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Claude Lévêque, Human Fly

Par superadmin
LiFE - Saint-Nazaire
26 Mai 2019 to 29 Septembre 2019
Human Fly

Artiste majeur de la scène contemporaine française, Claude Lévêque investit le LiFE à l’invitation du Grand Café. Ses dispositifs in situ, créés à partir d’un vocabulaire formel composé essentiellement de lumière et de son, mettent sous tension les lieux qui les accueillent et proposent toujours une expérience ambivalente, traversée par des sensations et des sentiments contraires.

  • 4 juin 2019 à 09:13

Soirée Électrons Libres. Matière audiovisuelle.

Par superadmin
Stereolux - Nantes
13 Juin 2019
Berlin, Germany, Robert Henke Atelier, Shape tests, January 2017, Photo by Robert Henke.

Depuis trois ans, le rendez-vous Électrons Libres explore la matière audiovisuelle sous toutes ses coutures : lumière, arts visuels, data et synthèse modulaire.

  • 4 juin 2019 à 09:48

Samstag aus Licht. Opéra de Stockhausen

Par superadmin
Cité de la musique / Église Saint-Jacques-Saint-Christophe - Paris
28 Juin 2019 to 29 Juin 2019
© Meng Phu

Samstag aus Licht (Samedi de Lumière) appartient au cycle de sept opéras auquel Stockhausen consacra tous ses efforts entre 1977 et 2003. Chaque opéra de Licht est dédié à un jour de la semaine, auquel correspond une planète et une organisation très stricte de la symbolique et du rituel.

Spectacle vivant
  • 4 juin 2019 à 10:08

Tscherkassky, Man Ray : cinéastes

Par superadmin
Centre Pompidou - Paris
19 Juin 2019

La critique radicale du cinéma narratif que réalise l’Autrichien Peter Tscherkassky trouve chez Man Ray et sa technique rayographique l’un de ses éminents prédécesseurs. La matière même du film, le photogramme travaillé, devient objet d’étude, de rêve et de cauchemar.

  • 4 juin 2019 à 10:14

Opus. Performance audio-visuelle

Par superadmin
La Scala - Paris
22 Juin 2019 to 23 Juin 2019

Peut-on danser sur la musique contemporaine ? Cette question incongrue de Matteo Franceschini l’incite à pousser la forme du « concert classique » vers le « dance floor ». Débutant comme une soirée de musique de chambre, Opus transforme peu à peu le récit musical et visuel, onirique et théâtral en pure scène électronique.

  • 4 juin 2019 à 10:19

Eror (The Pianist)

Par superadmin
T2G - Théâtre de Gennevilliers
06 Juin 2019
© Yiannis Soulis

Au cours de la crise financière qui frappa de plein fouet la Grèce, un tag est apparu dans les rues d’Athènes, fleurissant sur les murs et façades de grands immeubles. « Eror » (λάθως) noté avec une erreur d’orthographe. Un pianiste déguisé va répéter cette interjection lancinante dans un monde déserté : Eror.

Spectacle vivant
  • 4 juin 2019 à 10:24

Phonurgia Awards 2019. Appel à projets 2019

Par superadmin

Une fois l’an, avec l’aide de nombreux partenaires radiophoniques Européens, les Phonurgia Nova Awards distinguent les auteurs qui explorent le réel et l’imaginaire sonore. Accueilli par la BnF, le festival est un observatoire de la création sonore émergente.

  • 4 juin 2019 à 10:36

Une cabine de toilettes imprimée en 3D en seulement quelques heures

Par Mélanie R.

A  l’Université Technologique Nanyang à Singapour, une équipe de professeurs affirment avoir développé une petite cabine de toilettes imprimée en 3D en moins d’un jour : celle-ci comprendrait toilettes, douche, lavabo et miroir. Ce sont les murs en béton qui […]

How To Persevere

Par Daniel Brockett

Shooting crazy hours, in rain and in heat, pushing yourself to keep going. Shooting documentaries can be just as tough as scripted production.

Perseverance. A word that has been on my mind quite a bit lately. What does that word mean to you in relation to this crazy industry that we are a part of? To me, it is a watchword for what I do to be in this business, stay in this business and to grow in what I do and what I aspire to.

As you undoubtedly know, filmmaking takes perseverance. Besides the skill, luck and talent that it takes to actually produce a project, it takes sheer stubbornness and a modicum of determination to keep it going and take it over the finish line. Over the past few years, I have been the cinematographer for two different feature-length documentary films. In addition, I have been producing my own two documentaries with my producing partner, Tony Peck.

How To Persevere
“Ali & Cavett: The Tale of the Tapes” is a documentary that I began production on in late 2015 as a cinematographer. The film was only completed last year through the sheer determination of my friend who produced and directed it.

In 2015, a friend of mine who I worked with at a production company quite a few years ago decided that he had a great opportunity to produce a film about the life of Muhammad Ali. You might think to yourself, “That sounds interesting, but haven’t there already been several films made about Ali, both narrative and documentaries?” Why yes, there have been several films about Ali. I asked my friend the same question and his reply is what intrigued me enough to want to sign on to shoot the film with him.

My friend laid out the rules of the game to produce the film. He works with talk show host and all around bon vivant, Dick Cavett. His job is to put together and administer licensing deals for all of the footage that Cavett owns from the many iterations of his talk shows that were on various networks throughout his career. He knew through his work that Cavett and Ali were good friends in real life and Ali had been on Cavett’s shows eleven times and that most of that footage hadn’t been licensed out so much of it had not been seen since it originally aired in the 60s, into the 70s.

How To Persevere
“Ali & Cavett: The Tale of the Tapes” interview with author Thomas Hauser at a boxing bar just off of Times Square in NYC.

My friend decided that the Cavett conversations with Ali could serve as the basis for a fascinating documentary, not covering Ali the Boxer, but Ali the man. His upbringing. His “unpopular at the time” yet ultimately heroic decision to become a conscientious objector to the Vietnam War. His controversial conversion to Islam and subsequent name change from Cassius Clay to Muhammad Ali. His friendship with Malcolm X and relationship with Louis Farrakhan and the Nation of Islam. I was in, it all sounded pretty interesting and intriguing.

How To Persevere
“Ali & Cavett: The Tale of the Tapes.” Shooting an interview with Rev. Al Sharpton at his office.

Basically, my friend and I shot the entire film ourselves, mostly interviews in Los Angeles and New York with a lot of interesting figures. Malcolm X’s daughter, Ilyasah Shabazz. Rev. Al Sharpton. Juan Williams, author of “Eyes On the Prize” An expert on The Nation of Islam at West Point.

How To Persevere
“Ali & Cavett: The Tale of the Tapes.” Shooting an interview with Rev. Al Sharpton at his office—monitor screen of shot used in film.

The list went on and on. We shot interviews throughout most of late 2015, into the Fall of 2016. A few here in LA with Dick Cavett while he was out here on the west coast doing a play, also an interview with ESPN Boxing Commentator Larry Merchant. The film was financed solely by my friend out of his own pocket. He had relatively low costs since the two of us were really the main crew, only occasionally hiring a sound mixer or PA but there was all the travel from LA to New York and back. It took him about a year and a half to get the film edited, rights secured, stock footage licensed, a score composed, legal, color correction, grading, sound mix, DCP for exhibition. It all adds up.

I didn’t hear from the friend for quite a while, but then one day he called me and said that the film had been selected for exhibition at the 2017 South By Southwest Film Festival and that he had secured an agent to represent the film! May came and went and the film screened at the festival. A few months later, I spoke with the friend again and the film had been acquired by a major pay cable outlet and will screen on their channel.

My take away from the experience is that it takes a lot of time, blood, sweat and tears to achieve your goals with a film, video or television project. My friend will not be wealthy from selling the film to cable outlet but he will recoup his production costs and turn a nice profit. But keep in mind, he financed it out of his own pocket (huge risk) and put YEARS of his life into planning, writing, producing, editing and shepherding the film through the post process. He did have a partner in Mr. Cavett since he owns the rights to his shows, but the friend took almost all of the risk.

He completed the film and it’s going to be seen by the world because he was too stubborn to let the production just fall apart. It was difficult lining up interviews with some of the subjects and being that it was a documentary, he couldn’t pay the subjects so he had very little leverage to persuade the subjects to appear before our camera, other than it would be a chance for them to express their thoughts about Ali for posterity and as a kind of fond love letter for their friend. Ali was still alive when we were in production although he died shortly after we completed filming.      

