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À partir d’avant-hierVideoMapping VJing

Resumen de la mesa redonda sobre ‘Visualist’ en Valladolid: Seminci Transmedia 2019

Par volatil

Después del estreno en Signal Festival de Praga, Visualist’ sigue de gira. Su estreno a nivel nacional fue en Seminci, la Semana Internacional de cine de Valladolid. La siguiente parada será el festival BIME PRO, que nos hizo un hueco en su programación de conferencias. Pedro Pantaléon dará una charla el miércoles 30 mientras muestra algunos fragmentos seleccionados del documental.

Volvamos a Seminci, llevamos ya tres años siendo mediapartner de una sección del festival que aborda temas relacionados con la visuales. Ya os contamos que incluyó en 2017 un ciclo de Live Cinema en su programación y generó también un espacio de debate para explorar el alcance de la práctica del Live Cinema, a demás de directos audiovisuales como el de Marta Verde & NegrøNegrø o Hector de la Puente. El año pasado ya empezó a hablarse de la «comunicación transmedia» y la «Realidad Virtual», con una mesa de debate en la que participó la visualista catalana Xarlene. También hubo directos audiovisuales como el de Los Voluble. Todo ello en el Teatro Zorrilla y  coordinado por bit:LAV.

Este año, apuestan por el formato fulldome y además de ser mediapartner, formamos parte de su programación, con la proyección de Visualist, Those who see beyond y una mesa redonda, en la que Oscar Testón y Pedro Pantaleón expresarían su visión sobre este nuevo arte que tantas etiquetas recibe: visuales, vjing, directos A/V, comunicación A/V, Live Cinema o el término más moderno «Creative coder», de esto y de muchos otros temas se habló en esta mesa redonda, que tuvo lugar de 18h a 21h, con la impulsora del Festival de Cine Ccvad, Virginia Diez, que moderó la mesa redonda sobre la creación transmedia.

Fue en la Sala Experimental del Teatro Zorrilla, con la presencia de uno de los directores del documental, Pedro Pantaleón; el productor del documental y creador de la revista digital Vjspain.Com, Oscar Testón-Otu; la responsable del laboratorio AvLab, Manuel Prados de Medialab-Prado, Alberto de Espacio Tangente y Virginia Díez como moderadora. Entre el público, Manu Cid (co-director del documental), Rubén G. Kielmannsegge (productor musical y responsable de la música de «Visualist», entre muchas otras cosas) y Marta Verde (artista visual que aparece en ‘Visualist’).

En este caso entrevistamos a Pedro Pantaléon y Manu Cid, para que nos cuenten cómo fue la experiencia y qué temas se abordaron en la mesa redonda. Empezamos por Pedro.

¿Cómo fue la aventura de viajar a Valladolid a estrenar el documental en territorio nacional?
Oscar, Rubén, Manu y yo salimos juntos de Madrid y llegamos a Valladolid. Quedamos con Teresa de bit:LAV, que nos llevó al Teatro Zorrilla para hacer las pruebas técnicas. Después no dieron las acreditaciones y un libro con toda la programación. Nos hizo mucha ilusión aparecer en ese libro.

¿Cómo reaccionó el público a la proyección del documental?
La sala estaba llena, la gente se reía en los momentos en los que se tenían que reír. El público respondió muy bien, tuvo muy buena acogida. Virginia, la moderadora de la mesa redonda nos presentó y se inició el debate.  A mi derecha tenía Alberto que era es responsable del Espacio Tangente de Burgos, a mi izquierda tenía a Oscar, y junto a Oscar los responsables de MediaLab pro. Expliqué qué fue lo que nos motivó a hacer el documental y mi trayectoria como Videojockey.

¿Qué temas salieron? ¿Qué preguntaba el público?
Se habló del origen del Videojockey, cómo surge, cómo han llegado a exponer en museos, todo giraba entorno al hilo argumental del documental. Un señor nos hizo una pregunta muy buena. ¿Qué tipo de formación habían recibido los artistas que salían en el documental para poder llegar a hacer esas obras? Le parecía curioso que todos hicieran cosas tan diferentes. Las respuestas hacían referencia a la tecnología y al auto-aprendizaje de cada artista y eso explica por qué cada uno elige un camino distinto. Se habló de la comunicación transmedia, me hace gracia porque cuando yo estudié en la universidad ya se hablaba de esta palabra aunque aún no existía, 15 años después ya es una realidad.

