interactuar con sonidos e imágenes a través de una proyección en vídeo audiorreactiva y un vídeo audiorreactivo de realidad virtual 360° en los dispositivos móviles del público

Spime.im es un colectivo artístico que emplea proyectos transmedia para investigar las estéticas y los idiomas derivados de la afirmación de la realidad digital.internacional.

El músico, productor y artista contemporáneo estadounidense James Ferraro estrenará en L.E.V. Matadero una composición de música generativa inspirada en Requiem for Recycled Earth, la primera parte de su gran obra épica Four Pieces of Mirai. Ferraro construye una alegoría filosófica sobre el declive de la civilización y muestra un presente distópico bajo el manto de una partitura poética y contemplativa.

Un sistema de música generativa interpretada en directo con acompañamiento de flauta y oboe y en formato audiovisual producto de la colaboración de Ferraro con el artista digital Maotik, que ha sido compuesta específicamente para ser sentida y escuchada por el sistema de sonido Soundscape que se instalará en la Nave 16.

Pedagogy es el nuevo proyecto de Nate Boyce y Eli Keszler. Nate Boyce es un músico y artista visual que lleva más de una década exponiendo sus vídeos, esculturas y performances por todo el mundo. Eli Keszler es un artista, compositor y percusionista de Nueva York. Su música, sus instalaciones y sus obras visuales se han expuesto en numerosos museos a nivel internacional. El dúo trabaja en las fronteras de la hard fusion, el metal, la electrónica y las percusiones industriales.

Nkisi es el seudónimo de Melika Ngombe Kolongo, que utiliza su actividad como productora, músico, DJ y comisaria para canalizar sus constantes investigaciones en el campo del sonido como herramienta de comunicación más allá de lo puramente lingüístico. Actualmente trabaja en Initiation, un proyecto que cuestiona de forma radical y visceral el formato de concierto audiovisual, en colaboración con el artista visual Charlie Hope.

Marta Verde es artista visual y programadora creativa. Su trabajo se construye a través del uso de software y/o hardware personalizado y específico para cada conjunto visual, lo que le permite manipular todo el contenido en tiempo real y explorar los límites del ruido visual, la repetición y el vínculo entre lo orgánico y lo electrónico. También le hará las visuales a Héctor Sandoval (50% de Exium), que tras veinte años y más de cien trabajos publicados a lo largo de su carrera, crea un nuevo proyecto llamado Tensal.

La nueva sección Vortex de L.E.V. Matadero está centrada en proyectos nacidos en la intersección entre cine, arte y tecnología, el videojuego y la creación electrónica.

Vortex prestará especial atención a propuestas de creadores canadienses a través de un Focus Quebec que integrará propuestas como Eternity Be Kind, una experiencia colectiva de la artista Myriam Bleau y el avatar digital LaTurbo Avedon que propone un futuro distinto de representación en lo musical y en lo personal navegando entre el hyperpop, el simbolismo mítico y los toques barrocos; Membrane, de Push 1 stop & Wiklow, una obra de creación generativa, a medio camino entre la performance y la instalación audiovisual, que, a modo de trampantojo, redefine la percepción del espacio y la luz; y la performance retrofuturista Imaginary Optics I & II de Maxim Corbeil-Perron que, a través anaglifos estereoscópicos (las gafas 3D de toda la vida), creará una poderosa experiencia envolvente.

LaTurbo Avedon es un avatar y una artista creada en el espacio virtual. Su trabajo gira en torno a la autoría y la identidad no físicas. Myriam Bleau es una compositora, artista digital e intérprete radicada en Montreal que crea sistemas audiovisuales que van más allá de la pantalla, como instalaciones sonoras e interfaces musicales para performances. LaTurbo Avedon interpreta la música de Myriam Bleau en una performance audiovisual multiplataforma.

No queremos perdernos ni un solo directo de los que ofrece VORTEX. Aquí algunos vídeos para que se os pongan los dientes largos. En otro artículo profundizaremos un poquito más sobre todos los directos de esta sección.

El acceso al subconsciente a través de los sentidos será el germen de Infiltrate Live av, el nuevo proyecto audiovisual de Shoeg.

 

 

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Eufònic Festival 2019 · Destacamos su parte más visual

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Eufònic es un festival alrededor de las artes sonoras, visuales y digitales, de cuatro días de duración (del 5 al 8 de septiembre) y que se celebra en Sant Carles de la Ràpita y, de mediados de agosto a mediados de septiembre, se expande con instalaciones artísticas a varios espacios de Terres de l’Ebre: Amposta, Miravet, Roquetes, Tortosa y Ulldecona. Eufònic son artes excepcionales en su más amplia acepción: actuaciones audiovisuales, talleres, instalaciones en espacios museísticos, acciones sonoras, actividades para el público familiar y conciertos en espacios singulares. En Eufònic hay espacio para todo tipo de propuestas, siempre con la experimentación y la búsqueda constante como objetivo, lejos de fórmulas preestablecidas.

La jornada Eufònic Pro se celebrará el viernes 6 septiembre de 11:00 a 17:30 en el nuevo y remodelado Maset Espai Jove de Sant Carles de la Ràpita y se configura como un programa transversal de actividades teóricas y prácticas. Tomando el relevo a la jornada #supportvisualists, celebrada los últimos tres años.

Las actividades contarán con ponentes como Natalia Fusch (programadora del festival Gamma de San Petersburgo), las creadoras Elena Juárez y Sofía Crespo, el coreógrafo Roberto Oliván (Deltebre Dansa), Pete Thornton (programador del festival Splice de Londres), Néstor Torrens (director del festival Keroxen de Canarias), Pat Quinteiro (prensa y comunicación de festivales como Jazz Formentera o Mutek Barcelona), Luis “Kitas” Banrezes (del festival Tremor de Las Açores), Olivier Rappoport (Mixtur) y Albert Pujol (Fira Litterarum), entre otros.

Con inscripción gratuita, Eufònic Pro es un punto de encuentro para los profesionales de la creación y la gestión cultural multidisciplinaria, en una ventana abierta y bidireccional al mundo de la creatividad entendida en todas sus vertientes que incluye la música, las artes visuales y digitales y las artes escénicas y en movimiento, siempre con el objetivo de fortalecer el conocimiento y contribuir a su transformación.

DESTACAMOS LA PARTE MÁS VISUAL DEL LINE UP DE ESTA EDICIÓN

Artista visual y creativa new-media establecida en Madrid, Elena Juárez trabaja con gráficos interactivos, generativos e instalaciones multimedia, y ha participado en charlas y talleres en espacios capitales como Medialab Prado o Matadero. Pero es su práctica principal, con una especial motivación para “iluminar espacios oscuros” y una vinculación tan grande con la música electrónica, que nos hace proponerle acompañar los dos DJ sets de cierre de las noches Eufònic, con C.E.E. Shephers y Ylia. Geometría y narrativas abstractas parametreadas en vivo y en directo.

El Auditori Sixto Mir de Sant Carles de la Ràpita acogerá dos espectáculos audiovisuales por parte de artistas internacionales, trabajos que solo se pueden ver en espacios escénicos como teatros o auditorios, con escenario y caja negra. Los dos espectáculos que conforman la programación del Auditori son «Membrane» de los quebequeses Push 1 Stop & Wiklow y «_nybble_» del francés Alex Augier.

Entre el diseño 3D motion y el arte generativo, el trabajo de la quebequesa Push 1 Stop se forma a través de la acumulación de ambientes narrativos elegantemente precisos y complejos, que le ha llevado a ser considerada una de las mejores artistas visuales del momento. Junto al también canadiense Wiklow han creado “Membrane”, un pieza generativa de proyecciones volumétricas, humo ascendente y algoritmos reactivos, invitándonos a entrar en un espacio creado entre la percepción y la ilusión. Juntos inaugurarán el Auditori Sixto Mir, el nuevo espacio del festival dedicado a los espectáculos audiovisuales y digital-performativos.

Alex Augier es un artista francés, que ha presentado sus trabajos en festivales como Scopitone o Nemo (Francia), Elektra (Canadá) o Media Ambition Tokyo (Japón), y creador con Alba G. Corral de los espectáculos “end(O)” (Today’s Art 2018) y “ex(O)” (LEV 2019, Sónar 2019), viaja a Eufònic con «_nybble_», una pieza audiovisual en la cual combina música y luz en un minimalismo digital a través de cuatro pantallas transparentes que acogen -físicamente- al artista en su interior, donde aquello que ves y aquello qué oyes forma un todo electrónico, orgánico, en una entidad sinestésica onírica y poética. Uno de los más sugerentes creativos visuales y sonoros del momento.

Como ya es tradición, el fin de semana anterior a los días centrales de Eufònic se presentan las instalaciones artísticas en otras poblaciones, espacios museísticos o temporalmente habilitados que acogen trabajos de artistas internacionales y actuaciones especiales. Roc Jiménez de Cisneros, maestro de la computer music, presenta “sense títol” en el Museu de Tortosa, una instalación de láseres que remite a la cultura rave. Presentará su instalación de láseres “sin título” (¿o pensabais que ya se había estandarizado?), donde promete una experiencia intensa y, al mismo tiempo, extremadamente sutil nacida de la pieza que presentó el año pasado en Arts Santa Mònica. Del club al museo, la computer music siempre ha tenido un nombre, pero a este artista barcelonés se le quedan cortas las etiquetas.

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El vídeo mapping de Graffmapping en Electric Daisy Festival 2019

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Graffmapping es un proyecto de investigación y experimentación entorno al graffiti tradicional y las nuevas tecnologías. Fundado por Richard Santana en 2012 en las Islas Canarias, España.

Viajaron al EDC LAS VEGAS 2019, NEVADA. (Electric Daisy Festival) los días 17,18,19 de Mayo de 2019 para realizar un proyecto de mapping tanto en 2D y 3d para los artistas (Golden305, urbanruben, & Infct) creadores del mural “Plur Vibes” de 9×12 metros. La ubicación ha sido en el gran circuito Las Vegas Motor Speedway.

Realizaron un vídeo mapping dinámico durante los 3 días del festival, en el horario nocturno desde las 22:00 horas hasta las 04:00 de la madrugada jugando con la música en directo del Dj que tenían frente al mural. El significado de Plur Vibes se traduce a paz, amor, unidad y respeto. PLUR no es solo un momento de rave, es un estilo de vida con vibraciones positivas para todas las personas.

El mural se realizó con colores muy vivos y llamativos, dentro de la temática del festival, donde abundan gran cantidad de colores y luces en cada esquina del circuito. Creando una experiencia más para los asistentes tanto de día, como de noche al ritmo de la música. El equipo de trabajo que participó en la creación del vídeo mapping son los siguientes: Zuluoh, VidakFilms, Suglas, FluffDesigner, Juan Pablo Salinas y Juanjo Fernández. Producido por Richard Santana.

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Otu & Volàtil en Sónar Festival 2019 · Nuestro TOP 10 de la 26ª edición

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Ya han pasado casi dos semanas desde nuestra aventura en la 26ª edición de Sónar Festival. Nos ha dado tiempo de leer crónicas, artículos de opinión y resultados generales. 20.000 asistentes menos que en la edición anterior. Tal como aclamaba la última nota de prensa que recibimos “Un Sónar global, intercultural, femenino, queer y radical. 105.000 asistentes procedentes de más de 120 países».

Aquí va nuestra crónica de la parte más visual de la edición 2019. Fácil, sencilla, directa y sin rodeos, ¿vale? Hemos decidido compartir nuestro TOP 10. QUEREMOS DEJAR MUY CLARO QUE EL ORDEN NO ES IMPORTANTE,  todos serían el TOP1, se trata de seguir apoyando la escena visual, ese es nuestro objetivo. 

Pero antes queremos hacer una pequeña reflexión. Esta edición ha sido especial por muchas razones. Y aunque se presentaron muchos baches, la organización supo mantener la cabeza bien alta y demostrar su alto grado de profesionalidad como en todas sus ediciones anteriores.

1 – El cambio de fecha. Después de un cuarto de siglo teniendo lugar el tercer finde de junio, este año, como sabéis, se realizó un mes más tarde por intereses comerciales y económicos de Fira Barcelona.

2 – La huelga de «riggers» y el poco apoyo que ha recibido el festival por parte de l’Ajuntament o de la propia Fira dejó mucho que desear.

3 – La asistencia del fundador y creador de esta plataforma online, que empezó como un foro para Vj’s de habla hispana y se ha convertido en un amplificador de proyectos audiovisuales. Sí, Óscar Testón vino a Barcelona y vivimos esta experiencia juntos. Óscar tiene una mirada muy cultivada sobre el mundo de las visuales y las conversaciones después de cada show han sido súper enriquecedoras.

Y ya sin más preámbulos, nuestro TOP 10. ¡Allá vamos!

Top 1 – Empezamos por Desilence, dúo de Barcelona formado por Tatiana Halbach y Soren Christensen y que desde 2005 han ido llegando cada vez más y más lejos con todos sus proyectos. Sus visuales para Desert son belleza y magnífico tratamiento del color. Formas no figurativas sincronizadas con la música a la perfección.

Top 2 – Seguimos con Ouchhh talento directo a los sentidos desde Istanbul. El escenario del auditorio del sónar (Sónar Complex) vibró con la fuerza del dúo de psych-afro-tech-avant-rock español Za! La parte visual mantuvo la tensión logrando una experiencia multidisciplinar que conectó ciencia, arte y tecnología. Ouchhh es un estudio new media formado por varios creativos de diferentes disciplinas que trabaja en los campos de la inteligencia artificial y el arte a partir de datos. Te hablamos de ellos la crónica del Mira 2017.

Top 3 – No podíamos faltar al show de Los Voluble porque iríamos a todos los bolos que hacen. Porque son auténticos, puros y directos. Es que ya solo con el título “Flamenco is not a crime”, te despiertan la curiosidad y las ganas de ir a verles. Como viene siendo habitual: vanguardia, política y flamenco con mucho ritmo, clase y talento. Han creado su propio lenguaje audiovisual para denunciar o hacernos pensar sobre temas como la religión, la política y la actualidad.

Top 4 – Uno de los directos que más ilusión nos hacía de esta edición de Sónar Festival era el de Hamill Industries.  El sábado a las 14h en el auditorio y contra-programados por lo que viene siendo “la siesta”, nos ofrecieron una fiesta en toda regla. Sincronía de luces, imágenes y láser acompañada por unas buenas atmósferas. Una pena ese día la potencia de sonido en el auditorio que desmereció el show.

Top 5 –  De nuestro formato preferido, la Dome, en el espacio Sónar360 byMediapro, y dentro de la programación del Sónar+D, elegimos el show de Alba G. Corral junto al músico Alex Augier, el único espectáculo en directo en este espacio. Quizá por la magia del directo o por sus palabras antes de empezar la proyección, logramos meternos hasta el fondo dentro de ese mundo de escenarios generativos.

Top 6 – Lo de Daito Manabe es otra historia. Si ibas a ver el show sin saber nada del proceso creativo, la sensación era de decepción. Pero si te explican que “dissonant imaginary” es el nuevo proyecto en forma de show tecnológico y sonoro creado junto al doctor Yukiyasu Kamitani. Y si además, descubres que el procedimiento de toma de señales del cerebro (a partir de un scanner y un proceso de resonancia magnética) y posterior análisis y decodificación del Dr. Kamitani son utilizados por Manabe para crear un espectáculo visual y sonoro que puede marcar un antes y un después en la relación que se establece entre música y cerebro, la cosa cambia.

Top 7 – Max Cooper. Con su potencia y contundencia en directo. Como única apreciación se echaba de menos la figura de un vj en escena, ya que la propuesta visual que le acompaña es muy potente y eso hace pensar que parte de su show visual está enlatado… (upsss!!).

Top 8 – Joanie Lemercier nos mostraba su nueva obra «Nebulae» en la Dome con la música de Joshua Sabin (Subtext label). Un ejercicio de formas geométricas a su más puro estilo que sacaban partido al formato Dome, haciendo flotar de una escena a otra. Gran sorpresa nos llevamos al inicio de su set ya que empezó con imagen figurativa. Algo que en Lemercier nos sorprende.

Top – 9 – Mención especial a los directos de Nicola Cruz y SEBASTIAN. Del primero hemos descubierto que las visuales fueron obra de Fidel Eljuri, un artista visual de Quito al que le hicimos una entrevista súper interesante en 2016.

