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Bio-inspire A/V Dome Performance

Par Eva Fechten

IAIA | Institute of American Indian Arts in New Mexico, USA, 2015 Fiske Planetarium – University of Colorado Boulder in Colorado, USA, 2015 BioInspire is an A/V dome performance which has screened in the Institute of American Indian Arts(New Mexico, USA) and Fiske Planetarium – University of Colorado Boulder(Colorado, USA). Artificial neural networks(ANNs), a largely […]

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HeavyM signe le nouveau décor du Mixmag LAB London

Par HeavyM

  La musique, comme vous le savez, occupe une place privilégiée dans l’activité et les centres d’intérêts de HeavyM. Depuis qu . . .

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Double ISO natif (Dual Native ISO) // + de dynamique et – de bruit

Par Sébastien François

Le double ISO natif (ou Dual Native Iso), c’est une nouvelle manière d’exploiter les informations d’un capteur afin d’étendre sa dynamique et de réduire le bruit qu’il produit. Pour résumer, le capteur va pouvoir lire 2 ISO natifs à la fois sur le capteur au lieu d’un seul (800 et 5000 pour une VariCam par exemple).  Cette fonctionnalité a été introduite chez Panasonic avec sa VariCam. Mais avant d’en parler plus longuement, il faut commencer par la base.

Pour commencer, le fonctionnement d’un capteur numérique

La matrice Bayer

Tout d’abord, comment fonctionne un capteur? Pour faire très simple, un capteur reçoit de la lumière sur ses photosites. Il va transformer la quantité de lumière en courant électrique suivant l’intensité de cette lumière: ceci nous donne une interprétation, comme une mosaïque en nuances de noir vers le blanc (un photosite aveugle = pas de lumière = pas de courant / un photosite qui reçoit le blanc absolu donne donc une intensité de courant maximale).
C’est très bien, mais comment obtient-on la couleur alors qu’on est encore en noir & blanc? Et bien, on va intercaler des filtres devant les photosites afin de les affecter aux 3 couleurs primaires (Rouge, Vert, Bleu). On peut désormais reconstituer la luminance et les couleurs grâce à ce qu’on appelle la « débayérisation » effectuée par un savant algorithme à l’intérieur de la caméra ou en post-production quand on enregistre en Raw. Voilà comment on obtient l’image.
Maintenant qu’on a saisi la théorie du fonctionnement d’un capteur, revenons à nos ISO.
En effet, les performances d’un capteur vont dépendre de nombreux facteurs. On retiendra en premier sa dynamique (faculté de conserver toutes les informations dans très hautes lumières autant que dans les basses): rien n’est plus compliqué pour un capteur que de filmer à contre jour par exemple (l’arrière plan est brûlé et on ne voit rien dans les ombres du sujet). Un capteur qui a la plus grande dynamique sera capable de conserver un maximum de détails dans ces conditions. Ensuite, on retiendra son rapport signal/bruit. On a vu que la lumière était transformée en électricité. Ce signal va être amplifié par un circuit.

Cette amplification électrique, c’est le Gain ou l’ISO.

exemple d’une image bruitée

L’ISO natif, constitue la valeur où cette amplification génère le moins de bruit (ce fourmillement à l’image) donc le meilleur rapport signal/bruit. Par analogie, imaginons que vous enregistriez un son très faible avec un dictaphone. Pour entendre vous poussez le son a fond et… vous obtenez un très gros souffle à l’écoute. En image, c’est presque pareil: vous avez très peu de lumière, vous amplifiez le signal en montant les ISO et vous voila avec plein de bruit. Alors pour s’affranchir de ces limites et donc augmenter la dynamique et réduire le bruit, de nombreuses techniques ont été utilisées. Citons en photo, le fait de prendre 2 clichés en un à raison d’une ligne sur deux: une ligne avec un ISO optimal pour les ombres, une autre avec un ISO optimal pour les hautes lumières. Pas très pratique, car il faut interpoler les lignes manquantes…

C’est ici qu’intervient cette petite révolution qu’est le « double ISO natif ».

Au lieu de ne servir que d’un seul circuit d’amplification optimisé pour des conditions « moyennes », on va rajouter un second comme le montre ce schéma pour la VariCam 35/LT.

Chaque circuit étant dédié à la meilleure performance en fonction des conditions, on arrive ainsi à réduire significativement le bruit. C’est le cas pour l’EVA1, le GH5S et la série VariCam.

 

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Full Dome

Par Eva Fechten

For the album launch of Montréal based producer Moses Baxter, we were invited to perform inside la Satosphère, the very first immersive modular theatre, dedicated to artistic creation and visualization activities. This event was also the inauguration of several new VJs at the SAT, which had received training in immersive systems and passed several months preparing content for this one event.

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Neurons – ASTRONAUT – Fulldome

Par Eva Fechten

Adapted from the Fulldome film ASTRONAUT.

Shortlisted for DomeFest 2008.

Created by NSC Creative, UK.

Music: Pip Greasley

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Possible Worlds: Zero Gravity

Par Eva Fechten

This is an extract from ‘Possible Worlds’: an immersive video project created for 360 / fulldome environment.
This video is a screen recording of myself exploring liquids at “Zero Gravity” in an application made by The Society for Arts and Technology. ‘SATDomePort’ is a software that allows you to experience your full dome content in real time.
satdomeport.com/
I am also using ‘Resolume Arena’ to VJ inside this virtual dome.
resolume.com/software/
‘Possible Worlds’ was performed for the first time in Montreal at SAT in 2015, January 17th for the album launch of Moses Baxter.
Click the link below to watch ‘Possible Worlds’ for real.
vimeo.com/124372905
If you want to learn more about the project visit my website:
push1stop.com/possible-worlds/
You can also watch more demos here:
vimeo.com/124265596
vimeo.com/124153776
Very special thanks to the expertise of SAT who made this ‘Possible’. The organization has created the first immersive modular theatre, dedicated to artistic creation and visualization activities. They trained me and gave me the opportunity to perform and create within the dome. They are amazing, visit their website:
sat.qc.ca/en/satosphere

Music: Nosaj Thing – 2222
Visual: Push 1 stop

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Des lycéens deviennent scénographes avec HeavyM

Par severine

  Quand la musique classique s’anime au rythme du vidéo mapping   De nombreux établissements scolaires imaginent aujourd? . . .

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3D mapping – Viva Vivaldi – Venise

Par Eva Fechten

3D mapping Indoor Show
Venise / Italia
Concept and Content : Abstrak – http://www.abstrakcreation.com
Client : Emotional Experience

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D-brane

Par Eva Fechten

D-brane is the story of a creation outgrowing its creator. The performance is the culmination of dance, real time projection mapping and live audio synthesis. A software system was built specifically for this project allowing the dancer to have direct gestural interactions with the visuals and audio in real time. The dancer wears a tracking device and interacts with a suspended dodecahedron. The dodecahedron is also tracked and projected as it moves. An analog patch based audio synthesis sonifies the motions of the dancer using the live tracking data. HTC Vive tracking is used for motion tracking. All real time graphics, tracking and projection is done in Touchdesigner.