Queríamos saber más, así que también entrevistamos a Manu Cid, el co-director de ‘Visualist’ que en esta ocasión participó desde el público.

¿Qué temas destacarías de los que se hablaron en la mesa redonda? 
Se habló de la necesidad de hacer este documental para dar a conocer esta escena que está tan en la sombra. Se estuvo hablando del tema de las etiquetas, que en realidad no tienen mucho sentido pero sirven para identificar lo que hacen cada uno de estos artistas. Y ahí saqué el tema  de cómo podíamos llamar a este «nuevo arte» de una forma más global, porque quizá si le ponemos una única etiqueta, si lo englobamos bajo un mismo concepto, quizá ese concepto, terminaría impulsando la escena de algún modo. ¿Cómo podríamos englobar todo esto para que llegara a más gente? Ahí cada uno daba su opinión. Salió muchas veces el nombre de “Creative Coder”, que sería lo más avanzado o lo más puntero ahora mismo. Otro tema interesante que salió fue la influencia de todo este desarrollo tecnológico en la sociedad. Tendemos a asociar la tecnología y la inteligencia artificial a cosas no necesariamente buenas. Se habló de la posibilidad de ser esclavos de esa misma tecnología.

¿Y el papel de la mujer en un sector mayoritariamente masculino?
Se habló del papel de la mujer, ahí Marta Verde dio su opinión, dijo que es un sector en el que hay más hombres que mujeres, aunque también se defendió la idea de que cada vez hay más mujeres y se mencionó a Xarlene y a Alba G. Corral.

¿Qué otro tema destacarías?
Otra cosa interesante que salió es que, a diferencia de otras disciplinas artísticas, los visualistas tienen backgrounds muy diversos. Arquitectos, matemáticos, ingenieros, y esto es algo que lo hace más interesante, rico, esto es algo que lo desconoce mucha gente.

¿Se habló de la evolución de la figura del Vj?
Realmente el videjockey lleva existiendo mucho tiempo, pero los shows actuales le dan más protagonismo. Aunque hay que tener claro que las visuales no son estrictamente necesarias, que dependen de la intención del directo y del espacio en el que se está trabajando.

Otro tema que surgió es “si siempre el Vj está detrás del músico, es el que sigue la música y pone las visuales” ¿Existe la posibilidad de que sea al revés? Teniendo en cuenta que el Vj es una figura que ha crecido y ha evolucionado subordinada a la figura del DJ y eso es lo que probablemente ha hecho que esté siempre en segundo plano. Se habló de la posibilidad de invertir esa idea. Oscar Testón comentó que lo había intentado, que había hecho una sesión en la que él ponía las visuales y el músico tenía que seguirlo a él, pero que había sido muy complicado.

¿Y la definición de VJ fue un tema del debate?
Hubo algunas intervenciones sobre qué es un Vj. Pedro dijo que para él un VJ es un visualista que trabaja con su propio material, graba y edita sus propias visuales para usarlas en sus sets o instalaciones, no para que «alguien» se le descargue de internet y lo use en beneficio propio. Yo se lo rebatí porque en realidad mientras tu tengas un discurso, tu puedes coger material ya creado, es algo que se ha hecho siempre, tanto en Live Cinema como en Vjing. Para Matt Black es el rey del Sample y sus obras siempre se han basado en usar muestras de creaciones de otros artistas tanto de vídeo como de audio, aunque luego haya desarrollado las suyas a partir de ellas.

¿Hacia dónde va todo esto? ¿Cuál es el futuro?
Una de las preguntas que se lanzaron fue «hacia dónde va todo esto», ¿cuáles son los límites?. Y ahí nadie tenía una respuesta clara, igual que el propio documental. Yo hice una intervención explicando que en los últimos festivales que he ido, como el LEV Matadero de la semana pasada, en el que hubo un espacio dedicado a la Realidad Virtual, en Seminci Transmedia que este año ha tenido mucho contenido relacionado con Realidad Virtual y en la última edición del Sónar Barcelona también hubo mucha presencia de VR e Inteligencia Artificial. ¿Quizá vamos hacia allí? Aunque al final, lo que yo pienso es que la realidad virtual es una de las muchas posibilidades a las que está abierto el mundo digital.

