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Vivatech : Cenareo bientôt leader sur le marché de l’affichage dynamique…

Cenareo bientôt leader sur le marché de l’affichage dynamique… © DR

CityMeo, startup française qui développe une solution de gestion d’affichage dynamique intuitive et collaborative en mode SaaS a été rebaptisée Cenareo au début de l'année. On peut actuellement découvrir son offre sur le Stand Hewlett Packard Entreprise de Vivatech dans le Hall 1 du Parc des Expositions de Versailles...

 

Créée en 2012 par quatre ingénieurs, Cenareo, propose une technologie, ouverte, intuitive et résolument « usercentric », pensée pour permettre aux gestionnaires de parcs d’écrans de déployer facilement les stratégies de communication les plus inventives.

En phase d’hyper croissance depuis sa création, la société est déjà composée de 32 collaborateurs. Avec sa nouvelle identité, elle se donne l’objectif d’asseoir ses aspirations et de marquer son changement d’envergure…

 

« Avec déjà 8 000 écrans équipés dans 32 pays et un bureau à Munich, en Allemagne, nous avons l’ambition de devenir un leader mondial. Nous avons voulu jouer avec le nom Cenareo (prononcé “Scénario”) qui fait référence à la mise en scène pour appuyer nos objectifs et nous positionner en tant qu’acteur majeur pour donner vie aux histoires de nos clients », souligne David Keribin, CEO de Cenareo.

« Nous sommes prêts à accompagner davantage de communicants dans l’orchestration de leurs contenus, dans la création de leurs scénarios de diffusion et la théâtralisation des points de vente », complète Valérie Besnard, directrice de la communication de Cenareo.

 

 www.cenareo.com

RED et NVIDIA démocratisent les workflows 8K en temps réel

Par : Andrea

RED Digital Cinema lance le R3D SDK et l’application REDCINE-X PRO avec décodage et dématriçage accélérés sur les plateformes NVIDIA® CUDA.

En utilisant le décodage et le dématriçage intensifs des fichiers RED R3D sur un ou plusieurs GPU NVIDIA, la lecture en temps réel, l’édition et le rendu chromatique en 8K sont désormais disponibles.

Lors du processus de post-production, cette nouvelle combinaison logiciel/matériel offre plus d’efficacité et présente de nombreux avantages :

  • Lecture en 8K en temps réel, 30 ips ou plus, performances de lecture optimales.
  • Conversion jusqu’à 10 fois plus rapide, en fonction du format et du contenu.
  • Efficacité et contrôle de la qualité améliorés côté processus de vérification du contenu.
  • Liberté créative en utilisant des fichiers R3D flexibles au lieu de fichiers proxy.

Un technologie 8K performante est possible avec une carte graphique NVIDIA Quadro® RTX ™ 6000 et 8000, GeForce® RTX ™ 2080 Ti et TITAN RTX ™ et un PC à configuration standard.

Les créateurs peuvent obtenir des améliorations supplémentaires avec des configurations multi-GPU et même avec les cartes NVIDIA plus anciennes. De plus, les nouveaux ordinateurs portables dotés de cartes NVIDIA RTX proposés par les principaux fabricants, notamment Acer, Alienware, ASUS, Dell, Gigabyte, HP, Lenovo, Razer, MSI et Samsung, offrent une lecture en temps réel jusqu’à 8K et beaucoup plus de souplesse.

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Voces, instalación audiovisual inmersiva por playmodes

Voces es una instalación audiovisual inmersiva que toma como lienzo la arquitectura interior de la Fundición Mayor de la Fábrica de Artillería de Sevilla.

La voz de la ciudadanía, elemento clave de este nuevo espacio cultural, insufla nueva vida a esta arquitectura singular. Voz que se transforma en luz, estableciendo un diálogo entre la arquitectura y sus futuros habitantes, entre el pasado y el presente, entre distintas culturas, opiniones y credos.

Real Fabrica de Artilleria de Sevilla
17, 18, 19 de Mayo . De 21h – 0h

www.playmodes.com

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Visionarium Art Festival. 17 al 19 de Mayo en Vilafranca del Penedés

Este fin de semana el equipo de Vjspain se desplaza a Vilafranca del Penedés para asistir al Visionarium Art Festival. Un festival del que seguramente no hayáis oído hablar todavía, es el primer festival de este tipo en el mundo.

El Visionarium Art Festival es un evento dedicado al arte visionario, pensado para juntar artistas, decoradores y creadores visuales y poder crear, enseñar, exponer y aprender juntos durante tres días, y acercar este mundo al público en general. Se celebra del 17 al 19 de mayo, aunque hay también pases especiales de un solo día para los residentes en la provincia de Barcelona.

Se podrán en común diferentes expresiones de arte visionario: pinturas en lienzo, esculturas, instalaciones, video, proyecciones en 360º, sonido, hologramas o realidad virtual.

Algunos de los artistas que veremos:

Android Jones, uno de los artistas más aclamados de este género, presenta Samskara, una proyección inmersiva sobre un domo.

Ihtianderson, promotores del festival, artistas que llevan desde 2007 decorando los mayores festivales psicodélicos del mundo, innovando en cada instalación con nuevas técnicas jugando con transparencias y profundidades. Montarán la decoración del festival y expondrán sus lienzos.

Centaurus, uno de los mayores artistas actuales de string art.

Pascal Ferry, pintor Francés que ha expuesto sus obras por todo el mundo, con grandes influencias del arte místico y simbólico.

Julius Hursthuis, explorando el mundo de los fractales a través de animaciones y realidad virtual.

Luminokaya, que ha evolucionado a lo largo de 20 años a través de diferentes técnicas, como cine 4D, realidad virtual o escultura digital en vivo.

O Natural Warp, que lleva años explorando el arte digital psicodélico, últimamente también a través de video en 360º y realidad virtual.

Por nombrar algunos, pero aquí podéis ver muchos más.

Además, lo más interesante de este festival es la posibilidad de participar en diferentes talleres para compartir y aprender técnicas con los diferentes artistas, así como charlas, live painting y body art.

Todo esto acompañado de música étnica, instrumental, ambient, psychill y downtempo, con conciertos y actuaciones en vivo. En un entorno natural en la zona del Penedés.

Aquí podéis ver el video de presentación del festival:

Queremos visitar y vivir este festival como una nueva aventura dentro de la serie de festivales que nos rodean en el día a día. Un festival diferente a los que solemos ir y pionero en España, con un encanto especial por la localización y la temática tan basada en lo visual.

Agradecemos a la organización la invitación de conocer de primera mano el festival y poder contarlo a la vuelta. ¿Nos acompañáis?

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Un projecteur multivues 3D/4K chez Digital Projection...

Le Bell Museum utilise la technologie laser 4K de Digital Projection pour son planétarium ©DR

Jusqu’à présent, l’ensemble des solutions 3D avaient une limite majeure dans leur rôle immersif : tous les utilisateurs voient exactement la même image, le même angle de vue, indépendamment de l’endroit où il se trouve par rapport à la zone de projection.

 

Avec l’INSIGHT 4K HFR360, Digital Projection fait la preuve de l’étendue de son avance technologique par rapport à la concurrence en offrant enfin à l’industrie une expérience 3D entièrement immersive, interactive, mais aussi, collaborative...

La technologie de projection Multi-View 3D permet à un seul projecteur, doté d’une fréquence d’images ultra-rapide, de projeter les images pour plusieurs spectateurs et/ou utilisateurs sur le même écran. La position de chaque personne est « trackée » et chaque participant voit, grâce à ses lunettes, uniquement l’image calculée pour son propre angle de visualisation, ceci même s’il change de position. Les utilisateurs peuvent dans le même temps interagir entre eux et se voir dans un contexte collaboratif où le partage prime...

 

 

 

 

Mediation culturelle : le Centre Pompidou expérimente le podcast

Les podcasts du Centre Pompidou ©DR

Afin de rendre l’art moderne et contemporain accessible au plus grand nombre et de guider ses publics aussi bien dans les collections que dans les expositions temporaires, le Centre Pompidou adopte le format sonore et ludique du podcast...

 

Le podcast Les Visites du Centre Pompidou accompagne désormais de manière exclusive les parcours de visite, avec des contenus offrant au public de nouvelles approches et expériences de l'exposition (interviews de conservateurs, d’artistes ou de créateurs, immersions dans la conception des œuvres...). Le premier podcast sera disponible pour l'exposition Préhistoire, une énigme moderne à partir du 8 mai prochain.

Le Centre Pompidou enrichit par ailleurs sa collection de podcasts Un dimanche, une œuvre, rebaptisée Un podcast, une œuvre. Ces podcasts éclairent les œuvres et les artistes de la collection à travers le prisme d'un thème de société. Pour sa troisième saison, cette série explore les rapports entre art et féminismes.

 

Disponibles sur le site centrepompidou.fr/Podcasts, les podcasts du Centre Pompidou sont aussi accessibles en écoute et en téléchargement sur toutes les grandes plateformes de diffusion de podcasts ainsi que sur Deezer.

 

 

 Un nouveau format de parcours d'aide à la visite des expositions et du musée

À écouter chez soi, en mobilité ou in situ au Centre Pompidou, avant, pendant ou après sa visite, les podcasts Les Visites du Centre Pompidou réinventent le format d’écoute et se substituent aux audioguides classiques. Ces formats de 20 à 25 minutes sont notamment proposés pour les expositions des Galeries 1, 2 et 3. La narration est pensée par salle et non par œuvre afin de faciliter le déplacement et l’immersion du visiteur. Le premier podcast de parcours de visite Préhistoire, une énigme moderne plonge ainsi le visiteur au cœur de l’expérience temporelle proposée par l’exposition. Grâce au dialogue entre deux peintres, enfermés dans une grotte préhistorique, l'auditeur appréhende les réflexions sur le rapport entre l’art et la question de l'origine de l'humanité.

 

Les voix

 

La comedienne Elina Löwensohn

Elina Löwensohn est une actrice cosmopolite née en Roumanie, de nationalité américaine et vivant en France (Les Garçons sauvages, Un long dimanche de fiançailles, etc...). Elle traverse films, vidéos, photos et pièces de théâtre avec un goût prononcé pour la métamorphose. Son goût pour la performance l'a conduite à travailler avec certains plasticiens vidéastes tels que Marcelline Delbecq, Tom de Pékin, ainsi qu'avec le cinéaste Bertrand Mandico. Avec ce dernier, elle imagine également une série de 21 films sur 21 ans, fondés sur l’idée de la mise en abîme du rapport actrice-réalisateur. Les podcasts des prochaines expositions temporaires Préhistoire, une énigme moderne (Galerie 1, 8 mai - 16 septembre 2019) et Dora Maar (Galerie 2, 5 juin - 26 août 2019) sont portés par la voix d'Elina Lowensohn.

 

Les podcasters du « Bruit de l'art »

Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne sont deux jeunes historiens de l’art, co-fondateurs du podcast Le Bruit de l’art. Ils partagent tous deux la même curiosité pour l’art contemporain et l'ensemble de ses acteurs. Victoria Le Boloc’h-Salama est aussi membre de l’association Jeunes Critiques d’art et Florian Champagne, contributeur du magazine Revue. Après une première collaboration avec le Centre Pompidou dans le cadre du Bruit de l'art consacré à des designers, artistes ou conservateurs liés à la programmation du Centre Pompidou (matali crasset, Frédéric Migayrou et Yuki Yoshikawa, Hicham Berrada…), Victoria Le Bolloch-Salama et Florian Champagne, sont les voix des prochaines Visites du Centre Pompidou pour les expositions Galeries du 20e siècle (Musée, à partir du 22 mai 2019), Bernard Frize. Sans repentir (Galerie 3, 29 mai - 26 août 2019) ainsi que des expositions Takesada Matsutani (Galerie du musée), Ernest Mancoba (Galerie 0) et Sonja Ferlov Mancoba (Galerie d'art graphique) du 26 juin au 23 septembre 2019.

 

 

UN PODCAST, UNE ŒUVRE

 

Saison « Art et Féminismes »

4 Épisodes

L'émission Un podcast, une œuvre fonctionne par saison thématique autour de quatre œuvres: chaque mois, un épisode est diffusé pendant quatre mois. Chacun des épisodes aborde une œuvre des collections du Centre Pompidou à travers une grande question de société. Après deux premières saisons consacrées à la consommation et à l’utopie, Un podcast, une œuvre interroge en quatre épisodes les rapports entre art et féminismes: quelle est la place des femmes dans l’art ? Quelle est la capacité de l’art à bouleverser les mœurs et les modes de pensée ? Ces podcasts, qui peuvent être écoutés indépendamment d’une visite in situ, sont non séquencés et d'une durée de 15 à 20 minutes.

 

Les voix

Elsa Daynac 

Pour Un podcast, une œuvre la journaliste Elsa Daynac fait revivre d'anciennes archives sonores du Centre Pompidou en y mêlant des morceaux de musiques contemporaines, des interviews inédites et des points de vue inattendus. Les virgules sonores originales, conçues spécialement par la chanteuse Nawel Ben Kraiem et par Nassim Kouti, ponctuent cette immersion sonore dans les collections du Musée national d'art moderne.

 

Hors Série de l'Été, Les Rencontres d'Arles

Lydie Mushamalirwa

À l’occasion des 50 ans des Rencontres d’Arles, cette émission hors série d'Un podcast, une œuvre propose d’écouter l’œil de cinq photographes et d’interroger leur engagement social et politique à travers le thème de la frontière. Chaque épisode a pour point de départ une photographie ou une série de photographies appartenant aux collections du Centre Pompidou et réalisées par une artiste ayant participé aux Rencontres d’Arles. Susan Meiselas et Valérie Jouve comptent parmi les photographes présentées. Journaliste (RFI, Artistikrezo, Arte Radio..), Lydie Mushamalirwa vit et travaille à Arles.

 

 

Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

Par : greg

Je réponds ici à un étudiant qui me demandait : “Que pensez-vous des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) et cela change-t’il votre manière de voir les choses?”. Voici ma réponse. Disons que ce sont des technologies relativement anciennes en réalité. Je faisais du raytracing il y a 25 ans déjà et de la 3D temps-réel … Continuer la lecture de Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

Par : greg

Je réponds ici à un étudiant qui me demandait : “Que pensez-vous des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) et cela change-t’il votre manière de voir les choses?”. Voici ma réponse. Disons que ce sont des technologies relativement anciennes en réalité. Je faisais du raytracing il y a 25 ans déjà et de la 3D temps-réel … Continuer la lecture de Que penser des nouvelles technologies (ray tracing, procédural.…) ?

Caméra & Café Spécial Panasonic AG-CX350

Par : Andrea

Rejoignez-nous le vendredi 24 mai pour assister à une matinée dédiée à la découverte et à la prise en main de la caméra Panasonic AG-CX350. Le Caméra & Café #AGCX350, c’est également l’occasion d’échanger avec les experts Panasonic, notre équipe et de réseauter avec les autres participants. Et pour finir, une promo exceptionnelle vous est réservée !