How To Persevere
Screencap of an interview with Guinness World Record Holder and Outrigger Paddler Aimee Spector for our Docu-Series, “Year On The Water.”

I have been in production on my own documentary series on the lives of two women athletes. Both are Outrigger Paddling racers in Southern California. We began production on the film in 2016 and filmed all through 2017 and 2018. We set out to make a film about a sport that not many people in the mainland U.S. even know exists with a focus on two specific women. Along the way during filming, as we interviewed, followed and became more involved with the women’s lives, the story completely changed just as we were finishing shooting last year.

How To Persevere
Screencap of racing footage with Outrigger Paddler Courtney Hamchuk (left) for our Docu-Series, “Year On The Water.”

We had plans to go into post in January of this year but as the story of the two women’s lives evolved, we decided to shoot for another year to keep telling their stories and the monumental things going on in their worlds. One woman, Courtney Hamchuk, was diagnosed with Stage 2 Triple Negative Breast Cancer and the other woman we were following, Aimee Spector, decided that she was going to run her first ultramarathon in Florida, and then she’s going to the World Outrigger Championships in Australia later this year.It’s been difficult to continue filming for another year but the story demands it and it has required that both me and my co-producer find the time., money and drive to keep on shooting, keep working on a trailer we can shop for financing to complete the film. This project began as a micro-budgeted documentary, made largely with sweat equity but once we are finished shooting, we will need to raise approximately $100k to pay our editor, composer, color correction and grading, sound mix, DCP, legal, motion graphics and all of the other assorted functions that must be applied to end up with a polished, professional looking and sounding Docu-Series.

How To Persevere
“Year On The Water” producers Tony Peck (L) and Dan Brockett (R), shooting a race off of Dana Point, California.

As anyone who has produced and directed a film can tell you, if it were easy, everyone would be a filmmaker. Like most endeavors in life, it takes pain, blood, sweat and tears to cross the finish line. On top of that, it takes your talent as a storyteller and that faith that your project matters and that the story you’re telling will entertain, enlighten and inspire others.

How To Persevere
Screencap of drone shot of Outrigger Paddler Aimee Spector competing in the Keys 100 one hundred mile ultramarathon.

As I write this blog entry, I just returned from a five-day shoot, following Aimee Spector, one of our subjects as she ran in the, a 100-mile Ultra Marathon from Key Largo to Key West, Florida. If you’ve never shot in South Florida, we faced heavy rain, winds, blazing sun, mosquitos, sleep deprivation and general stress, I spent 30 hours in the support van without sleeping, hopping out to document her check points, following her in and running out with her with a camera. Documenting this woman running 100 miles in just over 22 hours was a living testimony to the power of sheer will and perseverance. It was her first Ultra Marathon and she finished number one in her age group, the 9th place women overall and the 21st place runner for the entire race. Hopefully, our Docu-Series will have a similar finish next year.

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  • 27 mai 2019 à 20:12

Editing Software

Par Michael Guncheon

The question of where editing software is going popped into my mind as I sat through press conferences and demos at NAB. (No, I promised my editor this wasn’t going to be another NAB recap.) Both Blackmagic Design and Adobe introduced new components to their edit software.

It got me thinking about all the editing platforms I have used—and continue to use—over the years. From the beginning of non-linear until today, there have been a lot of firsts, some revolutionary experiences and a lot of catchup.

Adobe’s subscription model is now seven years old. It was introduced in April of 2012. “Creative Cloud members will have access to application upgrades…including point-product features…as well as inventive new products and services as they emerge,” said the press release.

Is it working? Has it lived up to its promise? I guess it depends on what you think the promises were. And how their upgrade schedule fits into your upgrade schedule.

Daniel Brockett recently wrote about subscription editing and how it fits into (or doesn’t) his workflow. I feel some of his pain about getting projects done and the need for reliable software that is cost effective. 

As an example, I use Premiere Pro for many projects. I like some of the tools I can use to make fixes to footage, like tracking masks. However, I am not a fan of the philosophy of “just do all your effects work in After Effects and use dynamic linking.” Dynamic linking isn’t as stable as I would like. It can lead to project bloat and long startup times, and there are some simple tasks that I just want to do on the timeline.

I also do a fair bit of type in edit and would like the type tools to behave like other Adobe products—like Photoshop and After Effects—with interactive kerning and access to anti-aliasing controls.

But getting back to the subscription model pros and cons, my biggest question is about future development. In the non-subscription days, you bought software (though technically you still didn’t “own” the software) and you assumed that a percentage of the profit from your purchase would go into the development of that software. If sales were down, you assumed that the manufacturer would either drop the application or put more resources on it to make it more competitive.

With the current “one monthly fee” for a group of applications, how does the development money get divvied up? I pay about $640 a year. How much of that goes toward improving Premier Pro vs. Dreamweaver? If Adobe adds another application—say, a mobile editing application—but they don’t charge any more, does that mean there is less money being spent this year on the application I care about? And lastly, what are the applications that really aren’t worth keeping around?

I talked to Adobe about this when I was at NAB. They told me they can get anonymized data about application use by their Creative Cloud members. I assume they use that information to make some of those decisions about where to apply resources.

For me, subscription vs. non-subscription still boils down to whether I have the tools I need to get the project done. It also considers whether I am energized by the process. The latter is just as important, and it may be the reason I don’t use just one piece of software to edit. More on that next time.

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  • 27 mai 2019 à 21:01

Cine Gear Expo 2019: What To Expect

Par By Terry Sullivan

This year, we’ll again be attending Cine Gear 2019 Expo. The show takes place on the Paramount lot in Hollywood, California from May 30 through June 2. We’ll be there to check out what’s new in the world of digital cinema and production gear. What’s particularly nice about this show is that it’s a focused expo that targets filmmakers, instead of broadcasters and television production.

What to See at the Show

Here’s some of what will be taking a close look at this year’s expo:

  • Cutting-edge Trends: We’ll be reporting on what’s trending in film and video. For instance, what formats, lenses and workflows are attracting attention. We’ll also examine if filmmakers are still looking for the larger and heavier full-format cameras. We think some will be opting for smaller, lighter S35-imager cameras.
  • Improvements to Workflow: We’ll investigate if any products or services are improving workflows. That includes backup services, solid state drives (SSDs) and other tech. We’ll also see what manufacturers are repurposing older, existing products. We’ve seen some that are refitting older gear with newer, more efficient technology.
  • New Methods, Techniques and Markets: New products and accessories, like drones, aren’t just driving new ways of filming subjects, but they’re opening new markets in filmmaking, from science to travel. We’ll be sure to cover any emerging methods and techniques at the show, including trends in new media and VR.
  • Latest Cameras, Lenses, Lighting, Accessories and Other Gear: We’ll be sure to report on any announcements in filmmaking hardware, including cameras, lenses, lighting and more. We’ll also be on the lookout for any new rigs or gimbals that stand out as well as newer power supplies that allow you to use your camera or lights for a longer period of time. Plus, we’ll report on any software and apps we see on view.

Events & Awards

Additionally, we’ll also be covering the winners of this year’s Cine Gear Expo awards: We’ll find out which products and services are winners of the Cine Gear Technical Awards, the expo’s annual recognition of the products with the best of the industry’s technical advancements. Product categories include best camera technology, optics, lighting, support, sound and accessories. This year, the Cine Gear Expo has announced its Outstanding Technical Achievement award, which will go to “KinoFlo for the continuing advancement the brand has made to lighting technology.”

Additionally, the Legacy Award will be presented to “George Spiro Dibie, ASC, for his outstanding contribution to the art and generous service to the industry and Claudio Miranda, ASC, will receive the Visionary Award for his outstanding Cinematography.”

We’ll also report on winners of the Film Series, which will receive filmmaking equipment, including cameras, lighting and accessories from the sponsors of the competition. Last year, categories included Best Student Short Film, Independent Short Film, Commercial and Music Video and Award for Visual Excellence.

For more, go to the Cine Gear Expo website.

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  • 27 mai 2019 à 22:37

The State of 3D Printing 2019 : les professionnels ont davantage confiance dans l’impression 3D

Par Mélanie R.

Le service d’impression 3D Sculpteo publie la 5ème édition de son étude intitulée “The State of 3D Printing”, dressant un bilan complet du secteur de la fabrication additive dans le monde. 1 300 personnes ont cette année répondu au sondage, […]

L’Apple Watch Edition céramique

Par Pierre Dandumont

Dans les différentes versions de l’Apple Watch, les variantes Edition sont assez atypiques : plus onéreuses, mais pas meilleures techniquement. Et j’ai craqué pour une version céramique d’occasion.