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CTM Festival

Par Marco Savo

Berlin, January 24 – February 2 2020

CTM’s 21st edition launches with an announcement of new performances, special projects, and commissioned works.

Combining unique productions, concerts, and club nights with a dense daytime programme of talks, discussions, installations, and an exhibition, CTM 2020 proposes multiple entry points into thinking about this year’s Liminal theme.

Liminal phenomena and states are transitional phases in which a familiar order sees its values and symbols destabilised; norms are suspended or turned on their heads. We find ourselves in ambiguous spaces, somewhere between a past that is no longer valid and an ever-becoming future.

TM 2020 will again play out across some of Berlin’s most standout cultural and nightlife venues. For the first time, the festival hosts special projects at Radialsystem V and an immersive listening series at Silent Green’s Betonhalle, while continuing its close relationship with HAU Hebbel am Ufer, Berghain, Kunstquartier Bethanien, Festsaal Kreuzberg, and SchwuZ. A limited number of Early-bird Festival Passes are available now.

As always, CTM takes place parallel to and in collaboration with transmediale festival. The jointly organised Vorspiel 2020 Open Call is out now. Vorspiel will again bring together a wide range of Berlin-based artists, initiatives, and venues, hosting a city-wide programme of cultural events.

CTM Festival

Berlin, Germany

contact@ctm-festival.de

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Club Transmediale

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⁣Hace ya 5 años que producimos (@roman.tower y @felipel.nv) la técnica, interactividad y el software de esta pieza escénica para niños de 18 meses a 3 años para la productora Imaginart. Toda una experiencia y creo que todavía sigue girando 😁⁣
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⁣#openframeworks #interactivemedia #kids #millumin #interactive #projectionart #rotorstudio #code #c++ #infraredcamera #motiontracking #interactivefloor #visualarts
https://www.instagram.com/p/B26O-ShnDvP/?igshid=x39z3ogwokyb

⁣ ⁣⁣ ⁣#repost @yiyun_kang⁣ ⁣__________________⁣ ⁣⁣ ⁣Show is up...




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⁣Show is up and running!⁣

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⁣#luciddream #tunnelprojection #projectionmapping #millumin #movdot #gwangjudesignbiennale #광주디자인엔날레 #artandtechnology #mediaart #tunnel (at Gwangju Biennale (비엔날레))
https://www.instagram.com/p/B2caf51H4PO/?igshid=1jh06mv2r0ls9

Recherche Demo Maker, Designer 3D Temps Réel chez Modulo Pi

Par LeCollagiste
Modulo Kinetic

Une fois n’est pas coutume, voici une annonce de stage ou alternance chez Modulo Pi.

Modulo Pi recherche une ou un graphiste, intéressé·e par la programmation nodale, et par-dessus tout passionné·e par le domaine du spectacle ?

La société Modulo Pi est spécialisée dans le développement de solutions software + hardware dans le domaine de l’audiovisuel, vidéomapping, événementiel, muséographie, concert, spectacle, parc à thèmes, grands événements.

Dans le cadre du développement de notre solution média serveur Modulo Kinetic et de son module de tracking en temps réel, nous recherchons un profil mixte graphiste & programmation nodale pour créer et réaliser des shows mettant en lumière les capacités uniques de Modulo Kinetic : contenu génératif grâce au moteur 3D de particules, matériaux 3D PBR, GLSL, interactivité, tracking 3D temps réel, VR.

Informations pratiques : Lieu : 113 avenue du Président Wilson, 93210 La Plaine Saint Denis Contrat : stage (min. 3 mois), apprentissage ou alternance avec possible embauche en fin de contrat Quand : dès que possible Contact : job(at)modulo-pi.com

Modulo Pi, Pmodulo Player
Modulo Kinetic
Modulo Pi

Recherche Demo Maker, Designer 3D Temps Réel chez Modulo Pi est un billet de LeCollagiste VJ.
LeCollagiste VJ - Mag du LeCollagiste, actu sur la culture VJING, Vidéo Mapping, info video et high tech.

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⁣#immersive #mapping3d #motiondesign ⁣
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https://www.instagram.com/p/B2FEVuxJmgY/?igshid=au9gxezpiye6

⁣ ⁣⁣ ⁣#repost @asker⁣ ⁣__________________⁣ ⁣⁣ ⁣Abbiamo fondato...