La Panasonic AG-CX350 est une caméra de nouvelle génération, dotée de fonctionnalités de connectivité avancées pour les applications de diffusion web et de streaming. Cette caméra intègre un capteur MOS 4K haute définition et haute sensibilité de type 1.0, permettant d’obtenir une qualité d’image 10 bits et une résolution 4K ou FHD jusqu’à 50/60p sur une carte SDXC. Elle est aussi bien adaptée pour filmer de courts documentaires, des films étudiants, ou encore des événements d’entreprise.

Nous espérons vous retrouver nombreux !

Q/R sur mesure

Valeur pratique

Ambiance conviviale

Je réserve mon horaire

Points forts de la Panasonic AG-CX350

Capteur 1.0 ” 15Mpx, sensibilité F12 / F13
Prend en charge HLG et SDR
Zoom intelligent 32x et système hybride 5 axes
Écran LCD 3,2“ et viseur OLED
3 bagues de contrôle (zoom, mise au point, iris)
Fonctions d’enregistrement d’images 4K 60p 10 bits et HDR
HD Live Streaming pour connexion à Facebook et YouTube Live

Caméra & Café Spécial Panasonic AG-CX350

N’attendez plus pour vous inscrire et réservez votre place via le formulaire ci-dessous :

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[Promo] Jusqu’à 500 euros remboursés sur une variété de caméscopes Sony

Jusqu’au 31 juillet 2019, bénéficiez jusqu’à 500 euros remboursés sur une sélection de caméscopes Sony.

Au menu, on retrouve les caméras Super 35 FS7/FS7 Mark II et FS5/FS5 Mark II sur lesquelles vous pourrez profiter respectivement d’un remboursement de 500 et 400 euros.

Sur les caméscopes de poing, Sony vous fait bénéficier de 400 euros sur le PXW-Z280 et 300 euros sur les PXW-Z190 et PXW-Z150.

Enfin sur les caméscopes compacts, Sony propose un remboursement de 300 euros sur les PXW-Z90 et HXR-NX80 et 200 euros sur le PXW-X70.

Il y a de quoi franchir le pas pour renouveler son équipement !

Vous aurez jusqu’au 31 août 2019 (soit 1 mois après la fin de l’offre) pour demander votre cashback à Sony. Pour demander votre remboursement, munissez-vous de votre facture et suivez les procédures décrites après avoir cliqué ici.

 

 

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La Nurserie d'Audiens fait un appel à candidatures...

La Nurserie ©DR

La Nurserie, la « pépinière-incubateur » d’Audiens qui accueille et accompagne des entrepreneurs des secteurs des industries créatives et culturelles lance son appel à candidature.

 

Le dispositif :

  • Un espace de co-working au sein des locaux d’Audiens à Vanves.
  • Un accompagnement ponctuel en interne (juridique, financier et social).
  • L’accès aux espaces et services d’Audiens.
  • La participation au Réseau Culture & Innovation : évènements, rencontres professionnelles, outils de communication...

 

 Les start-ups précédemment accompagnées  : Artify -Vizity - Clic Muse - Linkaband - Elson - Okast - Nomadmusic - Brightzone - Toot sweet - Invidam - Rhythm and Town - Tracktl - Hirvi.

L’admission s’opère sur dossier. L’appel à candidature de la promotion 2019-2020 est ouvert jusqu’au 3 juin, pour une intégration au dispositif début juillet.

 

> Informations et dossier de candidature  

Taller de Gráfica Generativa. Dibujando con código

Par : neokinok
Data del taller: 
09/07/2019 - 17:00 to 12/07/2019 - 21:00
Inscripció: 
Oberta
Preu: 
50 €

Taller/// Gráfica Generativa. Dibujando con código

Dates del taller: 09 -12 de juliol 2019

Horari: 17:00- 21:00 hrs

Lloc : Carrer Tapioles 53, baixos. 08004 Poble sec

Introducció

La artista y tecnóloga creativa Alba G. Corral imparte este taller de introducción en el mundo de la gráfica generativa a través del uso de la herramienta Processing. Se trata de un lenguaje de programación y entorno de desarrollo integrado de código abierto basado en Java, de fácil utilización, y que sirve como medio para la enseñanza y producción de proyectos multimedia e interactivos de diseño digital.

Objetivos :

• Obtener conocimientos básicos en la utilización de la herramienta Processing
• Introducción a los primeros conceptos de programación
• Tener una base para poder profundizar en la creación visual o gráfica generativa
• Aprendizaje de la metodología de producción, utilización de los recursos en red para resolver dudas, aprendizaje autónomo y trabajo en grupo para la resolución de problemas y creación de piezas
• Aproximación al código visual y el arte digital enfocado al “art code”

PROGRAMA

Parte 1
-Introducción a Processing, el lenguaje de los bocetos digitales
-Recorrido por creaciones visuales y gráfica generativa
-La comunidad de Processing
-Instalación de la herramienta

Parte 2
-Primeras líneas de código. Interface
-Pocas líneas de código: grandes resultados. Sintaxis
-Aprendamos a hablar con la máquina y a controlarla
-Funcionamiento de modo continuo
-Dibujo Interactivo con el mouse
-Utilización de la libreria PDF
-Exportación del proyecto en vector para la impresión
-Extendamos Processing: Librerías
-Creación de un sketch visual
-Exportación de sketches

Dirigido a: Artistas visuales, diseñadores, programadores y toda persona interesada en el código visual y gráfica generativa. No se requieren conocimientos previos

Requerimientos: Traer un ordenador, ya sea MAC , Windows o Linux

BIO
Alba G. Corral (b. 1977 – Madrid) con base en Barcelona : Artista visual , desarrolladora de código y docente. Con formación en ingeniería informática, Corral ha estado creando arte utilizando el software durante la última década. Su práctica se extiende a través del vivo, vídeo, los medios digitales y la instalación. A través de diferentes prácticas artísticas explora narrativas abstractas. Su nombre se ha dado a conocer mediante sus actuaciones audiovisuales en vivo donde integra la codificación y la elaboración, en colaboración con músicos en tiempo real. En el marco de la docencia enseña programación visual enfocada a diseñadores y artistas en diferentes espacios tanto en charlas, talleres y workshops. Dedicados al código creativo con herramientas de software Libre (processing).
Es comisaria en el festival Eufònic."

http://blog.albagcorral.com

Inscripcions / Inscripciones / Registration

http://www.telenoika.net/tallers-2019

CATALÀ:

Objectius :

• Obtenir coneixements bàsics en la utilització de l'eina Processing
• Introducció als primers conceptes de programació
• Tenir una base per poder aprofundir en la creació visual o gràfica generativa
• Aprenentatge de la metodologia de producció, utilització dels recursos en xarxa per resoldre dubtes, aprenentatge autònom i treball en grup per a la resolució de problemes i creació de peces
• Aproximació al codi visual i l'art digital enfocat a el “art code”

PROGRAMA

Part 1

-Introducció a Processing, el llenguatge dels esbossos digitals
-Recorregut per creacions visuals i gràfica generativa
-La comunitat de Processing
-Instal·lació de l'eina

Part 2

-Primeres línies de codi. Interface
-Poques línies de codi: grans resultats. Sintaxi
-Aprenguem a parlar amb la màquina i a controlar-la
-Funcionament de manera contínua
-Dibuix Interactiu amb el mouse
-Utilització de la libreria PDF
-Exportació del projecte en vector per a la impressió
-Estenguem Processing: Llibreries
-Creació d'un sketch visual
-Exportació de sketches

Dirigit a: Artistes visuals, dissenyadors, programadors i tota persona interessada en el codi visual i gràfica generativa. No es requereixen coneixements previs

Requeriments: Portar un ordinador, ja sigui MAC , Windows o Linux

Alba G. Corral (1977 – Madrid) amb residència a Barcelona : Artista visual, programadora de codi i docent. Amb formació en enginyeria informàtica, Corral ha estat creant art utilizant software durant l'última dècada. La seva pràctica s'extén a través del directe, el vídeo, mitjans digitals i la instal·lació. A través de diferents pràctiques artístiques explora narratives abstractes.
EL seu nom s'ha donat a conèixer mitjançant les seves actuacions audiovisuals en viu on integra la codificació i l'elaboració, en colaboració amb músics en temps real.
Dintre del marc de la docència ensenya programació visual enfocada a dissenyadors i artistes en diferents espais tant en xerrades, tallers i workshops. Dedicats al codi creatiu amb eines de software lliure (processing) .
És comissària al Festival Eufònic."

http://blog.albagcorral.com

Inscripcions / Inscripciones / Registration

http://www.telenoika.net/tallers-2019

cicle-tallers

SELECTED PROJECTS AYA CONFERENCE 2019

Par : neokinok

RESOLUCIÓN AYA 2019
31 mayo - 2 junio, 2019




Título: La espiral de transmutación
Autor: Homem Gaiola (Brasil)

Tipo de obra: Instalación visual de LEDS
Descripción: LA ESPIRAL DE TRANSMUTACIÓN
La instalación hecha a partir de LEDs programáticos, tiene la estructura de una mandala tridimensional. Para crear el dibujo de la mandala se han realizado investigaciones acerca de diferentes tradiciones ancestrales como el candomblé, el chamanismo. También tiene referencias a matemáticos y filósofos de la historia como Pitágoras, Hermes y Kepler. La mandala en varias tradiciones espirituales se convierte en una herramienta para concentrar la atención de practicantes, un instrumento de orientación espiritual para establecer un espacio sagrado para la meditación y la inducción al trance.


L'Espiral de transmutació
La instal·lació feta a partir de Leds programàtics, té l'estructura d'una mandala tridimensional. Per a crear el dibuix de la mandala s'han realitzat recerques sobre diferents tradicions ancestrals com el candomblé, el xamanisme. També té referències a matemàtics i filòsofs de la història com Pitàgores, Hermes i Kepler. La mandala en diverses tradicions espirituals es converteix en una eina per a concentrar l'atenció de practicants, un instrument d'orientació espiritual per a establir un espai sagrat per a la meditació i la inducció al trance.


The spiral of transmutation
The installation made from programmatic LEDs has the structure of a three-dimensional mandala. In order to create the drawing of the mandala, research has been carried out on different ancestral traditions such as candomblé, shamanism. It also has references to mathematicians and philosophers of history such as Pythagoras, Hermes and Kepler. The mandala in various spiritual traditions becomes a tool to focus the attention of practitioners, an instrument of spiritual guidance to establish a sacred space for meditation and induction into trance.


espiral_de_transmutacion.png




Título: Somos Naturaleza
Autor: TkLab Grupo de investigación de Telenoika (Barcelona)
Tipo de obra: Mapping de objetos
Descripción: Somos Naturaleza es una propuesta que desarrolla el concepto de sabiduría y espíritu de las plantas. Es una travesía visual que pretende destacar la importancia de la naturaleza, a través de personajes y símbolos que mezclan el elemento humano con el vegetal, resaltando la importante relación de respeto e interdependencia que existe entre ambos. Se sumerge al público en una experiencia perceptiva, en la que las superficies de caras creadas a partir de impresión en 3d ganan vida.


Somos Naturaleza
Somos Naturaleza és una proposta que desenvolupa el concepte de saviesa i esperit de les plantes. És una travessia visual que pretén destacar la importància de la naturalesa, a través de personatges i símbols que barregen l'element humà amb el vegetal, ressaltant la important relació de respecte i interdependència que existeix entre tots dos. Se submergeix al públic en una experiència perceptiva, en la qual les superfícies de cares creades a partir d'impressió en 3d guanyen vida.


Somos Naturaleza
Somos Naturaleza is a proposal that develops the concept of wisdom and spirit of plants. It is a visual journey that aims to highlight the importance of nature, through characters and symbols that mix the human element with the vegetable, highlighting the important relationship of respect and interdependence that exists between them. The public is immersed in a perceptive experience, in which the surfaces of faces created from 3D printing gain life.


somos_naturaleza


Título: Sound of Lights
Autor: Naziha Mestaoui (Belgica) y Huni Kui Tribe (Perú)

Tipo de obra: Instalación visual interactiva
Website: http://nazihamestaoui.com/one-beat-one-tree/video/
Descripción: La obra Sonido de Luces es una colaboración artística de los artistas de la tribu Huni Kuin de Amazonia (Mahku), con la artista digital Naziha Mestaoui, y está pensada para conectar la tecnología y el conocimiento ancestral para dar a conocer el invisible y crear una experiencia sensible. La instalación reproduce las diferentes facetas de las vibraciones que conforman nuestra realidad: sonidos, luz, materia, energía, emociones.


Sound of Lights
L'obra Sound of Lights és una col·laboració artística dels artistes de la tribu Huni Kuin d'Amazònia (Mahku), amb l'artista digital Naziha Mestaoui, i està pensada per a connectar la tecnologia i el coneixement ancestral per a donar a conèixer l'invisible i crear una experiència sensible. La instal·lació reprodueix les diferents facetes de les vibracions que conformen la nostra realitat: sons, llum, matèria, energia, emocions.


Sounds of lights
The work Sounds of Lights is an artistic collaboration between the artists of the Huni Kuin tribe of Amazon (Mahku) with the digital artist Naziha Mestaoui, intended to connect both the technology and the ancestral knowledge to show the invisible and create a sensitive experience. The installation unfolds the diversity of vibrations that build our reality: sound, light, matter, energy, feelings.


naziha_mestauoi




Título: Invisibles
Autor: Tklab. Grupo de investigación de Telenoika (Barcelona)

Tipo de obra: Instalación visual interactiva
Descripción: La instalación es un homenaje a las tribus no contactadas de la selva amazónica. Muchos pueblos tienen que desplazarse por el avance del progreso en su habitat. Se alejan de los límites de la nada, de la destrucción de la naturaleza. Otros pueblos contactados han sufrido grandes catástrofes y múltiples muertes a causa de enfermedades desconocidas transmitidas por los foráneos. La instalación quiere representar las miradas observadoras de los pueblos originarios desde los límites de la selva no domesticada. “Hasta que no se tale el último árbol del Amazonas, los pueblos invisibles no desaparecerán del planeta”. El espectador al visitar la instalación, es parte de ella, y interactua con ella, a través de sensores de movimiento y de ruido, que previenen a los habitantes de la selva de los peligros de las presencias extranjeras, poniendo en guardia todo el ecosistema.


Invisibles
La instal·lació és un homenatge a les tribus no contactades de la selva amazònica. Molts pobles han de desplaçar-se per l'avanç del progrés en el seu hàbitat. S'allunyen dels límits del no-res, de la destrucció de la naturalesa. Altres pobles contactats han sofert grans catàstrofes i múltiples morts a causa de malalties desconegudes transmeses pels forans. La instal·lació vol representar les mirades observadores dels pobles originaris des dels límits de la selva no domesticada. “Fins que no es tali l'últim arbre de l'Amazones, els pobles invisibles no desapareixeran del planeta”. L'espectador en visitar la instal·lació, és part d'ella, i interactua amb ella, a través de sensors de moviment i de soroll, que prevenen als habitants de la selva dels perills de les presències estrangeres, posant en guàrdia tot l'ecosistema.