Top – 10 – Lo de SEBASTIAN fue muy grande. Su música, una mezcla de Justice y 2ManyDjs provoca en el público eso que pocos consiguen, que todos salten sin parar. Las visuales, muy simples, letras y colores. Me costó encontrar al autor pero lo logré, tras investigar un poco el Instagram del artista, que es ni más ni menos del director de cine Gaspar Noe. ¿Qué no te lo crees? Pues mira. No estaba proyectando ahí en directo pero le ha hecho parte del contenido para su show seguro.

No queremos terminar el artículo sin mencionar la instalación de Onionlab, un espacio interactivo e inmersivo de luz e imagen controlada por los movimientos de los visitantes. La experiencia de Onionlab para Desigual invita a encontrarse con el artista interior. Nos perdimos la combinación de proyección, lasers, cámaras, reconocimiento del movimiento, gráficos en tiempo real, sensores biométricos, proyección envelope y luces LED. Y es que entre una cosa y otra al final, no pudimos verla. Ojalá se repita pronto y ahí estaremos.

Cerramos la crónica con esta declaración de Otu (Oscar Testón). 

«Ha sido un placer vivir la experiencia del Sónar, no sólo por la cantidad de oferta cultural que te ofrece el festival, sino por la calidad de la gente que te encuentras. Viejos compañeros que ves tras años y te emocionas al volver a compartir unas horas o días y sobre a mis cercanos que me aguantaron carros y carretas. El año que viene prometo ir al Sónar noche».

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Sensorium Festival del 7 al 9 junio en Bratislava

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Marta Verde nos regala esta crónica de Sensorium Festival 2019. Toda tuya si sigues leyendo.

Sensorium es festival de tamaño pequeño-mediano, muy completo (workshops, panels, charlas, performances…) en una ciudad europea seguro desconocida para muchos; que nos recuerda a los inicios del antiguo Resonate; tanto por el contenido como por el tipo de venues elegidos para las diferentes actividades. Totalmente recomendable. Se agradecen iniciativas como esta, hechas por un equipo humano con ganas de hacer las cosas bien.

Se usó la temática “La mente aumentada” como una lente para poder explorar el modo en la que los artistas, diseñadores y tecnólogos trabajan con el concepto de “aumento” como principio creativo.

Las actividades fueron muchas, pero estos son mis highlights:

Instalaciones

Había dos tipologías de instalaciones, las reunidas en el venue principal, el Pistori Palace (donde también se daban las charlas, networking y otras actividades), e instalaciones en otros lugares de la ciudad; outdoors y galerías de arte (para los cuales no hacía falta entrada, eran abiertas al público)

Un bonito detalle la botella de agua de cristal con la programación del festival que entregaban con la pulsera. Con el calor que hizo en esas fechas se agradecía.

Otro detalle muy interesante, es que se hizo un tour gratuito previa inscripción el último día del festival, con visitas guiadas a las instalaciones, con explicaciones de los artistas/comisarios. Un gran modo de hacer más comunidad y también para el propio público tener una visión más completa de las piezas. También se hizo un “urban sound walk” promocionado por un artista sonoro, en el que los asistentes experimentaban diferentes sensaciones y un punto de “vista” diferente de la ciudad, mediante el recorrido de ésta con un dispositivo especial creado por el artista.

Pistori Palace: Sorprendente la mezcla de diferentes tipos de proyectos (bastante VR pero también proyectos que interseccionaban diferentes disciplinas, con una gran importancia por resaltar la parte física: la fabricación digital estaba muy presente), además de la presencia de algunas piezas de estudiantes de ECAL; con un nivel muy alto.

Dyne Modular System
Luca Kasper

El acabado de este kit de sintetizadores modulares con interfaces táctiles desarrollado por este estudiantede Écal era muy interesante; además del uso de superficies táctiles o gestos en vez de potenciómetros y sliders.

ORB /play
Roman Mackovič

Esta instalación estaba situada antes de la zona de las charlas. Se trataba de un objeto interactivo esférico colocado encima de una estructura con rodamientos que permitía que rotase libremente sobre la base. Los gráficos se comportaban como un puzzle con físicas que se readaptaba a la posición de la esfera; generando sonido también a través de la colisión de estas piezas. Muy interesante.

Light Them All
Corentin Vignet

Otro proyecto interactivo jugable (el objetivo era encender las lámparas utilizando el teléfono móvil como controlador, pudiéndose jugar en grupo) muy bien ejecutado, proveniente de la escuela Écal

πTon
Cod.Act

Impresionante. Se trataba de una instalación performática, por lo que no estaba permanentemente en funcionamiento; sino que los pases se repetían a lo largo del día.

Se trataba de un extraño cuerpo elástico compuesto por módulos similares a llantas, que reaccionaban al sonido resultando una mezcla entre las distorsiones de una estructura elástica y síntesis en tiempo real de la voz humana.

The Inflovable Machine

Monica Rikić

Se trata de un instrumento musical colaborativo creado a partir de unos grandes inflables con forma tubular que se hinchan y deshinchan mediante la interacción del público y van generando de esta forma diferentes sonidos, como si de un órgano de aire se tratara. El público interactúa con la pieza mediante unos tubos dispuestos en una caja de control, por los que puede soplar, activando unos ventiladores que van hinchando y deshinchando los globos, creando distintos sonidos y composiciones musicales colectivas.

Conceptualmente, y en la línea temática de la ‘mente aumentada’ de Sensorium y ‘La ciencia del amor’ de Silbersalz, la pieza dispone de 3 botones en la parte frontal que modifican el tipo de output del instrumento. Cada uno de ellos se vincula a uno de los tres estados del amor, basado en la investigación de Helen Fisher (speaker invitada al festival Alemán): impulso sexual, amor romántico y apego.

Satelit gallery

Matthew Plummer Fernandez – Augmented Authorship

La obra de Fernández reflexiona sobre los conceptos de autoría y los procesos automatizados. Sus últimas piezas hablan sobre el concepto de aumentado como principio del diseño, y explora cómo los procesos computacionales facilitan nuevas formas de autoría y de creación.
Ejemplos: una escultura que fusiona todos los modelos 3d disponibles online de Mickey Mouse en una.
O un bot que rastrea uno de los repositorios más importantes de impresión 3d ; se descarga modelos random de diferentes usuarios, generando nuevos modelos a partir de ellos; incluso utilizando los títulos originales para generar los nuevos.

Performances
A4, KARPATSKÁ 2, BRATISLAVA

Jonathan Reus – iMac Music

Puro glitch.
El instrumento base de la performance, tanto para generar audio como para vídeo, era un Imac G3 circuitbendeado. Los propios sonidos del sistema modulados y los gráficos eran la base de la performance, dirigida en 3 actos. Cada acto realmente terminaba cuando el ordenador no aguantaba más y se reiniciaba de modo forzado.

Charlas, panels & industry

El nivel de las charlas (parte que considero muy importante en un festival de estas características) era muy alto, incluyendo tanto artistas consagrados (Elliot Woods de Kimchi & Chips, Claire Tymon de FutureEveryhing… ) como nuevos talentos o perfiles no tan conocidos a nivel internacional.
El acogedor tamaño del festival hacía muy accesible la posibilidad de hacer preguntas, o incluso de en momentos de networking o impass, poder charlar tranquilamente con los artistas.
Se trataron temáticas como el futuro del VR en las artes, como la tecnología “aumenta” la creatividad, la arquitectura digital en la educación….
Además, se hicieron otro tipo de “panels” abiertos al público en la ciudad, para los cuales no hacía falta entrada (un buen ejercicio para acercar el festival a la ciudad

Otro punto interesante del festival fue que se llevó a cabo un “industry meetup”, donde personas provenientes de la industria y otros festivales europeos relacionados con los medios digitales, compartieron ideas y experiencias para mejorar la interrelación y favorecer el intercambio entre ellos.

Cris Valenzuela impartió un workshop iniciático de un día completo enfocado en el uso de Runway, herramienta de Machine Learning para aplicaciones creativas. No pudimos asistir, pero la gente que salía del taller, tenía cara de haber recibido mucha información en poco tiempo, lo que es bueno 🙂
También había hueco para los más pequeños, con un taller dirigido a ellos.

Autora del artículo: Marta Verde

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Hamill Industries & Shelly: Audible Spectrums · Sónar 2019

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Este año el Sónar cambia de fechas.  18, 19 y 20 de julio serán las fechas del Sónar 2019. Nosotros, como es habitual, vamos a ir seguro. Como siempre, la programación está llena de joyas imperdibles pero este post se lo queremos dedicar a Hamill Industries & Shelly y a su proyecto Audible Spectrums. ¿Cuándo? Tomad nota, el sábado 20 de 14:00h – 14:40h en Sónar de Día – SonarComplex.

Fue en el Mira Festival 2016, que tuvimos la suerte de asistir a la conferencia de Hamill Industries, un estudio de Barcelona, formado por Pablo Barquín y Anna Díaz, y entendimos el trabajo que hay detrás de un videoclip como el de Floating Points y de la instalación que han montado en todos los conciertos de la gira del grupo. Ellos aseguran que no les gusta hacer las cosas fáciles y que prefieren complicarse. Es complejo definirles, a ellos también les cuesta, son ingenieros, artesanos, diseñadores, vj’s, inventores pero ellos se sienten más cómodos con la palabra “makers”. Trabajan tanto con las manos como con la pantalla del ordenador.

Audible Spectrums es el nuevo show audiovisual realizado por Hamill Industries. Una vez más, dan un paso hacia el pasado basándose en la visualización analógica del sonido gracias a una mezcla de tecnologías de los años 80 y modernas. Un show que combina a la perfección luces, láser y visuales que reaccionan a frecuencias de sonido, estructurado en loops de audio y teniendo en cuenta su modulación, de forma que las propias olas de sonido se convierten en visuales y viceversa. Escuchar lo que ves.

El show servirá también para mostrar cómo funciona el sistema creado por Hamill para la gira que acompañó a Floating Points durante el 2018. En este caso el dúo de creadores barceloneses estarán acompañados por uno de los productores emergentes más interesantes de la escena local, Shelly, participante nacional en la última edición de la Red Bull Music Academy en Berlín.

Hamill Industries es un estudio creativo formado por los realizadores, inventores y artistas visuales Pablo Barquín y Anna Diaz. Su práctica se centra en combinar técnicas digitales, robótica y visuales para explorar conceptos de la naturaleza, el cosmos y la física. Desde 2016 han acompañado de gira al productor, compositor y DJ Floating Points, y son los responsables de la parte visual de su álbum «Reflections – Mojave Desert».

Por su parte, Shelly – anteriormente conocido como DJ iTunes10.2 – es uno de los residentes de la emisora dublab.es y también mitad del dúo de new-trance/rave TOP74, además de formar parte de la familia alrededor del club alternativo El Pumarejo de Barcelona. Hammill y Shelly han trabajado ya anteriormente juntos en dos instalaciones: “Fundamental Noise”, en colaboración con Mans O, y la recién estrenada “Chrysalis”.

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Kubrick’s Odyssey 2019, el primer mapping audiovisual dentro de un cine

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El pasado viernes 10 de mayo en el cine Kubrick de Vilafranca del Penedès, el compositor musical Roger Subirana y la artista visual Silvia Isach, aka Sínoca, llevaron a cabo una experiencia pionera de mapping audiovisual nunca antes realizada en la sala de un cine.

Una obra inédita de video mapping inmersivo, emotiva, experimental, transgresora y de carácter futurista, inspirada en la película ‘2001: Una Odisea del espacio’ de Stanley Kubrick. Un espectáculo novedoso que activa los estímulos sensoriales gracias a la fusión de los efectos sonoros y la música con las imágenes sobre dos superficies: la pantalla del cine y la instalación de un monolito situado delante, creando de esta manera un  espacio 3D.

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Visionarium Art Festival. 17 al 19 de Mayo en Vilafranca del Penedés

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Este fin de semana el equipo de Vjspain se desplaza a Vilafranca del Penedés para asistir al Visionarium Art Festival. Un festival del que seguramente no hayáis oído hablar todavía, es el primer festival de este tipo en el mundo.

El Visionarium Art Festival es un evento dedicado al arte visionario, pensado para juntar artistas, decoradores y creadores visuales y poder crear, enseñar, exponer y aprender juntos durante tres días, y acercar este mundo al público en general. Se celebra del 17 al 19 de mayo, aunque hay también pases especiales de un solo día para los residentes en la provincia de Barcelona.

Se podrán en común diferentes expresiones de arte visionario: pinturas en lienzo, esculturas, instalaciones, video, proyecciones en 360º, sonido, hologramas o realidad virtual.

Algunos de los artistas que veremos:

Android Jones, uno de los artistas más aclamados de este género, presenta Samskara, una proyección inmersiva sobre un domo.

Ihtianderson, promotores del festival, artistas que llevan desde 2007 decorando los mayores festivales psicodélicos del mundo, innovando en cada instalación con nuevas técnicas jugando con transparencias y profundidades. Montarán la decoración del festival y expondrán sus lienzos.

Centaurus, uno de los mayores artistas actuales de string art.

Pascal Ferry, pintor Francés que ha expuesto sus obras por todo el mundo, con grandes influencias del arte místico y simbólico.

Julius Hursthuis, explorando el mundo de los fractales a través de animaciones y realidad virtual.

Luminokaya, que ha evolucionado a lo largo de 20 años a través de diferentes técnicas, como cine 4D, realidad virtual o escultura digital en vivo.

O Natural Warp, que lleva años explorando el arte digital psicodélico, últimamente también a través de video en 360º y realidad virtual.

Por nombrar algunos, pero aquí podéis ver muchos más.

Además, lo más interesante de este festival es la posibilidad de participar en diferentes talleres para compartir y aprender técnicas con los diferentes artistas, así como charlas, live painting y body art.

Todo esto acompañado de música étnica, instrumental, ambient, psychill y downtempo, con conciertos y actuaciones en vivo. En un entorno natural en la zona del Penedés.

Aquí podéis ver el video de presentación del festival:

Queremos visitar y vivir este festival como una nueva aventura dentro de la serie de festivales que nos rodean en el día a día. Un festival diferente a los que solemos ir y pionero en España, con un encanto especial por la localización y la temática tan basada en lo visual.

Agradecemos a la organización la invitación de conocer de primera mano el festival y poder contarlo a la vuelta. ¿Nos acompañáis?

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Curso de introducción a TouchDesigner por Juanjo Fernández (Gnomalab)

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TouchDesigner es un software de aplicación en tiempo real desarrollado por Derivative. Funciona como una plataforma de desarrollo visual que proporciona las herramientas necesarias para crear todo tipo de proyectos en tiempo real. Ideal para realizar proyectos interactivos y vídeo mapping. Tiene un sistema de navegación particular, es compatible con una amplia gama de dispositivos, protocolos y herramientas externas que interactúan a través de sus respectivos operadores.

Imparte: Juanjo Fernández Rivero aka Gnomalab.

En este enlace toda la información y el programa.

No se requiere conocimiento previos del programa. El alumno debe traer ordenador portátil MAC o PC compatible.

Fecha: 25 y 26 de mayo 2019
Sábado 25 de 10h a 20h
Domingo 26 de 16h a 20h.
Lugar: Espai Erre (Barcelona)

Inscripciones aquí.

Más cursos organizados peor Derivative aquí.

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L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores

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Entrevistamos a los programadores de L.E.V Festival, Cristina de Silva y Nacho de la Vega. L.E.V. es un Laboratorio de Electrónica Visual y también, como ya sabes, es el Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón. Un evento que desde hace más de 12 años ofrece una visión ecléctica y 360 grados del panorama de la creación ligada al arte digital audiovisual.

El L.E.V. Festival se basa en las sinergias que existen entre imagen y sonido en directo, la experimentación y por las múltiples hibridaciones entre géneros que manifiestan la importancia de las artes visuales y la música. Quizá no lo sabías pero El Laboratorio de Electrónica Visual rinde homenaje a través de sus siglas a Lev Thermen, científico ruso padre de los sintetizadores actuales).