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⁣#repost @asker⁣
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⁣Abbiamo fondato WOA con l’idea di spingere i miei lavori un po’ più in là, creando una squadra di matti professionisti, curiosi di sperimentare e fare ricerche che unissero creatività e tecnologia. ⁣
⁣Due anni fa creammo un sistema che permetteva a un qualsiasi oggetto (o corpo rigido) di reagire al tocco e all’urto e, tramite il nostro know out sulle proiezioni, creammo un VIDEOMAPPING INTERATTIVO!⁣
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⁣We founded WOA to push my work behond the boundaries.⁣
⁣With our crazy team, we are curious to research and experiment new way to fuse creativity and technology. ⁣
⁣Two years ago we create a system that switch any object in a touch reactive tool. ⁣
⁣We integrate that technology with our projection’s know how to create an INTERACTIVE VIDEOMPAIING!⁣
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https://www.instagram.com/p/B1l0nepnL8p/?igshid=ompww2ifpw4l

Lightact Média serveur pour Unreal Engine

Par LeCollagiste
Lightact

Lightact est une suite de logiciels et matériels pour installations immersives, visualisation en VR, contrôle audio, vidéo (lecture en HAP), lumière avec le DMX, l’ArtNet, mais aussi l’OSC, TCP, UDP et même le RSS, audio réactif avec le FFT, compatible avec le timecode, VidéoMapping et multi projection de contenu UE4 en 60 FPS. L’interactivité via Kinect et autres, équipé d’un séquenceur de couches, gestion de calques, moteur de particules basé sur OpenGL et rendu en temps réel grâce à l’Unreal Engine.

Une solution tout en un temps réel, la licence de Lightact est gratuite avec un filigrane sur les sorties et sans autres limitations, les licences payantes oscille de 99 € à 990 €, le média serveur hardware jusqu’à 16950 €.

Plus de news sur le site de Lightact Systems. Les tutoriels Lightact.

Lightact
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Lightact Média serveur pour Unreal Engine est un billet de LeCollagiste VJ.
LeCollagiste VJ - Mag du LeCollagiste, actu sur la culture VJING, Vidéo Mapping, info video et high tech.

MID

Par Nina Verhagen

MID is an interaction design and technology studio, specializing in engineering, interactive design, and new media. They work with museums, marketing and communication agencies, architects, public institutions, companies, entrepreneurs, musicians, and artists.

Their studio was founded in Barcelona in 2009. MID’s origins are found in the arts production centre Hangar, a meeting point for creative professionals, artists, programmers, and designers. This background, along with the experience acquired by the management team, allowed MID to become an established studio.

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⁣Nous sommes très fiers de vous présenter le teaser de notre nouveau spectacle: #lesmurmuresdananké Ananké⁣
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⁣La video entière est dans la bio✅⁣
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⁣Nous serons à @avignonleoff cet été au @theatre.golovine ⁣
⁣du vendredi 5 au vendredi 26 juillet à 10h45.⁣
⁣Avec le soutien du @chateau_fmr (78), de la Région Ile-de-France, Théâtre Paris-Villette (75) et du @lecube_ (92). Dites-nous ce que vous en pensez ? On a hâte d'avoir vos retours.#millumin #unity @millumin2 @unitytechnologies #spectacle #mime #multimedia #creation #art #paris #love (at Paris, France)
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Processing Community Day y convocatoria abierta para presentar proyectos – 26 enero

Par volatil

El próximo sábado 26 de enero tendrá lugar en Madrid el Processing Community Day en Medialab Prado. Un evento impulsado por Processing foundation. Como ya debes saber, Processing es una plataforma de software gratuita y de código abierto para aprender a codificar en el contexto de las artes visuales, creada por Casey Reas y Ben Fry. Se complementa con una versión web, llamada p5.js, creada por Lauren McCarthy. Hasta la fecha, Processing y p5.js son utilizados por una comunidad mundial de artistas, programadores, educadores y estudiantes. El objetivo de este proyecto es enseñar a todos los interesados cómo programar y hacer que el trabajo creativo con código sea accesible para diversas comunidades, especialmente aquellas que de otra manera no tendrían acceso a estas herramientas y recursos.

Además de talleres, charlas y networking han abierto convocatoria para presentación de sketches en la fachada de LED de Medialab, mediante la plataforma de programalaplaza.  Convocatoria abierta hasta el 25 de enero, cualquiera es libre de participar, ya que al ser por web, se puede hacer desde casa. El día del evento se podrán ver todos los trabajos en loop y se grabará un vídeo en el que se mencionará a los creadores.