Petit rappel, la première génération (« Série 0 ») est sortie en aluminium, acier et en or (18 carats). La seconde (Série 1 et Série 2) en aluminium (Série 1, Série 2), acier (Série 2) et céramique (Série 2). La troisième génération en aluminium, acier et céramique et la dernière (pour le moment) en aluminium et acier.

Ce que j’ai est une Série 2, 38 mm en céramique, sans le bundle. Il comprenait un booklet sur la montre, deux chargeurs (le classique et le modèle alternatif) et un bracelet sport adapté. Il possède un clou en céramique (et pas en acier comme sur les modèles classiques) et – surtout – est bicolore. Un blanc clair sur l’extérieur, gris à l’intérieur. C’est donc assez facile de voir les contrefaçons (genre là) chez certains vendeurs : ils sont rarement bicolores, justement.

Techniquement, pas grand chose à dire : c’est une Série 2 classique, plus rapide que la 0 mais moins que la 3 ou la 4 (oui, c’est évident). La coque en céramique est plutôt jolie, ça brille un peu sous la lumière, avec un reflet irisé. Comme l’indique ce petit test de l’époque de iGen, on sent un peu plus le passage de la coque à l’écran que sur les autres versions. Comme d’habitude, c’est une vitre en saphir sur la face avant et un capteur en céramique à l’arrière. Maintenant, quelques photos, face à une montre en acier (Série 0, 38 mm) et une autre en aluminium (Série 3, 38 mm).

C’est complètement un caprice (pas trop cher, heureusement) mais c’est assez joli et la sensation de qualité sur le produit est plutôt bonne. Après, ça ne vaut clairement pas le prix qu’Apple demandait (aux environs de 1 500 €) et même en occasion, le prix est souvent trop élevé. Enfin, si quelqu’un sait comment se procurer un bracelet d’origine sans mettre un rein dans la balance, ça m’intéresse. Même chose pour le booklet fourni.

Un nouveau studio pour l’Orchestre national d’Ile-de-France

Situés à Alfortville, les locaux de l’Orchestre national d’Ile-de-France ont été entièrement mis à jour et repensés autour du nouveau studio d’enregistrement intégré. © DR

L’Orchestre national d’Ile-de-France vient de réaménager et de repenser entièrement ses locaux autour d’un studio flambant neuf conçu pour l’enregistrement de musique bien sûr, mais aussi pour la musique à l’image et l’action culturelle. Un outil ambitieux, high-tech, qui vient servir les besoins de l’orchestre, mais affiche également l’ambition de relocaliser en France l’ensemble de la filière musique à l’image. Visite des lieux juste avant l’inauguration officielle…


Outre une refonte complète de l’acoustique des lieux, ce projet intègre un studio de mixage doté d’un monitoring multicanal Dolby Atmos et deux salles (335 et 104 m2) dont l’acoustique a été entièrement repensée tant pour l’enregistrement que les répétitions.

L’enregistrement et le mixage sont assurés par deux stations Avid Pro Tools et une station Pyramix, les trois stations étant contrôlées depuis une surface de mixage Avid S6. L’ensemble est architecturé autour d’un réseau Dante. Autre spécificité, le circuit de retour permet de gérer une centaine de casques pour l’audio, mais offre également la possibilité de diffuser des sources vidéo et informatiques.

Quelques jours avant l’inauguration par Valérie Pécresse, présidente de la région Ile-de-France, et en présence du compositeur Gabriel Yared, parrain du studio, nous traversons donc le périphérique parisien, direction Alfortville pour une visite guidée en compagnie de Fabienne Voisin, directrice de l’Orchestre national d’Ile-de-France (communément appelé l’Ondif) ; Alexis Labat, administrateur ; Philippe Vaidie, chef de projet ingénierie, ainsi que l’équipe de CTM Solutions qui était en charge de cette installation…



Stopper l’évasion

« Au delà de pouvoir répondre aux besoins de l’orchestre, tant pour l’enregistrement de musique que pour aider l’action culturelle et fournir les outils pédagogiques pour les écoles dans lesquelles l’orchestre se produit, ce studio a pour objectif de participer à la relocalisation de l’enregistrement de musique à l’image en France et en territoire francilien », lance Fabienne Voisin.

La directrice de l’Ondif revient sur l’historique de cette aventure : « Il y a quatre ans, nous avons constaté que même si la Région était championne dans l’accueil du tournage de films [la région IDF accueille 50 % des films français, ainsi que 40 % des films étrangers tournés en France, ndlr], les bandes-son de ces films étaient très majoritairement enregistrées dans d’autres pays européens, par exemple l’Angleterre avec Abbey Road, la Belgique ou les pays de l’Est. Nous avons alors mené une enquête pour comprendre les causes de cette véritable évasion qui poussaient réalisateurs et ingénieurs du son à aller travailler ailleurs. Au final, parmi les principales raisons, figuraient le manque de lisibilité sur le coût des offres françaises, un soi-disant manque de motivation des orchestres permanents français et le manque d’offres adaptées en matière de studio… »

La première étape fut donc de mener en interne une négociation de façon à ce que « le prix proposé englobe exactement la même chose que ce qui est offert à l’étranger et que les productions puissent repartir du studio avec la bande-son et les droits d’exploitation pour le film ou un disque éventuel… ».

Mais rapidement, le besoin de créer un studio adapté se fait sentir : « Il manquait aux ingénieurs du son un vrai studio, agréable, fonctionnel, moderne, en phase avec les besoins actuels. Aujourd’hui, les productions peuvent faire appel à l’orchestre ou travailler avec des formations externes, le but étant d’attirer une clientèle extérieure, sachant que le petit studio est très souvent libre et peut fonctionner en autonomie. D’autre part, comme l’orchestre passe 80 % de son temps à l’extérieur, le grand studio est également disponible. »



Ingénierie et acoustique

Une fois le cahier des charges établi avec le concours des professionnels du secteur, l’un des points clés dans la réalisation du projet repose sur le travail d’ingénierie, réalisé ici par Philippe Vaidie, intervenant en tant que consultant, et Philippe Le Gourdiol, responsable technique Audio pour CTM Solutions. Outre le prénom, les deux hommes ont en commun un passage par le studio musique, respectivement Marcadet et Guillaume Tel, au début de leur carrière. Ils ont déjà collaboré ensemble et ont le souci permanent de mettre la technologie au service des différentes demandes.

Autre sous-ensemble important, le travail sur l’acoustique des deux salles et de la partie studio, effectué en pointillé en fonction de la disponibilité des lieux, explique Alexis Labat : « Il a fallu jongler entre les répétitions. Dès que l’orchestre partait jouer à l’extérieur, il fallait démonter les praticables et remonter les échafaudages pour poursuivre les travaux. L’ensemble a démarré en septembre 2017 et s’est échelonné sur près d’un an. La conception acoustique de la cabine et des salles a été réalisée par Florian Louineau. L’idée était de repenser la grande salle pour qu’elle devienne à la fois un outil de répétition, mais aussi un studio d’enregistrement. Aujourd’hui, tout le monde constate un progrès significatif par rapport l’acoustique d’avant qui donnait trop et où les timbres se mélangeaient. Le rendu n’était pas adapté au travail de l’orchestre, d’autant plus que beaucoup de salles de concert ont des acoustiques assez mates. Aujourd’hui, on entend tout, la richesse des timbres, le hautbois, la harpe… Le son est très beau dans la salle et dans la cabine de mixage aussi. On peut dire que l’objectif est atteint. »

Philippe Vaidie ajoute : « Le pari était de trouver le juste compromis entre la précision des timbres pour l’enregistrement, tout en permettant aux musiciens de jouer confortablement. D’autre part, il fallait que les deux salles soient cohérentes acoustiquement. L’enregistrement de la musique de Minuscule 2 [Minuscule 2 : Les Mandibules du bout du monde, film d’animation à paraître début 2019, réalisé par Thomas Szabo et Hélène Giraud, musique de Mathieu Lamboley, ndlr] nous a permis de vérifier que l’on pouvait parfaitement superposer le son d’une pièce par dessus le son de l’autre. La fusion se passe bien ; elles s’insèrent parfaitement l’une dans l’autre. »



Le hi-tech au service de l’artistique

Conforme à la tendance actuelle, la préamplification et la conversion s’effectuent au plus près de la source pour ensuite voyager en numérique : « Les racks de préamplis/convertisseurs DAD AX32 sont directement placés au pied de l’orchestre de façon à raccourcir les câbles analogiques », confirme Philippe Vaidie qui constate après quelques séances : « Les préamplis sont excellents, on retrouve parfaitement le grain de tous les instruments, notamment celui des cordes. Nous les avons montés en flight-case de façon à pouvoir enregistrer à l’extérieur ou sur des prestations live. »

Autre spécificité du studio, la présence de deux stations Avid Pro Tools et d’une station Pyramix : « Historiquement Pyramix est préféré dans la musique classique, mais dès qu’on aborde des domaines comme la musique de film et le travail à l’image, c’est Pro Tools qui emporte les suffrages. Le challenge consistait à faire en sorte que toutes ces stations puissent être vues et gérées par une même surface de contrôle et c’est le cas avec la surface de mixage Avid S6. »

L’installation est effectivement riche en interfaces audio de marques différentes choisies en fonction de leurs spécificités. Ainsi, la préamplification/conversion est confiée à trois DAD AX32 limités ici à 32 canaux de façon à pouvoir atteindre sans risque les fréquences d’échantillonnage élevées, communément exigées en musique classique.