Credits:

Performer: Kathryn Florez fullstopdance.weebly.com/
Director: Harvey Moon HarveyMoon.com
Story and Art Direction: Qianqian Ye qianqian-ye.com/
Sound Artist: Cullen Miller pointlinesurface.com/
Technical Support: Colin Parsons robot.yoga/

Video Production:
Cinematographer: Andy Hoffman andyjhoffman.com
Editor/ Assistant Director: Ian Colon iancolon.com/

Equipment and space – Obscura Digital

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Dome Cloth – Video Mapping Loops Packs Vol.22 – ✅ LIME ART GROUP

Par Eva Fechten

Dome Cloth – Video Mapping Loops Packs Vol.22 – ✅ LIME ART GROUP
limeartgroup.com/shop/cloth-fulldome-video-mapping-loops-pack-vol-22/

✅ Vj Loops Farm Marketplace – vjloopsfarm.com/
✅ Green Screen Footage Stock – greenscreenstock.com/
✅ TV Skin Broadcast Design – tvskin.com/
✅ Event Media Design – eventmedia.design/

�Join us in social media:
Facebook: facebook.com/LIMEARTGROUP
Instagram: instagram.com/limeartgroup/
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�LIME ART GROUP – is an Austria based Video Production & Event Visual Design company specialized on Video Art, Film-Production, Projection 3D Video Mapping and Stage Visuals. limeartgroup.com/

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Golden Wolf Launches New York Studio

Par lumenadmin

From the release: Sept. 4, 2018, New York, London—Award-winning animation studio Golden Wolf, headquartered in London, is pleased to announce the launch of its first stateside location in New York City. The expansion comes on the heels of an exciting year for the studio, which in May aligned with renowned animation/VFX/live-action studio Psyop, a minority investor […]

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Reprenons le contrôle sur les technologies du quotidien !

Par greg

Il m’arrive souvent de déplorer que nous n’utilisons pas nos ordinateurs de la bonne façon, que cela soit notre smartphone, notre tablette ou notre poste de bureau. La plupart du temps, nous nous contentons d’utiliser des logiciels couvrant nos besoins quotidiens pour communiquer, partager de l’information, travailler… on retouche à peine ses photos, on fait … Continuer la lecture de Reprenons le contrôle sur les technologies du quotidien !

Reprenons le contrôle sur les technologies du quotidien !

Par greg

Il m’arrive souvent de déplorer que nous n’utilisons pas nos ordinateurs de la bonne façon, que cela soit notre smartphone, notre tablette ou notre poste de bureau. La plupart du temps, nous nous contentons d’utiliser des logiciels couvrant nos besoins quotidiens pour communiquer, partager de l’information, travailler… on retouche à peine ses photos, on fait … Continuer la lecture de Reprenons le contrôle sur les technologies du quotidien !

Sortie de la Unreal Engine 4.21 Preview

Par greg

Bon, nous traiterons plus en détail des éléments de la v4.21 d’Unreal Engine quand elle sortira, mais nous pouvons d’ores et déjà discuter des principaux éléments qu’on devrait y retrouver. Ben oui, la 4.21 preview est dispo en téléchargement depuis quelques jours ! Je vous rappelle qu’une Preview n’est pas utilisable en production, elle n’est … Continuer la lecture de Sortie de la Unreal Engine 4.21 Preview

Sortie de la Unreal Engine 4.21 Preview

Par greg

Bon, nous traiterons plus en détail des éléments de la v4.21 d’Unreal Engine quand elle sortira, mais nous pouvons d’ores et déjà discuter des principaux éléments qu’on devrait y retrouver. Ben oui, la 4.21 preview est dispo en téléchargement depuis quelques jours ! Je vous rappelle qu’une Preview n’est pas utilisable en production, elle n’est … Continuer la lecture de Sortie de la Unreal Engine 4.21 Preview

Los artistas visuales del Mira Festival 2018

Par volatil

El Mira Festival tendrá lugar del 8 al 10 de noviembre en el edificio Fabra i Coats de Barcelona. Como sabéis, se celebra anualmente en Barcelona (desde 2011) y en Berlín (desde 2016). Enfocado a las nuevas tendencias de la cultura digital y la tecnología, el festival ofrece shows audiovisuales tanto en formato tradicional como fulldome, instalaciones interactivas y digitales, shows con sonido 3D, screenings en formato fulldome, conferencias, presentaciones y workshops. Hemos escrito muchos artículos sobre el festival, para los curiosos, todos aquí.

Dos instalaciones inmersivas, un directo audiovisual fulldome, 4 piezas fulldome, directos audiovisuales y VJ set de la mano de todos estos artistas: Marta Verde, Natalia Stuyk, Jason Voltaire, Diego López Bueno aka Tirador, Alba G. Corral, Dan Conway, Patrick Dunn, Ezra Miller, Emile Barret, Michael Guidetti, Ludovic Sauvage, Trama Barceló y Jorge Cumbre (unseen), Anton Babinski, Stanislav Glazov, Giselle Angeles aka Fragmatista, Tom Scholefield, Transforma, David O’Reilly, Guillaume Marmin, Nick Verstand y Salvador Breed.

Como siempre, hemos buceado a fondo en la programación para crear nuestro recorrido visual. En esta edición empezamos por los VJ set.

MARTA VERDE VJ SET (ES)
Marta Verde es una programadora creativa y artista visual afincada en Madrid, especializada en new media y tecnologías digitales aplicadas a las artes escénicas. Su trabajo se construye a través del uso de software y hardware personalizado y específico para cada conjunto visual, lo que le permite manipular todo el contenido en tiempo real y explorar los límites del ruido visual, la repetición y el vínculo entre lo orgánico y lo electrónico. Por primera vez actuando en MIRA, presentará un set visual creado específicamente para el directo de Cristoph De Babalon. Esperad lo inesperado.

NATALIA STUYK VJ SET (UK)
Natalia Stuyk es una videoartista y directora londinense cuyo trabajo se caracteriza por el uso de colores sobresaturados, movimiento rítmico y bucles infinitos, fusionando técnicas 2D y 3D con elementos fotográficos. colaborado con artistas y marcas como Crystal Fighters, Nike y Stella McCartney. Actualmente está trabajando en proyectos e instalaciones interactivas. Para su primera actuación en directo en Barcelona, presentará un espectáculo visual especial para el DJ set de cierre de Call Super en el escenario principal.

JASON VOLTAIRE VJ SET (UK)
Jason Voltaire es un artista interdisciplinario afincado en Montreal. el trabajo de Voltaire se centra en el diseño de motion graphics, así como en los gráficos y la programación 3D. En MIRA 2018 mostrará el trabajo que ha preparado en exclusiva como la dimensión visual para el set de dj de cierre de Avalon Emerson, su colaboradora durante muchos años.

TIRADOR VJ SET (ES)
Tirador es el alias de Diego López Bueno, artista visual y conceptual afincado en Madrid. Su obra cuestiona el concepto de autoría a través de la apropiación de imágenes, interactúa con las nuevas tecnologías y analiza los nuevos códigos de comunicación nacidos de Internet. Trabaja con todo tipo de ruido visual, soportes y técnicas incluyendo glitches, renders en 3D, cintas VHS o películas analógicas.
Por primera vez en MIRA, llevará a cabo un set comisionado por el festival y especialmente creado para acompañar el DJ Set de Objekt, dentro de la Afterparty que celebraremos en Razzmatazz (salas The Loft y LoLiTa) el sábado 10 de noviembre, justo después de que termine el festival.

