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Hier — 14 octobre 2019Vos flux RSS

Chernobyl : comment DNEG nous a permis de contempler le coeur du réacteur (MAJ)

Par Shadows

Mise à jour du 14/10 : ajout de deux nouvelles vidéos.
Publication initiale le 7 octobre 2019.

L’équipe du studio DNEG a entamé la mise en ligne d’un making-of autour de la minisérie Chernobyl, qui retrace la catastrophe nucléaire de 1986.

Plutôt qu’un breakdown classique, le studio nous propose ici un échange entre Paul Franklin (directeur créatif du studio et superviseur VFX) et Max Dennison (superviseur VFX sur la série). Ce dernier souligne le traitement très « documentaire » des effets dans la série : le but était davantage de proposer une restitution de l’époque que de verser dans le spectaculaire pur. Par exemple, les images de la ville de Prypiat ont en fait été tournées en Lituanie ; DNEG a ensuite supprimé les éléments modernes comme les paraboles TV et réduit la taille de la cité, pour coller à l’échelle de Prypiat telle qu’elle se trouvait en 1986.
En ce qui concerne le réacteur, l’équipe a eu la chance d’avoir accès en Lituanie à une centrale de conception similaire à celle de Tchernobyl, ce qui a été une aide précieuse en termes d’authenticité. Un autre lieu de tournage, à l’extérieur de Vilnius (toujours en Lituanie), a servi à créer une véritable pile de débris. Enfin, l’équipe s’est aussi appuyée sur un modèle 3D basse définition de l’environnement de Tchernobyl qu’il a fallu détailler.

Dennison précise au passage que le choix a été fait de conserver des plans de caméra plausibles : il était hors de question d’avoir un point de vue flottant dans les airs, par exemple. Tout plan devait pouvoir avoir été filmé le jour de la catastrophe : les vues aériennes correspondent donc au point de vue des hélicoptères de la série, et les autres plans sont filmés au sol. Là encore, le but était de parvenir à un haut degré d’authenticité, d’évoquer le documentaire d’époque et non le blockbuster moderne.

La troisième partie de l’entretien s’intéresse au coeur du réacteur, un élément crucial des effets visuels mais aussi très délicat : comme l’explique le superviseur Max Dennison, ceux qui ont vu en détail le coeur après l’accident ne sont plus en vie, et ne peuvent donc témoigner. Pour gérer ces éléments, il a donc fallu s’appuyer sur la science et interpoler : par exemple, la température du coeur était telle qu’il ne pouvait y avoir de flammes : tout ce qui était en mesure de s’enflammer avait déjà été réduit en cendres au moment où la série nous montre le coeur. Il était par ailleurs essentiel de montrer la combustion des éléments en graphite et leur fumée carbonée, étant donné que cet élément intervient plus tard lors du crash d’un hélicoptère.
Au final, admet Dennison, une bonne part de l’apparence et du grading des éléments reste de l’ordre de la « supposition éclairée », les éléments scientifiques ne permettant que d’apporter des bornes visuelles imprécises.

Enfin, Paul Franklin (directeur créatif du studio et superviseur VFX) et Max Dennison (superviseur VFX sur la série) reviennent sur une séquence du dernier épisode : un immense cimetière de véhicules avec des engins ayant servi à la suite de la catastrophe, et désormais inutilisables car radioactifs.

Derrière ce plan qui pourrait sembler anodin, l’équipe a effectué de longs repérages pour trouver un terrain adapté, puis a cherché des véhicules d’époque. Ces derniers ont été utilisés lors des séquences filmées des autres épisodes avant d’être dispersés sur ce terrain, pour aider les artistes à gérer l’échelle et l’éclairage.
En ce qui concerne les modèles 3D ajoutés pour combler le reste du terrain, la photogrammétrie a été un outil très utile. Dennison précise qu’ici, la précision parfaite était inutile : si la sensation globale est bonne, la scène passe sans problème.

Au final, cet entretien en 4 parties nous donne un bon aperçu du processus créatif, avec des effets au service de la série volontairement ancrés dans le réel et l’époque des évènements pour renforcer l’aspect documentaire. On appréciera en particulier le sens du détail et la volonté de reproduire des éléments (comme l’échelle de la ville) qui n’aurais pas forcément choqué les spectateurs s’ils n’avaient pas suivi le réel au plus près : la démarche va donc bien au-delà du simple caractère plausible, pour se rapprocher (toutes proportions gardées) de la minutie d’une restitution historique.

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WeFX, spécialiste des gros félins

Par Shadows

Basé à Taïwan, le studio WeFX présente son travail sur le drama coréen Hotel de la Luna : un tigre réaliste. Ce type de créature est évidemment complexe à gérer, le grand public sachant parfaitement à quoi ressemble un félin de ce type, même en gros plan : une erreur de modélisation ou d’animation se voit donc facilement. Ici, le réalisme passe notamment par l’utilisaion de Ziva VFX pour simuler les muscles de l’animal.