Invisibles
The installation is a tribute to the uncontacted tribes of the Amazon rainforest. Many people have to move because of the progress of their habitat. They move away from the limits of nothingness, of the destruction of nature. Other people contacted have suffered great catastrophes and multiple deaths due to unknown diseases transmitted by outsiders. The installation wants to represent the observing eyes of the native peoples from the limits of the non-domesticated forest. "Until the last tree of the Amazon is cut, the invisible peoples will not disappear from the planet." The viewer, when visiting the installation, is part of it, and interacts with it, through motion and noise sensors, which prevent the inhabitants of the jungle from the dangers of foreign presences, putting the whole ecosystem on guard.


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Sección Proyectos VR



Título: El Eterno Canto de Olivia Arévalo
Autor: Josecarlos Flórez Garcia (Perú)
Tipo de obra: Instalación inmersiva
Duración: 15 min.
Website: http://josecarlosflorez.com/el-eterno-canto-de-olivia-arevalo/
Descripción: El Eterno Canto de Olivia Arévalo es un proyecto audiovisual e inmersivo que nace con la idea de darle eco a la voz de Olivia Arévalo, sábia indígena, onaya, sanadora de plantas medicinales y difusora de los Íkaros o "Cantos Sagrados" de la comunidad amazónica Shipibo-Konibo, que falleció en el año 2018.


L'Etern Canto d'Olivia Arévalo
L'Etern Canto d'Olivia Arévalo és un projecte audiovisual i immersiu que neix amb la idea de donar-li eco a la veu d'Olivia Arévalo, savia indígena, onaya, guaridora de plantes medicinals i difusora dels Íkaros o "Cantes Sagrats" de la comunitat amazònica Shipibo-Koniko, que va morir l'any 2018.


The Eternal Song of Olivia Arévalo
The Eternal Song of Olivia Arévalo is an audiovisual and immersive project born with the idea of echoing the voice of the indigenous wise Olivia Arévalo, onaya, healing of medicinal plants and diffuser of the Íkaros or "Sacred Songs" of the Amazonian community Shipibo-Konibo. She died in 2018.





Título: RHESUS
Autor: Error 43 (Portugal)

Tipo de obra: Instalación inmersiva
Website: www.error-43.com/docs/rhesus
Descripción: Rhesus, es el nombre de la especie del primate Sam (Macaca mulatta), que se envió al espacio en 1960 y se ha utilizado en múltiples macetas de laboratorio, por su similitud con los humanos. Esta situación ha hecho que hoy se encuentre dentro de la lista de animales en vías de extinción. Rhesus explora la relación existente entre los hombres y el ciberespacio con un ‘display’ de diferentes tecnologías, VR, leap motion y proyección, que interactúan entre ellas y los usuarios, transformando orgánicamente el espacio donde está ubicado.  Como antítesis de la situación de los Macaca Mulatta, Rhesus quiere explorar las diferentes formas de crear espacio simbiòticament entre la tecnología y los humanos.


Rhesus
Rhesus, és el nom de l’espècie del primat Sam (Macaca mulatta), que es va enviar a l’espai l’any 1960 i s’ha utilitzat en múltiples tests de laboratori, per la seva similitud amb els humans. Aquesta situació ha fet que avui es trobi dins la llista d’animals en vies d’extinció. Rhesus explora la relació existent entre els homes i el ciberespai amb un ‘display’ de diferents tecnologies, VR, leap motion i projecció, que interactuen entre elles i els usuaris, transformant orgànicament l’espai on està ubicat.  Com a antítesi de la situació dels Macaca Mulatta, Rhesus vol explorar les diferents formes de crear espai simbiòticament entre la tecnologia i els humans.


Rhesus
Rhesus, is the name of the primate species Sam (Macaca mulatta), which was sent to space in 1960 and has been used in multiple laboratory pots, because of its similarity with humans. This situation has made it today in the list of animals in danger of extinction. Rhesus explores the relationship between men and cyberspace with a 'display' of different technologies, VR, leap motion and projection, which interact with each other and users, organically transforming the space where it is located. As an antithesis to the situation of the Macaca Mulatta, Rhesus wants to explore the different ways of creating symbiotic space between technology and humans


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Título: “Ayahuasca - Kosmik Journey”
Autor: Jan Kounen (Francia)
Tipo de obra: Película inmersiva.
Duración: 18 min.
Website: https://www.diversioncinema.com/ayahuasca
Descripción: Una experiencia visionaria a través de los reinos de las plantas medicinales, dirigida por el curandero tradicional de los Shipibo en la selva amazónica. Esta experiencia asombrosa es un viaje a través de una de las prácticas espirituales más misteriosas del planeta: la ayahuasca, la vid del alma y cómo encontrar su espacio interior. Experimenta la magia y el poder curativo de ayahuasca.


Ayahuasca - Kosmik Journey
Una experiència visionària a través dels regnes de les plantes medicinals, dirigida pel chaman tradicional dels Shipibo en la selva amazònica. Aquesta experiència sorprenent és un viatge a través d'una de les pràctiques espirituals més misterioses del planeta: la ayahuasca, la vinya de l'ànima i com trobar el seu espai interior. Experimenta la màgia i el poder curatiu de ayahuasca.


Ayahuasca - Kosmik Journey
A visionary experience through the realms of the medicinal plants, led by indigenous Shipibo traditional healer in the amazon rainforest.This mind blowing experience is a voyage through one of the most mysterious spiritual practices on the planet: Ayahuasca, the vine of the soul, and how to find your inner space. Experience the magic and healing power of ayahuasca.




Título: Awavena
Autor: Lynette Wallworth (Australia)
Tipo de obra: Película inmersiva.
Duración: 17.50 min.
Website: http://www.awavenavr.com/
Descripción: Awavena se elabora por invitación y en íntima colaboración con los yawanawa durante una época de peligro y potencial para su gente, su bosque y los ecosistemas conectados que impulsan el planeta. La película apunta a no provocar empatía por los yawanawa, sino que es un regalo de ellos, para aquellos que visitarán virtualmente su bosque y recibirán esta transmisión, un regalo que esperan que cambie nuestra conciencia, cambiando la forma en que percibimos el mundo y las decisiones que tomamos.


Awavena
Awavena s'elabora per invitació i en íntima col·laboració amb els yawanawa durant una època de perill i potencial per a la seva gent, el seu bosc i els ecosistemes connectats que impulsen el planeta. La pel·lícula apunta a no provocar empatia pels yawanawa, sinó que és un regal d'ells, per a aquells que visitaran virtualment el seu bosc i rebran aquesta transmissió, un regal que esperen que canviï la nostra consciència, canviant la forma en què percebem el món i les decisions que prenem.


Awavena
Awavena is made after the invitation of the Yawanawa, and made in intimate collaboration with them, the during a time of both peril and potential for their people, their forest, and the connected ecosystems that drive the planet. The aim of the film not to provoke empathy for the Yawanawa but is rather a gift from them, to those who will virtually visit their forest and receive this transmission — a gift that they hope will shift our consciousness, changing the way we perceive the world and the decisions we make.

Taller /// Live AV//Festival Seco

Par : neokinok
Data del taller: 
23/04/2019 - 16:00 to 11/05/2019 - 20:00
Inscripció: 
Tancada
Preu: 
60 €

Dates:  23-24, 26-27 d’abril. 7-8 i 11 de maig de 2019

Horari: 17:00- 21:00 hrs

Lloc: Porta Roja, Carrer de Tapioles, 53, baixos 08004 Poble Sec

Dia 11 de maig: Presentació conjunta dels treballs dels participants del taller. Plaça de les Tres Xemeneies durant els concerts del Festival Seco de música interurbana y artes visuales. (https://www.festivalseco.com/)

Docents : Blanca Rego / Alba Corral / Ricardo Cançado (Vj Electroiman) / Diego Suárez (Not Me) / Xevi Gibert / Vj
Spetto / José Carlos Florez / Neokinok /EasyKL vj

Taller /// Live AV//Festival Seco

cicle-tallers

Sons 3D à l’Abbaye

Le son 3D (ou binaural) permet de jouer avec l’espace et d’enrichir une narration. La voix devient un personnage romanesque qui entraîne le visiteur dans une épopée très évocatrice. © Julien Helaine-Narrative

À la croisée de la musique, du patrimoine et de l’histoire, le programme de médiation numérique et sonore de l’Abbaye aux Dames à Saintes est un modèle du genre.

 

Haut lieu de l’architecture romane dédié à la musique (avec son célèbre festival de musique baroque, son conservatoire et son orchestre), l’Abbaye aux Dames à Saintes (dirigée par Odile Pradem-Faure et Frédéric Saint-Pol) désirait attirer de nouveaux publics pour les embarquer dans des expériences à la fois sensorielles et musicalement actives.

Baptisé « Musicaventure », l’ambitieux programme de médiation élaboré en 2015, qui court jusqu’en 2022, a donné lieu à la création de dispositifs tout à fait originaux comme les Voyages sonores, les Concerts spatialisés et le Carrousel musical.

Premier volet développé par l’agence d’ingénierie culturelle Aubry et Guiguet (AG Studio) avec Narrative et Modulo Digital (en charge depuis une dizaine d’années du développement digital de la Cité musicale), les deux parcours d’interprétation, intitulés Voyages sonores, ont misé sur le son spatialisé et « augmenté ». Exemplaires pour la simplicité de leur interface (un casque stéréo et un guide multimédia), la justesse de leurs scénarii et la parfaite maîtrise de leur réalisation, les Voyages sonores, en service depuis deux ans, continuent à remporter un vif succès auprès du public (13 000 visiteurs en 2017).

 

 

Voyages en son 3D

L’enjeu était de narrer l’histoire de l’Abbaye aux Dames au travers de la musique (depuis sa fondation au XIe siècle) et d’immerger le public dans des narrations sonores, puissantes et « augmentées » par un son binaural (ou son 3D) restitué au casque. « Le son 3D impacte fortement l’imaginaire en révélant l’invisible », rappelle Cécile Cros, cofondatrice avec Laurence Bagot de l’agence multimédia Narrative. « Le patrimoine devient alors le décor d’un récit mêlant émotions et connaissances. »

Dans les deux voyages sonores proposés à Saintes, Le Voyage initiatique et Le Voyage héroïque, la musique est la narratrice inspirée de l’histoire, faisant revivre, pour le premier parcours, les temps forts et les hôtes célèbres du lieu (abbesses, compositeurs, personnages historiques...) ; en prenant la forme, pour le second voyage plutôt dédié au jeune public, d’une quête sonore qui fait « parler » les murs et réveiller les fantômes de l’Abbaye.

Pour que l’effet d’immersion soit optimal, tous les tournages ont été réalisés in-situ, et les comédiens ont été enregistrés dans les salles mêmes où les visiteurs sont susceptibles de se trouver. Enregistrées également sur place, toutes les musiques scandent les deux parcours, ainsi que la plupart des bruitages qui renseignent sur les époques traversées. Seuls ont été réalisés en postproduction des effets sonores impossibles à reproduire comme des bombardements par exemple (pendant la Seconde Guerre mondiale).

Pour restituer la qualité et la grande diversité acoustique de l’Abbaye (avec ses salles voûtées, sa nef), les designers sonores Bergame Periaux et Léa Chevrier ont procédé à un enregistrement binaural non traqué au moyen d’une tête artificielle Neumann, accompagné de prises à la perche. « Nous avons choisi de travailler sur deux espaces distincts », explique Léa Chevrier, ingénieur du son sur Le Voyage initiatique. « Les prises binaurales externalisent le son tandis que les prises traditionnelles l’intériorisent dans le casque. »

L’option Head Tracking, qui suit en permanence la direction de la tête via la centrale inertielle du casque et recalcule le spectre sonore environnant, ne se justifiait pas pour ces parcours de découverte dont l’enjeu était d’obtenir un effet immersif puissant plutôt qu’un rendu sonore précis : chaque parcours, comprenant treize stations d’écoute musicales (pour environ deux minutes d’écoute chacune), étant conçu de sorte à ce que la direction de la tête du visiteur soit toujours connue.

Les deux parcours sonores se déclenchent de manière automatique grâce à une quarantaine de balises Bluetooth (iBeacons) disséminées à l’intérieur et à l’extérieur du monument. « Le public est invité par la voix du narrateur à se déplacer de station en station. Mais les parcours, minutés de manière identique, réservent une grande liberté dans la découverte de cette visite séquentielle », remarque Jean de la Roche, de Modulo Digital.

Pour expérimenter les parcours dans les meilleures conditions d’écoute immersive, Modulo Digital, qui a également géré toute la partie technique, a opté pour un casque haute définition Audio-Technika ATH MSR 7 fermé, relié à un guide multimédia Meder Commtech : « Tout le contenu est embarqué sur le guide. Les visiteurs partagent ainsi une expérience sonore de qualité identique, poursuit Jean de la Roche. La solution de l’application, qui demande à être téléchargée sur le matériel de l’utilisateur, n’a pas été retenue pour cette raison. »

Si l’immersion sonorhe a démontré toute sa pertinence à l’Abbaye aux Dames et est appelée à conquérir d’autres sites et d’autres publics, le dispositif de médiation devrait évoluer. Modulo Digital travaille ainsi à une nouvelle génération de casque qui fera l’économie du guide tenu à la main. Autonome et doté d’une ergonomie adaptée au web sonore (ou à d’autres types d’immersion), le casque sera cette fois-ci accompagné d’un son binaural traqué (ce qui autorisera des parcours interactifs) et d’une localisation plus fine de la personne en cartographie simultanée ou Slam (simultanuous localisation and mapping).

Forte du succès des Voyages sonores à l’Abbaye aux Dames, Narrative commence, quant à elle, à déployer, pour d’autres lieux et narrations, ce principe de déambulation immersive en son 3D. C’est ce scénario de visite qu’a choisi, pour sa part, le château de Vaux-le-Vicomte (ouverture au printemps 2019).

 

 

Un Manège à trois temps

L’Abbaye aux Dames étend encore sa vocation musicale en se dotant d’un outil original de sensibilisation à la musique, le Carrousel musical. Ouvert au printemps 2018, celui-ci emprunte la forme d’un manège forain et invite à une approche sensorielle, dynamique et ludique de la musique.

Sous son « chapiteau » aux facettes miroitantes, dix-sept instruments virtuels, accessibles dans une structure en osier évoquant le corps d’un basilic géant (créature mythique du bestiaire roman), sont à découvrir et expérimenter en solo ou à plusieurs le temps de trois tours de manège. Certains s’inspirent d’instruments « classiques » comme le piano, la flûte ou les percussions, d’autres sont plus inattendus et invitent à tirer sur des cordes (vocales) pour déclencher des voix, actionner des manettes pour jouer d’un accordéon ou déplacer ses mains au-dessus d’un Theramin...

Sur cet « instrumentarium » numérique, tournant et sonore, chacun peut improviser et ressentir, quel que soit le niveau de sa pratique, le plaisir du musicien. Guidé par un « chef d’orchestre », le tour de manège s’achève sur l’écoute d’une partition musicale issue des notes et des sons émis par tous les participants (une vingtaine peuvent chevaucher le corps du basilic).