Edición tras edición, desde Vjspain, hemos amplificado y comunicado el line up del festival, recomendando lo que no nos perderíamos del cartel. Esta vez, hemos querido ir un poco más allá y hemos entrevistado a sus programadores. Ellos hacen ese trabajo que no tiene lugar en los escenarios ni a ojos del público pero es imprescindible para que el L.E.V sea lo que es. Cristina de Silva (1972) y Nacho de la Vega (1968) forman FIUM, un colectivo de activistas culturales centrado en el vídeo, el sonido y las instalaciones multimedia. Además, desde hace años compaginan su trabajo artístico con el comisariado y la producción de diversos eventos como Arenas Movedizas y el L.E.V., puesto en marcha por el colectivo DATATRON 03XF del que ambos son miembros fundadores.

¿Tenéis redes sociales? 
Tenemos redes y bio compartidas como FIUM o DATATRON que son los colectivos desde los que siempre hemos articulado nuestros proyectos, ya sean creativos, curatoriales o mezcla de las dos cosas. Desde los comienzos siempre ha estado todo mezclado. Y por supuesto las del L.E.V.
A nivel personal no les damos mucho uso a las redes.

¿Cómo definiríais vuestro trabajo?
Somos una mezcla de activistas culturales, artistas multimedia y comisarios, estamos afincados en Gijón y somos directores del L.E.V. Festival, el Laboratorio de Electrónica Visual, y del Circuito de Propuestas Artísticas Arenas Movedizas, ambos en Gijón.

Desde hace 20 años formamos parte activa de la escena del arte digital y la cultura electrónica, sirviendo de catalizadores y propulsores de redes de trabajo y creando plataformas de visibilización de la creación contemporánea a través de proyectos curatoriales y colaborativos como la red internacional #ENCAC

Actualmente estamos focalizados en la gestión cultural y en la producción de proyectos relacionados con la cultura electrónica y el arte digital. Muy vinculados con la comunidad, nos interesa sumar públicos, energías y apoyos de instituciones públicas y privadas para crear ecosistemas estables de apoyo y diseminación de la creación contemporánea, buscando siempre un punto de vista multidisciplinar y heterogéneo.

Como FIUM, colectivo de artistas audiovisuales en activo desde 1998, hemos estado presente en multitud de eventos y establecido colaboraciones con creadores de diferentes ámbitos. En el año 2007 fundamos la plataforma DATATRON desde la que dimos vida al L.E.V. y actualmente también a los LEVents y L.E.V. Matadero.

¿Cuánto hace que programáis LEV?
13 años, llevamos programando el LEV desde la primera edición en el año 2007.

¿Cómo ha sido la evolución desde que empezasteis con esta labor?
Pues toda una aventura, ya que el Festival es algo vivo que te exige actualizarte contantemente. A lo largo de estos años, que han sido realmente intensos, hemos estado atentos a las nuevas escenas y a las nuevas herramientas y procesos creativos.

Un objetivo claro desde el principio es que queríamos ofrecer un proyecto a escala humana, cercano y accesible, que nos permitiera relacionarnos con el público pero también trabajar mano a mano con los artistas, estando en contacto con ellos, participando en coproducciones, realizando residencias artísticas, para no perder el pulso de lo que realmente está ocurriendo en los ámbitos de creación.

Paralelamente también hemos buscado nuevos espacios, momentos y maneras para alojar a las distintas propuestas, propiciando colaboraciones y redes para poder estar en contacto y compartir experiencias con proyectos similares.

El objetivo del programa de cada edición es generar un circuito de actividades que dialoguen entre si y con el público. Del que puedas disfrutar de manera íntegra, si es lo que te apetece ya que las actividades no se pisan, o sumarte de manera más tangencial acudiendo por ejemplo a las instalaciones. Creo que en las últimas ediciones quizás percibimos e intentamos diseñar aun más el Festival como un todo, una experiencia única global.

¿Cuesta conseguir programar a los nombres que os proponéis?
Cuesta, claro. Aunque a día de hoy el L.E.V. es un Festival consolidado y al que a los artistas les gusta venir, tienen que coincidir bastantes factores logísticos y económicos, a parte de la disponibilidad del artista. Los conexiones con Asturias son complejas, la producción técnica (aspecto que cuidamos mucho) tiene que ser compatible con el resto de espectáculos,… es un tetris total.)

¿Cambios destacables en cuanto a avances tecnológicos o tendencias en el sector visual y de arte digital?
Te puedes imaginar, en la última década el desarrollo ha sido increíble a nivel tecnológico y muy enriquecedor a nivel creativo. En el entorno digital las fronteras se han diluido hace tiempo, los espectáculos trascienden los formatos clásicos y da la impresión de que en estos momentos todas las ideas son realizables. El límite a nivel creativo ahora mismo no existe, las nuevas herramientas abren nuevas opciones para la creación colectiva, en red… Todo avanza muy rápido, es un ámbito en ebullición y eso es muy estimulante tanto para los creadores como para los programadores y, por supuesto, para el público.

¿En qué os basáis para la selección de artistas?
Básicamente proyectos que nos haya gustado y despertado nuestro interés, hay una parte emocional muy fuerte. Pero también entran otros factores en juego, como el desarrollo que tiene en directo, el uso de la tecnología, cómo se relacionada con el resto del programa que tienes en mente…

Nos gusta mezclar, no ponernos demasiados límites en lo que se debería programar o seguir las tendencias sin más. Por supuesto estamos siempre atentos a las nuevas escenas, pero buscamos que se integren con los proyectos pioneros y referenciales de otras épocas, propuestas nacionales y locales con artistas de diferentes nacionalidades, con recorridos diferentes y de ámbitos distintos. Luego ya hay que armar el tetris que antes comentábamos y, posiblemente, tengas que dejar algún proyecto en tierra porque no haya manera de encajarlo en la línea que buscamos para esa edición en concreto.

¿El espacio en el que tienen lugar las actividades, afecta a esta selección?
Absolutamente. También el horario, con quién compartes escenario, el aforo… Hay proyectos más versátiles que, desde nuestro punto de vista, sí que pueden desarrollar en diferentes espacios. Aunque, evidentemente, la percepción que te vas a llevar de ellos será diferente. Y otros que piensas que sólo van a funcionar en una localización concreta.

¿Algún ejemplo?
(esta pregunta es para hablar de los distintos espacios en los que se desarrolla el festival y el tipo de programación en cada uno de ellos).

Manufactory de Transforma, aunque es un proyecto que también tiene versión instalativa, solo podría desarrollarse en el Teatro, ya que se trata de una producción compleja con unos requisitos a nivel técnico que no podríamos asumir en otro espacio. El Teatro, en ese sentido, nos permite alojar y desarrollar espectáculos audiovisuales que de otra forma sería imposible.

La verdad es que este año creo que es una de las ediciones en las que más hemos jugado con este tema y hemos incluido por ejemplo en la Nave proyectos que quizás en a priori serían mas para programar en el Teatro, como Single Origin de Robin Fox, o Delta-T. Pero nos apetece empezar en la Nave con alguna propuesta más experimental para dar paso después a directos audiovisuales de formato más clásico.

Por otro lado, desde la pasada edición, hemos incluido programación en la Caja Escénica del Teatro de la Laboral porque echábamos de menos poder programar espectáculos de manera más íntima, para un aforo menor. Así que los domingos ofreceremos este tipo de propuestas en entornos especiales como la Caja Escénica o el escenario junto a al lago en el Jardín Botánico, este año con el fantástico Oliver Coates.

Y hemos tendido a buscar nuevas localizaciones para el día, ya que nos encanta programar en esta franja horaria, como el que se estrenó en la edición pasada, el Muséu del Pueblu d`Asturies, que tuvo una muy buena acogida por parte del público.

¿Qué le dirías a los amantes de las artes digitales para convencerles de no perderse LEV Festival 2019?
Jeje, nos da un poco de pudor pero venga, en plan peliculero: ya de mano si no conocen Asturias y Gijón tienen que venir, más aún siendo el LEV! 4 días de experiencias sónicas y visuales en espacios alucinantes.
Un compendio de propuestas muy ecléctico con el que podrás disfrutar las diferentes maneras en las que se trabaja en el campo de la creación audiovisual, electrónica y digital, en un entorno privilegiado, sin agobios y con un público fantástico:)

¿Este año habéis intentado programar más mujeres siguiendo la tendencia en otros festivales o básicamente como siempre, buscando la calidad sin importar el género?
Le damos mucha importancia a que haya proyectos de mujeres, por supuesto, estamos muy atentos para poder apoyar y dar cabida a estos proyectos, pero no trabajamos con cuotas.

Pero si hablamos de apoyar y visibilizar el trabajo de las mujeres creemos que también es importante no sólo el programarlas sino el contar con ellas en los equipos de trabajo, en este caso de los Festivales. Un ámbito laboral en el que, como en muchos otros, hay menos mujeres que hombres.

¿Algún artista “cabeza de cartel” que lo haga imperdible?
¡Ay, que difícil! ¿Transforma, Caterina Barbieri y Myriam Bleau?
¿Refik Anadol, Gazelle Twin y Radioactive Man?
¡Lanar Artefax!

¿Algún artista “que aún no es muy conocido” que lo haga imperdible.
Colin Self, Yamila y Mathilde Lavenne… ah, y Iglooghost y su loco mundo colorista.

¿Festival preferido para vosotros que no sea L.E.V?
Muchos, Semibreve en Braga, TodaysArt y Rewire en la Haya, CTM en Berlín, Mutek Montreal, Unsound, Stereolux… hay muchos que tenemos ganas de conocer pero que todavía no hemos tenido la oportunidad.

¿A qué artista os gustaría traer pero es inalcanzable o casi imposible?
Quizás propuestas con formaciones muy grandes, que es casi imposible alojar en un Festival con la operativa del L.E.V., por ejemplo: Cinematic Orquesta. O propuestas complejas por su producción como Squarepusher, al que llevamos varios años intentando cazar.

Artistas que habéis programado este año de los que estáis más orgullosos.
Lanark Artefax y el proyecto Scanaudience, que se estrenará en L.E.V. Y en general todos lo que tenemos alojados en residencia, como el fantástico Synspecies, de Elías Merino y Tadej Droljc, Ex(O) de Alex Augier y Alba Corral y Antivolume in/ext de Lucas Paris. Y los que estamos coproduciendo, como Manufactory de Transforma.

¿Qué es LEVents?
Los LEVents son programaciones en colaboración con otros festivales o espacios culturales que hacemos desde el L.E.V. pero de manera paralela. Siempre hemos propiciado estas colaboraciones, pero a la hora de poner orden en nuestros proyectos hemos decidido agruparlos bajo la etiqueta de LEVents, para poder comunicarlos mejor. El año pasado por ejemplo hicimos LEVents en colaboración con Medialab Prado (AVLab), Veranos de la Villa y Matadero, FICX (Festival Internacional de Cine de Gijón), Arenas Movedizas y NBO (Noche Blanca de Oviedo).

¿Y cómo es la extensión del festival a Madrid?
Es una propuesta que se articula y se complementa con la de edición de Gijón, focalizada en el audiovisual, la electrónica y la cultura digital, seguimos siendo el Laboratorio de Electrónica Visual, pero que buscará dar cabida a proyectos que se escapan de los formatos en lo que habitualmente venimos trabajando y tendrá nuevas secciones dedicadas a la realidades “inmersivas” desde un punto de vista historicista y experimental.
Concebimos L.E.V. Matadero como un proyecto con su propia identidad y que construye un tejido de programación entre las dos ediciones.
Tampoco queremos desvelar mucho pero, como comentábamos más arriba, las nuevas herramientas digitales nos ofrecen oportunidades insospechadas hace pocos años para poder seguir construyendo nuestro imaginario colectivo y, a la vez, evadirnos por un rato de esta realidad tan compleja y asfixiante que nos está tocando vivir.

La entrada L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

Talleres & Programación Telenoika 2019

Par volatil

Este post viene cargadito de talleres, eventos y hasta una convocatoria para proyectos Audiovisuales. Todo en el mismo artículo, para que no pierdas detalle.

¿Empezamos? 

CONVOCATORIA PROYECTOS AUDIOVISUALES PARA PARTICIPAR EN AYA Arte 2019

Se pueden presentar proyectos en cualquier de estas modalidades y tecnologías: Realidad Virtual; Instalaciones audiovisuales; Instalaciones lumínicas; Mapping y micromapping; Instalaciones inmersivas y sensorames etc.; Otras instalaciones que incluyan arte digital o electrónico.

Talleres :::

Taller /// Vídeomapping

Fechas: 23/04/2019 to 26/04/2019
Horarios: 10:30- 14:00 hrs
Lugar: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec
Precio: 50 €

Introducción
El video mapping es una de las técnicas más nuevas de creación audiovisual digital, basada en ajustar de manera precisa la imagen de video a un objeto, superficie o volumen. Dentro de esta técnica, la más conocida y pedida es la del Mapping Building o Mapping Arquitectónico.
Docente:
Impartido por Ricardo Cançado; creador visual de la comunidad Telenoika.

Más info e inscripciones.

Taller /// Live AV//Festival Seco
Fechas: 23-24 i 25-26 d’abril
Horario: 17:00- 21:00 hrs
Lugar: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec
Día 11 de mayo: Presentación conjunta de los trabajos de los participantes del taller. Plaça de les Tres Xemeneies durante los conciertos del Festival Seco de música interurbana y artes visuales.
Precio: 60€
Docentes (por confirmar): Blanca Rego / Alba Corral / Ricardo Cançado (Vj Electroiman) / Diego Suárez (Not Me) / Xevi Gibert
Más info e inscripciones.

Taller /// Técnica audiovisual aplicada a la escena
Fechas: 11-14 de juny 2019
Lugar: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec
Horario: 16:00 – 20:00 hrs
Precio: 50 €
Introducción
En este taller se hará un repaso de las técnicas usadas dentro del mundo de la escena para displays audiovisuales. Veremos desde proyectores u ópticas hasta servidores AV, pasando por algunas aplicaciones de software que nos permitirán controlar nuestros displays de manera remota.
Docente: Xevi Gibert. Experto en diseños de ingeniería para control de vídeo en tiempo real aplicado a los escenarios y operador de sistemas audiovusuales complejos.

Más info e inscripciones.

Taller/// Gráfica Generativa. Dibujando con código
Fechas del taller: 09 -12 de juliol 2019
Horario: 17:00- 20:00 hrs
Lugar : Carrer Tapioles 53, baixos. 08004 Poble sec
Preu: 50 euros
Introducció
La artista y tecnóloga creativa Alba G. Corral imparte este taller de introducción en el mundo de la gráfica generativa a través del uso de la herramienta Processing. Se trata de un lenguaje de programación y entorno de desarrollo integrado de código abierto basado en Java, de fácil utilización, y que sirve como medio para la enseñanza y producción de proyectos multimedia e interactivos de diseño digital.

Más info e inscripciones.

ER…VA 49 :: VITAL PRIMARIO(Con Vermuth i picoteo a cargo de Porta Roja)
Fecha: Domingo 14/04/2019
Horario: 12:30-15:30 hrs
Lugar: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec
Entrada libre

Programa

12:45hs :: FUNCIONES VITALES Y OTROS TEJIDOS BÁSICOS
Es el encuentro entre Sergi Fäustino, María Barros y Mònica Moreno para integrar tejidos / texturas sonoras y visuales en una pieza audiovisual que pasará por etapas orgánicas, rugosas abrasivas, como también por otras más viscosas, viscerales.

13.30hs: COLUMNES DE LLUM
Columnes de Llum es un proyecto personal de Laura Abril basado en la música compuesta por la mezcla del sonido del piano y la electrónica de vanguardia. Un viaje sensorial al que Tiago Torres Aka DispersO nos sumerge en una programación visual evolutiva.

Artistes Invitados

Maria Barros: Artista colombiana de Barcelona, dj, productora y cofundadora de Shaddock Records, un sello íntimo y familiar; ha colaborado con artistas como Uwe Schmidt, AtomTM, Tin Man, Dj Stingray, JTC. , D’Marc Cantu, Mathew Jonson, Senyor i Senyora Jonson.

Sergi Fäustino: Bailarín y creador.

Monica Moreno: miembro de la tele.cat, docente de audiovisuales y artista.
Laura Abrill (K.D): Se formó en escuelas de conservatorio y otras de música moderna en la ciudad de Barcelona. Paralelamente a esta formación siguió alimentando su pasión por la música electrónica metiéndose así en el mundo de la producción y en el mundo del DJ.
Santiago Torres Aka DispersO: Artista audiovisual multidisciplinar, su principal herramienta de trabajo es touchdesigner. En el encuentra la posibilidad de reactividad al audio, sensores de movimiento etc. que le ayudan a crear diferentes atmósferas, loops, geometrías.