WeFX a l’habitude de ce type d’exercice, à tel point que le studio a mis en ligne une bande démo spéciale sur les tigres :

Voici pour finir la dernière bande démo généraliste du studio :

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Exploring the Emotion and Beauty Behind Uplighting

Par Rubidium Wu

Uplighting is a great tool in any DP or gaffer's tool kit. Let’s look at the main ways uplighting gets used (and misused) in cinematography.

Exciting New Prospects for Lighting Your Future Set

Par Rubidium Wu

In the wake of the multiple announcements at this year's IBC, let's look at some of the newest and craziest lights about to hit the market.

Rodeo FX crée Rats, tentacules et corps fondus pour Stranger Things 3

Par Shadows

Le studio Rodeo FX, bien connu pour son travail d’effets visuels sur petit comme sur grand écran, est de retour avec pas moins de trois making-of. L’équipe n’a en effet pas chômé ces derniers temps, et a géré des effets impressionnants pour la saison 3 de la série Stranger Things. Attention, outre le fait que les effets de cette saison sont assez sanglants, les vidéos révèlent évidemment des éléments clés de l’intrigue.

Il a d’abord fallu gérer des environnements pour certains plans aériens, mettre en place des effets météo, mais aussi créer et animer des milliers de rats numériques… Et leur décès : comme vous le verrez dans la vidéo, les rongeurs subissent un traitement peu envieux et se transforment en créatures de chair…

Après les rats, place aux humains : au sein d’un hôpital, des humains subissent le même sort que les rats et donnent naissance à un monstre de chair repoussant. A noter dans le breakdown, une astuce de tournage : le monstre de chair étant virtuel, il était interprété sur le plateau par… Un comédien en costume moulant rouge, coiffé d’une sphère chromée.

Enfin, Rodeo FX a travaillé sur la bataille finale de la saison 3, dans l’épisode 22. Les personnages y affrontent une créature qui avoisine les 7 mètres de haut.

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Cyberpunk 2077 : les coulisses de la cinématique, en attendant la sortie

Par Shadows

CD Projekt Red, développeur et éditeur de jeux vidéo à qui l’on doit la saga The Witcher, planche activement sur son très attendu Cyberpunk 2077. Pour patienter d’ici la sortie PC et consoles fixée au mois d’avril 2020, le studio nous présente un aperçu vidéo des coulisses de sa bande-annonce de l’E3.

On appréciera doublement ce making-of, d’une part pour les éléments qu’il nous permet d’entrevoir (concepts, motion capture, modèles), d’autre part car il s’agit d’un cas rare où le studio client n’élude pas le nom de son prestataire : l’équipe Goodbye Kansas Studios est listée dans les crédits situés en fin de vidéo, de même que les acteurs de performance capture.

Voici par ailleurs la bande-annonce finalisée :

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Learn Francis Ford Coppola’s Signature Dolly Move

Par Rubidium Wu

Let's take a look at the dolly Francis Ford Coppola developed for some of his most revered films — and how it affected the overall aesthetic.

Method Studios et Keanu Reeves s’allient dans John Wick Parabellum

Par Shadows

Method Studios dévoile un aperçu de son travail impressionnant pour le film John Wick Parabellum, troisième opus de la saga portée par l’acteur Keanu Reeves.

Les artistes de Method ont manifestement été d’une grande aide pour ce dernier : ils ont géré de nombreuses morts (à l’arme à feu ou à l’arme blanche) parfois très sanglantes. Une grande part de leur travail s’est par ailleurs focalisée sur le verre : tout au long du film, de (très) nombreuses vitres sont cassées. Sans doute pour éviter d’avoir à réinstaller des vitres de cinéma entre chaque prise, par sécurité et pour fluidifier l’action, c’est du verre numérique qui est brisé.
Enfin, Method a aussi géré une impressionnante scène de course-poursuite en pleine ville, John Wick fuyant à cheval des motards qui cherchent à le tuer.

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The Video Camera Trends Currently Re-Shaping the Industry

Par Jourdan Aldredge

A look into how digital cameras are continuing to change the landscape of the film and video industry, both nowt and into the near future.

How to Shoot a Training Montage for a Sports Film

Par Rubidium Wu

Training montages are central to every sports film. In this video tutorial, we find out what goes into shooting a great one.

Director Nora Mandray on Using History to Understand the Present

Par Lyndsay Knecht

We spoke with director Nora Mandray about contextualizing history and keeping a complex political timeline vibrant and legible in short form.