Imaginée par AG Studio avec Modulo Digital et l’équipe de l’Abbaye, cette expérience musicale a nécessité la création, par le studio de conception sonore et multimédia Blue Yeti (Royan), d’une lutherie spéciale : les instruments disposant tous d’une interface gestuelle spécifique et incluant des périphériques Midi (claviers et pads), des capteurs (rotatifs, de contact, piézo-électriques, magnétiques...) ou des interfaces leapmotion. Les instruments du basilic reconfigurent également leur timbre ou leur volume sonore en fonction de la composition choisie lors du tour de manège.

Pour que la restitution finale soit en effet harmonieuse, trois compositions sur mesure (baroque, électro et jazz) ont été écrites pour servir de trame harmonique aux partitions des joueurs : « Toutes les notes produites sur les instruments appartiennent à des gammes prédéfinies et harmonisées entre elles », précise le co-fondateur de Blue Yeti, Jean-Michel Couturier, qui signe les compositions avec Jean-Michael Celerier, Gregory Cosenza, Anne Morata et Catherine Contour. « Le clavier du piano ne propose ainsi que des touches blanches. Pas de risque de faire de fausses notes : le Carrousel ne prend en compte que l’expressivité du jeu. »

Pour mettre au point cette délicate orchestration, Blue Yeti a recouru entre autre à Ossia Score, un logiciel open source co-développé avec LaBRI/Scrime de l’Université de Bordeaux. « Score interprète les sons et les notes produites par les instruments virtuels (issus pour la plupart de la base de données Kontakt de Native Instruments) en fonction des données issues du programme sous Max/MSP gérant les capteurs », poursuit Jean-Michel Couturier.

« Dans le Carrousel, Score est également utilisé comme un véritable séquenceur audio, avec le développement de nouvelles fonctionnalités pour la lecture de fichiers audio, la prise en charge des plugs-in VST des instruments virtuels, la gestion Midi, le mixage du son et la gestion de cartes audionumériques professionnelles. »

Cette partition collective est diffusée par une couronne de huit haut-parleurs amplifiés (et un caisson de basse) situés en périphérie du Carrousel, chaque musicien disposant d’un retour direct du son qu’il produit via un haut-parleur placé dans l’instrument. Conçu également comme la partition d’un spectacle global, le manège (en liaison wi-fi et HF entre le plateau tournant et le dôme) abrite par ailleurs une création lumière de Christophe Renaud, laquelle se module en fonction des changements de gamme de la composition musicale (via six lyres asservies et projecteurs PAR).

Les instruments, quant à eux, sont soulignés par des rubans de pixels led RGB contrôlés en Artnet. Parachevant la magie du manège, un praxinoscope motorisé installé sous le dôme, dont l’effet est doublé par un miroir, livre, lors du final, une animation dont la vitesse de rotation (et son éclairage) est en lien avec la musique.

Cette machinerie complexe (mise en œuvre par RC Audiovisuel) garde toutefois l’esprit forain : le Carrousel musical créé et assemblé par Métalobil peut être potentiellement démonté (surtout le corps du basilic) et installé ailleurs. « Nous pouvons imaginer qu’il fasse l’objet d’un parcours d’auteur. Un musicien célèbre pourrait ainsi se l’approprier et donner sa vision », propose François Guiguet, cofondateur de AG Studio.

 

 

Concerts spatialisés à l’Abbatiale

Proposés en même temps que les Voyages sonores, les Concerts spatialisés permettent aux visiteurs toujours équipés d’un casque Audio-Technika de réécouter, in-situ, les plus grands concerts du festival. Là encore, la spatialisation du son participe à l’effet d’immersion.

Les enregistrements (un ou deux par an depuis 2016) se font en binaural, mais aussi en multicanal. Ils recourent tous à une tête binaurale et parfois sont complétés par des micros (un arbre Decca à cinq micros par exemple) : « Trois micros sont omnidirectionnels et les deux autres sont placés près des instruments afin de récupérer des sons de proximité », précise Léa Chevrier qui est intervenue entre autre sur Les Vêpres de Monteverdi. « Au mixage, les sons sont binauralisés pour recréer un 5.1 dans le casque. Ce que nous recherchons, dans ces Concerts spatialisés, c’est plutôt la sensation d’immersion que la précision de la spatialisation. »

 

 

Cabinets musicaux et Musicothèque, les futures partitions

Pour compléter le projet musical de l’Abbaye aux Dames, ont été prévus des Cabinets musicaux ainsi qu’une Musicothèque. À l’étude depuis trois ans par AG Studio (pour une ouverture en 2020), les Cabinets musicaux seront thématiques et mettront en avant l’interprétation musicale en s’appuyant sur de nombreux audiovisuels et interactifs. La Musicothèque (à l’horizon 2022), quant à elle, valorisera le patrimoine musical et permettra de consulter les archives de la Cité musicale sur place (dans des lieux d’écoute individuels) mais aussi en ligne.

Depuis les années 1970, la Cité, qui réalise des captations audio et vidéo à chaque édition de son festival, dispose en effet d’un fonds riche de quelque 300 documents sonores (déposés entre autre à l’INA) dont des pièces rares comme les enregistrements du chef d’orchestre Philippe Herreweghe, l’un des fondateurs du festival.

 

 

Le son 3D (ou binaural) permet de jouer avec l’espace et d’enrichir une narration. La voix devient un personnage romanesque qui entraîne le visiteur dans une épopée très évocatrice. © Julien Helaine-Narrative

Dans le Voyage sonore 3D, le visiteur, guidé par la voix d’un guide narrateur, s’immerge dans l’histoire de l’Abbaye aux Dames pour une déambulation d’une durée de plus d’une heure. © Sébastien Laval

Ponctués de balises iBeacon disséminées sur le parcours du visiteur, les voyages sonores 3D comportent plusieurs stations d’écoute matérialisées par des plots rouges. © Sébastien Laval

Une tête artificielle a été utilisée pour l’enregistrement du son binaural (restitution en stéréo dans le casque). © Julien Helaine-Narrative

Érigé devant l’entrée de l’Abbatiale, le Carrousel musical abrite un instrumentarium numérique et inédit. © Marion Bertin

Sons 3D à l’Abbaye

À la croisée de la musique, du patrimoine et de l’histoire, le programme de médiation numérique et sonore de l’Abbaye aux Dames à Saintes est un modèle du genre.

Annick Hémery

Haut lieu de l’architecture romane dédié à la musique (avec son célèbre festival de musique baroque, son conservatoire et son orchestre), l’Abbaye aux Dames à Saintes (dirigée par Odile Pradem-Faure et Frédéric Saint-Pol) désirait attirer de nouveaux publics pour les embarquer dans des expériences à la fois sensorielles et musicalement actives.

Baptisé « Musicaventure », l’ambitieux programme de médiation élaboré en 2015, qui court jusqu’en 2022, a donné lieu à la création de dispositifs tout à fait originaux comme les Voyages sonores, les Concerts spatialisés et le Carrousel musical.

Premier volet développé par l’agence d’ingénierie culturelle Aubry et Guiguet (AG Studio) avec Narrative et Modulo Digital (en charge depuis une dizaine d’années du développement digital de la Cité musicale), les deux parcours d’interprétation, intitulés Voyages sonores, ont misé sur le son spatialisé et « augmenté ». Exemplaires pour la simplicité de leur interface (un casque stéréo et un guide multimédia), la justesse de leurs scénarii et la parfaite maîtrise de leur réalisation, les Voyages sonores, en service depuis deux ans, continuent à remporter un vif succès auprès du public (13 000 visiteurs en 2017).

Voyages en son 3D

L’enjeu était de narrer l’histoire de l’Abbaye aux Dames au travers de la musique (depuis sa fondation au XIe siècle) et d’immerger le public dans des narrations sonores, puissantes et « augmentées » par un son binaural (ou son 3D) restitué au casque. « Le son 3D impacte fortement l’imaginaire en révélant l’invisible », rappelle Cécile Cros, cofondatrice avec Laurence Bagot de l’agence multimédia Narrative. « Le patrimoine devient alors le décor d’un récit mêlant émotions et connaissances. »

Dans les deux voyages sonores proposés à Saintes, Le Voyage initiatique et Le Voyage héroïque, la musique est la narratrice inspirée de l’histoire, faisant revivre, pour le premier parcours, les temps forts et les hôtes célèbres du lieu (abbesses, compositeurs, personnages historiques...) ; en prenant la forme, pour le second voyage plutôt dédié au jeune public, d’une quête sonore qui fait « parler » les murs et réveiller les fantômes de l’Abbaye.

Pour que l’effet d’immersion soit optimal, tous les tournages ont été réalisés in-situ, et les comédiens ont été enregistrés dans les salles mêmes où les visiteurs sont susceptibles de se trouver. Enregistrées également sur place, toutes les musiques scandent les deux parcours, ainsi que la plupart des bruitages qui renseignent sur les époques traversées. Seuls ont été réalisés en postproduction des effets sonores impossibles à reproduire comme des bombardements par exemple (pendant la Seconde Guerre mondiale).

Pour restituer la qualité et la grande diversité acoustique de l’Abbaye (avec ses salles voûtées, sa nef), les designers sonores Bergame Periaux et Léa Chevrier ont procédé à un enregistrement binaural non traqué au moyen d’une tête artificielle Neumann, accompagné de prises à la perche. « Nous avons choisi de travailler sur deux espaces distincts », explique Léa Chevrier, ingénieur du son sur Le Voyage initiatique. « Les prises binaurales externalisent le son tandis que les prises traditionnelles l’intériorisent dans le casque. »

L’option Head Tracking, qui suit en permanence la direction de la tête via la centrale inertielle du casque et recalcule le spectre sonore environnant, ne se justifiait pas pour ces parcours de découverte dont l’enjeu était d’obtenir un effet immersif puissant plutôt qu’un rendu sonore précis : chaque parcours, comprenant treize stations d’écoute musicales (pour environ deux minutes d’écoute chacune), étant conçu de sorte à ce que la direction de la tête du visiteur soit toujours connue.

Les deux parcours sonores se déclenchent de manière automatique grâce à une quarantaine de balises Bluetooth (iBeacons) disséminées à l’intérieur et à l’extérieur du monument. « Le public est invité par la voix du narrateur à se déplacer de station en station. Mais les parcours, minutés de manière identique, réservent une grande liberté dans la découverte de cette visite séquentielle », remarque Jean de la Roche, de Modulo Digital.

Pour expérimenter les parcours dans les meilleures conditions d’écoute immersive, Modulo Digital, qui a également géré toute la partie technique, a opté pour un casque haute définition Audio-Teknika ATH MSR 7 fermé, relié à un guide multimédia Meder Commtech : « Tout le contenu est embarqué sur le guide. Les visiteurs partagent ainsi une expérience sonore de qualité identique, poursuit Jean de la Roche. La solution de l’application, qui demande à être téléchargée sur le matériel de l’utilisateur, n’a pas été retenue pour cette raison. »

Si l’immersion sonore a démontré toute sa pertinence à l’Abbaye aux Dames et est appelée à conquérir d’autres sites et d’autres publics, le dispositif de médiation devrait évoluer. Modulo Digital travaille ainsi à une nouvelle génération de casque qui fera l’économie du guide tenu à la main. Autonome et doté d’une ergonomie adaptée au web sonore (ou à d’autres types d’immersion), le casque sera cette fois-ci accompagné d’un son binaural traqué (ce qui autorisera des parcours interactifs) et d’une localisation plus fine de la personne en cartographie simultanée ou Slam (simultanuous localisation and mapping).

Forte du succès des Voyages sonores à l’Abbaye aux Dames, Narrative commence, quant à elle, à déployer, pour d’autres lieux et narrations, ce principe de déambulation immersive en son 3D. C’est ce scénario de visite qu’a choisi, pour sa part, le château de Vaux-le-Vicomte (ouverture au printemps 2019).

Un Manège à trois temps

L’Abbaye aux Dames étend encore sa vocation musicale en se dotant d’un outil original de sensibilisation à la musique, le Carrousel musical. Ouvert au printemps 2018, celui-ci emprunte la forme d’un manège forain et invite à une approche sensorielle, dynamique et ludique de la musique.

Sous son « chapiteau » aux facettes miroitantes, dix-sept instruments virtuels, accessibles dans une structure en osier évoquant le corps d’un basilic géant (créature mythique du bestiaire roman), sont à découvrir et expérimenter en solo ou à plusieurs le temps de trois tours de manège. Certains s’inspirent d’instruments « classiques » comme le piano, la flûte ou les percussions, d’autres sont plus inattendus et invitent à tirer sur des cordes (vocales) pour déclencher des voix, actionner des manettes pour jouer d’un accordéon ou déplacer ses mains au-dessus d’un Theramin...

Sur cet « instrumentarium » numérique, tournant et sonore, chacun peut improviser et ressentir, quel que soit le niveau de sa pratique, le plaisir du musicien. Guidé par un « chef d’orchestre », le tour de manège s’achève sur l’écoute d’une partition musicale issue des notes et des sons émis par tous les participants (une vingtaine peuvent chevaucher le corps du basilic).

Imaginée par AG Studio avec Modulo Digital et l’équipe de l’Abbaye, cette expérience musicale a nécessité la création, par le studio de conception sonore et multimédia Blue Yeti (Royan), d’une lutherie spéciale : les instruments disposant tous d’une interface gestuelle spécifique et incluant des périphériques Midi (claviers et pads), des capteurs (rotatifs, de contact, piézo-électriques, magnétiques...) ou des interfaces leapmotion. Les instruments du basilic reconfigurent également leur timbre ou leur volume sonore en fonction de la composition choisie lors du tour de manège.

Pour que la restitution finale soit en effet harmonieuse, trois compositions sur mesure (baroque, électro et jazz) ont été écrites pour servir de trame harmonique aux partitions des joueurs : « Toutes les notes produites sur les instruments appartiennent à des gammes prédéfinies et harmonisées entre elles », précise le co-fondateur de Blue Yeti, Jean-Michel Couturier, qui signe les compositions avec Jean-Michael Celerier, Gregory Cosenza, Anne Morata et Catherine Contour. « Le clavier du piano ne propose ainsi que des touches blanches. Pas de risque de faire de fausses notes : le Carrousel ne prend en compte que l’expressivité du jeu. »

Pour mettre au point cette délicate orchestration, Blue Yeti a recouru entre autre à Ossia Score, un logiciel open source co-développé avec LaBRI/Scrime de l’Université de Bordeaux. « Score interprète les sons et les notes produites par les instruments virtuels (issus pour la plupart de la base de données Kontakt de Native Instruments) en fonction des données issues du programme sous Max/MSP gérant les capteurs », poursuit Jean-Michel Couturier.