La prudence est également de mise concernant le transport des données audio reposant à la fois sur le Madi et le Dante : « Les trois interfaces DAD sont reliées en Madi optique vers le nodal tandis que les flux qui partent du studio vers les musiciens sont acheminés en Dante afin d’éviter tout risque de surcharge de la bande-passante du réseau Dante. »

Parmi les points particulièrement aboutis de l’intégration technique, figure également le circuit de monitoring casque capable de gérer jusqu’à 104 casques depuis Avid Pro Tools ou le petit mixeur Soundcraft externe : « Il n’y a aucune coupure du réseau casque si je passe d’une session à une autre et les balances restent parfaitement conservées… ».

À la demande des concepteurs, nous n’en dévoilerons pas plus sur cette prouesse technique qui permet de garder le contact avec les musiciens et le chef en toute circonstance, garantissant une meilleure fluidité et un meilleur confort durant les séances. « L’ergonomie du studio repose également sur l’étude de la partie KVM que nous avons menée pour pouvoir commuter rapidement entre les trois stations », ajoute Philippe Le Gourdiol.

En effet, grâce aux accords signés entre le fabricant de switch IHSE et Avid, la console S6 est à même d’envoyer les informations de configuration KVM directement via IP. Les changements de configurations clavier/écran/souris sont donc rapides, souples et peuvent être initiés en appuyant sur une touche de la S6 ou même sur un fader qui affichera par exemple l’écran de la station concernée.

Notons enfin le monitoring vidéo conçu là encore pour fluidifier le déroulement des séances : « Nous avons fait en sorte que tout le monde puisse se voir depuis la petite ou la grande salle, mais aussi dans la régie, avec un monitoring permettant la constitution d’écrans mosaïques, le tout dans un minimum de latence. Les retours vidéo peuvent également afficher la time-line de Pro Tools, bien utile pour le chef d’orchestre qui peut ainsi vérifier l’avancement de la séance avec les numéros de mesures et les valeurs de tempo en concordance avec ses partitions. » Un progrès indéniable en attendant la prochaine étape où les partitions numériques défileront synchrones avec la station audio, supprimant ainsi les habituels bruits de tourner de pages…



Un premier bilan positif

Livré le 6 août dernier, le studio, après une période de rodage, voit aujourd’hui ses premières séances arriver. Notamment l’enregistrement de disques pour les labels Harmonia Mundi, Ad Vitam, NoMad Music ou encore Deutsche Grammophon/Universal avec l’orchestre, mais aussi des musiques de films. Outre la bande-son pour le film Minuscule 2 déjà évoquée, citons la BO de Mon Inconnue (réalisée par Hugo Gelin pour Hamburger Records) et celle de The Sonata (réalisée par Andrew Desmond, musique d’Alexis Maingaud), auxquelles il faudra ajouter de nombreux autres projets si l’on en croit l’intérêt des productions et réalisateurs constatés lors de l’inauguration du studio le 17 octobre dernier. De beaux projets en perspective et un pari en voie d’être gagné…




• Philippe Vaidie : chef de projet ingénierie.

• Florian Louineau (Coreway) : architecte acousticien et conception structure cabine et salles.

• Serge Arthus : consultant Dolby Atmos acoustique et technique.

• Domenica Vaugan : architecte décoratrice.

• Alix Ewald et Mireille Faure : ingénieures du son consultantes.

• Marc Prada : coordinateur du fonctionnement du studio.

• Philippe Le Gourdiol (CTM Solutions) : ingénierie audio et installation du studio.




Composé de 95 musiciens permanents, l’Ondif n’est pas un orchestre symphonique tout à fait comme les autres : « Avec une centaine de concerts par an sur la région, l’orchestre est très impliqué dans l’action culturelle, et habitué à s’adapter aux scènes qui l’invitent », explique Fabienne Voisin.

Effectivement, entre la Philharmonie de Paris où l’orchestre est résident et donne sa saison parisienne, gymnases, théâtres, scènes municipales (et même dernièrement une ferme !), les lieux défilent mais ne se ressemblent pas.

Depuis les formations réduites de la musique de chambre à la musique symphonique nécessitant plus de cent musiciens, en passant par les petits formats regroupant une vingtaine d’instrumentistes, cet orchestre symphonique à géométrie variable a la capacité de s’adapter aux jauges et aux acoustiques des lieux d’accueil, le but étant de « partager sa passion en la plaçant à la portée de tous et de sensibiliser le public, notamment les enfants, de façon à ce qu’ils deviennent le plus possible sensibles à la musique classique. »




• Trois stations numériques Pro Tools A - HDX 2, Pro Tools B - HDX 1, 1 Pyramix. Nombreux plugs-in pour Pro Tools et Pyramix (Waves, UAD, Altiverb, Izotope Noïse Maker).

• Surface de contrôle et préamplificateurs, une surface de contrôle Avid S6 - 24 faders, trois interfaces audio MTRX, 96 préamplificateurs Digital Audio Denmark, (DAD AX32) en 96 kHz/24 bits, deux réverbérations Bricasti (M7).

• Interface et système de processeurs audio multi-canal Trinnov MC MADI 18 canaux, interface audio de monitoring analogique et numérique Merging Horus.

• Écoute et formats ATC, Meyer Sound, formats 5.1 à 15.1.

• Monitoring LCR ATC SCM 50 Custom, Sub ATC, Surround et Atmos Meyer Sound.

• Casques : 100 casques Beyer Dynamic DT102, 20 casques Beyer Dynamic DT100, une console soundcraft SI Expression1 (console annexe pour balance casques spécifique).

• Vidéo : Projection vidéo HD, Écran transonore de 3 mètres de base, lecteur Blu-Ray Oppo 205, grille de distribution vidéo HD, distribution de la valeur de la mesure et du tempo sur écran pour chef et orchestre, caméras et retours vidéo disponibles pour les deux studios et la cabine.

• Microphonie Neumann, Microtech-Gefell, Wunder Audio, Telefunken, Sennheiser, Schoeps, DPA, Royer Labs, AEA, AKG, Electro-Voice, Shure.

• Supports micros et pieds supports Grace Design pour Decca tree et arbre Surround, deux grands pieds Manfrotto pour Decca tree et arbre Surround, deux grands pieds K et M, barres Grace Design de couples stéréo, autres pieds en nombre suffisant pour couvrir les besoins d’un orchestre symphonique d’une centaine de musiciens.

• Nodal, cœurs de réseau (entreprise, Dante, métiers), KVM IHSE, grilles vidéo Blackmagic Design, déports informatiques et écrans.



CTM Audio, expert dans l’intégration de solutions pour la postproduction et les studios-son depuis plus de 30 ans, vient de lancer son nouveau site Internet ( entièrement dédié à l’audio pro. Vous y trouverez les dernières actualités concernant l’audio pro, ainsi que les promotions des différentes marques ; également, de nombreux guides d’achat, des offres produits et services et la présentation de plusieurs de ses installations.


Article paru pour la première fois dans Mediakwest #30, p.28/30. Abonnez-vous à Mediakwest (5 numéros/an + 1 Hors-Série « Guide du tournage ») pour accéder, dès leur sortie, à nos articles dans leur intégralité.  

  • 27 mai 2019 à 17:00

From “The Wizard of Oz” to “Transformers”: 100 Years of Color Grading

Par Darin Bradley

Since the early 20th Century, color has been an integral part of cinema. Here's how to recreate some of the most iconic trends in DaVinci Resolve.