Seguimos con los directos A/V

EL SUEÑO DE HYPARCO deconstructing AMBIENTES HORMONALES feat. ALBA G. CORRAL LIVE A/V (ES)
El Sueño de Hyparco fue el legendario proyecto madrileño formado a mediados de los años 80 por el icónico músico, escritor y cineasta español Antonio Dyaz, alias Klaus Böhlmann. Influenciados por bandas seminales como Tangerine Dream y con la idea inicial de emular el sonido del lado oscuro y siniestro de la Berlín de los años 90, se embarcaron en un viaje sonoro que los llevó a las regiones más lejanas de la psique humana.

La banda volverá a tocar en vivo por primera vez en muchos años en un show exclusivo para MIRA 2018. En colaboración con el trabajo visual generativo en directo de la artista visual y activista Alba G. Corral, “Deconstructing Ambientes Hormonales” será una performance basada en nuevas piezas desarrolladas a partir del material sonoro original del álbum. Una experiencia única que no hay que perderse.

SEEFEEL performing QUIQUE feat. DAN CONWAY LIVE A/V (UK)
En una actuación exclusiva en España y junto al trabajo visual en directo de Dan Conway, Seefeel presentará su álbum debut “Quique” (Too Pure, 1993), celebrando el 25 aniversario de su lanzamiento. No podemos dejar de contar los días que faltan para celebrarlo con ellos.

TANGERINE DREAM LIVE A/V (DE)
Una de las bandas más representativas de los últimos 50 años. El grupo surgió en el Berlín Oeste de 1967 con sus patrones hipnóticos de sintetizadores y su alucinantes paisajes sonoros. La parte visual del Live A/V lo firma el artista británico Patrick Dunn. Su actuación en Mira marcará el estreno del show “Quantum of Electronic Evolution” en nuestro país.

YVES TUMOR feat. EZRA MILLER LIVE A/V (IT/US).
Productor enigmático que presenta un nuevo espectáculo audiovisual en colaboración con el artista visual Ezra Miller.

AÏSHA DEVI feat. EMILE BARRET LIVE A/V (CH/FR)
Devi presentará un nuevo show A/V, estrenado previamente en MIRA Berlin, con el trabajo visual en directo de uno de sus colaboradores más cercanos, el fotógrafo y artista visual francés Emile Barret, donde juntos crean un acontecimiento audiovisual emocional y espacialmente perturbador.

ATOM ™ presents DEEP STATE LIVE A/V (DE)
En MIRA 2018, Atom™ presentará su espectáculo audiovisual más reciente, “Deep State”: un espectáculo dinámico, matemático y generado en tiempo real, representativo de la estética Raster-Noton y que ha seguido evolucionando desde que lo estrenara en la primavera de este año.

RIVAL CONSOLES LIVE A/V (UK)
Rival Consoles presentará su trabajo más reciente a través de un dinámico show A/V en directo que se centra en su sonido más clubber y cuenta con visuales autoprogramados en Max/MSP. Un caleidoscopio sonoro, rítmico y emocional nos espera.

AMNESIA SCANNER present AS ORACLE LIVE A/V (FI)
Amnesia Scanner han publicado recientemente su álbum de debut, “Another Life”, en el sello berlinés PAN: Una obra de teatro vanguardista que explota con una producción de club de vanguardia y que cuenta con una voz humana interpretada por Pan Daijing y una voz inhumana y desencarnada llamada “AS Oracle”. En el marco del showcase de PAN en MIRA 2018, el jueves 8 de noviembre, Amnesia Scanner presentarán el estreno en España de su nuevo espectáculo audiovisual, “AS Oracle”, en el que participará el mencionado intérprete virtual. Un viaje de ida al universo de AS nos espera.

M.E.S.H. feat. MICHAEL GUIDETTI LIVE A/V (US)
La actuación de M.E.S.H. como parte del showcase de PAN en MIRA 2018, el jueves 8 de noviembre, estará acompañada del trabajo visual del artista multimedia Michael Guidetti  (San Francisco) y ofrecerá una visión de lo que está por venir en el mundo sonoro de este artista único. Este es su instagram.

CARLA DAL FORNO LIVE A/V (AU)
Acompañada de un trabajo visual creado por el artista francés Ludovic Sauvage, la actuación de dal Forno en MIRA será su primer show en directo en Barcelona. Actualmente está trabajando en material nuevo, cuyos resultados esperamos poder experimentar en esta edición del festival.

WARÁ feat. TRAMA BARCELÓ LIVE A/V (ES)
Inspirado en sus raíces árabes, Wará es el alias más reciente de Fran Mora: el dj sevillano afincado en Barcelona, productor y fundador del sello Urban Legend, conocido por su oscuro proyecto de techno industrial /beyond/.
En MIRA 2018, Wará presentará un espectáculo audiovisual realizado en colaboración con Trama Barceló y Jorge Cumbre (unseen), basado en fotografías analógicas captadas por Teresa Espadafor  y manipuladas químicamente por Raúl Hidalgo, dos de los fotógrafos más prometedores y excitantes de Barcelona.

CAUTO feat. ANTON BABINSKI LIVE A/V (ES)

Tras varios EPs y un LP en el sello barcelonés Disboot, Cauto ha publicado recientemente su segundo álbum, “Sueño”, en Ochomel, la plataforma artística que cofundó en 2017. Su actuación en MIRA 2018 contará con el trabajo en directo del artista visual Anton Babinski.

PIEZAS FULL DOME

“ANTARCTIC TAKT” by DASHA RUSH & STANISLAV GLAZOV LIVE A/V 360º (RU)
Antarctic Takt es una historia audiovisual que quiere enviar al público a un viaje con destino a una Antártida abstracta, llena de imaginación, contrastes y paisajes gélidos que nunca hubiéramos imaginado en esas latitudes de color blanco infinito. Aún más: el MIRA Dome by adidas Originals vivirá el estreno de este show en su versión fulldome.
Escrito por la artista rusa Dasha Rush, autora de una gran variedad de proyectos de música electrónica publicados en Sonic Groove y Raster Noton, fundadora del sello Fullpanda Records y DJ fenomenal, lo ha realizado en colaboración con el artista visual Stanislav Glazov.
Este show no está incluido ni en el abono de 3 días ni en la entrada de jueves. Tiene una entrada separada que podrás comprar el mismo día del show en la taquilla desde las 16:00 hasta las 19:30, por 3€. El aforo estará limitado a 150 personas.

“SPECTRUM OF THE CORAL” by FRAGMATISTA SCREENING 360º (PE)
“Spectrum of the coral” es una pieza fulldome 360º creada mediante el escaneo 3D y el diseño de esculturas de realidad virtual en tiempo real, que nos lleva a un espacio inmersivo creado a partir de un mundo surrealista lleno de paisajes digitalizados. Ha sido comisionada por Zaiba Jabbar, fundadora de Hervisions.
Su autora es Fragmatista, alias de la artista digital peruana Giselle Angeles cuya obra refleja una profunda investigación sobre la tecnología y la naturaleza de los entornos digitales.