« Dans le Carrousel, Score est également utilisé comme un véritable séquenceur audio, avec le développement de nouvelles fonctionnalités pour la lecture de fichiers audio, la prise en charge des plugs-in VST des instruments virtuels, la gestion Midi, le mixage du son et la gestion de cartes audionumériques professionnelles. »

Cette partition collective est diffusée par une couronne de huit haut-parleurs amplifiés (et un caisson de basse) situés en périphérie du Carrousel, chaque musicien disposant d’un retour direct du son qu’il produit via un haut-parleur placé dans l’instrument. Conçu également comme la partition d’un spectacle global, le manège (en liaison wi-fi et HF entre le plateau tournant et le dôme) abrite par ailleurs une création lumière de Christophe Renaud, laquelle se module en fonction des changements de gamme de la composition musicale (via six lyres asservies et projecteurs PAR).

Les instruments, quant à eux, sont soulignés par des rubans de pixels led RGB contrôlés en Artnet. Parachevant la magie du manège, un praxinoscope motorisé installé sous le dôme, dont l’effet est doublé par un miroir, livre, lors du final, une animation dont la vitesse de rotation (et son éclairage) est en lien avec la musique.

Cette machinerie complexe (mise en œuvre par RC Audiovisuel) garde toutefois l’esprit forain : le Carrousel musical créé et assemblé par Métalobil peut être potentiellement démonté (surtout le corps du basilic) et installé ailleurs. « Nous pouvons imaginer qu’il fasse l’objet d’un parcours d’auteur. Un musicien célèbre pourrait ainsi se l’approprier et donner sa vision », propose François Guiguet, cofondateur de AG Studio.

Concerts spatialisés à l’Abbatiale

Proposés en même temps que les Voyages sonores, les Concerts spatialisés permettent aux visiteurs toujours équipés d’un casque Audio-Technika de réécouter, in-situ, les plus grands concerts du festival. Là encore, la spatialisation du son participe à l’effet d’immersion.

Les enregistrements (un ou deux par an depuis 2016) se font en binaural, mais aussi en multicanal. Ils recourent tous à une tête binaurale et parfois sont complétés par des micros (un arbre Decca à cinq micros par exemple) : « Trois micros sont omnidirectionnels et les deux autres sont placés près des instruments afin de récupérer des sons de proximité », précise Léa Chevrier qui est intervenue entre autre sur Les Vêpres de Monteverdi. « Au mixage, les sons sont binauralisés pour recréer un 5.1 dans le casque. Ce que nous recherchons, dans ces Concerts spatialisés, c’est plutôt la sensation d’immersion que la précision de la spatialisation. »

Cabinets musicaux et Musicothèque, les futures partitions

Pour compléter le projet musical de l’Abbaye aux Dames, ont été prévus des Cabinets musicaux ainsi qu’une Musicothèque. À l’étude depuis trois ans par AG Studio (pour une ouverture en 2020), les Cabinets musicaux seront thématiques et mettront en avant l’interprétation musicale en s’appuyant sur de nombreux audiovisuels et interactifs. La Musicothèque (à l’horizon 2022), quant à elle, valorisera le patrimoine musical et permettra de consulter les archives de la Cité musicale sur place (dans des lieux d’écoute individuels) mais aussi en ligne.

Depuis les années 1970, la Cité, qui réalise des captations audio et vidéo à chaque édition de son festival, dispose en effet d’un fonds riche de quelque 300 documents sonores (déposés entre autre à l’INA) dont des pièces rares comme les enregistrements du chef d’orchestre Philippe Herreweghe, l’un des fondateurs du festival.

 

Article paru pour la première fois dans Sonovision #14, p.18-20. Abonnez-vous à Sonovision (4 numéros/an + 1 Hors-Série) pour accéder, à nos articles dans leur totalité dès la sortie du magazine.

Mediation culturelle : le podcast va-t-il remplacer l'audioguide ?

Les podcasts du Centre Pompidou ©DR

Afin de rendre l’art moderne et contemporain accessible au plus grand nombre et de guider ses publics aussi bien dans les collections que dans les expositions temporaires, le Centre Pompidou adopte le format sonore et ludique du podcast. Avec cette démarche tournée vers le numérique, le centre national d’art et de culture ouvre probablement une voie de mediation culturelle qui servira  de modèle pour d'autres établissements...

 

 

Lorsque l'on met met en vis à vis les avantages du podcast versus ceux de l'audioguide, la balance penche lourdement en faveur du podcast... Le format de type BYOD (bring your own device) supprime toute la logistique de maintenance, de mise à jour et la gestion de distribution et récupération des appareils... Autant d'opérations qui sont souvent un mal nécessaire pour les établissement culturels. Son accès gratuit partout dans le monde répond à sa mission de démocratisation de la cuture, il peut même convaincre à distance de l'intérêt d'une exposition... Le musée peut par ailleurs récupérer des datas analytiques autour de l'usage de ses podcasts et donc déterminer quels sont les centres d'intérêt de ses audiences. Le format a aussi l'avantage de séduire un public jeune...

 

Le podcast Les Visites du Centre Pompidou accompagne désormais de manière exclusive les parcours de visite, avec des contenus offrant au public de nouvelles approches et expériences de l'exposition (interviews de conservateurs, d’artistes ou de créateurs, immersions dans la conception des œuvres...). Le premier podcast sera disponible pour l'exposition Préhistoire, une énigme moderne à partir du 8 mai prochain.

Le Centre Pompidou enrichit par ailleurs sa collection de podcasts Un dimanche, une œuvre, rebaptisée Un podcast, une œuvre. Ces podcasts éclairent les œuvres et les artistes de la collection à travers le prisme d'un thème de société. Pour sa troisième saison, cette série explore les rapports entre art et féminismes.

 

Disponibles sur le site centrepompidou.fr/Podcasts, les podcasts du Centre Pompidou sont aussi accessibles en écoute et en téléchargement sur toutes les grandes plateformes de diffusion de podcasts ainsi que sur Deezer.

 

 

 Un nouveau format de parcours d'aide à la visite des expositions et du musée

À écouter chez soi, en mobilité ou in situ au Centre Pompidou, avant, pendant ou après sa visite, les podcasts Les Visites du Centre Pompidou réinventent le format d’écoute et se substituent aux audioguides classiques. Ces formats de 20 à 25 minutes sont notamment proposés pour les expositions des Galeries 1, 2 et 3. La narration est pensée par salle et non par œuvre afin de faciliter le déplacement et l’immersion du visiteur. Le premier podcast de parcours de visite Préhistoire, une énigme moderne plonge ainsi le visiteur au cœur de l’expérience temporelle proposée par l’exposition. Grâce au dialogue entre deux peintres, enfermés dans une grotte préhistorique, l'auditeur appréhende les réflexions sur le rapport entre l’art et la question de l'origine de l'humanité.

 

Les voix

 

La comedienne Elina Löwensohn

Elina Löwensohn est une actrice cosmopolite née en Roumanie, de nationalité américaine et vivant en France (Les Garçons sauvages, Un long dimanche de fiançailles, etc...). Elle traverse films, vidéos, photos et pièces de théâtre avec un goût prononcé pour la métamorphose. Son goût pour la performance l'a conduite à travailler avec certains plasticiens vidéastes tels que Marcelline Delbecq, Tom de Pékin, ainsi qu'avec le cinéaste Bertrand Mandico. Avec ce dernier, elle imagine également une série de 21 films sur 21 ans, fondés sur l’idée de la mise en abîme du rapport actrice-réalisateur. Les podcasts des prochaines expositions temporaires Préhistoire, une énigme moderne (Galerie 1, 8 mai - 16 septembre 2019) et Dora Maar (Galerie 2, 5 juin - 26 août 2019) sont portés par la voix d'Elina Lowensohn.

 

Les podcasters du « Bruit de l'art »

Victoria Le Boloc’h-Salama et Florian Champagne sont deux jeunes historiens de l’art, co-fondateurs du podcast Le Bruit de l’art. Ils partagent tous deux la même curiosité pour l’art contemporain et l'ensemble de ses acteurs. Victoria Le Boloc’h-Salama est aussi membre de l’association Jeunes Critiques d’art et Florian Champagne, contributeur du magazine Revue. Après une première collaboration avec le Centre Pompidou dans le cadre du Bruit de l'art consacré à des designers, artistes ou conservateurs liés à la programmation du Centre Pompidou (matali crasset, Frédéric Migayrou et Yuki Yoshikawa, Hicham Berrada…), Victoria Le Bolloch-Salama et Florian Champagne, sont les voix des prochaines Visites du Centre Pompidou pour les expositions Galeries du 20e siècle (Musée, à partir du 22 mai 2019), Bernard Frize. Sans repentir (Galerie 3, 29 mai - 26 août 2019) ainsi que des expositions Takesada Matsutani (Galerie du musée), Ernest Mancoba (Galerie 0) et Sonja Ferlov Mancoba (Galerie d'art graphique) du 26 juin au 23 septembre 2019.

 

 

UN PODCAST, UNE ŒUVRE

 

Saison « Art et Féminismes »

4 Épisodes

L'émission Un podcast, une œuvre fonctionne par saison thématique autour de quatre œuvres: chaque mois, un épisode est diffusé pendant quatre mois. Chacun des épisodes aborde une œuvre des collections du Centre Pompidou à travers une grande question de société. Après deux premières saisons consacrées à la consommation et à l’utopie, Un podcast, une œuvre interroge en quatre épisodes les rapports entre art et féminismes: quelle est la place des femmes dans l’art ? Quelle est la capacité de l’art à bouleverser les mœurs et les modes de pensée ? Ces podcasts, qui peuvent être écoutés indépendamment d’une visite in situ, sont non séquencés et d'une durée de 15 à 20 minutes.

 

Les voix

Elsa Daynac 

Pour Un podcast, une œuvre la journaliste Elsa Daynac fait revivre d'anciennes archives sonores du Centre Pompidou en y mêlant des morceaux de musiques contemporaines, des interviews inédites et des points de vue inattendus. Les virgules sonores originales, conçues spécialement par la chanteuse Nawel Ben Kraiem et par Nassim Kouti, ponctuent cette immersion sonore dans les collections du Musée national d'art moderne.

 

Hors Série de l'Été, Les Rencontres d'Arles

Lydie Mushamalirwa

À l’occasion des 50 ans des Rencontres d’Arles, cette émission hors série d'Un podcast, une œuvre propose d’écouter l’œil de cinq photographes et d’interroger leur engagement social et politique à travers le thème de la frontière. Chaque épisode a pour point de départ une photographie ou une série de photographies appartenant aux collections du Centre Pompidou et réalisées par une artiste ayant participé aux Rencontres d’Arles. Susan Meiselas et Valérie Jouve comptent parmi les photographes présentées. Journaliste (RFI, Artistikrezo, Arte Radio..), Lydie Mushamalirwa vit et travaille à Arles.

 

 

Google Earth Studio: pilotez un drone depuis votre ordinateur

Tout le monde connait Google Earth qui permet de se promener sur la planète. Mais il y a plus fort: Google Earth Studio passe à la 3D et permet ainsi de monter des séquences aériennes directement depuis votre navigateur. Finies les autorisations de vol en ville! Les résultats sont bluffants et préfigurent peut-être l’avenir du montage vidéo.

Google Earth Studio (que nous appellerons GES dans cet article), c’est un peu la suite logique de Google Earth. Cet outil en ligne permettait déjà beaucoup puisque l’on pouvait voyager sur toute la planète grâce à une banque phénoménale d’images satellite. Le problème, c’est qu’en zoomant au maximum, on se retrouvait avec une image « plate » et pixelisée. Si Google Earth a beaucoup été utilisé post-production avec cet effet de zoom depuis l’univers vers un point précis du globe, Google Earth Studio va bien plus loin:
– Les données du globe ont quasiment toutes été modélisées en 3D.
– GES est devenu un outil de création cinématique en ligne où l’on dessine ses propres trajets aériens, avec animation de tous les paramètres possibles (caméra, cible, heure du jour ou de la nuit, nuages…).
– Le logiciel permet aussi de générer des « track points » qui peuvent ensuite être utilisés dans After Effects pour ajouter des éléments (marqueurs, textes…). Et pour mieux se rendre compte des possibilités de l’outil, en voici la démonstration:

Nous allons donc faire un tour d’horizon de l’outil et vous montrer à quel point il est simple. Il permet ainsi d’ajouter des cinématiques à vos montages pour localiser des lieux par exemple. C’est bien sûr gratuit, à condition de laisser la « Watermark » de Google sur vos images.

Le principe

Attention, pour vous servir de GES vous devrez attendre quelques jours que Google approuve votre inscription. Pour ce faire, rendez-vous à l’adresse suivante: https://www.google.com/earth/studio/ et inscrivez-vous. Dans notre cas, il a fallu patienter 4 jours. D’autre part, GES ne marche qu’avec le navigateur Google Chrome (forcément), téléchargeable gratuitement sur n’importe quelle plateforme.
Ensuite, le fonctionnement est presque similaire à celui d’un logiciel de montage: une Timeline, des images clés pour animer les paramètres (trajet, cible, chemin…) et un moniteur de Programme qui va montrer en temps réel votre le vol virtuel de votre caméra. Nous allons réaliser l’exemple suivant qui montre Notre Dame de Paris avant qu’elle ne brûle:

Prise en main

Un fois connecté à GES, la plateforme en ligne vous propose de créer ou un « Blank Project » (Projet vierge), ou de choisir parmi des modèles d’animation déjà préconçus (exactement comme les modes de vol disponibles sur les drones). Pour plus de simplicité, on va choisir le mode « Fly to and Orbit » en cliquant sur « Quick Start »: autrement dit, on va voler d’un point A à un point B et effectuer une orbite autour de notre point d’intérêt.
GES_01

Il suffit ensuite de saisir la destination finale: dans notre cas « Notre Dame, Paris, France ». Le logiciel affiche aussitôt la vue satellite, puis, la simulation en temps réel du vol: vous pouvez changer l’altitude de d’arrivée, le rayon de l’orbite, l’angle d’approche… Tous ses paramètres seront bien sûr modifiables ultérieurement. Vos modifications sont appliquées en temps réel.

GES_02

Il ne reste enfin qu’à choisir la durée de l’animation. Par défaut, elle sera de 25 secondes. Vous découvrez ensuite l’interface du logiciel.

L’interface de Google Earth Studio

Par défaut, on ne dispose que de la vue finale en 3D. Il est donc préférable, pour affiner le trajet de la caméra, de passer en mode « 2 Viewports » grâce à l’icône de l’écran.
GES_03
A gauche, on visualise ainsi la carte et surtout le trajet de la caméra. De cette manière, on pourra très facilement customiser tous les mouvements et gérer les paramètres de déplacement. La Timeline quant à elle, montre toutes les images clés et la liste des paramètres. Dans notre exemple, on désire que le point de départ se situe dans l’espace et bien plus loin de Paris. Il suffit donc de placer la tête de lecture au début puis, de saisir une altitude de 35 Kilomètres, et, dans la barre de recherche, de taper « Frankfort » en Allemagne. Vous cliquez ensuite sur le losange de la rubrique « Camera Position » afin d’indiquer que vous avez modifié les images clés de position de la caméra.