Más info.

_ ER..VA 50 Presentación :: LA CAÍDA ANTROPOCÉNTRICA

Fecha: 26/04/2019
Horario: 21:00-22:00 hrs
Lugar: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec
Entrada Libre
Programa
Performance que combina danza con video-proyecciones, luz, y música en una instalación escénica inmersiva.
Danza: Dasha Levronnikov
Visuales: Aida Vargas y Francesca Catricalá
Música: Pietro Corso

Más info.

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Vuelve el Festival de luz a Barcelona: LLum Bcn 2019 del 15 al 17 de febrero

Par volatil

El año pasado se estrenó en Barcelona el festival de la luz y trazamos un recorrido recomendado. Este año, como no podía ser de otra manera, volvemos a las andadas. En esta edición repiten artistas como Alex Posada, Protopixel, Onionlab o Eyesberg y vemos caras nuevas de gran nivel como Daniel Caanogar, Joanie Lemercier o Xavi Lloses. Instalaciones de luz interactivas en todos los rincones del barrio de Poblenou. Barcelona se viste de luz del 15 al 17 de febrero. Aquí nuestras recomendaciones para esta edición.

Por segundo año, Llum BCN transforma las calles del Poblenou en un gran laboratorio de experimentación al aire libre, a través de la luz como medio creativo y del trabajo de artistas, diseñadores y arquitectos de todo el mundo que están explorando las posibilidades que ofrecen en el espacio urbano nuevas técnicas como la iluminación dinámica, la proyección a gran escala y los entornos interactivos.

Plou núvol
Plaça de les Glòries, davant del del Disseny Hub Barcelona
Aquí Houston
#plounúvol
Una tormenta del revés que se crea dentro de una gran nube artificial gracias a la participación activa de las cien personas del público que se reúnen en su interior y que reproducen, solo con su cuerpo, el sonido de todas las fases de una tormenta. Este sonido natural pone en marcha unos efectos visuales sorprendentes que crean un gran espectáculo visible dentro y fuera de la nube.
Polyhedra
Encants Barcelona – Fira de Bellcaire
(Av. Meridiana)
Av. Meridiana

Alex Posada i Xavi Bayona
#polyhedra
Polyhedra es una escultura de luz audiorreactiva que tiene forma de poliedro regular. La geometría luminosa flota en el espacio y aprovecha los reflejos de la cubierta de espejos del Mercado de los Encants, que multiplican y potencian la luz en todas direcciones. Un efecto que se ve reforzado con la programación dinámica de luminarias led y otros elementos de esta instalación, creada expresamente para este mercado emblemático.

Asalto Barcelona
Façana del Disseny Hub Barcelona
(Plaça de Josep Antoni Coderch

Daniel Canogar
Asalto Barcelona es una proyección de vídeo sobre la fachada del DHUB creada a partir de la participación del público. Un asalto y saqueo virtual del edificio por parte de los espectadores que evoca la toma de la Bastilla o el asalto al Palau d’Hivern, y que simula al público trepando por la espectacular fachada.

Lumin AV
Disseny Hub Barcelona, sala A

Onionlab
Lumin AV es un estudio lumínico que investiga el comportamiento y la coexistencia de diferentes tipos de fuentes luminosas en una misma instalación: proyecciones en una gran pantalla, luces móviles y led, acompañadas de música, combinadas y perfectamente sincronizadas. Todas juntas crean un espectáculo inmersivo en que los espectadores se verán rodeados de luz. Lumin AV hace coexistir diferentes técnicas de iluminación expresadas en un espectáculo integral que concibe la luz como un todo.

FAD Meeting Point
Vestíbulo de Àvila del Disseny Hub Barcelona
(Plaza de las Glòries Catalanes, 37-38, Accés pel c. d’Ávila)
Plaza de las Glòries Catalanes, 37-38, Accés pel c. d’Ávila

Robert Thompson
FAD (Fomento de las Artes y del Diseño)
#FADmeetingpoint
El FAD Meeting Point es un punto de encuentro para quienes quieran disfrutar del festival Llum BCN y un punto de partida para cualquier ruta por el Poblenou. Un gran tótem lumínico interactivo que permite a los y las visitantes dejar una señal efímera con luz de su móvil sobre un material fotoluminiscente, y deformar con su voz una superficie dinámica recubierta de espejos que animan todo el espacio que lo rodea.
Constellations, (2018)
Llac “Jardins de l’Elisava” – Disseny Hub Barcelona, Accès C/ Àvila, 185
(Plaça de les Glòries Catalanes, 37)

Joanie Lemercier i Paul Jebanasam

Constellations, (2018)
Llac “Jardins de l’Elisava” – Disseny Hub Barcelona, Accès C/ Àvila, 185

Joanie Lemercier es uno de los artistas europeos más interesantes que están expandiendo las posibilidades de la luz como medio. Tras explorar lenguajes como el videomapping, las instalaciones en galería y los espectáculos de visuales, en esta nueva pieza emplea un material poco habitual sobre el que presentar su trabajo elegante y meticuloso: el agua.
En “Constellations”, el lago del DHUB se convierte en una puerta para la exploración del cosmos. Los visuales en 3D nos permiten viajar desde el corazón de un agujero negro a las profundidades del espacio, recorriendo planetas y estrellas en la búsqueda de los límites del universo. “Constellations” es un fascinante viaje en que la estética vectorial y monocroma de Lemercier se da la mano con los paisajes sonoros electrónicos del productor Paul Jebanasam.
Joanie Lemercier es un artista francés que trabaja sobre la proyección de la luz y su influencia en nuestra percepción. Siempre ha tenido un gran interés en estructuras físicas como las geometrías, los patrones y las formas minimalistas. Desde el 2006 ha trabajado con la proyección de luz. Fue cofundador del sello audiovisual AntiVJ en el 2008, con Yannick Jacquet, Romain Tardy y Olivier Ratsi. En el 2013 fundó su estudio creativo para desarrollar instalaciones, piezas de galería y experimentos visuales.

Làser
Calle de Badajoz, calle de Sancho de Ávila y calle de Pere IV
Estudio Antoni Arola
#Làser
La luz afilada de tres haces láser traza un itinerario en tres dimensiones por las principales calles de Llum BCN. Un recorrido que vertebra el espacio urbano donde se desarrolla el festival. Cada una de las tres luces láser acaba su recorrido proyectándose hacia el cielo y haciéndose visible desde la distancia. Un proyecto de innovación lumínica urbana diseñado especialmente para el festival Llum BCN

Y tú, ¿qué pondrías bajo el foco?
Pasillo Mediapro
(av. Diagonal, 177)
(av. Diagonal, 177)

Eyesberg & ProtoPixel
#emocions
Emocions transforma la Torre Glòries en una gran antena amplificadora de las emociones del público. Una instalación interactiva donde los visitantes pueden crear sus propios momentos de luz y música, que se ven reflejados, en tiempo real, sobre la fachada de la gran torre para compartirlos con toda la ciudad. Un reto artístico y tecnológico que te hará sentir parte de una gran obra colectiva.

Nautilus
Centro comercial Glòries
(Avenida Diagonal, 208, planta -1)

Xavi Lloses
#nautilus
El Nautilus es una escultura sonora y visual y, al mismo tiempo, un instrumento. Recoge el sonido de las burbujas que estallan dentro de sus cilindros de metacrilato para procesarlo y amplificarlo. En el modo autónomo, interpreta una partitura generativa en que compone a tiempo real gracias a “randomizadores” de diferentes universos armónicos y rítmicos. Un armonio contiene el sistema nervioso del Nautilus y puede ser tocado por el público.

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Jornadas A/V B12 Gallery Ibiza & SO.

Par volatil

La Galería B12 acogió en Ibiza, durante un fin de semana, una propuesta liderada por el colectivo Visuals For The Masses, del que ya te hemos hablado, y esperamos hayas escuchado, ya que se trata de un potente podcast colaborativo con profesionales del sector visual de todo el mundo. De la mano de este colectivo, tuvieron lugar las primeras jornadas sobre artes visuales y visualistas con la idea de que se celebren de forma mensual.

Para la inauguración, el viernes 11 de enero, tuvo lugar una masterclass de la mano de Gnomalab (Juanjo Fernández). La jornada de networking continuó con una comida junto al colectivo Visuals For The Masses y una mesa redonda sobre Show Running en Clubs. Participaron grandes profesionales como Pedro Comesaña (3DLight), Ivi (Improbable Films), Gus (vídeos de Amnesia), Masha (Icemash), Karlos Molina (Dj), Danny Lloyd (DJ), Elimaginario (diseñador visual de Music On y uno de los organizadores de la cita) y otros miembros de Visuals For The Masses.

El sábado 12 tuvo lugar una sesión muy especial en B12 Ibiza con una nueva edición de la fiesta So en la que los asistentes pudieron disfrutar de una instalación de láser y visuales creada por Elimaginario y A.P patrocinada por Pirolaser FX. Las visuales corrieron a cargo de Gnomalab y Elimaginario.

Welcome atmosphere_Daze Tie A/V set up.
Live A/V Karlos Molina + Danny Lloyd + Gnomalab + El Imaginario.
Instalación Visual_El Imaginario + A.P. + Pirolaser FX

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Hablamos con Andrea Familiari sobre su canal de entrevistas a visualistas – Psst.one

Par volatil

English Below

Psst.one es un canal online de entrevistas a visualistas que nació en 2017 de la mano del artista visual Andrea Familiari aka Fax, programador, visualista y diseñador de iluminación. Le conocí en Mira Festival Berlín 2018 después de realizarme una entrevista para su canal. Actualmente hay 41 entrevistas publicadas. La finalidad del proyecto Psst.one se basa en crear un archivo online para conocer la historia y  el trabajo de Vj’s y visualistas. También es una fuente de inspiración a partir de otras realidades artísticas presentes en el mundo A/V. Psst.one quiere ser el lugar donde se muestran las «caras» del mundo visual.

Stanislav Glazov, Geso, Jem the Misfit, Lucas Gutierrez, Vj Fader, CyTone, A-li-ce, Malo, Kalma, Mxzehn, Van Ta, Richard Burns, Maotik, Javier Alvarez, Ahmet Said Kaplan, Stefan Kainbacher, Tarik Barri, VJyou & Mari Asada, Noah Norman, Optic Veil, Pierce Warnecke, Michael Tan, Sam Wiehl, Vj Entter, Volàtil Vj, Elburz Sorkhabi, Alessandra Leone, Greg Hermanovic, Hendrik Wendler, Sal Stapleton, Ari Dykier, Lasal, 404.zero, Fidel Eljuri, Alba G. Corral, Marta Verde, Multiscalar, Emile Barret y Marcel Weber i MFO.


– Nombre, estudios, actividad laboral.

Andrea Familari, también conocido como Fax, estudié Historia del Arte en la Universidad de Pisa, soy programador autodidacta, visualista y diseñador de iluminación.

– Lugar de nacimiento y lugar de residencia.
Nacido en Pisa, Italia, con sede en Berlín.

– ¿Vj actualmente? ¿Dónde?

No soy propiamente un Vj, creo imágenes en tiempo real para espectáculos A/V y videoclips para músicos (Oscar Mulero, Jk Flesh o Miss Red, entre otros).

– ¿Tienes otros proyectos?

Me divido en dos enfoques diferentes: con mi nombre Andrea Familari actualmente produzco contenido visual para proyecciones e instalaciones interactivas en el campo del «arte contemporáneo». Con el seudónimo FAX, colaboro con artistas en videoclips, shows  A/V y producción de espectáculos y exposiciones. Actualmente estoy de gira con los shows de Marco Donnarumma como productor de iluminación y escenografía y estoy trabajando en mi nueva exposición.

– ¿Qué es psst.one?
Psst.one es un canal online centrado en entrevistas semanales sobre los artistas involucrados en todos los aspectos relacionados con el campo del audio/vídeo. Psst.one nació con la intención de contribuir a la creación de un legado relacionado con el campo del «visualista».

– ¿Cómo y cuándo empezó?
Pensé en ello en la primavera de 2017 y ese verano empecé a contactar a los primeros entrevistados, tomé mi Sony NexVg20 y comencé a grabar las primeras entrevistas en Berlín. El primer vídeo salió el 20 de octubre de 2017.

– ¿Quién forma el equipo?
Yo soy fundador y director. Fara Peluso es la diseñadora gráfica y Luca Caciagli es la fotógrafa de los eventos que organizamos en Spektrum cada dos meses.

– ¿Por qué entrevistar solo a artistas visuales?
Personalmente, me gusta leer biografías de artistas y me encanta saber cómo evolucionaron su estética y cómo crearon sus obras, pero no hay nada sobre  visualistas al respecto. Si quieres saber más acerca de un solo artista de nuestro campo es muy difícil y no hay suficiente material en mi opinión. También hacemos visuales y hay muy pocas entrevistas en video sobre visualistas. Por estas dos razones principales decidí crear este canal. Sinceramente, no pensé que aprendería tanto sobre otros procesos de trabajo ni que haría tantos amigos, todavía estoy convencido de que tomé la decisión correcta.

– ¿Cuántas entrevistas tienes?
Ahora, a fines de diciembre de 2018, publiqué 39 entrevistas, pronto saldrán las próximas.

– ¿Cuántas entrevistas al mes? ¿Hay una frecuencia?
Generalmente cuatro entrevistas al mes, una por semana básicamente.

– ¿Hay algo en común en todas tus entrevistas?
Lo único en común de todas las entrevistas es la primera pregunta, «¿Cómo empezaste con las imágenes?». Luego el resto de preguntas son diferentes. En nuestro campo tal vez exista un estilo común en algunos artistas (imágenes visuales, cine en vivo, glitch, analógico, etc.) pero hacemos las cosas de una manera diferente, me gusta destacar la singularidad de cada artista que entrevisto.

– ¿Cuál es el propósito del proyecto?
El propósito del proyecto Psst.one y su presencia en la web es crear un archivo digital que ofrezca la posibilidad de tener una historia y al mismo tiempo inspirarse en otras realidades artísticas presentes en el mundo A/V. Psst.one es el lugar donde se muestran las «caras» del mundo visual.

– Objetivos de futuro.
Con psst.one, me gustaría publicar 40 entrevistas esta temporada, estoy trabajando para ir a EE.UU y a Asia a grabar la mitad de la próxima temporada en esa parte del mundo y tal vez en los próximos años un documental, ya veremos.

Gracias por esta entrevista, un placer.

 

English

– Name, studies, work activity.
Andrea Familari aka Fax, History of Art at the University of Pisa, self-taught coder, visualist and light designer

– Place of birth and place of residence.
Born in Pisa, Italy, based in Berlin.

– Vj currently? Where?

Not proper a vj, I have my personal patches for a series of A/V Improvisation and I create realtime visuals for A/V shows and videoclips for musicians (Oscar Mulero, Jk Flesh, Miss Red, ecc)

– Do you have another projects?
I divide myself in two different approach: with my name Andrea Familari I currently produce prints,screening and interactive installation for the “contemporary art” field (http://www.famifax.com/fami). With the pseudonym FAX, I collaborated with artist for videoclips, A/V performances and production of show and exhibition. (http://www.famifax.com/fax)
Currently I’m touring with Marco Donnarumma’s shows as light design and stage producer and I’m working on my new exhibition.

– What is psst.one?

Psst.one is a web channel focused on weekly video interviews about the artists involved in all aspects related to the audio/video field. Psst.one was born with the intent to contribute to the creation of a legacy, related to the field of the ‘visualist’.

– How and when did it start?
I was thinking about it in the spring of 2017 and that summer I started to contact the first interviewees, I took my Sony NexVg20 and I started to record the first interviews in Berlin.
The first episode was out the 20th October 2017.

– Who forms the team?

I’m the director and the main guy of the channel.
Fara Peluso(http://www.moodif.net/site/) is the graphic designer and Luca Caciagli is the photographer of the events that we organise in Spektrum every two months.

– Why interview only visual artists?

Personally I like to read biography of artists and I love to know how they evolved their aesthetic and how they created their works, but there are nothing for visualist about it. 
If you want to know more about one single artist of our field is very difficult and there are not enough material in my opinion. Also we do visuals and there really few video interviews about visualist. For this two main reasons I decided to start this channel.
Honestly I didn’t think to learn so much about other process of work and make friendship, I’m still convinced that I made the right decision.

– How many interviews do you have?