¿Quieres participar? Entra aquí, selecciona «comienza a programar», crea tu “sketch” en p5.js y selecciona la  convocatoria Processing Community Day. Tendrás la oportunidad de verlo en los 14.5 x 9.5 metros de la fachada digital junto a otros trabajos enviados desde todo el mundo.

 

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Refik Anadol

Par Nina Verhagen

Refik Anadol is a media artist and director born in Istanbul, Turkey in 1985. Currently lives and works in Los Angeles, California. He is a lecturer and visiting researcher in UCLA’s Department of Design Media Arts.

He is working in the fields of site-specific public art with parametric data sculpture approach and live audio/visual performance with immersive installation approach, particularly his works explore the space among digital and physical entities by creating a hybrid relationship between architecture and media arts with machine intelligence.

He holds a master of fine arts degree from the University of California, Los Angeles in Media Arts, master of fine arts degree from Istanbul Bilgi University in Visual Communication Design as well as bachelors of arts degree with summa cum laude in Photography and Video. Co-founder and Creative director at Antilop.

As a media artist, designer and spatial thinker, Refik Anadol is intrigued by the ways in which the transformation of the subject of contemporary culture requires rethinking of the new aesthetic, technique and dynamic perception of space. Anadol builds his works on the nomadic subject’s reaction to and interactions with unconventional spatial orientations with data and machine intelligence. Embedding media arts into architecture, he questions the possibility of a post-digital architectural future in which there are no more non-digital realities.

He invites the viewers to visualize alternative realities by presenting them the possibility of re-defining the functionalities of both interior and exterior architectural formations. Anadol’s work suggests that all spaces and facades have potentials to be utilized as the media artists’ canvases.

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Top 10 artículos más leídos del 2018

Par volatil

Este año ha sido grande por muchos motivos. Desde Vjspain apoyamos el documental “Visualist, those who see beyond”, que muy pronto verá la luz. Gracias a este proyecto hemos profundizado en el trabajo de grandes artistas tanto locales como internacionales.

Pero además, hemos sido espectadores de directos audiovisuales de gran calidad en varios festivales del país. En marzo dentro del marco de Mutek Barcelona alucinamos con el directo de Herman Kolgen y el show de Alexandre Burton & Julien Roy (artificiel). Viajamos a Madrid para conocer el proyecto Sonar360º by MEDIAPRO, el dome que disfrutamos después en Sónar Día Barcelona y redactamos este artículo sobre la parte visual del Sónar 2018. Viajamos a Gijón para disfrutar de la programación del L.E.V Festival y nunca olvidaremos la actución de Hiroaki Umeda. También estuvimos en Amsterdam y tuvimos la suerte de ver el directo apoteósico de Nanotak en el festival Dekmantel. Otra de las aventuras inolvidables de 2018 fue nuestro viaje a Praga y este vídeo resumen del Signal Festival. La mejor edición del Mira Festival y la gran presencia de artistas visuales mujeres será también difícil de olvidar.

Y ahora, sin más preámbulos, damos paso al top 10 de los posts más leídos del año.

#TOP1 – Augmented Laser Projection Interaction · Colorsound

La proyección aumentada a tiempo real con láser fue un éxito, un híbrido entre proyección y láser calibrado con interacción a partir de un código personalizado hecho con VVVV.

#TOP2 – Telenoika organiza el ER…VA40 :: Comunidad AV Península Ibérica

El objetivo del encuentro fue ampliar los debates sobre las producciones de Live AV en la Península Ibérica y fortalecer las redes entre los colectivos de artistas audiovisuales.

#TOP3 – Mira Festival. Resumen visual a través de 3 vídeos.

Hicimos resumen visual de los shows A/V que vimos, las instalaciones interactivas y la dome.

#TOP4 – Exposición “Work into the light” by Slidemedia

Un viaje retrospectivo por su trayectoria.

#TOP5 – ‘Luces por Segundo’ by Martin Borini aka Ailaviu

Esta presentación audiovisual formó parte de la programación de Mutek Buenos Aires 2017, una propuesta audiovisual con la música de Luis Maria Ducasse, sonidos techno o acid house y en formato hardware live set.