Robe France recrute Terry Di Isernia, au poste de Responsable Régional

Par admin

Robe Lighting France vient de recruter Terry Di Isernia au poste de responsable régional pour développer les ventes dans le grand sud de la France.

Terry a commencé sa carrière en 2012 dans le domaine technique du spectacle où il a évolué très vite en enchaînant différents postes en lumière.
Opérateur lumière sur plusieurs évènements grand format dont le Festival des Lumières à Lyon et Dubaï, le French Business Council à Dubaï ou encore le National Day à Abu Dhabi.

Terry a ensuite décidé de donner un nouvel élan à sa carrière en devenant Technico-Commercial dans l’Audiovisuel :
« Robe Lighting est pour moi une suite logique à parcours, dit-il, je vais pouvoir marier mes différentes expériences passées et apporter du service et de la réactivité aux clients Robe. ».

Terry est joignable au 06 98 29 74 58 et par email :


Réparer plutôt que jeter, le concours de Dagoma et happy3D autour de l’impression 3D

Par Mélanie R.

La plateforme happy3D et le fabricant français Dagoma organisent un concours jusqu’au 30 juin “Réparer plutôt que jeter” qui vise à lutter contre l’obsolescence programmée en incitant les participants à réparer eux-mêmes ce qui est cassé plutôt que de systématiquement […]

Film & Video News Digest: Nancy Pelosi, Cine Gear Expo 2019 And More

Par By Terry Sullivan

On Friday, CNN and other news outlets reported on a doctored video of House Speaker Nancy Pelosi.

Fake News Files—House Speaker Nancy Pelosi Video:

This past Friday and over the weekend, cable news network, CNN, along with a number of other news outlets, including CBS This Morning, reported on a widely viewed manipulated video of U.S. Congresswoman and House Speaker Nancy Pelosi. On CNN’s website, reporter Donie O’Sullivan, wrote that the manipulated video was being “shared by some social media users to spread a false claim that House Speaker Nancy Pelosi slurred her words after meeting with President Donald Trump on Wednesday.” It was removed by YouTube, the company told CNN on Thursday.

Of course, professional photographers, videographers, DPs and cinematographers know how easy it is to change the playing speed of a video in video-editing software or a video app. So, in some ways, it’s not surprising such a video might appear on social media. However, according to many news outlets, although the video was quickly revealed as false, it’s been viewed by millions online and on social media.

Here’s a YouTube video from CBS This Morning news that shows clips of both the original video and the manipulated “deepfake” video: 


What to Expect at Cine Gear Expo 2019:

Cine Gear 2019 Expo is a tech show where filmmakers can check out what’s new in the world of digital cinema and production gear.

The show takes place later this week on the Paramount lot in Hollywood, California from May 30 through June 2. For more on what to expect at the upcoming snow, click here.


Inspiring Video—My Slow-Motion Cannonball:

I created this cannonball video last summer to show how cameras and phones can capture cool slow-motion video, a feature that’s relatively new to phones and cameras, but continues to improve. For this footage, I composed both the original music and the video edits all on my Apple iPhone 7—although I recently updated the text on my Apple MacBook Pro by airdropping the original project from my phone onto my desktop, and opening it in iMovie on my laptop. In the past, this sort of workflow would have taken a lot of time to create…and would have been very expensive.


Upcoming Film Grant Deadlines:

The following two grants for filmmakers have deadlines that are coming up soon, in July and August. Be sure to carefully read the submission requirements before you apply:

  • POV Call for Entries: POV is television’s longest-running showcase for independent non-fiction films. It accepts films in three different categories: Standard: For completed films & fine cuts. Early Introduction: For films still in production or development. Short: For films that are 35 minutes or less. The POV deadline is rolling, but to be considered for the 2020 POV season, entries must be submitted by Saturday, July 20, 2019. For more, go to
  • NEH Media Development Grants: The National Endowment for the Humanities (NEH) provides grants for film and television projects, which may be “single films or a series addressing significant figures, events, or ideas. Programs may be intended for regional or national distribution, via traditional carriage or online distribution.” According to the website, the program “supports documentary film, television, radio, and podcast projects that engage public audiences with humanities ideas in creative and appealing ways. All projects must be grounded in humanities scholarship in disciplines such as history, art history, film studies, literature, religious studies, philosophy, or anthropology.” The deadline to submit you application is August 14. For more, go to

Drone Safety: 

Drone manufacturer, DJI, says it will soon add airplane and helicopter detection technology to all its drones that weigh more than 250 grams, or 9 ounces. According to the company, “all new DJI drone models released after January 1, 2020 that weigh more than 250 grams will include AirSense technology, which receives ADS-B signals from nearby airplanes and helicopters and warns drone pilots if they appear to be on a collision course. This will be the largest single deployment of ADS-B collision awareness technology to date, and sets a new standard by putting professional-grade aviation safety technology in drones available to everyone.” For more on the technology, go to DJI’s website: 

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  • 28 mai 2019 à 17:38

Captation sportive : solution Hardware ou Software ?

Un terrain de hockey sur gazon est à peu de chose près aussi grand qu’un terrain de foot. Pour la réalisation, six caméras au total couvraient l’ensemble de l’aire de jeu. © DR

La production sportive se diversifie ; cependant, pour les disciplines en manque de reconnaissance médiatique, les budgets sont souvent limités. Nous avons testé deux dispositifs aux tarifs abordables. Le premier, distribué par JVC, repose sur une solution logicielle. Le second est constitué par un mélangeur plus classique signé Blackmagic Design.


Afin de réaliser un comparatif entre deux solutions aux philosophies différentes, il nous a semblé pertinent de tester les deux outils dans des configurations réelles de production. Sportside, plate-forme spécialisée dans le programme sportif, a bien voulu se prêter au jeu, en acceptant d’exploiter le matériel Streamstar de JVC et l’Atem Television Studio Pro HD de Blackmagic sur deux opérations aux budgets et aux objectifs assez similaires.

Il s’agissait en fait de filmer un match Élite du championnat de France de hockey sur gazon et une rencontre de la Pro A de tennis de table. Les deux évènements étaient diffusés en live streaming sur le site, puis remontés sous forme de magazines de 52 minutes, le premier pour France Ô, le second pour BeIN Sports.

Si, pour les deux productions, la taille du terrain n’est pas la même, et qu’il s’agit, d’une part, d’un sport collectif en extérieur et, de l’autre, d’une discipline individuelle en salle, le nombre de techniciens et de caméras était scrupuleusement identique.


JVC Streamstar pour le hockey sur gazon

Direction Vaucresson et la pelouse synthétique (humidifiée sur commande) du Stade français. En ce dimanche ensoleillé, c’est une équipe de six personnes qui est amenée à gérer de A à Z les opérations d’installation (et de désinstallation), mais aussi d’exploitation et de diffusion sur le net. Le groupe est composé d’un réalisateur (également chef d’équipement), d’un assistant, d’une personne dédiée à la gestion de l’audio et de trois cadreurs. Une quatrième caméra robotisée, davantage dédiée à des plans de Beauty, peut être manipulée via son pupitre de contrôle par l’assistant réalisation, par ailleurs déjà en charge de la gestion du scoring.

Le système tout-en-un du Streamstar se compose d’une sorte de mallette regroupant une unité centrale avec ses différentes connectiques et un écran vidéo intégré sur le côté. La version dont nous disposions pour cette production était un Streamstar Case710 permettant de relier six sources vidéo externes, en HD-SDI principalement. Nous avions adjoint simplement au matériel de base un second écran (en HDMI) pour le contrôle de la sortie programme.

« L’un des avantages de Streamstar est de pouvoir regrouper au sein d’une seule et même machine l’ensemble des outils nécessaires à la réalisation multicaméra, à son enregistrement, mais aussi à l’encodage et à l’envoi du live streaming », nous explique Claude Richard de JVC Kenwood. Claude et son collègue Pascal Granger nous ont en effet accompagnés dans la préparation du projet en nous consacrant notamment du temps pour la prise en main du système. Et c’est vrai que l’outil est complet.

Outre une interface étendue pour afficher les informations de score et autres logos des partenaires de l’événement, c’est surtout l’intégration des ralentis qui a retenu notre attention. Il ne s’agit pas là de faire une comparaison avec de très performants LSM, qui offrent naturellement un slowmotion de bien meilleure qualité, mais à un prix qui limite leur exploitation à de grandes productions. Il s’agit simplement de constater que les six sources caméras disponibles sur le streamstar peuvent être relues immédiatement dans un ralenti (paramétrable) tout à fait satisfaisant pour du streaming ! Pour notre remontage de 52 minutes destiné à une diffusion télévisée, nous avons préféré intégrer en postproduction des ralentis effectués par une unité Sony FS7 qui filmait intégralement le match de manière indépendante.