“CONTEMPORARY HARDCORE” by KONX-OM-PAX SCREENING 360º (UK)
“Contemporary Hardcore” es una pieza fulldome 360º muy emocional que se estrenará en el MIRA Dome by adidas Originals y que toma como influencia creativa el ambiente matutino del hardcore y las huellas del delirio de la noche anterior. A la travesía por vías neurológicas, luces de neón y los primeros rayos de luz del día, hay que añadir una música eufórica que potencia los magníficos tonos digitales.
El autor es Tom Scholefield, mente creativa detrás del alias Konx-Om-Pax, un artista multidisciplinario que, como músico, ha lanzado dos LPs en Planet Mu -aportando una versión de la música de baile difícil de domesticar-, y que ahora nos sorprende con su faceta visual añadiendo impresionantes efectos 3D en tiempo real.

“EXTRAORDINARY ALIEN” by FATIMA AL QADIRI & TRANSFORMA SCREENING 360º (SE/DE)

Los autores son Fatima Al Qadiri (música), productora cuyos sonidos expresan su experiencia vital a menudo mezclando partes de la tradición árabe con las nuevas corrientes de la electrónica de hoy, y Transforma (visuales), compañía creativa fundada en 2001 por Luke Bennett, Baris Hasselbach y Simon Krahl, que produce performances audiovisuales, instalaciones, proyecciones de música y videoclips con un lenguaje propio dentro de la experiencia visual en vivo.

“EYE OF THE DREAM” by DAVID O’REILLY SCREENING 360º (US)
El autor es David O’Reilly (estos son su instagram y su facebook), quien, basándose en el software de su mega-galardonado videojuego “Everything”, ha creado esta maravillosa pieza fulldome 360º.

INSTALACIONES

LICHT, MEHR LICHT! by GUILLAUME MARMIN INSTALLATION (FR)
“Licht, mehr Licht!”, o “Luz, más luz!” en español, fueron las últimas palabras del gran escritor y pensador científico alemán Goethe. La instalación, creada y desarrollada por el artista visual francés Guillaume Marmin, se hace eco de experiencias cercanas a la muerte, cuyos supervivientes describen un “túnel de luz” que se abre más allá de la oscuridad. Las obras de Marmin dan forma a lo intangible, revelando la belleza de lo invisible y los fundamentos matemáticos de la realidad.

IMAGINARY LIMIT by NICK VERSTAND and SALVADOR BREED INSTALLATION (NL)
IMAGINARY LIMIT es una instalación audiovisual de Nick Verstand y Salvador Breed que simboliza las limitaciones internas que nos imponemos a nosotros mismos al influir en nuestra percepción de la luz y el sonido.
Creada por Nick Verstand -artista contemporáneo que explora el comportamiento y la percepción humana a través de composiciones audiovisuales espaciales- y Salvador Breed -artista/tecnólogo especializado en crear y esculpir el espacio y el sonido-, esta nueva instalación -comisionada por MIRA- se estrenará en esta edición.

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Ganadores de la primera edición del concurso de vídeo mapping “La grúa encantada”

Par volatil

En junio publicamos un artículo sobre el  I Festival Internacional de Vídeo Mapping y Artes Afines ‘El puerto encantado’ que se celebró en Santander del 27 al 30 de septiembre. Hicimos difusión de la convocatoria que lanzaba Ruido Interno, destinado a artistas, profesionales y empresas dedicadas al ámbito de la creación audiovisual.

Creadores de México, Alemania, Bélgica y España han presentado sus propuestas en varios espacios de la ciudad. El jurado ha estado compuesto por Laura Cobo, de la empresa Arko Gestión Cultural, Salvador Carretero, director del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (MAS) y el artista visual Yann-Loic Lambert.

‘Wind’ gana la primera edición del Festival de vídeo mapping y artes afines ‘El Puerto encantado’, una propuesta del colectivo catalán VPM integrado por los artistas Javier Cañal y Joan Nieto. Se trata de una obra compleja y completa, de producción propia íntegra en todo su contenido. Posee un relato coherente en bucle, con una introducción metafísica, pasando por aspectos mecánicos, naturalistas, figurativos, abstractos y desintegradores. Una excelente banda sonora, con sonidos ciertamente sorpresivos que le otorga una gran unidad, audio que genera una constante expectación, de principio a fin, y que articula el relato de forma contundente, arropando de manera precisa la fuerza de las imágenes.

Esta es una de las seis piezas del concurso ‘La Grúa Encantada’ proyectadas en la Grúa de Piedra de Santander, uno de los apartados del festival organizado por la compañía cántabra Ruido Interno.

El segundo premio ha recaído en ‘Antípoda’, un trabajo de la creadora alemana Vanessa Hafenbrad con una historia que incorpora tratamientos visuales menos usados en los trabajos de vídeo mapping, recuperando elementos del lenguaje del vídeo arte y la performance. Además, el jurado ha decidido conceder una mención especial a la propuesta ‘Agua y Papel’ de Skene Estudio Creativo de Laredo.

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Tráiler “Visualist, those who see beyond” · Tres entrevistas en una

Par volatil

Seguro que has oído hablar del documental Visualist, una idea que nace de dos cracks que se encontraron con una misma ilusión y decidieron llevarla a cabo fuese como fuese. Pedro y Manu (directores del documental) no sabían por aquel entonces que a Oscar (fundador de Vjsapain y Otucinema) le seduciría hasta tal punto la idea, que produciría el documental para después distribuirlo.

Ya entrevistamos en su día a este dúo fantástico que está haciendo realidad su sueño. Nos contaron anécdotas sobre los rodajes por Europa y descubrimos cómo empezó todo. Para los despistados, aquí los artículos anteriores:

Refractivo y Vjspain presentan Visualist, el documental que estábamos esperando
Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores
“Visualist, those who see beyond” aterriza en Nueva York para grabar las últimas entrevistas del documental

En esta entrevista nos centramos en la fase de edición y hemos querido bucear por las entrañas del documental a través del equipo que lo hace posible. ¿Cómo fueron las entrevistas realizadas en Estados Unidos?, ¿cuándo podremos ver el documental terminado?, ¿cómo ha ido el proceso de edición?.  Si sigues leyendo, disfrutarás de tres entrevistas en una.

ENTREVISTA A PEDRO, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL, PRODUCTOR EJECUTIVO Y EDITOR.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
No soy capaz de decir cuáles han sido las tres mejores entrevistas del documental. Siempre he estado atento a los artistas que despuntaban en el sector. Recuerdo la estructura “Square” que crearon 1024 Architecture con Etienne De Crecy, el mapping que hizo Antivj en un club con Ricardo Villalobos, cuando compré las licencias de Modul8 y Madmapper, el trabajo que hacía el sello Pfadfinderei, el mapping de Pablo Valbuena, “Timber” de Cold Cut  (también recuerdo cuando actuaron en Madrid en un festival en la complutense), ese viaje con 23 amigos de Córdoba a Frankfurt, al festival Time Warp y vimos el set de Richie Hawtin con su set de visuales apoteósico.