#TOP6 – Duodécima edición de L.E.V Festival Gijón
A esta edición del Laboratorio de Electrónica visual se sumó la creatividad de la italiana Michela Pelusio para interpretar la física cuántica.

#TOP7 – Videomapping en el Museo del Prado por su bicentenario de la mano de Onionlab

El show organizado por la agencia de eventos Ciudadano Kien, se complementó con una actuación teatral aérea de la mano de la Fura dels Baus, la guinda final la puso Pirotecnia Vulcano.

#TOP8 – Nomada Studio y Conrad Roset presentan el videojuego GRIS

Esta es la historia de Adrián Cuevas y Roger Mendoza que un día conocieron a Conrad Roset en Barcelona, del encuentro surgió un proyecto que duraría unos años y que hoy ha visto la luz. GRIS es el primer videojuego del estudio barcelonés Nomada Studio.

#TOP9 – Signal Festival Praga.

El Signal Festival es el festival de luz de Praga. Este año ha llegado a su 5ª edición y nos invitaron a disfrutar de sus obras en vivo y en directo.

#TOP10 – Making of del documental Visualist y entrevista a sus directores.

Pedro Pantaléon y Manuel Sanchez-Cid son los directores del documental Visualist. Han tenido la suerte de conocerse y encajar a la perfección en un punto concreto de su trayectoria profesional.

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MAOTIK

Par Nina Verhagen

French digital artist, Mathieu Le Sourd (Maotik) focuses his work on the creation of immersive multimedia environments and generative visuals. His work has recently been presented in various festivals around the world, such as Mutek Festival, Live Cinema in Rio, Signal Festival in Prague, the British Film Institute in London and ARS Electronica in Linz.

As the lead of Moment Factory’s interactive team in 2011, Le Sourd produced several large-scale projects including a multimedia experience in the new terminal at Los Angeles International Airport as well as the visuals for Nine Inch Nails’ world tour. In 2013, he produced the critically-acclaimed immersive multimedia performance DROMOS, which was presented at the SATosphere in Montreal as part of Mutek festival.

Always in search of new challenges, Le Sourd designs his own visual tools; generating animations from algorithms and creating 3D worlds to transform perceptions of space. He collaborates with musicians, sound artists, and scientists in order to continue his research into the relationship between art, science, and technology.

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Microwave Festival

Par Nina Verhagen

HONG KONG

Microwave Festival began in 1996 as an annual video art festival of the local video art institution Videotage. As technology progressed and became more accessible, video art slowly evolved to involve other media; thus Microwave began to embrace the wider range of new media art. As the first and only art festival in Hong Kong dedicated to new media art, Microwave has steadily grown into a well-established festival that brings cutting-edge works to provoke thought in the technological hub every year.

In its 10th anniversary, Microwave Festival celebrated by becoming an independent organization, completed with a re-branding by design partner Milkxhake and a strengthened curatorial and working team. Microwave then continues the hard work to inspire Hong Kong and the rest of the world with pioneering media artworks selected to suit themes relevant to the society today, while also avidly supporting the exchange and dialogue between artists, professionals, and the general public.

They envision that through the Microwave network, Hong Kong artists will be introduced to international institutions and curators, working as a platform and gateway for them to develop their art and skills. Apart from the grand annual festival, Microwave also endeavors to nurture a rising local new media arts community, organizing various programmes such as educational workshops, seminars, forums, and exhibitions.

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Nick Verstand

Par Nina Verhagen

Nick Verstand (1984) is a contemporary artist exploring human behavior and perception through spatial audiovisual compositions. His autonomous installations and live performances investigate the materialization of internal emotional experiences and are created through collaborative design processes aimed at breaking down social boundaries.

The resulting intuitive experiences, co-creations of artist and audience, generate a hypnotizing environment for the subconscious mind.

Nick has exhibited and performed at Stedelijk Museum Amsterdam, Dutch Design Week, Art Central Hong Kong, SXSW and collaborated with artists such as Fatima Yamaha, Joep Beving and Suzanne Ciani. Dezeen selected his project AURA as one of the top 10 art installations of 2017, alongside Olafur Eliasson, Ai Weiwei, and Anish Kapoor.

studio@nickverstand.com

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Nick Verstand

 

 

 

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Daan Brinkmann

Par Nina Verhagen

A fond believer of the concept of Homo Ludens, Daan’s interactional works are always based on the expressive potential of the spectator. The audiovisual elements within such a piece are used as a means to achieve a new kind of social experience.