GES_04
Si vous lancez la lecture, vous constatez donc que la caméra s’est positionnée au dessus de la ville allemande et ira jusqu’à Paris depuis le cosmos.
Astuce: Par défaut, GES effectue un trajet linéaire depuis l’espace, ce qui n’est pas très esthétique. Dans le menu Animation/Advanced, choisissez Logarithmic Altitude. Google va accélérer la descente vers le sol et arrondir la trajectoire, ce qui est bien plus satisfaisant.

Vous pouvez désormais sauter d’image clé en image clé pour modifier tout ce que vous désirez, et bien sûr créer des étapes sur le parcours.

Les paramètres supplémentaires

Vous aurez aussi compris que chaque point dans le Viewport « carte » correspond à une image clé de position de la caméra: vous pouvez ainsi les manipuler à loisir pour vous écarter de votre trajectoire initiale. Mais on peut aller encore plus loin. En cliquant sur Add attributes, on peut ajouter des paramètres supplémentaires, qui pourront eux aussi être animés: l’heure du jour ou de la nuit, l’angle de vue de la caméra, les nuages… De cette manière par exemple, en animant le Field of view (angle de la focale), vous allez pouvoir effectuer des zooms spectaculaires, ou, au contraire, élargir le champ pour avoir une vision panoramique de la scène.
GES_06

De plus, en sélectionnant une ou plusieurs images clés et en effectuant un clic-droit vous allez aussi pouvoir changer le mode d’interpolation de l’animation (ease-in, ease-out…) ou Auto-Ease (ce qui correspond à une courbe de Bézier automatique afin de lisser les mouvements).
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Les track-points et l’export

C’est une des autres forces de GES. Les track-points peuvent être ajoutés. Qu’est ce que ça veut dire? C’est qu’au moment de l’exportation du rendu final, GES va inclure des points de votre choix en 3D afin qu’un logiciel comme After Effects soit capable de « comprendre » les mouvements de la caméra et donc d’ancrer des éléments en 3D dans la scène. Pour mieux comprendre, contentez-vous d’ajouter un trackg-point sur la cible de la caméra (Notre Dame dans notre exemple) en effectuant un clic-droit sur la cible figurant la carte ou directement dans le moniteur final.
GES_07
Votre animation terminée, appuyez sur le bouton Render. Après avoir validé la durée et la résolution, passez à l’onglet « Advanced » et cochez la case « Include 3D tracking Data ». Lancez ensuite le rendu en cliquant sur Start. GES va générer toutes les images et vous proposer de télécharger un .zip.

GES_08

Ajoutez des éléments en 3D dans After Effects

Un fois le fichier téléchargé et décompressé, GES aura généré une suite d’images numérotées que vous pourrez importer en tant que film dans n’importe quel logiciel de montage. Mais le plus amusant est d’utiliser After Effects pour ajouter du texte 3D grâce au Track Points. Lancez After Effects, puis, depuis le menu Fichier/exécuter le script, sélectionnez le fichier .jsx généré par Google. Automatiquement, votre film est chargé dans une nouvelle Composition et surtout, After Effects a créé un objet nul et un calque de texte pour chaque Track-Point.
GES_09

Il suffit alors d’écrire n’importe quelle légende ou de lier à n’importe quel élément à l’objet nul pour qu’il soit modélisé en 3D et suive les mouvements de votre caméra. Vous n’aurez qu’à jouer sur l’orientation et la position pour qu’il matche avec votre scène. Ajoutez enfin un peu de motion blur et étalonnez un peu les images dans Lumetri pour qu’elles semblent moins artificielles et vous voilà avec des images de drone en version réalité augmentée.

Des ressources pour aller plus loin

Pour aller plus loin et en vidéo, nous vous recommandons ce tutoriel en français, du célèbre Stéphane Couchoud.

An anglais vous pouvez aussi suivre cette vidéo et la chaine associée.

 

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CTM Solutions & R&S vous invite au 1er User Group "Clipster" le 23 Mai

Capture_decran_2019-05-08_a_22.51.27CTM avec Rohde & Schwarz vous invite à participer au 1er User Group France "R&S @Clipster"​ Mastering & Delivery – NAB 2019 un point sur les dernières nouveautés concernant : HDR ; IMF ; Dolby Vision... - Présentation du nouveau stockage R&S @SpycerNode le 23 Mai à partir de 14h30 chez CTM Solutions à Gennevilliers, inscription obligatoire :

Curso de introducción a TouchDesigner por Juanjo Fernández (Gnomalab)

Par : volatil

TouchDesigner es un software de aplicación en tiempo real desarrollado por Derivative. Funciona como una plataforma de desarrollo visual que proporciona las herramientas necesarias para crear todo tipo de proyectos en tiempo real. Ideal para realizar proyectos interactivos y vídeo mapping. Tiene un sistema de navegación particular, es compatible con una amplia gama de dispositivos, protocolos y herramientas externas que interactúan a través de sus respectivos operadores.

Imparte: Juanjo Fernández Rivero aka Gnomalab.

En este enlace toda la información y el programa.

No se requiere conocimiento previos del programa. El alumno debe traer ordenador portátil MAC o PC compatible.

Fecha: 25 y 26 de mayo 2019
Sábado 25 de 10h a 20h
Domingo 26 de 16h a 20h.
Lugar: Espai Erre (Barcelona)

Inscripciones aquí.

Más cursos organizados peor Derivative aquí.

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Ça y est, c’est le mois de mai. Le mois où l’on fait tout ce qu’il nous plaît !

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NDI Tool - Scan Converter - Window7

Par : Claude_bou
Hi,
Is there any way to get an older version of NDI tools that will provide Scan Converter compatible with Win 7.
Thank you for your help.

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Motion graphics

Par : neokinok
Iniciación a Motion Graphics
Data del taller: 
20/06/2018 - 16:00 to 22/06/2018 - 20:00
Inscripció: 
Oberta
Preu: 
50 €

Fechas: Del 20 al 22 de Junio
Horario: De 17:00 a 20:00 H
Lugar de realización: C/ del Llatzeret 13, bajos, Barcelona (parada de metro Poble Nou)
Idioma: Castellano



Cada vez más, la gráfica en movimiento está presente en las pantallas de nuestros ordenadores, smartphones y tabletas, en el cine y la TV, en la publicidad que vemos en las calles y otros los espacios de uso público, este taller pretende ofrecer un panorama técnico de la utilización de After Effects como herramienta de creación de motiongraphics


Destinatarios:Taller de iniciación en motion graphics dirigido a cualquier interesado en incorporar animación digital dentro de sus propuestas profesionales. No se requiere experiencia previa pero sí ordenador portátil.


Objetivos: Conocer el funcionamiento general de After Effects así como la utilización de plugins y efectos para la elaboración de animaciones digitales en distintos formatos.

Contenido
MODUDO 1 Entorno en After Effects
• El espacio de trabajo (Interface) y su configuración
• Relación entre el proyecto y los archivos
• Configuración de inicio de una composición
• Uso de la ventana de proyecto
• Estructura interna de carpetas y almacenamiento
• Copias de seguridad de los proyectos
MODULO 2 conceptos
• Principios clásicos de la animación
MODULO 3 Animación I
• Importar archivos
• Organización de archivos y capas
• Utilización de keyframes
• Utilización de mascaras
MODULO 4 Animación II
• Capa de forma y animaciones
• Organización de archivos y capas
• Utilización de keyframes
• Utilización de mascaras
• Animación de tipografía
MODULO 4 Animación III
• Efectos
• Plugis
• Formatos de exportación
MODULO 4 Animación III
• 3D
• Iluminación
• Utilización de cámaras



Biografía del tallerista
Alvaro Muñozledo
Creativo audiovisual.www.mappingworld-lab.com

Master en artes digitales por la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona y licenciado en comunicación audiovisual por la Universidad Del Claustro de sor Juana de México.
Su trabajo artístico incluye piezas audiovisuales en distintos formatos, reciclaje de tecnología, desarrollo de sistemas de interacción y colaboraciones con otros artistas.
Ha participado en distintas colectivas en México en recintos como; Museo Carrillo Gil, Museo Ex Teresa Arte Actual, Laboratorio Arte Alameda, Museo experimental Eco, Centro Multimedia CENART y Centro Cultural España. Ha participado en festivales como; LPM (Roma/México), SpaceVjMeeting (Polonia), VJ fest (Estambul), Festival Mediarte (Monterrey), Robot Festival (Bolonia), Festival Play (Barcelona), Mutek_ESP (Barcelona), Festival de video mapping en Pescara (Italia), Festival Internacional de Mapping en Gerona (España) en donde obtuvo el segundo lugar.
Fue residente artístico del MAC (Museo de Arte Contemporáneo Gas Natural Fenosa) De Coruña. Residente artístico en Laboratorio Symbolon en Barcelona. Actualmente forma parte de la mesa directiva de EX asociación de arte experimental y es coordinador de Industrias Creativas de Red de Talentos, en Barcelona.

Inscripcions/ register:
http://www.telenoika.net/tallers-2018

cicle-tallers

RAF/RADI, un bilan fructueux

Les RAF (Rencontres Animation Formation) et les RADI (Rencontres Animation Développement Innovation) proposent aux professionnels de l’animation un état des lieux très documenté du secteur. © Gregory Brandel/Pôle Image Magelis

Les RAF (Rencontres Animation Formation), qui fêtent leur dixième édition, et les RADI (Rencontres Animation Développement Innovation) continuent à questionner toutes les dimensions de la filière animation...

 

Elles font salle comble (plus de 340 professionnels en 2018) et débordent souvent sur leurs horaires impartis. Organisées par le Pôle Image Magelis (avec le CNC, le SPFA, la CPNEF Audiovisuel, l’Afdas, Audiens et la Ficam) et orchestrées par René Broca, les dynamiques rencontres professionnelles de l’animation (14, 15 et 16 novembre 2018 à Angoulême) ont su mettre en pratique les « vertus du débat public » en mettant face à face les professionnels de l’animation, les écoles, les institutions et les organisations syndicales. Leur bilan est flatteur.

Les chiffres de l’animation auscultés à la loupe (Les chiffres du secteur) autorisent des analyses fines du secteur dont la masse salariale a augmenté de manière spectaculaire ; l’étude souhaitée par le public des RAF sur les besoins réels en compétences et en formations des studios a donné lieu à plusieurs initiatives, dont la création d’une certification axée développement/programmation et d’un programme de Préparation opérationnelle à l’emploi (POE) porté par l’Afdas...

 

Pendants techniques des RAF, les RADI ne sont pas en reste. Ils ont su encourager les studios à exposer leurs pipelines de production de série ou de long-métrage, ainsi que leur logique de fabrication, voire leur R&D. Cette année, ce sont Cube Creative, Fortiche Prod, 2 Minutes, Tu Nous ZA Pas Vus Productions et TeamTO qui se sont prêtés au jeu. Sans oublier au passage de s’attarder sur des outils logiciels innovants qui font toujours l’objet de présentations très denses par leurs auteurs eux-mêmes.

Pour sa dernière édition, René Broca a tenu à mettre particulièrement en avant les TD (technical directors), la greffe réussie des logiciels libres avec un retour d’expérience probant, et à saluer l’ouverture de nouvelles écoles d’animation (preuve de la vitalité du secteur)… Autant de points forts qui ont relégué, temporairement, les inquiétudes des professionnels du secteur de l’animation face à la réforme de l’audiovisuel public qui sera mise en place courant 2020 (fermeture de France 4).

 

 

Focus sur les TD

Parmi la vingtaine de métiers aujourd’hui identifiés dans le secteur de l’animation et des VFX, les TD souffrent d’un déficit de reconnaissance. Interfaces entre les développeurs et les graphistes, ils sont pourtant les garants de toute chaîne de fabrication produisant du volume (long-métrage, série) dont les exigences de qualité et de productivité se montrent de plus en plus élevées. Avoir un suivi du projet à chaque étape et automatiser les tâches à faible valeur ajoutée artistique est devenu primordial.

« On ne s’autorise pas en France à parler de pipeline de production (organisation technique, workflow, solutions techniques trouvées...) comme s’il s’agissait d’un sujet tabou », rappelle le directeur technique Flavio Pérez (Les Fées Spéciales). « Cela ne facilite pas la connaissance de notre métier auprès des futurs professionnels et explique en partie la difficulté des studios d’animation et de VFX à embaucher des TD et des ingénieurs pour la R&D. »

 

Menée par Flavio Pérez, la table ronde Vous avez dit pipeline ?, qui réunissait Étienne Pêcheux (chef TD chez Illumination MacGuff) et Alexis Casas (Siggraph) et faisait suite à celle de l’an dernier, revenait sur l’intérêt à partager voire mutualiser certaines briques technologiques. Elle présentait également le groupe de travail Le Pipeline mis en place dans la foulée des RADI 2017, ainsi que la plate-forme lepipeline.org issue de leurs réflexions. Celle-ci prend soin d’inclure un glossaire des termes techniques qui, parfois, prêtent à confusion (assets, dataflow, workflow, etc.), et revient utilement sur la définition des métiers de la 3D, des postes et des tâches.

La plate-forme va surtout plus loin en évaluant les solutions commerciales d’Asset Manager, l’outil incontournable du pipeline, en précisant les formations de TD, considéré plus ici comme « un métier d’expérience » qu’un savoir théorique... Outre proposer à l’analyse des « postmortem » de productions (comptes-rendus), la plate-forme se propose de mettre en ligne, dans l’esprit de la communauté du logiciel libre, certaines briques logicielles et de constituer, à terme, des bonnes pratiques. « Il y a un besoin commun et urgent de communiquer et partager des expériences », écrit pour sa part Flavio Pérez dans le blog lepipeline.

Preuve que les échanges menés lors de l’édition 2017 ont porté leurs fruits, la branche professionnelle CPNEF Audiovisuel (Commission paritaire nationale emploi formation) vient de mettre en place un certificat de qualification professionnelle (CQP) expert technique. Résultant d’une étude conduite auprès des studios d’animation, celui-ci détermine le socle des compétences nécessaires au métier de TD et offre aux élèves ingénieurs une passerelle privilégiée vers ce secteur d’activité.

 

Lors de sa présentation aux RADI, le CQP, qui correspond à une formation de 400 heures en alternance, a reçu des marques d’intérêt de la part du réseau des écoles du Reca et d’ArtFX. Pour Ségolène Dupont (CPNEF Audiovisuel), le CQP peut se présenter sous la forme d’une formation en situation de travail (FEST) équivalente à du compagnonnage. Pour le CPNEF, la mise en place pourrait se faire au premier trimestre 2019.

 

 

Le libre profite à la série

À chaque édition, les RADI ne manquent jamais de mettre en avant des outils logiciels innovants (cette année, Kabaret et Golaem) et d’introduire de nouvelles méthodes prometteuses comme le plug-in open source MNPR (Maya Non Photorealistic Rendering) de rendu stylisé en temps réel pour Maya, développé par le LaBRI avec des chercheurs d’Inria Grenoble et de la Nanyang Technological University à Singapour.

Les RADI aiment également à revenir sur quelques cas pratiques. Cette année encore, les logiciels libres, qui se fraient une place de plus en plus importante dans les pipelines des studios, se retrouvent sur la sellette. Quelle place leur accorde la R&D ? Quel type de pipeline imposent-ils ?