Now, at the end of December 2018, I published 39 interviews, I already recorded more and I already plan the future interviews.

– How many interviews each month? Is there a frequency?

Usually four interviews every month, one per week basically.

– Is there anything in common in all your interviews?

The only one thing in common of all the interviews is the first question, “How did you start with visuals?”, then everyone is different. In our field there is maybe a common style (generative visuals, live cinema, glitch, analog one, ecc.) in some artists, but we do so much stuff in different way that is complicate to put out the common part. Also I like every time to underline the singularity of every single artist that I interview.

– What is the purpose of the project?
The purpose of Psst.one project and its presence on the web is to eventually create a digital archive giving the possibility to have a history and at the same time be inspired from the other artistic realities present into the A/V world.
Psst.one is the place where the ‘faces’ of the visual world are shown.

– Goals of the future
With psst.one, I would like to publish 40 interviews this season, I’m working to go in US and Asia to record half on the next season on that part of the world and maybe in the next years a documentary, we will see

Thank you for this interview, a pleasure

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Amsterdam Light Festival (2019-2020) – Call for concepts

Par volatil

El Amsterdam Light Festival es un festival que se celebra anualmente en invierno en los Países Bajos y que se presenta como un festival de arte que busca la máxima calidad con la luz como protagonista. Los canales, lugares históricos, fuentes, se vestirán de luz con las obras seleccionadas para ofrecer una experiencia única a los visitantes.

Desire – UxU Studio (Amsterdam Light festival 2018)

La 8ª edición del festival tendrá lugar del 28 de noviembre de 2019 al 19 de enero de 2020 en el centro de Ámsterdam. Un jurado internacional, junto al equipo curador del festival, revisará los conceptos y seleccionará cerca de 30 artistas para presentar sus obras.

Fecha límite para presentar propuestas: lunes 21de enero 2019.
Bases para presentar propuestas.

El festival invita a creativos de todo el mundo, desde artistas a diseñadores, ingenieros, arquitectos, profesionales o estudiantes, a presentar un concepto para una obra de luz.

All the light you see – Alicia Eggert (Amsterdam Light festival 2018)

Para su 8ª edición, el festival está buscando interpretaciones artísticas y originales del tema “interrumpir”, entendido como perturbar o desordenar. Una interrupción generalmente se considera un inconveniente, pero también puede ser positiva y, a veces, esencial para desencadenar la necesidad de que se produzcan cambios. Desafían a los artistas a crear esculturas o instalaciones de luz que exploren este tema.

El Amsterdam Light festival busca tanto obras diseñadas para el agua como obras que puedan estar en las calles y con las que se pueda interactuar.

Absorbed by Light – Gali May Lucas (Amsterdam Light festival 2018)

A.N.N. – Koros Design (Amsterdam Light festival 2018)

Action>Reaction 2.0 – Sjimmie Veenhuis (Amsterdam Light festival 2018)

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Nuestra crónica visual del MIRA Festival Barcelona 2018 en 3 vídeos

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Hace ya tres semanas del MIRA festival Barcelona y seguimos saboreando todas sus propuestas, tanto musicales como visuales. El festival ha ido madurando y creciendo edición tras edición, sin perder su esencia de festival acogedor y experimental, dirigido a todas esas personas ansiosas por descubrir nuevos sonidos y nuevas formas de expresión a través del arte digital.

El festival llego a su edición número 8 los pasados días 8,9 y 10 de noviembre en Fabra i Coats. El  Sold out de los abonos dobles ya apuntaba maneras y podemos decir que nuestro festival de invierno preferido se ha consolidado como un festival referente de arte digital.

La DOME by adidas Original Show A/V Dasha Rush con las visuales de Stanislav Glazov.

En este artículo anterior ya te hablamos de todas las propuestas visuales que queríamos ver: Los artistas visuales del Mira Festival 2018. Y en esta crónica que viene a continuación, compartimos tres piezas de vídeo para mostrarte cómo vivimos el MIRA desde dentro.

Instalación “IMAGINARY LIMIT” de Nick Verstand y Salvador Breed

¿Empezamos por los shows A/V? En poco menos de dos minutos, un pequeño resumen visual de lo que fueron los directos audiovisuales. En general, vimos muchas visuales no figurativas, con gráfica ruidosa y mucho glitch. En el vídeo verás la gráfica generativa de Alba G. Corral y sus propuestas visuales para los temas de una de las bandas más esperadas: “El Sueño de Hyparco”. Los vídeos llenos de juegos de luces de Dan Conway que acompañó el directo de Seefeel. El ruido y el glitch de Marta Verde y la gráfica geométrica de las visuales del directo de Tangerine Dream. Lo de Atom™ son palabras mayores. Imágenes reales, como sacadas de las noticias, bandalismo callejero y fuerzas policiales. La repetición y los loops de las imágenes mantienen una relación con la música que te atrapa. El VJ Jason Voltaire llamó nuestra atención con sus visuales llenas de mensajes dirigidos al público. El final apoteósico de DJhonston en The Loft no hubiera sido lo mismo sin las visuales de Jordi Pont de Onionlab.

Seguimos con las instalaciones inmersivas de gran formato. Quizá nos faltó algo más de interacción, para sentir ese protagonismo que tanto nos gusta ante las obras de arte digital. Pero podemos decir que subir las escaleras del MIRA para llegar a estas dos instalaciones valía la pena. Ambas nos hicieron sentir esa sensación de estar en una realidad paralela, como si el tiempo se parara y el mundo se reduciera a lo que ves y a los que escuchas, a lo que sientes.

La primera que aparece en el vídeo es IMAGINARY LIMIT, una instalación audiovisual de Nick Verstand y Salvador Breed que simboliza las limitaciones internas que nos imponemos a nosotros mismos al influir en nuestra percepción de la luz y el sonido.

Y la segunda es “Licht, mehr Licht!”, o “Luz, más luz!” en español, fueron las últimas palabras del gran escritor y pensador científico alemán Goethe. La instalación, creada y desarrollada por el artista visual francés Guillaume Marmin, se hace eco de experiencias cercanas a la muerte, cuyos supervivientes describen un “túnel de luz” que se abre más allá de la oscuridad.

La DOME by adidas Original no fue lo que más nos gustó de esta edición pero no podemos negar que es una suerte poder tener esta cúpula inmersiva cada año en Barcelona. Este año solo hubo un directo en la DOME, el de Dasha Rush con las visuales de Stanislav Glazov. La parte visual nos pareció de gran nivel pero la música sonaba lejana, suave y echamos de menos algo más de intensidad, era complicado meterse dentro de la historia.

Vimos “CONTEMPORARY HARDCORE” by KONX-OM-PAX SCREENING del artista multidisciplinar Tom Scholefield, mente creativa detrás del alias Konx-Om-Pax. El uso del color parecía que iba a salvar la pieza pero  aquí además de sonido, nos faltó ritmo y sincronización.

Seguimos con “SPECTRUM OF THE CORAL” by FRAGMATISTA SCREENING. Su autora es Fragmatista, alias de la artista digital peruana Giselle Angeles. El contenido de la pieza se creó mediante el escaneo 3D y el diseño de esculturas de realidad virtual en tiempo real, que nos llevó a un espacio inmersivo creado a partir de un mundo surrealista lleno de paisajes digitalizados. Sin duda, la pieza más interesante que vimos aunque, una vez más, nos faltó volumen de sonido.

Para terminar y como conclusión final, podemos decir que esta edición puede haber sido la mejor de todas. Por su programación, organización y propuestas tanto musicales, como audiovisuales y de arte digital.

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Tráiler “Visualist, those who see beyond” · Tres entrevistas en una

Par volatil

Seguro que has oído hablar del documental Visualist, una idea que nace de dos cracks que se encontraron con una misma ilusión y decidieron llevarla a cabo fuese como fuese. Pedro y Manu (directores del documental) no sabían por aquel entonces que a Oscar (fundador de Vjsapain y Otucinema) le seduciría hasta tal punto la idea, que produciría el documental para después distribuirlo.

Ya entrevistamos en su día a este dúo fantástico que está haciendo realidad su sueño. Nos contaron anécdotas sobre los rodajes por Europa y descubrimos cómo empezó todo. Para los despistados, aquí los artículos anteriores:

Refractivo y Vjspain presentan Visualist, el documental que estábamos esperando
Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores
“Visualist, those who see beyond” aterriza en Nueva York para grabar las últimas entrevistas del documental

En esta entrevista nos centramos en la fase de edición y hemos querido bucear por las entrañas del documental a través del equipo que lo hace posible. ¿Cómo fueron las entrevistas realizadas en Estados Unidos?, ¿cuándo podremos ver el documental terminado?, ¿cómo ha ido el proceso de edición?.  Si sigues leyendo, disfrutarás de tres entrevistas en una.

ENTREVISTA A PEDRO, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL, PRODUCTOR EJECUTIVO Y EDITOR.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
No soy capaz de decir cuáles han sido las tres mejores entrevistas del documental. Siempre he estado atento a los artistas que despuntaban en el sector. Recuerdo la estructura “Square” que crearon 1024 Architecture con Etienne De Crecy, el mapping que hizo Antivj en un club con Ricardo Villalobos, cuando compré las licencias de Modul8 y Madmapper, el trabajo que hacía el sello Pfadfinderei, el mapping de Pablo Valbuena, “Timber” de Cold Cut  (también recuerdo cuando actuaron en Madrid en un festival en la complutense), ese viaje con 23 amigos de Córdoba a Frankfurt, al festival Time Warp y vimos el set de Richie Hawtin con su set de visuales apoteósico.

Recuerdo el proyecto de “Living Room” de Mr Beam en el que se veía una habitación con muebles blancos y mediante un proyector se “amueblaba”, “Le Petit Chef” de Skullmapping (micro mapping épico), el mapping de la Catedral de Santiago, las obras de Daniel Canogar, “Liquid Diesel” de Dvein (una pasarela con hologramas), Monolake (Robert Henke) pinchando con unos visuales brutales por el año 2010, recuerdo a mi amigo Michael Valiente enseñándome el trabajo que hacía Francois Vogel.

Pero si puedo decir que nunca olvidaré haber conocido a todos estos artistas en sus estudios donde llevan años trabajando. Y esto es un recuerdo muy actual que tengo y que siempre lo recordaré como uno de los mejores momentos de mi vida.

– ¿Cómo fue la última entrevista del documental a Daito Manabe?
Surrealista. Acabábamos de llegar de Estados Unidos y me llama Manu por teléfono y me dice que Daito Manabe había posteado una foto en instagram y que estaba en Madrid. Conseguimos contactar con él, la entrevista fue en la oficina de Otucinema, se la hicimos en inglés y él contestó en japonés. No sabíamos lo que contestaba, pero más adelante contamos con una chica japonesa para la traducción y nos enteramos de lo que había dicho. Daito fue súper amable con nosotros y culminó el cartel del documental.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
En San Francisco por varios motivos. Nunca había estado en San Francisco. Fuimos a entrevistar a Bradley (Gmunk)  que es un ídolo para nosotros. Se suponía que era la última entrevista con lo cual era el fin del rodaje. Al terminar la entrevista le di a Manu un abrazo enorme y le felicité por el buen trabajo que había hecho. Puedo decir que es mi ciudad favorita hasta la fecha. El año que viene iré a conocerla bien.

– ¿Qué tal la experiencia en América del Norte?
Viajar es muy enriquecedor. Manu, Oscar y yo entrevistamos a Zach Lieberman y a Steve Giralt. Después nos fuimos a Montreal. Entrevistamos en un mismo día a Myriam Bleau y Herman Kolgen. Herman tiene el estudio más flipante que hemos visto en todo el rodaje. No hay espacio para poder describírtelo. Su entrevista fue brutal. Y con Myriam fue genial también, muy buena entrevista, muy didáctica, se expresaba muy bien. Decir que ninguno de los dos conocíamos demasiado a Oscar y después de este viaje hemos hecho muy buenas migas. Ahora somos amigos.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
A día de hoy nos encontramos en fase de edición. Hemos optado por editar por bloques o por temáticas. Nos quedan dos bloques solamente por editar, cuando esta noticia este publicada ya habremos terminado los bloques. Esos bloques están de manera ordenada y con un sentido. Ahora toca seguir la típica estructura de guión y desordenar un poco todo esto y tendremos una primera edición en timeline. Ya sabemos más o menos cuánto va a durar el docu pero no lo vamos a decir. Yo soy editor, colorista y me encargo de la postproducción. Manu está conmigo siempre. Dos pensando mejor que uno. Hacemos buen equipo.

– ¿Cómo llegasteis al primer guión?
Después de hacer las transcripciones fuimos abriendo secuencias en el timeline con las entrevista de cada artista. Marcamos timecodes en cada pregunta y todo esto lo llevamos a papel, para poder trabajar de manera ordenada y no volvernos locos. 220 páginas en total con todas las declaraciones. Cada uno de nosotros tenía una copia impresa y marcamos diferentes temáticas con colores. Durante el verano hemos ido leyendo y subrayando. Después de las vacaciones empezamos a crear un timeline con todo lo subrayado.

– ¿Y al segundo guión?
Después de la segunda criba de declaraciones se nos ha quedado un guión literario de 50 páginas más o menos. Ahora tenemos muy claro lo que va a salir y lo que no.

– Como director y editor del documental, ¿estás contento con el resultado?
Como director es un orgullo poder contar esta historia y como editor estoy muy animado. Me encaja todo muy bien, no hemos tenido demasiados problemas a la hora de darle forma. Esto viene porque habíamos hecho una buena preproducción con las preguntas que le hemos hecho a los artistas. Así que con la primera fase de la edición que es lo que estamos haciendo ahora estamos muy emocionados. Después viene el sonido, y a la vez el etalonaje y por último la postproducción.

ENTREVISTA A  MANU, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL & DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

– ¿En qué ciudades habéis realizado entrevistas?
Si no me equivoco, hemos grabado en un total de catorce ciudades: Madrid, Barcelona, Santiago de Compostela, Ibiza, Ginebra, París, Londres, Bruselas, Lovaina, Utrecht, Berlin, Nueva York, Montreal y San Francisco. En algunas de ellas por partida doble, como Londres, Paris, Barcelona o Bruselas. Ha sido genial poder viajar tanto para rodar el documental y tener la oportunidad de conocer tantos artistas en sus estudios.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
Es muy difícil responder con una sola experiencia… La grabación a Pierre Schneider y Francois Wunschell (1024 architecture) fue muy divertida por su sentido del humor, pero pisar la oficina de Ninja Tune en Londres y conocer a toda una institución como Matt Black es algo tremendo. En Montreal, Herman Kolgen nos abrió las puertas de su casa y nos hizo un tour por sus increíbles espacios de trabajo. En Nueva York, en un estudio situado en un rascacielos de Manhattan, Steve Giralt nos hizo una demo de cómo funciona su cámara super slow motion usando nuestra claqueta. Todo han sido grandes experiencias por el mero hecho de conocer a los artistas.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
Joannie Lemercier, por el recorrido que nos cuenta desde los inicios del arte visual hasta nuestros días y porque es Joannie Lemercier. Francois Wunschell por su particular visión del mundo del videoarte y su capacidad de transmitir conceptos bastante complejos. Y Matt Black, por sus amplios conocimientos y su contundencia en las respuestas.  Sumo a Daito Manabe, porque su manera de entender la relación entre el ser humano y la tecnología está a otro nivel.

– ¿Qué tal la experiencia en Estados Unidos?
Maravillosa en todos los aspectos. Primero porque esta vez Oscar nos acompañó en una gran aventura y compartimos grandes anécdotas que nunca olvidaremos. Conocimos y entrevistamos a artistas como Steve Giralt, Myriam Bleau, Zach Lieberman, Herman Kolgen y Bradley Gmunk, poco más que añadir… Bradley es muy agradecido. El viaje fue una paliza de horas de vuelo y trayectos, pero también tuvimos tiempo de patear Nueva York y Montreal. Y de San Francisco decir que es una ciudad que me sorprendió en todos los aspectos, vamos que me pareció una pasada y apenas estuvimos unas horas. Pedro y yo nos cruzamos Estados Unidos para entrevistar a Bradley, viajamos desde Montreal con vuelo de vuelta a la mañana siguiente, y aun así tuvimos tiempo de disfrutar de unas penosas vistas del Golden Gate (por culpa de la niebla) y de celebrar el supuesto fin de rodaje del documental con una merecida cena en Chinatown. Todo son grandes recuerdos de un viaje así y más cuando lo haces con dos cachondos como Pedro y Oscar.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
Estamos encarando la primera fase de la edición, básicamente seleccionando y estructurando el guión por temáticas. Pedro es el editor del documental por sus buenas dotes como montador, y los dos nos ponemos de acuerdo para ver qué entra, qué dejamos fuera y cómo hilamos los totales que tenemos. Vamos poco a poco dándole forma.