Pour cette production, nous étions équipés d’un ensemble de caméras de marque Sony et non JVC. Dommage, car il faut noter que les outils de prise de vue JVC peuvent être totalement contrôlés à distance à partir du Streamstar (iris, colorimétrie…).

Le mélangeur informatique proposé par JVC n’a pas rencontré de problème particulier tout au long de la diffusion du match (soit quatre quart-temps de 15 minutes auxquels il faut ajouter la mi-temps et les interviews d’après rencontre). Notons que le réalisateur était déjà relativement familier, non pas au système JVC, mais à d’autres outils informatiques dédiés au multicaméra. Son adaptation s’est faite rapidement et sans encombre.



Blackmagic ATEM pour le tennis de table

La compétition de Pro A de tennis de table se tenait, quant à elle, à la Kindarena de Rouen. L’équipe technique était identique (hormis le réalisateur) et les six caméras toujours des modèles FS5 et FS7 de Sony. La différence notable est que, cette fois, le mélangeur n’est plus « virtuel » mais bien hardware.

Nous avons choisi d’exploiter ce qui peut représenter l’un des outils les plus abordables du marché, à savoir l’Atem Television Studio Pro HD de Blackmagic Design. Notons que là encore des unités de prise de vue Blackmagic auraient assurément accru le niveau de contrôle à distance des caméras.

Cette fois, plus question d’un outil tout-en-un comme le Streamstar. Attention, cela ne signifie pas qu’un mélangeur « traditionnel » ne puisse pas être compact et complet. En effet, des matériels de type Data Vidéo, plus onéreux que les Blackmagic, incorporent, pour certains modèles, un écran, un enregistreur ou encore un encodeur pour le streaming. Mais dans la configuration que nous avons retenue, nous avons misé sur une architecture cette fois plus séparée, qui offre l’avantage de pouvoir s’associer à différentes marques d’outils. Chaque élément adjoint peut être sélectionné en fonction de son budget et de ses préférences d’utilisateur.

Dans notre cas, l’Atem était complété par un enregistreur Blackmagic, un encodeur Teradek et un écran unique pour la mosaïque des retours caméras et le programme. À cela, s’ajoutaient simplement une table de mixage audio Yamaha et un ordinateur Apple pour l’incrustation des scores et diverses infographies. Enfin, tout comme pour le Streamstar un système externe d’intercom reliait le réalisateur aux autres opérateurs, de même qu’un post-commentateur avait été loué chez Tapages & Nocturnes.

Le temps d’installation du dispositif est naturellement un peu plus long et l’encombrement légèrement plus important. Mais tout comme le produit JVC, l’ensemble du matériel utilisé (caméras et pieds compris) a voyagé dans un simple SUV avec deux personnes à son bord. Nous sommes loin des proportions et des coûts liés à un car régie, aussi compact soit-il. Là encore, avec le système hardware de Blackmagic nous restons dans une souplesse d’utilisation et de productivité. Multi-usage, l’Atem l’est également. En effet, l’ensemble du matériel exploité pour cette rencontre de tennis de table était la veille utilisé pour une simple convention d’entreprise.

« Ce qui est bien avec un mélangeur comme l’Atem, c’est que je retrouve les mêmes réflexes que lorsque je travaille sur un système bien plus important, comme un Kahuna. Bien entendu les possibilités sont moindres, mais suffisent amplement pour la plupart des productions à six caméras », résume Frédéric Laroche, réalisateur indépendant. Cette fois, c’est bien le côté plus habituel du monde du broadcast qui met tout de suite à l’aise le réalisateur.

Une fois configuré, l’ensemble mélangeurs et autres outils de la chaîne de production fonctionnent à merveille. Aucune mauvaise surprise n’est à signaler durant les quelque 2h30 de cette soirée de tennis de table.



Qui remporte le match ?

Les deux compétitions ont été diffusées avec succès sur Sportside, et les remontages ont permis également de belles diffusions des programmes de 52 minutes sur France Ô et BeIN Sports. Vous l’aurez compris, aucune des deux solutions ne prend le pas sur l’autre en termes de qualité du résultat final. Ce qui détermine le choix de la production repose finalement sur les souhaits du réalisateur. Ce dernier fait logiquement appel à l’environnement qui lui est le plus familier.

Pour schématiser, un réalisateur issu, ou disons, encore imprégné de l’environnement broadcast, retrouvera ses méthodes de travail traditionnelles avec un mélangeur Atem. Pour des professionnels qui viennent (comme c’est de plus en plus le cas) d’un univers informatique, alors le Streamstar sera tout à fait adapté.

Match nul donc pour deux bons produits aux technologies différentes mais qui, au final, fournissent un programme aux caractéristiques identiques, et cela avec des investissements matériels très limités.


Article paru pour la première fois dans Mediakwest #30, p.22/23. Abonnez-vous à Mediakwest (5 numéros/an + 1 Hors-Série « Guide du tournage ») pour accéder, dès leur sortie, à nos articles dans leur intégralité.

  • 27 mai 2019 à 17:00

Lœdens en route vers la postproduction 4K HDR

L’auditorium principal avec un projecteur 4K Sony, et surface de contrôle DaVinci Advances. © Lœdens Studio

Lœdens est un nouveau prestataire de postproduction qui se spécialise sur les contenus en très haute définition HDR (UHD, 4K, 8K). Parmi ses clients, des producteurs comme Amos Rozenberg qui, depuis plusieurs années, produit en 4K. Au final, une association de compétences de différentes entreprises qui aiment relever les défis technologiques au service de la création.


La nouvelle société de prestation technique Lœdens propose ses services de postproduction avec un axe fort sur la 4K et le HDR (HLG, HDR10+) sur du mastering, étalonnage, effets visuels, création de DCP. Le studio travaille beaucoup pour le marché du luxe, de la parfumerie, notamment pour Prada, Valentino. Il est l’aboutissement d’une collaboration de plusieurs années de ses deux fondateurs, Sofiane Benabdallah et Laszlo Chatelard, lesquels ont une formation dans la réalisation et le graphisme.

Travaillant avec de nombreux producteurs au fil des ans, passionnés de cinéma et de belles images au sens large, tous deux ont décidé de donner vie à leur rêve et créé de toutes pièces ce nouveau lieu dans le XVIIe arrondissement parisien, à quelques centaines de mètre de la place Clichy.


« Nous avons cherché pendant un an un lieu qui puisse accueillir notre projet, nous avons trouvé un ancien atelier en fond de cour et nous avons effectué six mois de travaux pour que le lieu soit fonctionnel, que nos clients et talents s’y sentent bien », nous relate Sofiane Benabdallah, cofondateur de Lœdens. Au final, un budget de plus d’un million d’euros (achat du site, rénovation, création des espaces et équipements) pour cette société qui prend le pari de la qualité.



Des équipements taillés pour les projets haute résolution

Le studio est à taille humaine, l’entrée fait penser à une galerie d’art avec sa déco minimaliste et ses affiches graphiques. Une fois poussée l’une des portes, on arrive dans un magnifique auditorium qui bénéficie d’une acoustique soignée. « Nous avons des voisins, et donc il nous a fallu créer une boîte dans une boîte pour isoler au mieux les nuisances sonores possibles lors d’une séance d’étalonnage ou d’une projection », insiste Sofiane.

L’auditorium mesure environ 50 mètres carrés, il fait également office de salle de projection et peut être loué à ce titre. Il comprend un projecteur 4K Sony SRXR510P (DCI), un écran micro-perforé de 5,5 mètres de base, d’une écoute Dolby 7.1. L’étalonnage se fait sur Resolve DaVinci avec un Advanced Panel. Le matériel cinéma a été installé par la société ADDE. Pour le reste du matériel, c’est la société Atreid qui a fourni les stations de travail SuperMicro. Des stations survitaminées car Lœdens Studio travaille sur des projets gourmands en termes de bande passante. L’auditorium comprend également un moniteur Sony BVM -X300/2 4K Grade 1 HDR 1000 nits. « Nous nous focalisons sur des projets en 4K HDR, et également en 8K sur lesquels nous venons de faire les premiers tests », précise Sofiane.

Le DaVinci est relié en SAN avec le nodal situé à l’étage supérieur. La salle sert pour de l’étalonnage de fictions et de films publicitaires, mais récemment Lœdens Studio a signé la postproduction du prochain Palma Show (BlagBuster Production) qui sera diffusé en prime-time pour TF1, et qui a été réalisé en 4K.