 

Produite par Technicolor Animation Productions et fabriquée par Tu Nous ZA Pas Vus Productions*, la série télévisuelle 3D à fort volume, TeamDroniX (26 fois 22 minutes), témoigne d’une « reconversion » réussie vers le logiciel libre. Ouvert à Arles il y a neuf ans par Mathieu Rey, Thomas Giusiano et Marc Rius, ce studio a « basculé » vers le logiciel libre en 2017 : « Notre pipeline de fabrication était basé sur 3ds Max et Maya, décrit Mathieu Rey. Lorsque Blender est devenu opérationnel en production (à partir de la version 2.79), nous avons arrêté nos licences 3ds Max et Maya, et nous avons migré sur Linux. Du coup, notre pipe s’est grandement simplifié : il repose désormais sur Blender, Krita (à la place de Photoshop), le logiciel de suivi de production Kitsu (CG-Wire), FFmpeg pour encoder les vidéos... »

C’est ce pipe de production qui est utilisé sur la série TeamDroniX (réalisation Franck Michel et David Faure) pour laquelle Tu Nous ZA pas Vus Productions fabrique les nombreux assets 3D (une centaine de personnages, drones, etc.) en modélisation, rigging, texturing et animation. Ce pipeline est partagé, « à la virgule près », par Mikros Image (Technicolor) qui se charge des nombreux décors et « props », tandis que Malil’Art (Angoulême) effectue le compositing et les animations 2D (VFX).

 

Pour faciliter la communication entre les studios (Mikros travaille sur Shotgun), ont été développés en partenariat des nouveaux modules sur l’asset manager maison de Tu Nous ZA Pas Vus Productions, ainsi que des nouveaux outils open source : « Ces fonctionnalités étaient essentielles pour la série, mais n’existaient pas encore dans Blender, poursuit Mathieu Rey. Ainsi, pour le rendu sur Guerilla Render, nous avions besoin de réassigner automatiquement les textures aux personnages et de transporter les customs attributes. Second développement indispensable pour une production en multisite aux serveurs d’architecture différente : la création de variables d’environnement dans le filespath de Blender afin de faciliter l’échange des fichiers. »

À défaut d’être portées dans la nouvelle version de Blender, ces nouvelles fonctionnalités sont mises au fur et à mesure à la disposition des autres studios qui peuvent ainsi les mettre en production chez eux : « Le libre induit un nouvel état d’esprit et une nouvelle manière de collaborer entre les studios. Nous échangeons ainsi plus facilement avec ceux qui se sont équipés en même temps que nous, comme Cube Creative par exemple. »

 

 

Écoles, les nouvelles venues

À l’origine du Reca (Réseau des écoles françaises de cinéma d’animation), René Broca tenait à saluer la création récente de deux nouvelles écoles, l’ENSI à Avignon et VFX Workshop à Paris, et à revenir sur le contexte de leur ouverture. La plus inattendue est celle de l’ENSI. L’éviction brutale en janvier 2017 de Julien Deparis, directeur de l’école Mopa à Arles (anciennement Supinfocom), par la Chambre de commerce et d’industrie du Pays d’Arles avait suscité de très vives réactions de la part de l’équipe pédagogique, des étudiants et de leurs parents. Après avoir créé un comité de soutien, ceux-ci se sont réunis en comités de pilotage et ont réussi à persuader le directeur d’ouvrir une nouvelle école d’animation 3D afin de garantir aux élèves une continuité pédagogique et aussi rassurer le milieu professionnel inquiet de l’éventuelle disparition d’une filière renommée.

Ouverte en un temps record à Avignon, l’École des Nouvelles Images (ENSI), qui a repris une grande partie des élèves de Mopa, a été opérationnelle dès la rentrée 2017. Forte de partenariats avec l’Université d’Avignon et l’école ArtFx (Montpellier) ainsi que du soutien de grands noms de l’animation (Illumination Mac Guff, Mikros Image, TeamTO, Cube Creative...), la nouvelle structure (163 étudiants pour 2018) a obtenu le droit de délivrer un diplôme d’État dès sa première année de fonctionnement. Comme Mopa, elle forme en cinq ans aux métiers de l’animation 3D et son cursus, globalement inchangé, s’appuie pour l’essentiel sur l’enseignement de Maya (utilisé par la plupart des studios).

 

Autre aventure réussie, l’ouverture en 2017 de l’école des VFX-Workshop à Paris. Fondée par Renaud Jungmann (à l’origine des formations en animation 2D et 3D et jeu vidéo à LISAA) qui en est le directeur pédagogique, elle a pour but de former, en trois ans, des techniciens spécialistes des effets spéciaux numériques et de la postproduction. L’approche résolument technique de l’image se trouve à la base de cette école qui propose une alternative originale aux formations en animation plus orientées « Art appliqué ». L’école entend être un lieu d’apprentissage où les élèves acquièrent non seulement la connaissance des principaux outils logiciels (3D, motion capture...) mais aussi les principes de workflow spécifiques aux effets spéciaux numériques.

« Nous nous adressons à des élèves ayant une sensibilité à l’image photoréaliste sans forcément avoir des compétences en dessin, précise Renaud Jungmann. Dès la première année, ils apprennent à modéliser en 3D et à expérimenter les logiciels (14 sont accessibles dès la première année). Ils sont très vite amenés à décomposer l’image et à identifier les outils permettant de la produire. » Soutenue par le CNC (Centre national de la cinématographie), la formation, qui délivre le titre de « concepteur-technicien des effets spéciaux numériques », a accueilli sa première promotion en septembre 2017.

 

 

 

LES RAF PASSENT AU CRIBLE LE PLAN ANIMATION LONG-MÉTRAGE DU CNC

Salué par les professionnels présents aux RAF et très attendu par la filière, le nouveau Plan en faveur du long-métrage d’animation (soit une douzaine de mesures) concerne plusieurs directions du CNC (audiovisuel, cinéma, international, innovation vidéo et industries techniques).

Il permettra de mieux accompagner les films d’animation à toutes les étapes, du développement à leur distribution. En amont de la production, le plan prévoit entre autre un renforcement des dispositifs en place, dont l’aide au développement comme la « Passerelle animation ». Un producteur audiovisuel pourra ainsi mobiliser, en amont de la production d’un long-métrage d’animation, son soutien automatique (dans la limite de 40 %). L’aide au pilote sera également revalorisée et plafonnée à 100 000 euros par projet. La phase de production bénéficiera d’un bonus de 50 % du soutien automatique à la production (soit environ 400 000 euros de soutien automatique supplémentaire) et d’une majoration substantielle de 1,5 million d’euros de l’aide sélective à la création visuelle et sonore pour les films à dimension artistique.

 

Enfin, pour favoriser le rayonnement des films d’animation, le CNC élargit l’accès aux aides sélectives pour leur distribution dans l’hexagone. Les distributeurs étrangers d’œuvres françaises pourront également bénéficier d’une aide copilotée par le CNC et Unifrance (augmentation de 300 000 euros de l’enveloppe). Le plan de soutien du CNC (d’un montant de plus de 10 millions d’euros) résulte d’un an de concertation avec les professionnels du secteur de l’animation.

Pour le SPFA, il s’agit là de mesures fortes pour le film d’animation considéré comme le relais de croissance pour le secteur. Ce plan est entré en vigueur en janvier 2019.

 

* Lire à ce sujet « Tu Nous ZA Pas Vus Productions, un studio à Arles »

 

Article paru pour la première fois dans Mediakwest #30, p.106/108. Abonnez-vous à Mediakwest (5 numéros/an + 1 Hors-Série « Guide du tournage ») pour accéder, dès leur sortie, à nos articles dans leur intégralité.

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TNK al Solar de la Puri. Festa Major de Poble Sec

Par : neokinok

Gent, ens veiem aquest vespre a la Puri per al pregó, el sopar veïnal i el micro obert.


Demà, després de les càpsules de la Puri (aka LO HICIMOS QUERIENDO), a les 22.30h., és el torn del VJing de telenoika amb la col·laboració del Laboratorio Reversible. Hi haurà dos DJ de categoria:


22.30-0.30h. DJ David Lotine: https://soundcloud.com/lotine/summerafrovibes


0.30-2h. DJ OLEOS: https://soundcloud.com/oleos_bcn


Us deixem un petit de vídeo de les proves que hem fet del VJing. Es passaren pel·lícules en super 8 recuperades (Memòries Reversibles) i vídeos del festivals VideA 2000-2002 i JustDataMeeting 2003, entre d'altres.

L’ISTS pousse le curseur avec Avid ProTools S6

L’ISTS a investi dans quatre configurations Avid Pro Tools S6, dont deux présentes sur le site parisien. © DR

L’ISTS (Institut supérieur des techniques du son) est l’école spécialisée dans les métiers de l’audio, elle prend pleinement sa place au sein du groupe ESRA. Pour être en phase avec les problématiques du marché et répondre aux demandes des futurs employeurs, il est nécessaire de posséder les outils référents. L’école a donc investi, il y a quelques mois, dans quatre configurations Pro Tools S6. Deux sont à Paris, et les autres en province (Rennes et Nice). Visite de ces nouvelles installations en compagnie de David Azoulay, directeur général du groupe ESRA, et Jean-Christophe Belval, coordinateur pédagogique ISTS.

 

L’ISTS est une école privée reconnue par l’État et qui délivre un diplôme visé par l’État : le DESTS (Diplôme d’études supérieures des techniques du son). Pour bien comprendre le positionnement de l’ISTS, faisons un petit retour en arrière.

Créé en 1972 par Max Azoulay, le groupe ESRA a pour vocation la formation aux métiers du cinéma, de la télévision, du son et du film d’animation. Le groupe, aujourd’hui dirigé par David Azoulay, comprend trois écoles : l’École supérieure de réalisation audiovisuelle (ESRA), l’Institut supérieur des techniques du son (ISTS) et l’ESRA Animation. Implanté d’abord à Paris, le groupe ESRA a créé en 1988 l’ESRA Côte-d’Azur à Nice, l’ESRA Bretagne à Rennes en 1995 et l’ESRA Bruxelles en Belgique en 2015.

Chacune de ces écoles propose un cursus de trois ans d’études diplômantes et certifiantes qui peut, de façon optionnelle, se prolonger d’une quatrième année d’études à New York. « La philosophie de l’ESRA est de pouvoir enseigner et présenter tous les métiers de l’audiovisuel. Chaque année nous investissons dans le matériel pour moderniser les équipements », résume David Azoulay.

 

 

ISTS au cœur de l’audio

Répartie sur trois ans, la formation ingénieur du son de l’ESRA comprend des cours théoriques, des travaux dirigés, des réalisations et des stages en milieu professionnel. Les deux premières années constituent un tronc commun. En termes d’effectifs, il y a 190 élèves en première année et 150 en troisième année.

En troisième année, les étudiants aspirant à devenir ingénieur du son ont le choix entre les options suivantes, représentant autant de possibilités d’orientations professionnelles au sortir de l’école : Son Audiovisuel, Son Musical, Son Jeux-vidéo, Son Radio ou Sonorisation. La polyvalence acquise par les étudiants est une donnée essentielle pour s’insérer professionnellement, l’ISTS et l’ESRA ont bien compris depuis leur création la nécessité de cette polyvalence. L’ISTS est en phase avec les évolutions du secteur pour permettre une meilleure insertion, ce qui veut dire posséder du matériel adapté et à la pointe.

L’ESRA a acquis quatre consoles Avid Pro Tools S6 M40 en juin 2018. Deux consoles sont installées à Paris : une 24 fader dans une salle du bâtiment principal et une 16 fader dans le studio Ouistiti situé en face du bâtiment principal. Les écoles de province n’ont pas été oubliées puisqu’une console 24 fader est installée à Rennes et une autre à Nice. Deux de ces consoles sont équipées de MTRX.

 

Il y a quelques années, l’ISTS a repris les anciens studios de Dominique Blanc-Francard (studios Ouistiti et avant Aquarium). Il y a deux studios, dont un grand avec un plateau de 50 m2 qui peut être utilisé pour de la prise de son musicale. Il comprend une console Audient ASP 8024 - 24 et une console Avid Pro Tools S6. Ce studio est utilisé en troisième année pour les travaux pratiques des élèves.

Côté Felix Faure, viennent s’ajouter 2 studios dont l’un est équipé avec l’autre S6 en configuration 7.1 et le second lui contient une SSL AWS 900 et ses nombreux périphériques.« Chaque studio a ses spécificités pour y enseigner des disciplines différentes, que ce soit la musique, le son à l’image, la radio ou bien le jeu vidéo, pour n’en citer que quelques-unes. Ce sont les élèves de troisième année qui ont accès aux derniers équipements, notamment les consoles Avid Pro Tools S6 », indique Jean-Christophe Belval, coordinateur pédagogique ISTS.

Il y a une synergie entre les écoles ; ainsi les élèves ISTS participent aux productions de l’ESRA. Que ce soit pour de la prise de son, de la post-production, du mixage audio, les élèves de l’ISTS sont en charge de la production et de la finalisation audio des réalisations des élèves de l’ESRA. En troisième année, les élèves de l’ESRA réalisent un court-métrage et les étudiants de l’ISTS en assurent la prise de son, le montage son, le sound design et le mixage en 5.1.

En dehors de ces nouvelles installations, les outils Avid sont déjà très implantés dans le groupe. Concernant les Pro Tools, il y a sept Pro Tools HDX + Ultimate, une soixantaine de Stations Pro Tools réparties entre les quatre sites du groupe. Les différentes stations de travail sont équipées de plugs-in UAD, Fabfilter, Waves, Native Instrument, Arturia Izotope, Flux, Melodyne etc. Le groupe ESRA est partenaire officiel d’Avid et d’Apple. L’école est habilitée à délivrer des certifications Avid sur le logiciel Pro Tools et Apple sur Logic Pro.

 

 

Une formation qualifiante

Tous les cours sont dispensés par des professionnels référents. Une cinquantaine de professeurs différents sont présents au sein de l’ISTS pour les travaux pratiques et les cours magistraux. En troisième année, les cours de tronc commun sont dispensés sous forme de séminaires et de cours magistraux et dans chaque option les matières représentent environ 200 heures regroupées sur seize semaines. Les travaux pratiques, la réalisation des productions, la rédaction du mémoire de fin d’études occupent le reste du temps. Le cursus est complété par un stage de seize semaines sur les 3 ans.

Ces nouveaux équipements vont donc permettre aux élèves d’accroître encore un peu plus leur degré d’expertise sur les outils ad hoc et faciliter leur entrée dans le monde professionnel.

 

Article paru pour la première fois dans Mediakwest #31, p.112. Abonnez-vous à Mediakwest (5 numéros/an + 1 Hors-Série « Guide du tournage ») pour accéder, dès leur sortie, à nos articles dans leur intégralité.