– Como director de fotografía del documental, ¿estás contento con el resultado?

Sí, siempre hay que estar contento de lo que uno hace y el género documental tiene muchas complicaciones. A veces porque el espacio es muy pequeño, porque somos un equipo mínimo o porque el tiempo es oro y cada segundo cuenta. Hay siempre mil factores a tener en cuenta, como en todos los puestos, y estoy contento de que hayamos sido capaces grabar este documental como lo hemos hecho.

ENTREVISTA A OSCAR TESTÓN, PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL

– ¿Tu top 3 de entrevistas del documental?
La verdad es que no puedo ser muy crítico en este tema ya que solo he asistido a las entrevistas que hicimos en EEUU y Canadá. Así que solo puedo opinar sobre 5 artistas. Pero espero con ansia escuchar a 1024 Architecture, a Joanie Lemercier y a Daniel Canogar. Por ahora mi preferido es Herman Kolgen.

– ¿Cómo ha sido la experiencia de liderar la producción del documental?
La verdad es que la experiencia empieza ahora, la parte donde yo más participo acaba de empezar. Los meses anteriores mi trabajo ha sido muy fácil ya que mis compañeros lo han tenido todo atado y ha sido un placer viajar y escuchar cómo iban sumándose artistas al proyecto. Ahora comienza todo el plan de mover el documental.

– ¿Cuándo está previsto el estreno y dónde?
La fecha exacta dependerá del patrocinador, si la idea es hacer más actividades y acciones los días del estreno del documental, ya nos estamos moviendo en ese camino. No quiero dar mucha más información pero en mi cabeza resuena ver el documental con calorcito en Madrid.

– A nivel distribución, ¿hay un plan?
Sssssshhhh, estamos trabajando en eso y queremos tenerlo más atado antes de compartirlo con vosotros. Os queremos sorprender.

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Los artistas visuales del Mira Festival 2018

Par volatil

El Mira Festival tendrá lugar del 8 al 10 de noviembre en el edificio Fabra i Coats de Barcelona. Como sabéis, se celebra anualmente en Barcelona (desde 2011) y en Berlín (desde 2016). Enfocado a las nuevas tendencias de la cultura digital y la tecnología, el festival ofrece shows audiovisuales tanto en formato tradicional como fulldome, instalaciones interactivas y digitales, shows con sonido 3D, screenings en formato fulldome, conferencias, presentaciones y workshops. Hemos escrito muchos artículos sobre el festival, para los curiosos, todos aquí.

Dos instalaciones inmersivas, un directo audiovisual fulldome, 4 piezas fulldome, directos audiovisuales y VJ set de la mano de todos estos artistas: Marta Verde, Natalia Stuyk, Jason Voltaire, Diego López Bueno aka Tirador, Alba G. Corral, Dan Conway, Patrick Dunn, Ezra Miller, Emile Barret, Michael Guidetti, Ludovic Sauvage, Trama Barceló y Jorge Cumbre (unseen), Anton Babinski, Stanislav Glazov, Giselle Angeles aka Fragmatista, Tom Scholefield, Transforma, David O’Reilly, Guillaume Marmin, Nick Verstand y Salvador Breed.

Como siempre, hemos buceado a fondo en la programación para crear nuestro recorrido visual. En esta edición empezamos por los VJ set.

MARTA VERDE VJ SET (ES)
Marta Verde es una programadora creativa y artista visual afincada en Madrid, especializada en new media y tecnologías digitales aplicadas a las artes escénicas. Su trabajo se construye a través del uso de software y hardware personalizado y específico para cada conjunto visual, lo que le permite manipular todo el contenido en tiempo real y explorar los límites del ruido visual, la repetición y el vínculo entre lo orgánico y lo electrónico. Por primera vez actuando en MIRA, presentará un set visual creado específicamente para el directo de Cristoph De Babalon. Esperad lo inesperado.

NATALIA STUYK VJ SET (UK)
Natalia Stuyk es una videoartista y directora londinense cuyo trabajo se caracteriza por el uso de colores sobresaturados, movimiento rítmico y bucles infinitos, fusionando técnicas 2D y 3D con elementos fotográficos. colaborado con artistas y marcas como Crystal Fighters, Nike y Stella McCartney. Actualmente está trabajando en proyectos e instalaciones interactivas. Para su primera actuación en directo en Barcelona, presentará un espectáculo visual especial para el DJ set de cierre de Call Super en el escenario principal.

JASON VOLTAIRE VJ SET (UK)
Jason Voltaire es un artista interdisciplinario afincado en Montreal. el trabajo de Voltaire se centra en el diseño de motion graphics, así como en los gráficos y la programación 3D. En MIRA 2018 mostrará el trabajo que ha preparado en exclusiva como la dimensión visual para el set de dj de cierre de Avalon Emerson, su colaboradora durante muchos años.

TIRADOR VJ SET (ES)
Tirador es el alias de Diego López Bueno, artista visual y conceptual afincado en Madrid. Su obra cuestiona el concepto de autoría a través de la apropiación de imágenes, interactúa con las nuevas tecnologías y analiza los nuevos códigos de comunicación nacidos de Internet. Trabaja con todo tipo de ruido visual, soportes y técnicas incluyendo glitches, renders en 3D, cintas VHS o películas analógicas.
Por primera vez en MIRA, llevará a cabo un set comisionado por el festival y especialmente creado para acompañar el DJ Set de Objekt, dentro de la Afterparty que celebraremos en Razzmatazz (salas The Loft y LoLiTa) el sábado 10 de noviembre, justo después de que termine el festival.

Seguimos con los directos A/V

EL SUEÑO DE HYPARCO deconstructing AMBIENTES HORMONALES feat. ALBA G. CORRAL LIVE A/V (ES)
El Sueño de Hyparco fue el legendario proyecto madrileño formado a mediados de los años 80 por el icónico músico, escritor y cineasta español Antonio Dyaz, alias Klaus Böhlmann. Influenciados por bandas seminales como Tangerine Dream y con la idea inicial de emular el sonido del lado oscuro y siniestro de la Berlín de los años 90, se embarcaron en un viaje sonoro que los llevó a las regiones más lejanas de la psique humana.

La banda volverá a tocar en vivo por primera vez en muchos años en un show exclusivo para MIRA 2018. En colaboración con el trabajo visual generativo en directo de la artista visual y activista Alba G. Corral, “Deconstructing Ambientes Hormonales” será una performance basada en nuevas piezas desarrolladas a partir del material sonoro original del álbum. Una experiencia única que no hay que perderse.

SEEFEEL performing QUIQUE feat. DAN CONWAY LIVE A/V (UK)
En una actuación exclusiva en España y junto al trabajo visual en directo de Dan Conway, Seefeel presentará su álbum debut “Quique” (Too Pure, 1993), celebrando el 25 aniversario de su lanzamiento. No podemos dejar de contar los días que faltan para celebrarlo con ellos.

TANGERINE DREAM LIVE A/V (DE)
Una de las bandas más representativas de los últimos 50 años. El grupo surgió en el Berlín Oeste de 1967 con sus patrones hipnóticos de sintetizadores y su alucinantes paisajes sonoros. La parte visual del Live A/V lo firma el artista británico Patrick Dunn. Su actuación en Mira marcará el estreno del show “Quantum of Electronic Evolution” en nuestro país.

YVES TUMOR feat. EZRA MILLER LIVE A/V (IT/US).
Productor enigmático que presenta un nuevo espectáculo audiovisual en colaboración con el artista visual Ezra Miller.

AÏSHA DEVI feat. EMILE BARRET LIVE A/V (CH/FR)
Devi presentará un nuevo show A/V, estrenado previamente en MIRA Berlin, con el trabajo visual en directo de uno de sus colaboradores más cercanos, el fotógrafo y artista visual francés Emile Barret, donde juntos crean un acontecimiento audiovisual emocional y espacialmente perturbador.

ATOM ™ presents DEEP STATE LIVE A/V (DE)
En MIRA 2018, Atom™ presentará su espectáculo audiovisual más reciente, “Deep State”: un espectáculo dinámico, matemático y generado en tiempo real, representativo de la estética Raster-Noton y que ha seguido evolucionando desde que lo estrenara en la primavera de este año.

RIVAL CONSOLES LIVE A/V (UK)
Rival Consoles presentará su trabajo más reciente a través de un dinámico show A/V en directo que se centra en su sonido más clubber y cuenta con visuales autoprogramados en Max/MSP. Un caleidoscopio sonoro, rítmico y emocional nos espera.

AMNESIA SCANNER present AS ORACLE LIVE A/V (FI)
Amnesia Scanner han publicado recientemente su álbum de debut, “Another Life”, en el sello berlinés PAN: Una obra de teatro vanguardista que explota con una producción de club de vanguardia y que cuenta con una voz humana interpretada por Pan Daijing y una voz inhumana y desencarnada llamada “AS Oracle”. En el marco del showcase de PAN en MIRA 2018, el jueves 8 de noviembre, Amnesia Scanner presentarán el estreno en España de su nuevo espectáculo audiovisual, “AS Oracle”, en el que participará el mencionado intérprete virtual. Un viaje de ida al universo de AS nos espera.

M.E.S.H. feat. MICHAEL GUIDETTI LIVE A/V (US)
La actuación de M.E.S.H. como parte del showcase de PAN en MIRA 2018, el jueves 8 de noviembre, estará acompañada del trabajo visual del artista multimedia Michael Guidetti  (San Francisco) y ofrecerá una visión de lo que está por venir en el mundo sonoro de este artista único. Este es su instagram.

CARLA DAL FORNO LIVE A/V (AU)
Acompañada de un trabajo visual creado por el artista francés Ludovic Sauvage, la actuación de dal Forno en MIRA será su primer show en directo en Barcelona. Actualmente está trabajando en material nuevo, cuyos resultados esperamos poder experimentar en esta edición del festival.

WARÁ feat. TRAMA BARCELÓ LIVE A/V (ES)
Inspirado en sus raíces árabes, Wará es el alias más reciente de Fran Mora: el dj sevillano afincado en Barcelona, productor y fundador del sello Urban Legend, conocido por su oscuro proyecto de techno industrial /beyond/.
En MIRA 2018, Wará presentará un espectáculo audiovisual realizado en colaboración con Trama Barceló y Jorge Cumbre (unseen), basado en fotografías analógicas captadas por Teresa Espadafor  y manipuladas químicamente por Raúl Hidalgo, dos de los fotógrafos más prometedores y excitantes de Barcelona.

CAUTO feat. ANTON BABINSKI LIVE A/V (ES)

Tras varios EPs y un LP en el sello barcelonés Disboot, Cauto ha publicado recientemente su segundo álbum, “Sueño”, en Ochomel, la plataforma artística que cofundó en 2017. Su actuación en MIRA 2018 contará con el trabajo en directo del artista visual Anton Babinski.

PIEZAS FULL DOME

“ANTARCTIC TAKT” by DASHA RUSH & STANISLAV GLAZOV LIVE A/V 360º (RU)
Antarctic Takt es una historia audiovisual que quiere enviar al público a un viaje con destino a una Antártida abstracta, llena de imaginación, contrastes y paisajes gélidos que nunca hubiéramos imaginado en esas latitudes de color blanco infinito. Aún más: el MIRA Dome by adidas Originals vivirá el estreno de este show en su versión fulldome.
Escrito por la artista rusa Dasha Rush, autora de una gran variedad de proyectos de música electrónica publicados en Sonic Groove y Raster Noton, fundadora del sello Fullpanda Records y DJ fenomenal, lo ha realizado en colaboración con el artista visual Stanislav Glazov.
Este show no está incluido ni en el abono de 3 días ni en la entrada de jueves. Tiene una entrada separada que podrás comprar el mismo día del show en la taquilla desde las 16:00 hasta las 19:30, por 3€. El aforo estará limitado a 150 personas.

“SPECTRUM OF THE CORAL” by FRAGMATISTA SCREENING 360º (PE)
“Spectrum of the coral” es una pieza fulldome 360º creada mediante el escaneo 3D y el diseño de esculturas de realidad virtual en tiempo real, que nos lleva a un espacio inmersivo creado a partir de un mundo surrealista lleno de paisajes digitalizados. Ha sido comisionada por Zaiba Jabbar, fundadora de Hervisions.
Su autora es Fragmatista, alias de la artista digital peruana Giselle Angeles cuya obra refleja una profunda investigación sobre la tecnología y la naturaleza de los entornos digitales.

“CONTEMPORARY HARDCORE” by KONX-OM-PAX SCREENING 360º (UK)
“Contemporary Hardcore” es una pieza fulldome 360º muy emocional que se estrenará en el MIRA Dome by adidas Originals y que toma como influencia creativa el ambiente matutino del hardcore y las huellas del delirio de la noche anterior. A la travesía por vías neurológicas, luces de neón y los primeros rayos de luz del día, hay que añadir una música eufórica que potencia los magníficos tonos digitales.
El autor es Tom Scholefield, mente creativa detrás del alias Konx-Om-Pax, un artista multidisciplinario que, como músico, ha lanzado dos LPs en Planet Mu -aportando una versión de la música de baile difícil de domesticar-, y que ahora nos sorprende con su faceta visual añadiendo impresionantes efectos 3D en tiempo real.

“EXTRAORDINARY ALIEN” by FATIMA AL QADIRI & TRANSFORMA SCREENING 360º (SE/DE)

Los autores son Fatima Al Qadiri (música), productora cuyos sonidos expresan su experiencia vital a menudo mezclando partes de la tradición árabe con las nuevas corrientes de la electrónica de hoy, y Transforma (visuales), compañía creativa fundada en 2001 por Luke Bennett, Baris Hasselbach y Simon Krahl, que produce performances audiovisuales, instalaciones, proyecciones de música y videoclips con un lenguaje propio dentro de la experiencia visual en vivo.

“EYE OF THE DREAM” by DAVID O’REILLY SCREENING 360º (US)
El autor es David O’Reilly (estos son su instagram y su facebook), quien, basándose en el software de su mega-galardonado videojuego “Everything”, ha creado esta maravillosa pieza fulldome 360º.

INSTALACIONES

LICHT, MEHR LICHT! by GUILLAUME MARMIN INSTALLATION (FR)
“Licht, mehr Licht!”, o “Luz, más luz!” en español, fueron las últimas palabras del gran escritor y pensador científico alemán Goethe. La instalación, creada y desarrollada por el artista visual francés Guillaume Marmin, se hace eco de experiencias cercanas a la muerte, cuyos supervivientes describen un “túnel de luz” que se abre más allá de la oscuridad. Las obras de Marmin dan forma a lo intangible, revelando la belleza de lo invisible y los fundamentos matemáticos de la realidad.

IMAGINARY LIMIT by NICK VERSTAND and SALVADOR BREED INSTALLATION (NL)
IMAGINARY LIMIT es una instalación audiovisual de Nick Verstand y Salvador Breed que simboliza las limitaciones internas que nos imponemos a nosotros mismos al influir en nuestra percepción de la luz y el sonido.
Creada por Nick Verstand -artista contemporáneo que explora el comportamiento y la percepción humana a través de composiciones audiovisuales espaciales- y Salvador Breed -artista/tecnólogo especializado en crear y esculpir el espacio y el sonido-, esta nueva instalación -comisionada por MIRA- se estrenará en esta edición.

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Ciclo Seminci transmedia: Experiencias Audiovisuales & cine 2018

Par volatil

Llega la 63 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid Seminci. Ya te hablamos hace un año de su ciclo de live cinema. Este año el tema es la comunicación transmedia. ¿Qué significa relato transmedia? Es un realto en el que la historia que se despliega en diferentes medios y sorportes de comunicación. El Ciclo Seminci transmedia (del 24 al 26 de octubre en Valladolid), toma esa idea para aplicarla al cine, que también está expandiendo su rango de acción gracias a las nuevas tencologías. Si ya el año pasado el evento incluía en su programación el Live Cinema, este año suman una de las caras más innovadoras del cine actual: la realidad virtual.