Recuerdo el proyecto de “Living Room” de Mr Beam en el que se veía una habitación con muebles blancos y mediante un proyector se “amueblaba”, “Le Petit Chef” de Skullmapping (micro mapping épico), el mapping de la Catedral de Santiago, las obras de Daniel Canogar, “Liquid Diesel” de Dvein (una pasarela con hologramas), Monolake (Robert Henke) pinchando con unos visuales brutales por el año 2010, recuerdo a mi amigo Michael Valiente enseñándome el trabajo que hacía Francois Vogel.

Pero si puedo decir que nunca olvidaré haber conocido a todos estos artistas en sus estudios donde llevan años trabajando. Y esto es un recuerdo muy actual que tengo y que siempre lo recordaré como uno de los mejores momentos de mi vida.

– ¿Cómo fue la última entrevista del documental a Daito Manabe?
Surrealista. Acabábamos de llegar de Estados Unidos y me llama Manu por teléfono y me dice que Daito Manabe había posteado una foto en instagram y que estaba en Madrid. Conseguimos contactar con él, la entrevista fue en la oficina de Otucinema, se la hicimos en inglés y él contestó en japonés. No sabíamos lo que contestaba, pero más adelante contamos con una chica japonesa para la traducción y nos enteramos de lo que había dicho. Daito fue súper amable con nosotros y culminó el cartel del documental.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
En San Francisco por varios motivos. Nunca había estado en San Francisco. Fuimos a entrevistar a Bradley (Gmunk)  que es un ídolo para nosotros. Se suponía que era la última entrevista con lo cual era el fin del rodaje. Al terminar la entrevista le di a Manu un abrazo enorme y le felicité por el buen trabajo que había hecho. Puedo decir que es mi ciudad favorita hasta la fecha. El año que viene iré a conocerla bien.

– ¿Qué tal la experiencia en América del Norte?
Viajar es muy enriquecedor. Manu, Oscar y yo entrevistamos a Zach Lieberman y a Steve Giralt. Después nos fuimos a Montreal. Entrevistamos en un mismo día a Myriam Bleau y Herman Kolgen. Herman tiene el estudio más flipante que hemos visto en todo el rodaje. No hay espacio para poder describírtelo. Su entrevista fue brutal. Y con Myriam fue genial también, muy buena entrevista, muy didáctica, se expresaba muy bien. Decir que ninguno de los dos conocíamos demasiado a Oscar y después de este viaje hemos hecho muy buenas migas. Ahora somos amigos.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
A día de hoy nos encontramos en fase de edición. Hemos optado por editar por bloques o por temáticas. Nos quedan dos bloques solamente por editar, cuando esta noticia este publicada ya habremos terminado los bloques. Esos bloques están de manera ordenada y con un sentido. Ahora toca seguir la típica estructura de guión y desordenar un poco todo esto y tendremos una primera edición en timeline. Ya sabemos más o menos cuánto va a durar el docu pero no lo vamos a decir. Yo soy editor, colorista y me encargo de la postproducción. Manu está conmigo siempre. Dos pensando mejor que uno. Hacemos buen equipo.

– ¿Cómo llegasteis al primer guión?
Después de hacer las transcripciones fuimos abriendo secuencias en el timeline con las entrevista de cada artista. Marcamos timecodes en cada pregunta y todo esto lo llevamos a papel, para poder trabajar de manera ordenada y no volvernos locos. 220 páginas en total con todas las declaraciones. Cada uno de nosotros tenía una copia impresa y marcamos diferentes temáticas con colores. Durante el verano hemos ido leyendo y subrayando. Después de las vacaciones empezamos a crear un timeline con todo lo subrayado.

– ¿Y al segundo guión?
Después de la segunda criba de declaraciones se nos ha quedado un guión literario de 50 páginas más o menos. Ahora tenemos muy claro lo que va a salir y lo que no.

– Como director y editor del documental, ¿estás contento con el resultado?
Como director es un orgullo poder contar esta historia y como editor estoy muy animado. Me encaja todo muy bien, no hemos tenido demasiados problemas a la hora de darle forma. Esto viene porque habíamos hecho una buena preproducción con las preguntas que le hemos hecho a los artistas. Así que con la primera fase de la edición que es lo que estamos haciendo ahora estamos muy emocionados. Después viene el sonido, y a la vez el etalonaje y por último la postproducción.

ENTREVISTA A  MANU, DIRECTOR DEL DOCUMENTAL & DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA

– ¿En qué ciudades habéis realizado entrevistas?
Si no me equivoco, hemos grabado en un total de catorce ciudades: Madrid, Barcelona, Santiago de Compostela, Ibiza, Ginebra, París, Londres, Bruselas, Lovaina, Utrecht, Berlin, Nueva York, Montreal y San Francisco. En algunas de ellas por partida doble, como Londres, Paris, Barcelona o Bruselas. Ha sido genial poder viajar tanto para rodar el documental y tener la oportunidad de conocer tantos artistas en sus estudios.

–  ¿En qué ciudad has vivido la mejor experiencia de rodaje?
Es muy difícil responder con una sola experiencia… La grabación a Pierre Schneider y Francois Wunschell (1024 architecture) fue muy divertida por su sentido del humor, pero pisar la oficina de Ninja Tune en Londres y conocer a toda una institución como Matt Black es algo tremendo. En Montreal, Herman Kolgen nos abrió las puertas de su casa y nos hizo un tour por sus increíbles espacios de trabajo. En Nueva York, en un estudio situado en un rascacielos de Manhattan, Steve Giralt nos hizo una demo de cómo funciona su cámara super slow motion usando nuestra claqueta. Todo han sido grandes experiencias por el mero hecho de conocer a los artistas.

–  Ahora que ya habéis terminado la etapa de rodaje, ¿cuál es tu top 3 de entrevistas y por qué?
Joannie Lemercier, por el recorrido que nos cuenta desde los inicios del arte visual hasta nuestros días y porque es Joannie Lemercier. Francois Wunschell por su particular visión del mundo del videoarte y su capacidad de transmitir conceptos bastante complejos. Y Matt Black, por sus amplios conocimientos y su contundencia en las respuestas.  Sumo a Daito Manabe, porque su manera de entender la relación entre el ser humano y la tecnología está a otro nivel.

– ¿Qué tal la experiencia en Estados Unidos?
Maravillosa en todos los aspectos. Primero porque esta vez Oscar nos acompañó en una gran aventura y compartimos grandes anécdotas que nunca olvidaremos. Conocimos y entrevistamos a artistas como Steve Giralt, Myriam Bleau, Zach Lieberman, Herman Kolgen y Bradley Gmunk, poco más que añadir… Bradley es muy agradecido. El viaje fue una paliza de horas de vuelo y trayectos, pero también tuvimos tiempo de patear Nueva York y Montreal. Y de San Francisco decir que es una ciudad que me sorprendió en todos los aspectos, vamos que me pareció una pasada y apenas estuvimos unas horas. Pedro y yo nos cruzamos Estados Unidos para entrevistar a Bradley, viajamos desde Montreal con vuelo de vuelta a la mañana siguiente, y aun así tuvimos tiempo de disfrutar de unas penosas vistas del Golden Gate (por culpa de la niebla) y de celebrar el supuesto fin de rodaje del documental con una merecida cena en Chinatown. Todo son grandes recuerdos de un viaje así y más cuando lo haces con dos cachondos como Pedro y Oscar.