Other pieces strive to be perceptual explorations. Light, sound & kinetics flood the senses, to see what remains.

His work has been shown at renown art places such as the Stedelijk Museum, but it can just as well be found in public space or at techno parties. His work has been shown at venues in Amsterdam, London, São paulo, Monaco, Paris, Berlin, Ghent, Warsaw, Ljubljana and Bucharest. He has received grants and prizes from the Dutch Institute for Media Arts, Stroom, the Foundation for Visual Arts and the City of The Hague.

 

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Daan Brinkmann

 

 

 

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Sabina Covarrubias

Par Nina Verhagen

Covarrubias received a Bachelor of Music Composition degree in 2006 from the National School of Music at the UNAM in Mexico City. She earned a Master’s degree in Musicology, Creation, and Society in 2010 from the University of Paris 8 (France), where she specialized in Computer-assisted composition and Ethnomusicology.In 2016, she received a Ph.D. degree in Esthetics, Science and Technology of the Arts from the University of Paris 8.

Sabina has also studied and trained to program with languages such as Java and C++, among others, at the National Polytechnic Institute in Mexico. She studied “Mastering Techniques” at Berklee Music College.  Today she is an associated researcher of the CICM (Centre d’Informatique et Création Musicale), Paris, France;  besides,  she is part of the SNCA program (Art Creators National System) from Mexico, for this program, she is composing acousmatic, octophonic music, financed by FONCA.

Her works encompass a wide array of genres, which have been shown in highly renowned concert halls and festivals in Mexico, the United States, and France. Performances of her compositions have taken place in the International Festival for Women in Art in the Palacio de Bellas Artes in Mexico City and in the International Forum of New Music Manuel Enríquez in Mexico City.

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Sabina Covarrubias

 

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AV Link Jam / BYOB Event in London

Par Nina Verhagen

AV Link Jam / BYOB was organized by Crux, the hub for learning, experimenting, collaborating and entertaining, on Thursday, November 15th, 2018. It was their second edition and free for everyone who wanted to join.

When you entered the space, it all seemed very open and chill. People were drinking beer, talking to each other, walking around and admiring the people’s work. Almost every wall had a beamer projection on it. It was very diverse which made it refreshing. You weren’t looking at the same thing at every wall. Every minute it’d change so even if you’d be watching the same projection, you wouldn’t look at a video that was on a loop.

Because it was a free event, the genuinely passionate artists show up. It looked like a community, people know each other and talk about the same topic. When you would talk to the artists about their projection, you could see the fierce enthusiasm they had for it.

The soundtrack worked really well with the atmosphere. Many different things were going on at the same time but the music helped to keep you focused.

All and all, it was quite mesmerizing and hypnotic. It kept your eyes stuck on the all the projects you were seeing. It all moved fast, had bright colors, and had recurring movements. It’s a very fun night where you can chat and check out new and different artists. A good concept!

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Interference Festival

Par Nina Verhagen

GDÁNSK, 13 December 2018

‘Interference’ literally means meddling, intervention, disturbance.

Interference Festival 2018 – 5th Festival of Visual Communication, it’s a one-of-a-kind event in the Pomeranian District which the main target is to popularize visual arts. The festival is focused on international short visual forms’ overview and on the Contest ‘Freedom of Form’ which the main aim is to emerge the best artists in categories Found Footage, Music Video, Creative Advertising Piece, and Experimental Short Visual Form

Visuals, music videos, teasers, creative advertising forms, jingles and video art, experiments on the border of art – that is what you’ll see during one of the most interesting events of the kind in Central Europe. Interference Festival equals a new, unconventional form of the open-minded festival in which one the most important aim is to discover and to look for the best video avant-garde artists.

Last but not least, there is VJ Battle coming during which the best 8 Vjs will compete on the screen. The main festival points during the fifth edition of the festival will be at the Academy of Fine Arts, Pionowa Gallery, and the Gdańsk Shakespeare Theatre.

 

Interference 

Gdańsk, Poland

info@interferencefestival.com

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Interference Festival

 

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Liquid Architecture: Why listen to plants?

Par Nina Verhagen

MELBOURNE, 22 November – 08 December 2018

Liquid Architecture is an Australian organization for artists working with sound. LA investigates the sounds themselves, but also the ideas communicated about, and the meaning of, sound and listening.