Para profundizar en las posibilidades de los nuevos medios, han programado una mesa redonda que congregará a Esther Pérez-Atam, integrante del Laboratorio de innovación de RTVE, el realizador Alfonso Palazón Meseguer, coproductor del proyecto transmedia “Primavera Rosa”, Roberto Romero cofundador de Future Lighthouose, compañía responsable de películas como “Melita” que se estrenó en Venecia y cofundador de la compañía Future Lighthouse y Marcelo Santamaría de Xperiencia Virtual. Entre los cuatro, repasarán la situación cultural y harán un análisis del lugar hacia donde nos puede llevar la realidad virtual combinada con el cine. Y es que los largometrajes aún están por llegar pero ya en camino.

Tras la mesa de debate, se abrirá el ciclo “Seminci Transmedia” el día 24 de Octubre, el ciclo se extiende durante los días 25 y 26 de octubre en horario de tarde con cinco pases de realidad virtual por día de aproximadamente 30 minutos, a los que seguirá un espectáculo de Live Cinema en directo.

Este año las propuestas de Live Cinema corren a cargo del colectivo Bromo formado por Paloma Peñarrubia y Azael Ferrer y de Los Voluble, Pedro y Benito Jiménez; con sus piezas “Traces of erosion” y “Borderhack” respectivamente. Con ellos, exploraremos la crítica a la geopolítica actual, reflexionando sobre la inmigración y sus consecuencias sociales y territoriales.

Los VolubleBorderhack. Una catástrofe audiovisual presentada por primera vez en el marco de la exposición de UNIA arte y pensamiento en el Centro de las Artes de Sevilla “El Mediterráneo como frontera: realidad y representación” que recupera materiales y acciones contra las fronteras. ‘Borderhack’ es una catástrofe audiovisual realizada en directo, en la que Los Voluble (Pedro y Benito Jiménez) juegan con un ingente archivo sonoro y visual con el objetivo de hackear los imaginarios coloniales y la política del miedo en torno a las fronteras.

BromoTraces of Erosion. Los actuales movimientos migratorios son las nuevas formas de erosión del territorio. Los caminos recorridos y las nuevas tierras ocupadas, los espacios abandonados sufren las consecuencias de la migración. La geografía se distorsiona debido a las consecuencias. Dibujan las oquedades y desiertos del siglo XXI.
“Traces of erosion” es el debut de Bromo, el nuevo proyecto de Paloma Peñarrubia junto a Azael Ferrer. En este espectáculo audiovisual, han tomado las colonias como bandera. Elaboran una declaración protesta desde el ámbito geográfico, social, político y medioambiental.

¿Dónde? Sala Experimental – Teatro Zorrilla Plaza Mayor, 9, Valladolid
¿Cuándo?
Día 24 18h – Mesa de Debate
Día 25 17h – Primer pase Realidad Virutal (RV) : uno cada 45 minutos Día 25 22h – Bromo, Traces of Erosion
Día 26 17h – Quinto pase Realidad Virutal (RV) : uno cada 45 minutos Día 26 22h – Los Voluble, Borderhack

La realidad virtual es una experiencia de inmersión audiovisual en que se viene experimentando desde finales del siglo pasado y que la publicidad ha sabido adoptar muy bien. Aunque el cine ha tardado más, al fin esta nueva forma de ver cine está entrando en los festivales no especializados. Hace poco fue el Festival de Venecia y ahora es Seminci, pionera en el caso español, junto con el Festival de Sitges.

En este caso y gracias al patrocinio de Xperiencia Virtual, el festival ha programado seis cortos de reciente estreno y diferentes procedencias: USA, Corea, Dinamarca, Kenya y España; que han pasado por festivales como Sundance, Tribeca, Venecia, Viladoconde, Encounters Film Festival de Londres o el festival Internacional de Documentales de Copenhage.

Listado de cortometrajes Realidad Virtual
-Melita, Nicolás Alcalá, USA, 2017
-Bloodless, Gina Kim, Corea, 2017
-Primavera Rosa, Mario de la Torre, España, 2017
-The Sun Ladies, Maria Bello, Celine Tricart, Christian Stephen, USA, 2017
-Beyond the wall, Mikkel Keldorf & Mikkel Cantzler -Christensen, Dinamarca, 2017
– Let this be a warning, The Nest Collective, Kenya, 2017

Las seis películas que se podrán disfrutar en esta edición presentan diversos modos de enfrentar las nuevas luchas sociales y políticas actuales; así como la situación en la que nos sitúan las nuevas tecnologías.

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Llega la 10ª edición del festival KEROXEN · Tenerife

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El Festival Keroxen llega a su 10ª edición y tendrá lugar el próximo sábado 20 de octubre y continuará con su programación el 27 de octubre y los días 3 y 10 de noviembre en el Espacio Cultural El Tanque (Tenerife).
Más de 20 artistas, 4 días de música, shows audiovisuales e instalaciones. ¿La seña del festival? Una pantalla semicircular fabricada con bidones reciclados que este año se amplía a 40 metros de diámetro.

El festival tiene una oferta multidisciplinar con propuestas que van desde instalaciones visuales, vídeo mapping, música, danza, improvisación literaria, artes plásticas hasta performances. Se trata de uno de los festivales underground más relevantes de nuestro páis. Un laboratorio de nuevas tendencias en el arte, creando lazos culturales entre las Islas Canarias, la península y el extranjero. La programación de esta edición cuenta con artistas de Alemania, Suiza, Francia, Reino Unido, Perú, Colombia, Portugal, Barcelona, Madrid, Zaragoza y Canarias.

A nivel visual destaca el Vj de Aïsha Devi, Emilie Barret, ya la vimos en Mira Festival Berlín con su estética psicodélica y de vídeojuego. También el colectivo Analógicos Anónimos, un colectivo recién nacido en territorio tinerfeño que se basa en la fusión de intereses artísticos y tecnológicos. Moviéndose en el entorno multimedia, se ocupa de la creación de instalaciones interactivas en constante investigación a caballo de las últimas tecnologías sin perder el contacto con medios primarios.

Otro plato fuerte de la parte visual es Lasal, creador multidisciplinar de Tenerife, vive y trabaja en Berlín donde desarrolla su actividad profesional dentro del campo del diseño generativo y la interacción. En los últimos años ha creado secuenciadores visuales basados en la abstracción como “El sonido de la Geometría”, herramientas de diseño paramétrico para producir obras en papel e instalaciones interactivas en espacios públicos. También espectáculos audiovisuales, piezas coreográficas y visualizaciones de audio. Actualmente está a punto de presentar un nuevo proyecto en el Guggenheim de Nueya York que incluye danza y visuales.

El directo audiovisual NWRMNTC & Clon. NWRMNTC es el proyecto en solitario Ana Quiroga, músico y diseñadora sonora. Clon es el proyecto artístico de Estela Oliva cuyo trabajo está inspirado en el impacto de la tecnología y de internet en el comportamiento humano, la sociedad y nuestro entorno. A través de este proyecto explora la ciencia ficción y los escenarios especulativos, usando los nuevos medios digitales para fundir mundos reales y virtuales. En KEROXEN nos presentarán META, un viaje audiovisual inmersivo hacia mundos futuros y desconocidos, inspirado en la cultura de la ciencia ficción y la estética ciberpunk.

El videojockey Hector de la Puente Doctorado en Bellas Artes, ha trabajado como creador de contenido visual para Skrillex, Jack Ü (Producción Club > Show Direction) y Carlos Jean. Participa en las giras de Corizonas, Los Coronas y Perro entre otros, y ha puesto visuales a artistas como The Zombie Kids, Mucho Muchacho, DMX Krew o Foreign Beggars. Con presencia en festivales como Sonorama, Low o BBK live…en la actualidad es VJ residente en el club FaceDownAssUp (Las Armas, Zaragoza).

TODA LA PROGRMACIÓN

20.10 – Mouse on Mars (GER) // Aïsha Devi + Emile Barret (SUI/FR) // Laikamorí (POR) // Seward (BCN)

27.10 – Frente Cumbiero (col) // Filho da Mãe (POR) // Akkan (BCN) // Usted (GER/TF) // Lasal (GER/TF)

3.11 – Un Planeta (GC/TF) // Hara Alonso (CYL) // Trituradora (TF) // Principiantes (TF) // Analógicos Anónimos (TF)

10.11 – Boogarins (BRZ) // Perera Elsewhere (UK) // D.wattsriot (UK/TF) // NWRMNTC & Clon (AST/ UK) // Héctor de la puente (ZGZ)

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Crónica del Signal Festival 2018

Par volatil

El Signal Festival es el festival de luz de Praga. Este año ha llegado a su 5ª edición y nos invitaron a disfrutar de sus obras en vivo y en directo. Si has estado en Praga lo sabes de sobra, la ciudad no solo te cautiva por su belleza y arquitectura, tiene muchos espacios abiertos, iglesias y edificios que la convierten en la ciudad perfecta para un festival de estas características. Hemos intentado retransmitir el evento vía instastories.

Las oferta artística se dividía en tres zonas, así que para poder ver todas las obras tenías que empezar el jueves y terminar el sábado a última hora. Nosotros llegamos el viernes así que no llegamos a ver todas las piezas.  Mil disculpas desde aquí a los artistas de las obras a las que no llegamos. Esperamos poder disfrutarlas algún día en el futuro. Al final del artículo hacemos un “bonus track” con los que no pudimos ver.

La instalación en las instalaciones de Atrium se acompaña con el objeto Flag, que es una pequeña contribución al centenario de la República Checa. 

Esto es una crónica visual a través de imágenes y un vídeo resumen. ¿Empezamos?

DÍA 1 · Ruta Karlín

Inauguramos el festival con los únicos artistas españoles del cartel. Hotaru Visual Guerrilla que presentaron “Biofilms”, un mapping 3D en el espacio Kasárna Karlín. Las imágenes hablaban sobre la arquitectura del futuro, nos gustó pero faltó potencia de sonido.

Siguiendo las indicaciones de la app del festival, llegamos a la obra “Wave” en Main Point Karlín del colectivo Hyperbinary. También nos pareció que faltaba potencia de sonido. Los leds del edificio de uno de los patrocinadores del festival (Kooperativa), se encendían y se apagaban para simular las olas del mar.

Muy cerca, nos encontramos la obra “216 prepared dc-motors, cotton ballas, cardboard boxes 70x70x70cm” del estudio suizo Zimoun. Una obra de gran tamaño que pivota entre la arquitectura y el sonido. Una estructura de cajas con unas bolas que se movían y captaban la mirada de los espectadores.

El itinerario nos llevó a “Future Ruins”, el vídeo mapping de Romain Tardy (Francia). Co-fundador de ANTIVJ, presentó una combinación de vídeo mapping en la Iglesia de St Cyril and Methodius con 12 estatuas de luz.

La última obra del primer día nos impactó por su creatividad tanto en la instalación como en el contenido. “Erebus” de los checos 3dsense que son un grupo de artistas y programadores que combinan arte y tecnología para crear instalaciones interactivas. Abordan el tema de los agujeros negros, su poder gracias a la fuerza de su campo gravitatorio. Así lo explicábamos en nuestros Instagram. Dos pantallas, una delante y otra detrás, el espectador deberá girarse para seguir viendo la obra, un cable con un led que se traslada de una pantalla a la otra es el que guiará la mirada de los receptores. Una pantalla plana muestra el universo y la otra (que tiene forma de agujero al tirar de la superficie con una cuerda) muestra el agujero negro que protagoniza la pieza.

DÍA 2 · Ruta downtown

Empezamos con “Touch” del checo Tomáš Dymeš, una instalación interactiva que obliga a los espectadores a comunicarse entre sí. Náměstí Republiky es una de las zonas más concurridas de Praga. La multitud de personas que caminaban por el centro de la ciudad se sentían descontextualizadas, con un solo toque nace una comunicación que puede ser entre personas o entre cada persona y la instalación.

Seguimos con la obra “About being in a herd” de Ivan Kafka. Pionero del arte conceptual checo, representó a la República Checa en la Bienal de Venecia. En esta obra decenas de conos en filas ordenadas simbolizan la multitud y su fácil manipulación, a la vez que reivindican la individualidad humana. Los conos, con cintas reflectantes, crean un magnífico juego de reflejos al impactar la luz en ellos. El espectador verá luces individuales de cada cono y luces que vienen de todo el conjunto.

Después vimos la obra “Iris”
 de Soft Lab
 (Nueva York), una instalación interactiva situada en el interior de la Capilla Clementina, creada por una estructura circular de espejos que giran sobre sí mismos  en respuesta al movimiento de los asistentes y, al mismo tiempo, reflejan los rayos de luz y los tonos particulares de la música. La instalación mezcla la luz y el sonido de forma tan natural que sus límites mutuos se desvanecen. Las superficies giratorias de los espejos reflejaban la arquitectura excepcional de la Capilla y los rostros de la audiencia.

Después vimos la instalación del estudio polaco Marpi Studio. “Aquarium” es una instalación que presenta una simulación interactiva inspirada en el mundo submarino. Funciona con una aplicación basada en el método de aprendizaje automático. La instalación se adapta gradualmente a las personas que interactúan con ella, tratando de reaccionar y responder a todos los que lo rodean. Ideal para familias con hijos. El éxito de participación fue espectacular.

En la plaza más popular de Praga nos encontramos con la obra Together, in parallel de Barbora Šlapetová y Lukáš Rittstein, reconocidos como dos de los artistas más notables de la escena checa. Se presentaba con un objeto escultórico-cinematográfico, un automóvil que se corta longitudalmente. Los lados del conductor y el pasajero del asiento delantero se han intercambiado simbólicamente, lo que hace que su sentido original se vuelva trivial. Flotan en el continuo espacio-tiempo, uno al lado del otro. La escena está enmarcada por un resplandor circular de una imagen cinematográfica. La instalación representa una metáfora del mundo contemporáneo donde las tecnologías avanzadas se encuentran con culturas y religiones arquetípicas.

En la misma zona, una de las instalaciones que nos llamaba más la atención era la de Richard Loskot y UAII Studio (“Sky on the earth”), el cielo está en la Tierra y los espectadores pueden tocar el cielo que está formado de espuma.

El tiempo se terminaba y aún nos quedaban dos instalaciones de la zona más céntrica antes de empezar la ruta Vinohrady, de la que nos parecían muy interesantes las piezas. Para no dejarnos nada, vimos la obra que flotaba sobre el agua, en frente del famoso Puente Carlos. “Unrest” de la checa Verge (Jana Mercogliano).

Para terminar esta ruta, fuimos a ver “Rococo” de Guillaume Marmin (Francia) en el Palacio Colloredo-Mansfeld, un espacio espectacular para una pieza espectacular. El artista lo ha descrito como una instalación interactiva envolvente formada por 124 proyectores desarrollados por él mismo. El compositor francés Philippe Gordiani compuso la música exclusivamente para esta obra. Los espectadores tienen la impresión de movimiento gracias al juego de luces.

DÍA 2 · Ruta Vinohrady

Solo quedaba una hora y 7 instalaciones por ver. Al final nos dio tiempo de ver dos más. El vídeo mapping en la iglesia Namesti Miru de la mano de Ruestungsschmie (Alemania), del que nos sorprendió el uso de imágenes reales.

Y por último, Watch 2,1/18,  de los chechos XYZ, un colectivo de artistas audiovisuales que ha creado su propio lenguaje, fascinados por la luz y los sonidos de los sintetizadores e inspirados por la ciencia ficción y el futuro cercano y lejano. Varias piezas formaban un paisaje muy Blade Runner, juegos de luces, humo, una pirámide y una torre de leds. El sonido y los efectos visuales nos transportaban a un futuro decadente dominado por las máquinas.

BOUS TRACKS

“Stratum” del estudio francés  Chevalvert en el que más de noventa tótems metálicos se iluminan uno por uno y la luz se apaga si el espectador lo desea. Un simple movimiento de la mano sobre un panel de control especial es suficiente para animar la instalación interactiva.

Nos perdimos también “Neon” de Michal Škapa, máximo exponente del arte urbano en Praga. Mezcal pintura y neón, este último elemento hace referencia a una fuerte tradición de letreros de neón sin los cuales no podemos imaginarnos Praga en los tiempos de la primera república.

No llegamos tampoco a “Horizon” de los checos Tomáš Ullrich e Ivo Louda, a los pies de la maravillosa Torre de televisión de Žižkov. Un objeto virutal creado mecánicamente a través del control eléctrico de sensores de distancia y nivel de ruido.