– ¿En qué fase estáis ahora y qué papel juegas tú?
Estamos encarando la primera fase de la edición, básicamente seleccionando y estructurando el guión por temáticas. Pedro es el editor del documental por sus buenas dotes como montador, y los dos nos ponemos de acuerdo para ver qué entra, qué dejamos fuera y cómo hilamos los totales que tenemos. Vamos poco a poco dándole forma.

– Como director de fotografía del documental, ¿estás contento con el resultado?

Sí, siempre hay que estar contento de lo que uno hace y el género documental tiene muchas complicaciones. A veces porque el espacio es muy pequeño, porque somos un equipo mínimo o porque el tiempo es oro y cada segundo cuenta. Hay siempre mil factores a tener en cuenta, como en todos los puestos, y estoy contento de que hayamos sido capaces grabar este documental como lo hemos hecho.

ENTREVISTA A OSCAR TESTÓN, PRODUCTOR DEL DOCUMENTAL

– ¿Tu top 3 de entrevistas del documental?
La verdad es que no puedo ser muy crítico en este tema ya que solo he asistido a las entrevistas que hicimos en EEUU y Canadá. Así que solo puedo opinar sobre 5 artistas. Pero espero con ansia escuchar a 1024 Architecture, a Joanie Lemercier y a Daniel Canogar. Por ahora mi preferido es Herman Kolgen.

– ¿Cómo ha sido la experiencia de liderar la producción del documental?
La verdad es que la experiencia empieza ahora, la parte donde yo más participo acaba de empezar. Los meses anteriores mi trabajo ha sido muy fácil ya que mis compañeros lo han tenido todo atado y ha sido un placer viajar y escuchar cómo iban sumándose artistas al proyecto. Ahora comienza todo el plan de mover el documental.

– ¿Cuándo está previsto el estreno y dónde?
La fecha exacta dependerá del patrocinador, si la idea es hacer más actividades y acciones los días del estreno del documental, ya nos estamos moviendo en ese camino. No quiero dar mucha más información pero en mi cabeza resuena ver el documental con calorcito en Madrid.

– A nivel distribución, ¿hay un plan?
Sssssshhhh, estamos trabajando en eso y queremos tenerlo más atado antes de compartirlo con vosotros. Os queremos sorprender.

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Nuestra crónica visual del MIRA Festival Barcelona 2018 en 3 vídeos

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Hace ya tres semanas del MIRA festival Barcelona y seguimos saboreando todas sus propuestas, tanto musicales como visuales. El festival ha ido madurando y creciendo edición tras edición, sin perder su esencia de festival acogedor y experimental, dirigido a todas esas personas ansiosas por descubrir nuevos sonidos y nuevas formas de expresión a través del arte digital.

El festival llego a su edición número 8 los pasados días 8,9 y 10 de noviembre en Fabra i Coats. El  Sold out de los abonos dobles ya apuntaba maneras y podemos decir que nuestro festival de invierno preferido se ha consolidado como un festival referente de arte digital.

La DOME by adidas Original Show A/V Dasha Rush con las visuales de Stanislav Glazov.

En este artículo anterior ya te hablamos de todas las propuestas visuales que queríamos ver: Los artistas visuales del Mira Festival 2018. Y en esta crónica que viene a continuación, compartimos tres piezas de vídeo para mostrarte cómo vivimos el MIRA desde dentro.

Instalación “IMAGINARY LIMIT” de Nick Verstand y Salvador Breed

¿Empezamos por los shows A/V? En poco menos de dos minutos, un pequeño resumen visual de lo que fueron los directos audiovisuales. En general, vimos muchas visuales no figurativas, con gráfica ruidosa y mucho glitch. En el vídeo verás la gráfica generativa de Alba G. Corral y sus propuestas visuales para los temas de una de las bandas más esperadas: “El Sueño de Hyparco”. Los vídeos llenos de juegos de luces de Dan Conway que acompañó el directo de Seefeel. El ruido y el glitch de Marta Verde y la gráfica geométrica de las visuales del directo de Tangerine Dream. Lo de Atom™ son palabras mayores. Imágenes reales, como sacadas de las noticias, bandalismo callejero y fuerzas policiales. La repetición y los loops de las imágenes mantienen una relación con la música que te atrapa. El VJ Jason Voltaire llamó nuestra atención con sus visuales llenas de mensajes dirigidos al público. El final apoteósico de DJhonston en The Loft no hubiera sido lo mismo sin las visuales de Jordi Pont de Onionlab.

Seguimos con las instalaciones inmersivas de gran formato. Quizá nos faltó algo más de interacción, para sentir ese protagonismo que tanto nos gusta ante las obras de arte digital. Pero podemos decir que subir las escaleras del MIRA para llegar a estas dos instalaciones valía la pena. Ambas nos hicieron sentir esa sensación de estar en una realidad paralela, como si el tiempo se parara y el mundo se reduciera a lo que ves y a los que escuchas, a lo que sientes.

La primera que aparece en el vídeo es IMAGINARY LIMIT, una instalación audiovisual de Nick Verstand y Salvador Breed que simboliza las limitaciones internas que nos imponemos a nosotros mismos al influir en nuestra percepción de la luz y el sonido.

Y la segunda es “Licht, mehr Licht!”, o “Luz, más luz!” en español, fueron las últimas palabras del gran escritor y pensador científico alemán Goethe. La instalación, creada y desarrollada por el artista visual francés Guillaume Marmin, se hace eco de experiencias cercanas a la muerte, cuyos supervivientes describen un “túnel de luz” que se abre más allá de la oscuridad.

La DOME by adidas Original no fue lo que más nos gustó de esta edición pero no podemos negar que es una suerte poder tener esta cúpula inmersiva cada año en Barcelona. Este año solo hubo un directo en la DOME, el de Dasha Rush con las visuales de Stanislav Glazov. La parte visual nos pareció de gran nivel pero la música sonaba lejana, suave y echamos de menos algo más de intensidad, era complicado meterse dentro de la historia.

Vimos “CONTEMPORARY HARDCORE” by KONX-OM-PAX SCREENING del artista multidisciplinar Tom Scholefield, mente creativa detrás del alias Konx-Om-Pax. El uso del color parecía que iba a salvar la pieza pero  aquí además de sonido, nos faltó ritmo y sincronización.

Seguimos con “SPECTRUM OF THE CORAL” by FRAGMATISTA SCREENING. Su autora es Fragmatista, alias de la artista digital peruana Giselle Angeles. El contenido de la pieza se creó mediante el escaneo 3D y el diseño de esculturas de realidad virtual en tiempo real, que nos llevó a un espacio inmersivo creado a partir de un mundo surrealista lleno de paisajes digitalizados. Sin duda, la pieza más interesante que vimos aunque, una vez más, nos faltó volumen de sonido.

Para terminar y como conclusión final, podemos decir que esta edición puede haber sido la mejor de todas. Por su programación, organización y propuestas tanto musicales, como audiovisuales y de arte digital.