Blood Machines : les premières images du film halluciné de Seth Ickerman

Par Shadows

Souvenez-vous : début 2019, nous vous avions présenté la campagne de financement participatif lancée par le duo de réalisateurs Seth ickerman. Deux créateurs dont l’univers visuel s’est notamment décliné par le passé au travers d’un impressionnant proof of concept de film, mais aussi du clip Turbo Killer de Carpenter Brut. Les caractéristiques du duo : ambiance années 80, science-fiction sombre, mais aussi une solide dose d’expérimentation et d’ingéniosité leur permettant de dépasser les éventuelles limites budgétaires qui pourraient les contraindre.

Leur projet de financement participatif, donc, avait pour but de finaliser une suite directe au clip Turbo Killer. Elle avait déjà été tournée fin 2017 mais la post-production restait à boucler. Un projet ambitieux puisqu’il s’agissait de donner naissance à un film de 50 minutes et pas à un simple clip.

Nous voici désormais à l’automne 2019, et l’équipe annonce que le projet est terminé. Il ne sera pas visible en ligne dans l’immédiat, puisqu’il doit d’abord faire le tour des festivals. En revanche, le studio d’effets visuels Trimaran a eu l’excellente idée de publier un breakdown d’une partie de son travail, qui donne un aperçu des images finalisées et de leur création. De quoi se plonger dans l’univers visuel très particulier de Seth Ickerman, quelque part space opera, trip halluciné et épopée mystique.

Pour être informés des projections en festival, n’hésitez pas à suivre Seth Ickerman sur les réseaux sociaux listés sur le site officiel.

Nous en profitons également pour vous re-proposer le clip Turbo Killer, suivi d’un proof of concept de long-métrage que Seth Ickerman avait dévoilé il y a déjà quelques années.

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Avengers: Endgame – 12 minutes de vidéo sur les effets visuels

Par Shadows

En ce début de semaine, les studios nous ont gâtés : Weta Digital, Framestore et Digital Domain ont chacun publié un breakdown de leur travail sur le film Avengers: Endgame.

Au menu, un déluge d’effets visuels à la hauteur de l’enjeu : rappelons que le film survient après pas moins de 22 longs-métrages reliés par un même univers.

Weta Digital, pour commencer, a géré la bataille épique du troisième acte, qui met en scène la quasi totalité des héros du Marvel Cinematic Universe. Une responsabilité de taille, donc, relevée avec brio par les artistes du studio.

Framestore, de son côté, a livré plus de 300 plans pour ce film. Le studio a géré plusieurs séquences clés et personnages, dont Hulk et Rocket Racoon.
Rappelons au passage que nous vous avions proposé une interview exclusive en compagnie d’Abdelkader Nouar, Creature FX TD au sein de l’équipe Framestore en charge du film.

Enfin, Digital Domain a notamment géré Thanos, l’antagoniste principal.

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Essential Advice on Producing Your Own Short Film

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The producer plays an important role in the filmmaking process. In this article, we'll take a look at the benefits of a dedicated producer.

Is Autofocus Finally Ready to Take The Filmmaking Field?

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Autofocus has long been a part of documentary filmmaking, at every budget level, since they often lack the budget for a dedicated focus puller.

From “True Lies” to “Die Hard”: Simple-Yet-Brilliant Costume Designs

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Here are two simple-yet-brilliant examples of how costume design can convey — and even dramatically transform — a character’s arc.

FIZ Systems (Focus, Iris, Zoom) and How to Use Them

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In this article, we take a look at the evolution and application of the FIZ system — including their unparalleled ability to control the camera remotely.

Les coulisses de Pawny, mini-extraterrestre de Men In Black: International

Par Shadows

Sony Pictures Imageworks dévoile les coulisses de la création de Pawny, le sidekick haut de quelques centimètres visible dans le film Men In Black: International.

Si ce dernier a essentiellement un rôle comique, il dispose néanmoins d’un passé : il est censé être un assassin galactique et un concepteur d’armes. Des éléments qui ne sont pas montrés dans le film, mais qui ont été utiles aux animateurs pour établir une personnalité.

Autre élément créatif utilisé : la performance de l’acteur Kumail Nanjiani, qui a joué des scènes avec un rig facial : de quoi donner des références utiles. Enfin, un modèle en impression 3D servait à créer des références de lighting sur le plateau.

Côté animation, il a rapidement été clair que le personnage ne pourrait pas marcher au sol : vu sa taille, aller à la vitesse des humains impliquait de le faire courir à des vitesses absurdes. D’où le choix du transport dans une poche.
Autre conséquence des proportions de Pawny : les éléments classiques d’animation ne suffisaient pas forcément à donner des mouvements crédibles, et il a fallu s’appuyer sur d’autres points de l’anatomie, comme des mouvements d’épaules.

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