La seconde salle est orientée broadcast avec un écran de contrôle Eizo CG3145 Prominense 4K et un téléviseur LG Oled 65 pouces pour la vision finale. L’étalonnage se fait également sur DaVinci, mais avec un mini Panel.

Lœdens Studio propose également à ses clients des stations de montage Avid ou Adobe. Elles sont reliées au réseau SAN évolutif de 95 To permettant ainsi l’accès à tous les rushes en temps réel et ce, quelle que soit la résolution (4K et plus) et tout type de compression (ProRes, R3D, ArriRaw, DPX…).



Des producteurs engagés sur le 4K et 8K

Parmi les clients de la société, Amos Rozenberg qui a plusieurs projets en cours, au travers de ses deux sociétés (Rockstone Films et Paramax). Il vient de finir le tournage d’un long-métrage « Music Hole », tourné en Red Monstro 8K HDR et la série « Cooke S7 » plein format dont un prototype (18 mm ouvrant à 2). Le film, qui comprend de nombreux effets visuels, ne sera finalisé que dans plusieurs mois. Le long-métrage a été tourné en 25 jours et a nécessité 30 To de stockage (x 3 pour les sauvegardes). Les rushes ont été traités par PrestaFilms à Aix-en-Provence.

Pour tester la chaîne 8K, sur un format plus court, Amos Rozenberg a tourné un mini concert improvisé du chanteur Eduardo Ed Motta en 8K 60p. Le film a été tourné sur un bateau-mouche la nuit, juste avec un éclairage d’appoint, et le résultat est spectaculaire.


« Nous faisons de nombreuses captations de concerts en grand capteur avec des caméras Red en 4K depuis 5 ans. Nous voulions tester en avant-première le premier workflow 8K HDR, et l’image que nous obtenons est vraiment étonnante. Nous sommes des petites structures, mais grâce à cette collaboration avec Lœdens Studio et Sesama Films, nous pouvons tester grandeur nature les nouveautés technologiques. Nous sommes passionnés par l’innovation et nous voulons aller plus loin dans l’écriture pour ces nouvelles formes visuelles », s’enthousiasme Amos Rozenberg.

Sur le tournage de ce concert, un DIT déchargeait les cartes, copiait les médias sur des baies de disques durs, générait des proxys à la volée pour voir les images en temps réel. Paramax a produit des concerts dont l’image soignée a été saluée par la critique, notamment un concert de l’Orchestre Philharmonique d’Israël qui a été distribué en Blu-ray 4K HDR10. Autre projet, l’opéra Turandot, tourné à Torre del Lago en Italie.


Autre partenaire, la société Sesama, dirigée par Christophe Boula, spécialisée dans la location de caméras Red et qui a loué les caméras sur les différents projets d’Amos Rozenberg. La société, outre la location, fait de la production de documentaires, de la captation et également assure des services d’étalonnage, de mastering et de fabrication de DCP.

Lœdens, un nouveau studio de postproduction qui offre une gamme complète de services 4K, 8K en postproduction, mais également en effets visuels, à découvrir en 2019. 




• un serveur TigerServe1,

• une baie de stockage Accusys PCIe 3.0,

• deux stations de travail DaVinci Resolve SuperMicro Multi GPU,

• une salle principale avec surface de contrôle DaVinci Advanced,

• une salle secondaire avec Mini Panel DaVinci et référence Eizo CG-3145,

• une solution d’archivage des médias sur bandes LTO



Article paru pour la première fois dans Mediakwest #30, p.86/87. Abonnez-vous à Mediakwest (5 numéros/an + 1 Hors-Série « Guide du tournage ») pour accéder, dès leur sortie, à nos articles dans leur intégralité.

  • 27 mai 2019 à 17:00

Les solutions d’impression 3D métal de Renishaw au salon 3D Print

Par Mélanie R.

Le salon 3D Print Congress & Exhbition commence le 4 juin prochain à Lyon et rassemblera de nombreux acteurs de l’impression 3D en Europe. Renishaw fait de nouveau partie de la liste des exposants cette année : le fabricant anglais d’imprimantes […]

Le Nabaztag est de retour sur Ulule

Par Pierre Dandumont

J’en parlais il y a une dizaine de jours, le Nabaztag est de retour. Un projet Ulule (déjà financé) est en cours.

Le sujet est intéressant, et j’ai quelques trucs à dire sur l’orientation du projet.

Il a été lancé par un des créateurs du lapin (Olivier Mével) avec des anciens de Violet. Je ne vais pas vous refaire l’histoire du lapin, mais il a été lancé en 2005, a évolué en Nabaztag/tag en 2006, Karotz est sorti en 2011 (au lancement du blog, j’en parlais) et le tout a été abandonné en 2015. Le code des Nabaztag/tag a été mis en open source en 2011.

Le nouveau projet prend une voie intéressante : remplacer l’intérieur du lapin par une carte qui va commander les fonctions du lapin avec un Raspberry Pi. Le lapin (Nabaztag ou Nabaztag/tag) devient donc autonome et peut fonctionner sans serveur(s), un point important. Le montage semble assez facile et les fonctions au moins équivalentes à ce que proposaient les lapins il y a bientôt 15 ans (et oui). C’est open source ( et ), ça semble assez complet et vraiment, le projet remet le Nabaztag sur le devant de la scène et je trouve ça vraiment bien.

Olivier Mével et un Nabaztag noir

Maintenant, je bloque sur un truc. Le prix. La carte vaut 70 €. Le kit avec un Raspberry Pi et un tournevis adapté (les Nabaztag utilisent des vis triangulaires) vaut 90 €. je ne peux d’ailleurs que vous conseiller de prendre le kit avec le Raspberry Pi : ils utilisent le Zero WH (avec un header) et il y a peu de chances que ce soit le modèle que vous avez dans un tiroir. Pour tout dire, j’ai à peu près toutes les versions de Raspberry Pi à la maison… sauf celle là. Et franchement, 90 € pour remettre en marche un lapin mignon… c’est beaucoup.

Ce qui me gêne, c’est que l’intégration de la carte et du Raspberry Pi amène essentiellement une chose : le lapin ne va plus dépendre d’un serveur externe. Mais en pratique, on peut obtenir les mêmes fonctions en déportant le serveur sur un Raspberry Pi sans ouvrir le lapin et – surtout – sans la carte. Typiquement, on peut s’en sortir pour 10 € pour monter un serveur à la maison, sur lequel le lapin – sans modifications – va se connecter. Avec les Raspberry Pi de dernière génération, on peut même utiliser le Wi-Fi interne comme base, ce qui corrige le principal défaut des Nabaztag et des Nabaztag/tag, l’absence de solutions de sécurité modernes. C’est ce que je fais chez moi depuis 2013, sur une carte moins puissante que le Raspberry Pi Zero (c’est mon premier Pi, de 2012). Et on peut aussi utiliser des sites comme OpenJabNab.

En fait, la carte du projet corrige un problème qui n’en est plus réellement un. Je comprends très bien pourquoi les créateurs du projet ont fait ce choix, vu qu’ils viennent de Violet, mais pour moi, ce n’est pas une fin en soi de se passer de serveur externe. Après, je me répète, le projet est cool, j’ai commandé ma carte et j’espère qu’ils proposeront plus de choses que ce que les serveurs actuels offrent (et plus que ce que les Nabaztag faisaient à l’époque).

Huracàn-X, un tonnerre appelé Ayrton

Par admin

Premier projecteur Ayrton à atteindre les 1 000 W de leds, l’Huracán-X est un colosse de luminosité, bardé de technologies inédites dans la gestion des couleurs et effets.
Coincé sur sa stèle du Prolight+Sound, il a gardé secrets ses talents aux yeux du public. Yvan Péard, directeur du développement, a pris le temps de nous les livrer.

Le titan Huracán-X dévoilé en avant-première au Prolight+Sound

Yvan Péard : « L’Huracán c’est de l’horlogerie des temps modernes. Il est un peu plus gros, plus épais, plus large que Khamsin et utilise la base du Ghibli avec une alim de 1 400 watts. »

Avec 44 kg, un entraxe plus spacieux pour s’adapter aux nouveaux disques d’effets, une lentille de 178 mm et une taille qui dépasse les 80 cm de haut, l’Huracán est effectivement un géant chez Ayrton, mais reste comparable aux grands projecteurs à décharge connus du grand public.