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AV Link Jam / BYOB Event in London

Par Nina Verhagen

AV Link Jam / BYOB was organized by Crux, the hub for learning, experimenting, collaborating and entertaining, on Thursday, November 15th, 2018. It was their second edition and free for everyone who wanted to join.

When you entered the space, it all seemed very open and chill. People were drinking beer, talking to each other, walking around and admiring the people’s work. Almost every wall had a beamer projection on it. It was very diverse which made it refreshing. You weren’t looking at the same thing at every wall. Every minute it’d change so even if you’d be watching the same projection, you wouldn’t look at a video that was on a loop.

Because it was a free event, the genuinely passionate artists show up. It looked like a community, people know each other and talk about the same topic. When you would talk to the artists about their projection, you could see the fierce enthusiasm they had for it.

The soundtrack worked really well with the atmosphere. Many different things were going on at the same time but the music helped to keep you focused.

All and all, it was quite mesmerizing and hypnotic. It kept your eyes stuck on the all the projects you were seeing. It all moved fast, had bright colors, and had recurring movements. It’s a very fun night where you can chat and check out new and different artists. A good concept!

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L’Aubaine

Par Nina Verhagen

L’Aubaine (Laurie Bender) VJ, a visual artist from Geneva-based in London.

L’Aubaine started performing live visuals in 2005 while studying a master in Digital Arts in Barcelona. From her study, she got interested in real-time performances and exploring different forms of narrative.

All elements she uses in her work are self-produced, mixing different techniques, analog and digital, as hand-drawn animations, 2D and 3D animations, graphical elements, photography, and videos. Her creations have that handmade feel, imperfect, bold and very colorful. Laurie crafted her unique style over the years by superimposing layers, interlinking shapes, and colors, mixing elements from different techniques in an unusual and elegant way.

Her VJ sets are evolving compositions, audio-reactive, created live and flowing with the crowd and the music. Each set never look the same, she shares emotions, playfulness and she feels like a painter and his canvas. She is since 2015, part of  VJ London, organizing monthly meet-up & showcase and bigger events with interactive installations and AV performances with artists based in the London area and international.

 

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Mowgli

Par Nina Verhagen

Mowgli has been passionate about all things creative since a very young age. He’s always painted and made things and he had the fortune of having DJ as his first ever job after finishing school. Mowgli graduated in Scientific and Natural History Illustration in 1996, a field in which he worked on a freelance basis for a short time.

Since then he had worked using a vast range of media. He completed an apprenticeship in the ancient crafts of Cordoban and Guadameci in 1997 after which he worked for Arte 2 on interior design projects incorporating the craft while also co-founding MIX, a Madrid based workshop and shop specialized in the upcycling of furniture and decorative objects, an endeavor that was way ahead of its time as the term “upcycling” wasn’t even in use then.

Mowgli started Vjing in 2004 alongside the band Detwiije, this led to more VJ gigs and visual creation for world-class artists and festivals including Above & Beyond, Astrix, Roisin Murphy, Infected Mushroom and Greg Wilson. He was classed amongst the top 8 European VJs in 2008 at the London International Music Show.

Soon after and as a natural progression from Vjing, Mowgli developed an interest in audiovisual performance which he’s been developing since 2010 when the show MAYA was created with producer Silverio Funk. It was premiered at the BFI Southbank as part of Dark Fibre and has since been performed at several venues in London and Rome. During this time he also developed a piece for the Musion holographic projection system which was screened at Kinetika Art Fair in London.

Throughout his career, he’s been involved in organizing and promoting various music and arts events including Stylistik, Sound on Vision, The Nozzle and AV Depot while also being a director of VJ London, a community-focused monthly event dedicated to the diffusion of audiovisual and technology based art forms.

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Flux 2018 – Del 11 de diciembre al 5 de enero

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FLUX es un festival de vídeo de autor, este año llega a su 13ª edición, desde que nació su objetivo ha sido dar protagonismo a los autores que trabajan en el campo del videoarte, el documental o las videoinstalaciones. Este año los artistas centrales del festival son Fernando Baños-Fidalgo, Ana Rodríguez León  y Zavan Films, con proyecciones monográficas, coloquios con los autores y el estreno de sus autoretratos, obras inéditas a cargo del festival.

También habrá una videoinstalación silenciosa Flux Mut con la obra de Nora Ancarola “La Maleta kafkiana”.

Y la videoinstalación colectiva FLUX VideoCapsa, donde se experimenta con formatos alternativos de exhibición de obras videográficas, formada con vídeos inéditos de los autores Iván Canedo, Marta Grimalt Canals, Adrià Guardiola, Julia Juániz, Llapispanc, Beatriz Míngeuz de Molina, Matilde Obradors, Martí Sans, Elena Vilallonga i Ulrich Weitzel.

Aquí tenéis los horarios.

 

Para la inauguración contaron con la actuación de Amaranta Velarde & Alba Corral ofreciendo el espectáculo Mix-en-scene.

Os dejamos una entrevista a las artistas para conocer mejor el proyecto:

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Videomapping en el Museo del Prado por su bicentenario de la mano de Onionlab

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El Bicentenario del Museo del Prado merecía un espectáculo audiovisual sublime. ¿Los responsables del proyecto? El equipo de Onionlab, que realizó el pasado 24 de noviembre un videomapping sobre el museo.
El show organizado por la agencia de eventos Ciudadano Kien, se complementó con una actuación teatral aérea de la mano de la Fura dels Baus, la guinda final la puso Pirotecnia Vulcano. Una voz narraba la historia del edificio que se inauguró en 1819. Juan Echanove fue el elegido para esta labor.

Un viaje audiovisual lleno de ilusiones ópticas dotó de vida a la fachada del museo del Prado, todo ello para viajar a lo largo de la historia de las obras que han dado y dan vida al museo.

De Onionlab ya te hemos hablado muchas veces. Esta productora audiovisual establecida en Barcelona nos sorprendió con su mapping 3D “Axioma” también en Madrid. Sus proyectos “Evolució” y “Diplopía” también destacan de su trayectoria dedicados a la creación de instalaciones y contenidos para festivales, exposiciones o bienales.

 

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Top 10 artículos más leídos del 2018

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Este año ha sido grande por muchos motivos. Desde Vjspain apoyamos el documental “Visualist, those who see beyond”, que muy pronto verá la luz. Gracias a este proyecto hemos profundizado en el trabajo de grandes artistas tanto locales como internacionales.

Pero además, hemos sido espectadores de directos audiovisuales de gran calidad en varios festivales del país. En marzo dentro del marco de Mutek Barcelona alucinamos con el directo de Herman Kolgen y el show de Alexandre Burton & Julien Roy (artificiel). Viajamos a Madrid para conocer el proyecto Sonar360º by MEDIAPRO, el dome que disfrutamos después en Sónar Día Barcelona y redactamos este artículo sobre la parte visual del Sónar 2018. Viajamos a Gijón para disfrutar de la programación del L.E.V Festival y nunca olvidaremos la actución de Hiroaki Umeda. También estuvimos en Amsterdam y tuvimos la suerte de ver el directo apoteósico de Nanotak en el festival Dekmantel. Otra de las aventuras inolvidables de 2018 fue nuestro viaje a Praga y este vídeo resumen del Signal Festival. La mejor edición del Mira Festival y la gran presencia de artistas visuales mujeres será también difícil de olvidar.