No pudimos ver tampoco “SSSSSSpace” de los chechos Stroy, un joven equipo que surgió en la universidad. En esta obra presentan graffitis en 3D con la intención de alejar a la audiencia de la realidad.

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Vamos al Signal Festival 2018 · Praga · del 11 al 14 de octubre

Par volatil

El Signal Festival es el festival más grande de la República Checa. Un equilibrio perfecto entre arte, espacio urbano y tecnología. Ha atraído a más de 2 millones de asistentes a Praga en sus cinco años de existencia, tanto profesionales como público general. Se ha consolidado como un referente a nivel internacional por la calidad de sus obras.

Habrá un total de 22 instalaciones, de las cuales 14 son de artistas checos. Este año el festival se ha centrado en artistas locales, tanto consagrados como emergentes. La gran mayoría de las instalaciones estarán ubicadas en el espacio público de forma gratuita y también habrá cinco interiores en la Gallery Zone para las cuales habrá que comprar entrada.

Veremos obras del artista francés Guillaume Marmin ( live performance con Jeff Mills) en Colloredo-Mansfeld Palace, donde presenta la obra Rococo; también tiene presencia el estudio de diseño de Nueva York SOFTlab, que presenta “Iris” en “the Mirror Chapel of Klementinum”, y del artista suizo Zimoun en la Galería Hauch. También veremos el último trabajo del estudio checo 3dsense, que presentó su instalación “Faces” en Signal 2015, y este año presenta una nueva obra de arte llamada “Erebus”. Además, un importante artista checo, Richard Loskot, cuyo trabajo ya tuvo presencia en el Festival SIGNAL 2014, ofrece para la edición de este año una instalación completamente nueva en el Palacio Clam-Gallas con el título “Sky on earth”. El estudio Hotaru Visual Guerrilla representa la participación española en el evento con su obra Biofilms, un vídeo mapping 3D.

Rococo de Guillaume Marmin

Destacamos algunas obras del itinerario que realizaremos. Durante el festival publicaremos fotografías y vídeos a través de nuestra web y las redes sociales para compartir nuestra experiencia con la comunidad. Sin duda, será una manera única de descubir Praga.

Nombre de la obra: Future Ruins
Autor: Romain Tardy (FR). Co-fundador de ANTIVJ, Romain Tardy vive y trabaja en Bruselas.
Su instalación combina una vídeo proyección en la Inglesia de St Cyril and Methodius con 12 estatuas de luz.
Lugar: Karlínské náměstí
Horario: 7pm – 11pm

Nombre de la obra: Wave
Autor: Hyperbinary (CZ)
Instalación formada por 20 polos leds programables que busca explorar el fenómenos físico del movimiento de las olas y sus formas.
Lugar: Main Point Karlín
7pm – 11pm

Nombre de la obra: 216 prepared dc-motors, cotton ballas, cardboard boxes 70x70x70cm.
Autor: Zimoun (CH)
Lugar: Hauch Gallery
Horario: 7pm-12am

Artista suizo que vive y trabaja en Berna bajo el seudónimo de Zimoun. Sus proyectos se basan en los principios de la arquitectura y el sonido. La instalación que presenta en el Signal Festival está formada por 216 piezas de motores de corriente continua, bolas de algodón y cjas de cartón de 70x70x70cm.

Nombre de la obra: Biofilms
Autor: Hotaru Visual Guerrilla (ES)
Estudio creativo independiente del País Vasco, formado por Jone Vizcaino y Ander Ugartemendia. Todos sus proyectos tienen como denominador común el tratamiento del sonido y la imagen, tratados como elementos de la misma importancia.
El estudio presenta una composición audiovisual 3D con la que expresan su propia interpretación sobre el concepto futurista de arquitectura. La tendencia va hacia la sostenibilidad y el reciclaje, quizá en pocos años vivamos en edificios inteligentes que se adaptan a los cambios climáticos y que se construyen solos.
En su obra Biofilm, una estructura diversa de miscroorganismos unidos a cierta superficie crean material nueva y completamente orgánica.

Lugar:Kasárna Karlín, Prvního pluku 2
Horario: 7pm – 11pm|15 minut

Obra: Together, in parallel
Autores: Barbora Šlapetová y Lukáš Rittstein (CZ)
Reconocidos como dos de los artistas más notables de la escena checa.
La base de este objeto escultórico-cinematográfico es un automóvil que se corta longitudalmente. Los lados del conductor y el pasajero del asiento delantero se han intercambiado simbólicamente, lo que hace que su sentido original se vuelva trivial. Flotan en el continuo espacio-tiempo, uno al lado del otro. La escena está enmarcada por un resplandor circular de una imagen cinematográfica. La instalación representa una metáfora del mundo contemporáneo donde las tecnologías avanzadas se encuentran con culturas y religiones arquetípicas.
Lugar: Staroměstské náměstí
Hora: 7pm – 11pm

Obra: Sky on earth
Autor: Richard Loskot y UAI Studio

El cielo está en la Tierra y los espectadores pueden tocar el cielo que está formado de espuma. La luz interior revela un juego abstracto de imágenes espaciales. Se materializa una atmósfera de luz que se refuerza con tonos graves. Una pasarela lleva a los espectadores a través de las nubes gigantes hacia el cielo donde hay una fuerte tormenta.

 

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Ibiza Light Festival 2018, dos días de arte, cultura y tecnología

Par volatil

Ibiza Light festival es un festival de arte, cultura y tecnología organizado por el Consell d’Eivissa y el Ayuntamiento de Ibiza y producido por 3DLight e Improbable Films que invita a redescubrir Ibiza como epicentro tecnológico, de creación e innovación, y a disfrutar de las posibilidades expresivas de la luz como medio multicanal. Una manera brillante de cerrar la temporada de verano y dar la bienvenida a la programación de otoño en la isla. Tiene lugar los días 12 y 13 de octubre en Ibiza y llega este año a su tercera edición con muchas novedades y sorpresas.

Ibiza Light festival 2018

¿Novedades de la tercera edición?

– Nuevas localizaciones, como el interior de la emblemática Iglesia de San Telmo, con una proyección en la cúpula sobre su historia.
– El edificio de Sa Peixateria, con una sorprendente instalación tranmedia del artista Necko.
– El Portal de Ses Taules, que acogerá la programación abierta de vídeo mapping, contando con la participación de artistas emergentes y artistas consagrados como Gnomalab.
– Se suma a la programación del festival un nuevo espacio llamado “Galería”, instalado en el antiguo espigón, albergará cuadros creados con luz de artistas como Otamendi o Jesús de Miguel.
– El Boulvard del Arte, será el lugar en el que 7 artistas realizarán obras “site specific” durante los días del evento.
– El país invitado de esta edición es Jordania, representada por Andrei Snober, artista que presentará una instalación sobre la cultura bereber. Es un arquitecto multidisciplinario y artista visual, actualmente vive y trabaja en Amman. Es el fundador de Andrei Visuals, una empresa creativa especializada en vídeo mapping 3D, instalaciones interactivas y experiencias aumentadas. Andrei trabaja en la exploración del espacio entre las formas digitales y físicas creando una relación simbiótica entre la arquitectura y las artes de los medios.

¿En qué localizaciones tendrán lugar las experiencias artísticas?
El Puerto, La Marina (antiguo barrio de pescadores de Ibiza), la muralla renacentista, baluartes y plazas de la ciudad declarada Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1999, son los escenarios excepcionales donde cobrará vida el festival de arte, cultura y tecnología de la isla de la música, elemento muy presente en el festival. El festival ofrece 20 instalaciones que transformarán el Puerto, plazas y lugares emblemáticos de la ciudad Patrimonio de la Humanidad al anochecer. El line up de este año contará con esculturas, holografías, performances, proyecciones, piezas que combinan luz, sonido y agua.

Festival de arte, luz y tecnología en Ibiza

Algunos de los artistas que participan en esta edición:
Richar Santana
El Imaginario
Necko
Improbable Films
3DLight
Jorge Escobar & Yon Aliaga.
Ramón Donoso
Rob Loren
Intrvl AV
Silver Odyssey’s featuring
Alchemy Flame
Mike Jee
ER-Productions (productora especialista en láser presentará un show a gran escala).
Jesús de Miguel (Jesidi)

Puerto de Ibiza vídeo mapping instalaciones de luz

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Festival Lumínica 2018 · del 4 al 6 de octubre · Resistencia (Chaco Argentina)

Par volatil

Los próximos 4, 5 y 6 de octubre, Resistencia (provincia del Chaco -Argentina), vivirá la cuarta edición del Festival Lumínica.
Un evento único en la región que reúne a realizadores, artistas audiovisuales y multimedia, programadores, diseñadores y estudiantes. Los interesados tendrán la oportunidad de formar parte de charlas abiertas, talleres, asistir a encuentros con artistas y todas las herramientas en relación al arte y la tecnología, con el objetivo de enriquecer de manera colectiva las producciones regionales.

Esta vez, las actividades se realizarán en la Casa de las Culturas (Marcelo T. de Alvear y Mitre); con entrada libre y gratuita.
El evento es organizado por la productora Chedé, con apoyo del Cecual, el departamento de Industrias Culturales del Instituto de Cultura de la provincia del Chaco y el Instituto de Turismo de la provincia del Chaco.

En esta cuarta edición la apuesta fue mucho mayor que en años anteriores, primero se realizaron exitosas muestras del festival a través de los llamados “pre Lumínica” que se realizaron en Resistencia, Corrientes, Misiones y Formosa. De esta manera, la comunidad lumínica conformada por Dj’s, Vj’s, audiovisualistas, diseñadores, programadores y artistas visuales logró que el público pudiera vivir la experiencia. Además, se realizaron charlas para la comunidad, momentos de intercambios de experiencias, workshops para realizadores y artistas visuales.

En Shows/Mapping los seleccionados fueron: Fiesta Amazonía (Estefania Blanco, Katharina Saporitti, Tatiana Rodríguez)
Agite Oberá (Maria Prima, Kmiac O Ojolote Cam, Alejandro Pace, TuGuaina, Ajitawira)
Cuestión (Mariana Alarcón, Yoselin Cabrera, Michelle Colcombet, Valeria Deiset, María Romero y Carolina Schaller);
Moya Moya (Fabricio Costa Alisedo, Emilio Moya, Cecilia Moya).

En instalaciones:
-Pscicodelical Bottle (Michelle Colcombet, Valeria Deiset, Carolina Schaller)
-Quiero Que Escuches Todo Esto. Sobre Todo Esto (Germán Ezequiel, Lorenzo Robert)
-Inmersión (Ana Belén Ghiano Aguzin, Giuliana Micaela Rubiolo)
-A Puerta Cerrada (Andrea Sánchez Bogado, Germán Andrés Ramírez, Julieta Ayub, Ana Pereyra Coimbra, Rocío Molina, Julieta Rabadán)
-Aequorea (María Belén Kunz Beuttenmüller, Rocío Mburucuyá Molina, María Florencia Sánchez Aquino)
-Homo Videns (Tami Lang Goy)
-La Piedra De Las Manos (Leonardo Lucas Guardianelli, Guillermo Canteros)

En Videoarte:
-Burla (Jonathan Alonso)
-Drogas (Ramiro Guillén Strusiat)
-Dsdna(Rt) (Marcos Montané)
-Alice No País Do Baurets (Rafael Bqueer)
-Soledad Urbana (Indiana Got).

En Espacio MediaLab: Ableton Live, Resolume Arena, VVVV, Arkaos GrandVJ, Arduino, Cámaras IP, Kinect, Isla MIDI e Isla Sintes, Edu Cabrera de VJ Mori Ya.

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16ª edición del Festival Visual Brasil, 28 & 29 de septiembre

Par volatil

Si hace unos días hablábamos del Mutek Buenos Aires y destacábamos su gran presencia de artistas visuales, ahora podemos decir lo mismo del Festival Visual Brasil. Una constante en Barcelona desde hace 15 años. Un evento abierto y gratuito, con presencia de artistas locales e internacionales, consagrados y emergentes, que siempre ha sabido situar visuales y música al mismo nivel.

Visual Brasil, el festival sobre investigación audiovisual, celebra su 16ª edición con más de 40 artistas y 50 actividades gratuitas. El Festival, que se celebra el viernes 28 y el sábado 29 de septiembre en el Punt Multimèdia del Parc de l’Espanya Industrial, contará con videoarte, mapping 3D, performances audiovisuales y talleres sobre la producción de vídeo en tiempo real, la cultura de la creación libre y los nuevos formatos colaborativos.

El festival gratuito contará con más de 40 artistas y colectivos locales e internacionales y 50 actividades repartidas en dos escenarios: el principal celebrará una noche dedicada a la música popular brasileña y otra a la música tropical, todos los shows acompañados de los mejores artistas visuales, y el el segundo escenario está dedicado a propuestas más experimentales. En este enlace puedes consultar toda la programación, nosotros como siempre, destacamos la parte más visual del evento.

La noche brasileña
El viernes 28 de septiembre a las 22.00h. se proyectarán 5 mappings 3D en la fachada del Punt Multimèdia creados por varios estudios y artistas visuales. Los mappings, de unos 3 minutos cada uno, únicamente se podrá ver el viernes a las 22.00h. Los estudios que participan son: VideoMappingPro, Vini Fabretti, VJ ALIS, Homem Gaiola y VJ Ulster.

– UMO live hará un directo acompañado de la instalación multimedia a cargo de 0bs3rv3r & AV-K

– Las sesiones irán acompañadas de los visuales de Azael Ferrer, del colectivo Tklab, los hermanos brasileños VJ Eletroiman y Homem Gaiola, Vinicius Luz, integrante del premiado colectivo VJZARIA y Yaguart.

La noche tropical
– Los visuales correrán a cargo de Ari Dykier, VJ Ovideo, YAGUART, Marina DND y VJ Alis.

El segundo escenario de Visual Brasil (TKLAB) está dedicado a propuestas más experimentales. El viernes 28 de septiembre se celebrará el directo audiovisual de OrganicTEK AV y la Meditation Session.

El sábado 29 de septiembre actuarán el artista visual Yaguart, acompañado de los músicos Santiago Vicente y Fermin Serrano, y actuará el proyecto Voltereta, de Felipe Luis Navarro, artista, músico, programador y diseñador de sonido afincado en Barcelona. Los encargados de cerrar la noche serán los visuales de de Inzist y sus invitados The Freshness.

El artista argentino residente en Barcelona Microfeel hará un show audiovisual en directo para presentar su nuevo trabajo, Fractal Synesthesia.

La programación de la 16ª edición de Visual Brasil también incluye performances e instalaciones. La performance multidisciplinar Último jedi que experimenta con proyecciones, música y danza, la performance de Wanda del Rio, un juego AV con una narrativa innovadora y la performance audiovisual IN-SANIDAD de la artista Nêga Lucas que indaga sobre esa línea frágil que separa la lucidez y locura. Para cerrar el programa Froch.CC presentará una instalación lumínica inmersiva en las inmediaciones del festival.

Visual Brasil organiza varios talleres. Uno de Touch Designer, interactividad, kinetic y performance impartido por Azael Ferrer. El taller, que es teórico y práctico, está destinado a artistas visuales o cualquiera que esté interesado en aprender a usar el software en proyectos artísticos o instalaciones para investigar entre imagen, programación e interactividad mediante el uso del sensor Kinect.

Otro taller de Dmx y cintas de Leds, con el artista Homem Gaiola y Rafael Cançado, y un seminario de fulldome con los artistas Eyesberg, Diego Suárez (aka !ME), Darklight Studio y Alba Corral. Más información en Telenoika o tallers@telenoika.net.

16º Festival VISUAL BRASIL
Viernes 28 y sábado 29 de septiembre
Entrada libre

Hora:
Viernes de 18.00h. a 01.00h.
Sábado de 18.00h. a 02.00h.

Lugar:
Punt Multimèdia, Casa del Mig, Parc de l’Espanya Industrial
C/ Muntadas, 5, Barcelona

Cómo llegar:
METRO: L1: Hostrafrancs // L3 / L5: Sants Estació
RENFE: Estació de Sants
BUS: 27, 30, 32, 44, 56, 57, 78, 109, 115 i 157
BICING: Plaça de Joan Peiró (421) // C/Tarragona (95 i 97) // C/Sant Crist (210)

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