Tout comme sa puissance, sa source native de 1 000 W de leds blanche et son refroidissement de compétition ont besoin de beaucoup d’énergie pour s’exprimer. Et ses 1 400 W de consommation électrique ne sont pas de trop pour délivrer le flux record annoncé de 50 000 lumens.

Mais loin de n’être qu’un canon à lumière, ce recordman bénéficie d’une gestion inédite de la couleur et des animations.

Yvan Péard : « Nous avons déposé un brevet sur ce système de mélange de couleurs soustractif complexe basé sur un mixage de couleurs CMY classique cyan, magenta et jaune avec l’ajout d’un système de mélange complémentaire de correcteurs de température de couleur CTO (O=Orange), CTB (B=Bleu) et CTP (P=Pink) ou Minus Green».

En clair, les trois drapeaux de trichromie classique CMY sont doublés avec leurs complémentaires : des correcteurs linéaires CTO, CTB et CTP (minus green). Pour bien comprendre ce système inédit de mix à 6 couleurs, la vidéo suivante permet de comparer les trois disques primaires et les trois correcteurs pastel.
Les teintes CMY sont remplacées en fait par du bleu azur, du violet et moutarde, permettant d’obtenir des mélanges rouge, vert et bleu très profonds en plus de doux lavis inédits. Chaque composante est filmée en dégradés progressifs sur vingt secondes.

Une roue de 6 couleurs très spécifiques termine ce processus complexe, ainsi que deux canaux DMX de couleurs préprogrammées en code E-Color, norme européenne commune pour les gélatines. Le premier canal E-Color est calibré visuellement en utilisant comme référence une découpe halogène équipée de la gélatine voulue, le deuxième en HMI 5600K. A chaque fois la valeur DMX sera identique au code couleur référence

Yvan Péard : « Nous allons mettre au point les algorithmes qui devraient permettre à des gens qui ont les triangles des couleurs sur leur console, GrandMA, ETC… d’exploiter à fond les possibilités de cette machine. C’est un système ambitieux, une des clés de l’Huracán, que l’on réserve à des machines haut de gamme. Pour ce faire nous utilisons les références E-Color en 3200K et lumière du jour 5600K. Un travail de titan ! »

Haut de gamme, c’est aussi le qualificatif à utiliser pour la gestion des gobos et effets. Sur les deux roues de 7 gobos verre HD rotatifs, 2 emplacements sont réservés à des cassettes interchangeables. Chaque cassette est composée d’un double gobo à rotation inversée, pour créer des projections 3D en jouant sur la focalisation.

Le tableau obtenu est hypnotique, avec ses pétales géométriques s’enroulant sans fin en arpèges de multiples teintes.

En supplément, deux prismes, un 4-facettes linéaire et un 5-facettes circulaire, sont ajoutés avant d’arriver sur deux nouveaux disques d’effets brevetés. Le premier est réservé aux animations graphiques complexes, la deuxième lance un véritable carrousel de couleurs.

Yvan Péard : « La roue d’effets à positionnement multiple permet de simuler l’eau, le feu, le soleil au centre et toutes les fuyantes… où on le souhaite.
Le but de cette invention est de positionner précisément cette roue d’effets dans le faisceau afin d’obtenir une multitude d’effets graphiques tels qu’un défilement horizontal, vertical ou axial avec possibilité de naviguer entre toutes ces positions. »

Si ces défilements continus d’animation sont amplement connus, avec un passage vertical marqué, il est plus rare de pouvoir l’utiliser à l’horizontal, et à notre connaissance jamais encore de façon circulaire.

Yvan Péard : « On a aussi une roue d’effets en verre, combinaison de Cyan Magenta Yellow qui se mélangent… On va pouvoir faire défiler de manière non focalisée les couleurs. Celles-ci pourront être mélangées avec les six couleurs du système de mixage pour faire apparaître et disparaître des couleurs. Une véritable explosion florale. »

Très Pop Art, les combinaisons possibles télescopent avec bonheur les effets typiques de bain d’huile des années soixante et le déconstructivisme géométrique des gobos choisis.

Pour parfaire ce tableau quasi idyllique, un iris, deux frosts et un système de quatre couteaux à fermeture totale sont intégrés avant la dernière pièce maîtresse de l’Huracán : un zoom impressionnant qui décuple le faisceau de 6.2° à 62°.

Ici en faisceau large !

Prévu pour l’automne, ce Profile représente la quintessence d’Ayrton, ou pour laisser les équipes d’Ayrton dire les choses plus franchement :

Yvan Péard : « Dans l’esprit c’est un Bad Boy*… capable d’envoyer le bois. On n’a jamais fait un truc aussi couillu ! »
*Bad Boy : projecteur culte et sans compromis inventé par PRG, utilisé exclusivement sur leurs opérations comme les cérémonies des JO ou l’Eurovision.

D’autres informations sur le site Ayrton et sur le site Axente


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Industry Interview: Miles Hankins — The Composer Behind “Long Shot”

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TC1 stopped viewing NDI sources in UI (works with studio monitor, same workstation)

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I've had this issue intermittently where my TC1 would no longer "see" NDI sources from our NC1 IO, unless I restart the NC1. Now, after running an update on the TC1, it no longer sees any NDI devices. It is, however, still connected to the previously selected source from the NC1 and is passing a/v from that source. If I exit the TC1 and open Studio Monitor, I see all NDI devices as expected. Does anyone have any ideas??? If it works with Studio Monitor, I'd think there aren't any OS settings interfering with this--seems the TC1 is at fault somehow.

I'm open to any suggestions.

NewTek Holoset

Par alejandro9999

It looks amazing.

I can't wait to create new content using Unreal Engine and NDI!!!

C'mon guys!! Please give us more information.

Quelle croissance pour le marché des filaments d’impression 3D ?

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Le cabinet d’études Ameco Research a publié une étude sur le marché mondial des filaments d’impression 3D : il prévoit que le marché passera de 255 millions à 1,189 milliards entre entre 2017 et 2024, soit un taux de croissance […]

Safari et le JPEG2000

Par Pierre Dandumont

Le saviez-vous ? Le JPEG2000 est pas mal utilisé sur Internet… avec Safari. Je suis tombé sur une page qui explique bien pourquoi : Akamai Image Manager envoie du JPEG2000 à Safari.

Le JPEG2000 est un codec qui permet de compresser les images plus efficacement que le JPEG classique, et sans une partie des artefacts de ce dernier. Il est rarement utilisé (enfin, je le pensais) mais se retrouve notamment dans le monde du cinéma : les DCP contiennent du JPEG2000. Et le service d’optimisation d’images d’Akamai utilise le JPEG2000… avec Safari. j’avais déjà remarqué que de temps en temps je récupérais des images en JPEG2000 (.jp2) sur certains sites, mais sans comprendre la raison. Mais c’est cet article sur Epiphany (un navigateur open source basé sur Webkit) qui m’a donné la solution. Par défaut, le service d’Akamai recompresse les images avant de servir les navigateurs, pour améliorer les temps de chargement. Safari reçoit du JPEG2000, Firefox du JPEG classique et Chrome du WebP (un format maison basé sur le codec vidéo VP8). La détection se fait sur l’User Agent (en gros, l’identifiant du navigateur) et donc le changer modifie le type d’image.

Le problème avec Epiphany sous Ubuntu vient du fait qu’il est détecté comme un Safari (logique) mais qu’il ne décode pas le JPEG2000 pour diverses raisons. Donc les images ne s’affichent pas. Pas mal de sites utilisent Akamai, vous pouverez tester avec Ikea ou Dell. Le simple fait de changer d’User Agent (menu Développement dans Safari) modifie l’image reçue.

Cette image (enfin, celle dans l’image) est en JPEG2000

Chez Ikea, une image en JPEG qui fait 162 ko passe à 123 ko en JPEG2000 ou en WebP. Chez Dell, le JPEG d’une image d’ouverture fait 244 ko, la même en JPEG2000 descend à 185 ko et 225 ko en WebP. Attention, le fonctionnement est un peu compliqué : dans tous les cas, l’image porte l’extension .jpg, même si macOS ajoute normalement l’extension .jp2 à l’enregistrement. Et macOS, par défaut, ne lit pas le WebP, il faut donc changer l’extension pour .webp et l’ouvrir avec un programme compatible (par exemple Pixelmator).

Une différence de taille intéressante

Si cette façon de faire permet de réduire la taille des pages avec un impact assez faible sur la qualité (même s’il existe), elle empêche par contre de jouer avec l’User Agent. Si vous forcez celui de Chrome, vous allez surtout recevoir des tas d’images que Safari ne peut pas afficher.