Y ahora, sin más preámbulos, damos paso al top 10 de los posts más leídos del año.

#TOP1 – Augmented Laser Projection Interaction · Colorsound

La proyección aumentada a tiempo real con láser fue un éxito, un híbrido entre proyección y láser calibrado con interacción a partir de un código personalizado hecho con VVVV.

#TOP2 – Telenoika organiza el ER…VA40 :: Comunidad AV Península Ibérica

El objetivo del encuentro fue ampliar los debates sobre las producciones de Live AV en la Península Ibérica y fortalecer las redes entre los colectivos de artistas audiovisuales.

#TOP3 – Mira Festival. Resumen visual a través de 3 vídeos.

Hicimos resumen visual de los shows A/V que vimos, las instalaciones interactivas y la dome.

#TOP4 – Exposición “Work into the light” by Slidemedia

Un viaje retrospectivo por su trayectoria.

#TOP5 – ‘Luces por Segundo’ by Martin Borini aka Ailaviu

Esta presentación audiovisual formó parte de la programación de Mutek Buenos Aires 2017, una propuesta audiovisual con la música de Luis Maria Ducasse, sonidos techno o acid house y en formato hardware live set.

#TOP6 – Duodécima edición de L.E.V Festival Gijón
A esta edición del Laboratorio de Electrónica visual se sumó la creatividad de la italiana Michela Pelusio para interpretar la física cuántica.

#TOP7 – Videomapping en el Museo del Prado por su bicentenario de la mano de Onionlab

El show organizado por la agencia de eventos Ciudadano Kien, se complementó con una actuación teatral aérea de la mano de la Fura dels Baus, la guinda final la puso Pirotecnia Vulcano.

#TOP8 – Nomada Studio y Conrad Roset presentan el videojuego GRIS

Esta es la historia de Adrián Cuevas y Roger Mendoza que un día conocieron a Conrad Roset en Barcelona, del encuentro surgió un proyecto que duraría unos años y que hoy ha visto la luz. GRIS es el primer videojuego del estudio barcelonés Nomada Studio.

#TOP9 – Signal Festival Praga.

El Signal Festival es el festival de luz de Praga. Este año ha llegado a su 5ª edición y nos invitaron a disfrutar de sus obras en vivo y en directo.

#TOP10 – Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores.

Pedro Pantaléon y Manuel Sanchez-Cid son los directores del documental Visualist. Han tenido la suerte de conocerse y encajar a la perfección en un punto concreto de su trayectoria profesional.

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Audiovisual City at WE LIVE IN AN OCEAN OF AIR

Par Nina Verhagen

‘We live in an Ocean of Air’ is a virtual reality experience where the invisible connection between plant and human is revealed through breath. It was created by Marshmallow Laser Feast.

What happens is that the cutting-edge technology illuminates the invisible connections between the human and nature world. What you’ll see when the installation starts, is the giant Sequoia tree. You’re being transported into a world that’ll leave your jaw on the ground and eyes wide open- wanting to capture every detail you’re seeing. And as time passes, the scenery changes as well.

Breathe in and out and you’ll see you’re right in the installation. The color changes and you can even move it around as you breathe out. It’s done with breath and heart sensors that are tracking your real-time breathing and essentially put it in the virtual reality. Making it even more immersive than it already was.
It’s a magical world you’re stepping into and time will feel as none-existant.

The installation will embolden you to reflect on the reality that we, as human beings, aren’t the only thing on this planet. We share our planet with other organisms and it’ll make you cerebrate about the responsibility that we carry. And reflect on our dependence.

It is a great experience and it stays in your mind even when it’s over. Overwhelming and impressive! We need more installations like this.

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Refik Anadol

Par Nina Verhagen

Refik Anadol is a media artist and director born in Istanbul, Turkey in 1985. Currently lives and works in Los Angeles, California. He is a lecturer and visiting researcher in UCLA’s Department of Design Media Arts.

He is working in the fields of site-specific public art with parametric data sculpture approach and live audio/visual performance with immersive installation approach, particularly his works explore the space among digital and physical entities by creating a hybrid relationship between architecture and media arts with machine intelligence.

He holds a master of fine arts degree from the University of California, Los Angeles in Media Arts, master of fine arts degree from Istanbul Bilgi University in Visual Communication Design as well as bachelors of arts degree with summa cum laude in Photography and Video. Co-founder and Creative director at Antilop.

As a media artist, designer and spatial thinker, Refik Anadol is intrigued by the ways in which the transformation of the subject of contemporary culture requires rethinking of the new aesthetic, technique and dynamic perception of space. Anadol builds his works on the nomadic subject’s reaction to and interactions with unconventional spatial orientations with data and machine intelligence. Embedding media arts into architecture, he questions the possibility of a post-digital architectural future in which there are no more non-digital realities.

He invites the viewers to visualize alternative realities by presenting them the possibility of re-defining the functionalities of both interior and exterior architectural formations. Anadol’s work suggests that all spaces and facades have potentials to be utilized as the media artists’ canvases.

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Processing Community Day y convocatoria abierta para presentar proyectos – 26 enero

Par volatil

El próximo sábado 26 de enero tendrá lugar en Madrid el Processing Community Day en Medialab Prado. Un evento impulsado por Processing foundation. Como ya debes saber, Processing es una plataforma de software gratuita y de código abierto para aprender a codificar en el contexto de las artes visuales, creada por Casey Reas y Ben Fry. Se complementa con una versión web, llamada p5.js, creada por Lauren McCarthy. Hasta la fecha, Processing y p5.js son utilizados por una comunidad mundial de artistas, programadores, educadores y estudiantes. El objetivo de este proyecto es enseñar a todos los interesados cómo programar y hacer que el trabajo creativo con código sea accesible para diversas comunidades, especialmente aquellas que de otra manera no tendrían acceso a estas herramientas y recursos.

Además de talleres, charlas y networking han abierto convocatoria para presentación de sketches en la fachada de LED de Medialab, mediante la plataforma de programalaplaza.  Convocatoria abierta hasta el 25 de enero, cualquiera es libre de participar, ya que al ser por web, se puede hacer desde casa. El día del evento se podrán ver todos los trabajos en loop y se grabará un vídeo en el que se mencionará a los creadores.

¿Quieres participar? Entra aquí, selecciona «comienza a programar», crea tu “sketch” en p5.js y selecciona la  convocatoria Processing Community Day. Tendrás la oportunidad de verlo en los 14.5 x 9.5 metros de la fachada digital junto a otros trabajos enviados desde todo el mundo.

 

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LE PÈRE DU JEU VIDÉO JAPONAIS — NISHIKADO

Par greg

Connaissez-vous l’histoire du papa de Space Invader et tout le bordel que cela a créé au Japon ? La chaîne de P.A.U.L a réalisé dernièrement un petit documentaire (22 min) très intéressant sur le sujet. Je vous l’introduis et j’espère que cela vous donnera envie de le regarder. De 1968 à 1973, Nishikado perd son … Continuer la lecture de LE PÈRE DU JEU VIDÉO JAPONAIS — NISHIKADO

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