For this program, they are collaborating with artists who work at the intersection of theory and live performance. These artists use various strategies to extend vegetal thinking into sound and listening, from guided walks, talks, readings and lecture performances to experimental music, installation, herbalist pedagogy, and folk songs.

This program, Why Listen, proceeds from these questions as it attempts to open up the act of listening in social, scientific and political space. It is an inquiry into both the consensus constructing communication—and, indeed, creating communicators—and an attentiveness to the vitality of voices beyond the conceptual.

 

Liquid Architecture

Melbourne

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Liquid Architecture

 

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Transmediale

Par Nina Verhagen

transmediale-2-2018BERLIN, 31 January – 03 February 2019

Transmediale is a Berlin-based festival and year-round project that draws out new connections between art, culture, and technology. It considers technology as being more than the digital world and the cultural as being more than what emerges from within institutionalized fields of production.

The formats of the festival change from year to year as Transmediale tries to foreground the intrinsic link between transdisciplinary thinking and cultural practice.

The 31st edition of the festival, directed by Kristoffer Gansing for the seventh time, aims to take stock of current affairs in order to understand if and how things could be different. Its participants will seek possible new ways of resisting and deconstructing the alarming development of digital populism, the radicalization of net culture, and the new culture wars.

(Post)digital culture today seems to support hate-mongering, racist and neo-colonial powers rather than provide an emancipatory alternative. Transmediale is therefore actively seeking out self-critical discussions of topics otherwise rarely addressed at digital culture events—such as contemporary imbalances of class, gender, and race—within a variety of curatorial formats and modes of knowledge exchange.

 

Transmediale

Klosterstraße 68

D – 10179 Berlin

info@transmediale.de

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Transmediale

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Sonic Acts

Par Nina Verhagen

sonic-acts-2-2018AMSTERDAM, 21-24 February 2019

Sonic Acts was founded in 1994. Over the years, it has established itself as a thematic festival with a strong focus on contemporary and historical developments at the intersections of art, technology, music, and science.

Each festival edition explores the chosen theme by means of an international conference, a wide range of concerts and performances, exhibitions and screenings, and embraces a broad spectrum of fields, practices, and disciplines.

Sonic Acts has developed into an organization for the research, development, and production of works at the intersection of art, science, and theory. It also commissions and co-produces new works, often in collaboration with international festivals, arts organizations, funders, and other partners.

Recent projects include the three-year art, research & commissioning project Dark Ecology, predominantly taking place in the Arctic region, and its globally touring programme Vertical Cinema.

 

Sonic Acts

Amsterdam, the Netherlands

info@sonicacts.com

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Sonic Acts

 

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AAVE

Par Nina Verhagen

30710407_1902431219788581_2382613256117157888_nHELSINKI, 9-15 April 2018

In April the eight AAVE (Alternative AudioVisual Event) brings in live cinema performances, experimental films, video art, documentaries and installations for your eyes, ears and other senses. It shines on the screens, stages and exhibition venues in Helsinki.

The theme of the year 2018 is hauntology, haunting through media, memory, and matter.

They introduce the theme via live cinema performances, screenings, exhibitions, and a seminar. In their main screening series, they will show the short works by the legendary pioneer of Japanese experimental documentary film, video art and avant-garde film Matsumoto Toshio and our qualified live cinema guest artists performances and surprising moving image works will light up the program with tempting, otherworldly shine.

 

AAVE Festival

Helsinki, Finland

aavefestival@gmail.com

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AAVE

 

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Elektra

Par Nina Verhagen

elektra-2-2018MONTREAL, June 26 – July 1, 2018

The International Digital Art Festival ELEKTRA has been working since 1999 to discover the diversity of performance practices, including audiovisual and robotics.

ELEKTRA is an organism diffuser of works artists that combine art and new technologies while registering in aesthetics current research and experimentation.

The International Digital Art Biennial (BIAN) takes place every two years. This major exhibition on issues combining visual arts and digital mobilizes, in a joint action, actors in the field of arts and new technologies.

As a cultural institution focused on digital technologies and digital arts, and raising questions about the effects of digital technologies and the digital arts, they thought it’s important to act as a leader in eco-responsibility and in all our organization.

 

Elektra

Montreal, Canada

info@elektramontreal.ca

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Elektra Festival

 

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