Nouveautés NAB 2019

Par : Andrea

Le NAB, le salon organisé par la National Association of Broadcasters a lieu chaque année courant avril à Las Vegas. Cet événement réunit tout l’écosystème numérique représenté par des professionnels de la production et diffusion audiovisuelle, de l’intelligence artificielle, de la réalité augmentée, de la cybersécurité, de l’e-learning, du développement des jeux, de la diffusion en direct et bien plus encore, orientés vers la télévision, le cinéma et la radio. L’édition de cette année s’est tenue du 6 au 11 avril.

Les principales nouveautés du NAB 2019 qui retiennent notre attention :

Fujinon : Premista

Premista est la 1ère gamme d’objectifs zoom de Fujinon couvrant les capteurs grand format. L’objectif 28-100mm bénéficie d’une ouverture constante de T2.9 sur toute la plage de zoom. Pour le téléobjectif zoom de 80-250 mm, Fujinon indique qu’il reste en T2.9 jusqu’à 200 mm environ et que l’ouverture passe progressivement à T3.5.

Canon : Sumire Prime

La gamme d’objectifs Sumire ( « Soo-mee-ray » en japonais) est associée à la beauté florale. Une conception optique unique introduisant une apparence nuancée à mesure que l’ouverture de l’objectif approche de son réglage maximal.

Zeiss : Supreme Prime Lenses 21 & 135 mm

Zeiss annonce la disponibilité de 2 focales compactes et légères de la série Supreme Prime Lenses s’adaptant parfaitement aux capteurs de caméras full-frame tels que celui de la SONY Venice ou le RED Monstro, les 21 mm et 135 mm.

Canon XA40, XA50/55, Legria HF G50/ 60

Découvrez les nouvelles caméras vidéo pro 4K compactes, Canon XA40 avec capteur 1/2,3 zoom optique 20x et les XA50 et XA55 dotées d’un capteur CMOS 1.0 zoom 15x pour une meilleure sensibilité et capacité 3G-SDI (XA55).
La gamme de caméscopes 4K Legria s’enrichit avec 2 modèles : LEGRIA HF G50 – idéal pour les débutants de la vidéo 4K et LEGRIA HF 60 qui permet de réaliser des vidéos spectaculaires et de grande qualité grâce à son potentiel UHD 4K.

Sony : HXR-MC88, BRC-X400, RX0 II

Créez du contenu simple mais de qualité professionnelle grâce à la caméra HD HXR-MC88. La  nouvelle PTZ 4K BRC-X400 intégrera le protocole NDI.

Sony fait évoluer sa petite caméra RX0, toujours aussi compacte, robuste et dotée d’un capteur CMOS Exmor RS 15,3MP, d’un écran inclinable, de la stabilisation et de la vidéo 4K UHD.

Panasonic Lumix G90

Le Lumix G90 est capable de vous accompagner partout, dans vos plus grands voyages pour capturer vos souvenirs les plus précieux ! Ce boîtier est également disponible en kit avec un objectif Lumix G Vario 14-40mm tropicalisé.

Blackmagic Design : Grip d’alimentation

Dotez votre Blackmagic Pocket Cinema 4K d’un accessoire qui améliore la prise en main et l’autonomie de la caméra. Le grip d’alimentation se monte sur la partie inférieure et présente un design élégant en fibre de carbone.

Atomos : Shogun 7 & Shinobi SDI

Imaginez-vous une grande liberté de mouvement et faites tout ce dont vous avez envie pour réussir vos projets créatifs avec les moniteurs Atomos !  Le Shogun 7 est un outil indispensable à tout cinéaste enregistrant en 4K en temps réel, tandis que le Shinobi SDI s’adresse aux vloggeurs et photographes passionnés ayant besoin de la flexibilité des ports HDMI et SDI.

TVLogic : F-7H mk2 & F-5A

TVLogic a annoncé la sortie de 2 nouveaux moniteurs : le F-7H M2, moniteur de production de résolution Full HD 1920 x 1080 de 7’’ avec une luminosité ultra-élevée de 3600cd/m et des touches tactiles intégrées et d’un moniteur 5,5’’, le F-5A, compact, léger et polyvalent en s’adaptant aux appareils photo reflex, mais également à la production cinématographique.

Teradek : Bolt 4K, ACE 500, CTRL.1, MOTR.X, …

Teradek a présenté ses derniers produits de pointe, notamment le Bolt 4K définissant une toute nouvelle catégorie de systèmes vidéo sans fil 4K HDR, les contrôleurs d’objectif CTRL.1 & CTRL.3, le récepteur intelligent et ultra-léger MDR.X et d’autres kits de transmission vidéo HF zéro latence compatibles avec les moniteurs SmallHD Focus, tel que ACE 500.

Litepanels : Gemini 1X1 RGBWW​

Tirez le meilleur parti de la dernière solution d’éclairage sans équipements, le panneau LED Gemini 1X1 RGBWW, très léger et facile à contrôler, idéal pour les créateurs d’image en mouvement.

Anton Bauer : Titon 90 & 150

Titon, la dernière série de batteries V-Mount et Gold Mount de la marque Anton Bauer avec 2 modèles disponibles 90 et 150. Elles sont le choix idéal des utilisateurs en mouvement permettant d’alimenter la plus large gamme de matériel tant sur le plateau que sur le terrain.

ORCA Bags : OR-444, OR-25, OR-73, OR-270, OR-272

Chez ORCA nous trouverons un harnais à conception unique l’OR-444 3S (Spinal Support System) spécifiquement développé autour d’un système de soutient de la colonne vertébrale, une nouvelle sacoche mixette avec configuration légère l’OR 272 et le sac à dos OR-25 pour transporter de petites caméras comme les PXW-Z280, FS7, FS7K ou AU-EVA1.

Blackmagic Design : ATEM Constellation 8K, Hyperdeck Extreme 8K HDR/ Control

La marque a annoncé de nouveaux produits très intéressants, dont beaucoup sont compatibles avec la technologie 8K. Les nombreuses fonctionnalités, encore plus avancées permettront de gérer des flux de travail HD et Ultra HD très exigeants.

Newtek : Tricaster TC410 Plus, 3Play 3P1, …

Explorez l’écosystème NDI et les solutions logicielles qui prennent en charge la production vidéo basée sur IP permettant d’alimenter les projets créatifs de différents secteurs ( télévision, broadcast, sport, éducation et bien plus encore).

AJA : KI PRO GO

KI PRO GO est un enregistreur et lecteur H.264 portable multicanaux offrant jusqu’à 4 canaux d’enregistrement simultanés HD et SD sur des clés USB standard avec des capacités d’enregistrement redondantes.

LiveU : LiveU Solo+

L’encodeur vidéo LiveU Solo+ enrichit vos flux en direct en ajoutant des graphiques en temps réel à l’ensemble de vos contenus. Il peut se connecter à toutes les caméras professionnelles SDI et HDMI afin de livestreamer en Full HD en optimisant votre bande passante et vos liens de connexion. Avec ce modèle vous pourrez utiliser jusqu’à 4 cartes SIM simultanément.

Decimator : 12G-CROSS

Découvrez un nouveau convertisseur cross 4K HDMI / SDI avec scaler et convertisseur de fréquence intégrés donnant accès à 57 modes de configuration Entrée/Sorties/Scaler, le tout dans un boîtier compact en aluminium.

LaCie : 2big RAID

Technologie haut de gamme pour vos projets de montage avec la solution 2big RAID (4To, 8To, 16To)  : configuration par étapes, notifications par e-mail sur l’état du disque, disques échangeables à chaud et services de récupération des données Rescue jusqu’à 5 ans.

RODE : Wireless Go

Wireless GO est un système de microphone numérique ultra-compact qui se distingue par sa polyvalence, son poids plume et sa fiabilité,  adapté aux appareils photo et smartphones.

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Disponible fin décembre 2019
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Disponible fin août 2019
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Disponible fin janvier 2020
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Disponible fin janvier 2020
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L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores

Par : volatil

Entrevistamos a los programadores de L.E.V Festival, Cristina de Silva y Nacho de la Vega. L.E.V. es un Laboratorio de Electrónica Visual y también, como ya sabes, es el Festival Internacional de Creación Audiovisual de Gijón. Un evento que desde hace más de 12 años ofrece una visión ecléctica y 360 grados del panorama de la creación ligada al arte digital audiovisual.

El L.E.V. Festival se basa en las sinergias que existen entre imagen y sonido en directo, la experimentación y por las múltiples hibridaciones entre géneros que manifiestan la importancia de las artes visuales y la música. Quizá no lo sabías pero El Laboratorio de Electrónica Visual rinde homenaje a través de sus siglas a Lev Thermen, científico ruso padre de los sintetizadores actuales).

Edición tras edición, desde Vjspain, hemos amplificado y comunicado el line up del festival, recomendando lo que no nos perderíamos del cartel. Esta vez, hemos querido ir un poco más allá y hemos entrevistado a sus programadores. Ellos hacen ese trabajo que no tiene lugar en los escenarios ni a ojos del público pero es imprescindible para que el L.E.V sea lo que es. Cristina de Silva (1972) y Nacho de la Vega (1968) forman FIUM, un colectivo de activistas culturales centrado en el vídeo, el sonido y las instalaciones multimedia. Además, desde hace años compaginan su trabajo artístico con el comisariado y la producción de diversos eventos como Arenas Movedizas y el L.E.V., puesto en marcha por el colectivo DATATRON 03XF del que ambos son miembros fundadores.

¿Tenéis redes sociales? 
Tenemos redes y bio compartidas como FIUM o DATATRON que son los colectivos desde los que siempre hemos articulado nuestros proyectos, ya sean creativos, curatoriales o mezcla de las dos cosas. Desde los comienzos siempre ha estado todo mezclado. Y por supuesto las del L.E.V.
A nivel personal no les damos mucho uso a las redes.

¿Cómo definiríais vuestro trabajo?
Somos una mezcla de activistas culturales, artistas multimedia y comisarios, estamos afincados en Gijón y somos directores del L.E.V. Festival, el Laboratorio de Electrónica Visual, y del Circuito de Propuestas Artísticas Arenas Movedizas, ambos en Gijón.

Desde hace 20 años formamos parte activa de la escena del arte digital y la cultura electrónica, sirviendo de catalizadores y propulsores de redes de trabajo y creando plataformas de visibilización de la creación contemporánea a través de proyectos curatoriales y colaborativos como la red internacional #ENCAC

Actualmente estamos focalizados en la gestión cultural y en la producción de proyectos relacionados con la cultura electrónica y el arte digital. Muy vinculados con la comunidad, nos interesa sumar públicos, energías y apoyos de instituciones públicas y privadas para crear ecosistemas estables de apoyo y diseminación de la creación contemporánea, buscando siempre un punto de vista multidisciplinar y heterogéneo.

Como FIUM, colectivo de artistas audiovisuales en activo desde 1998, hemos estado presente en multitud de eventos y establecido colaboraciones con creadores de diferentes ámbitos. En el año 2007 fundamos la plataforma DATATRON desde la que dimos vida al L.E.V. y actualmente también a los LEVents y L.E.V. Matadero.

¿Cuánto hace que programáis LEV?
13 años, llevamos programando el LEV desde la primera edición en el año 2007.

¿Cómo ha sido la evolución desde que empezasteis con esta labor?
Pues toda una aventura, ya que el Festival es algo vivo que te exige actualizarte contantemente. A lo largo de estos años, que han sido realmente intensos, hemos estado atentos a las nuevas escenas y a las nuevas herramientas y procesos creativos.

Un objetivo claro desde el principio es que queríamos ofrecer un proyecto a escala humana, cercano y accesible, que nos permitiera relacionarnos con el público pero también trabajar mano a mano con los artistas, estando en contacto con ellos, participando en coproducciones, realizando residencias artísticas, para no perder el pulso de lo que realmente está ocurriendo en los ámbitos de creación.

Paralelamente también hemos buscado nuevos espacios, momentos y maneras para alojar a las distintas propuestas, propiciando colaboraciones y redes para poder estar en contacto y compartir experiencias con proyectos similares.

El objetivo del programa de cada edición es generar un circuito de actividades que dialoguen entre si y con el público. Del que puedas disfrutar de manera íntegra, si es lo que te apetece ya que las actividades no se pisan, o sumarte de manera más tangencial acudiendo por ejemplo a las instalaciones. Creo que en las últimas ediciones quizás percibimos e intentamos diseñar aun más el Festival como un todo, una experiencia única global.

¿Cuesta conseguir programar a los nombres que os proponéis?
Cuesta, claro. Aunque a día de hoy el L.E.V. es un Festival consolidado y al que a los artistas les gusta venir, tienen que coincidir bastantes factores logísticos y económicos, a parte de la disponibilidad del artista. Los conexiones con Asturias son complejas, la producción técnica (aspecto que cuidamos mucho) tiene que ser compatible con el resto de espectáculos,… es un tetris total.)

¿Cambios destacables en cuanto a avances tecnológicos o tendencias en el sector visual y de arte digital?
Te puedes imaginar, en la última década el desarrollo ha sido increíble a nivel tecnológico y muy enriquecedor a nivel creativo. En el entorno digital las fronteras se han diluido hace tiempo, los espectáculos trascienden los formatos clásicos y da la impresión de que en estos momentos todas las ideas son realizables. El límite a nivel creativo ahora mismo no existe, las nuevas herramientas abren nuevas opciones para la creación colectiva, en red… Todo avanza muy rápido, es un ámbito en ebullición y eso es muy estimulante tanto para los creadores como para los programadores y, por supuesto, para el público.

¿En qué os basáis para la selección de artistas?
Básicamente proyectos que nos haya gustado y despertado nuestro interés, hay una parte emocional muy fuerte. Pero también entran otros factores en juego, como el desarrollo que tiene en directo, el uso de la tecnología, cómo se relacionada con el resto del programa que tienes en mente…

Nos gusta mezclar, no ponernos demasiados límites en lo que se debería programar o seguir las tendencias sin más. Por supuesto estamos siempre atentos a las nuevas escenas, pero buscamos que se integren con los proyectos pioneros y referenciales de otras épocas, propuestas nacionales y locales con artistas de diferentes nacionalidades, con recorridos diferentes y de ámbitos distintos. Luego ya hay que armar el tetris que antes comentábamos y, posiblemente, tengas que dejar algún proyecto en tierra porque no haya manera de encajarlo en la línea que buscamos para esa edición en concreto.

¿El espacio en el que tienen lugar las actividades, afecta a esta selección?
Absolutamente. También el horario, con quién compartes escenario, el aforo… Hay proyectos más versátiles que, desde nuestro punto de vista, sí que pueden desarrollar en diferentes espacios. Aunque, evidentemente, la percepción que te vas a llevar de ellos será diferente. Y otros que piensas que sólo van a funcionar en una localización concreta.

¿Algún ejemplo?
(esta pregunta es para hablar de los distintos espacios en los que se desarrolla el festival y el tipo de programación en cada uno de ellos).

Manufactory de Transforma, aunque es un proyecto que también tiene versión instalativa, solo podría desarrollarse en el Teatro, ya que se trata de una producción compleja con unos requisitos a nivel técnico que no podríamos asumir en otro espacio. El Teatro, en ese sentido, nos permite alojar y desarrollar espectáculos audiovisuales que de otra forma sería imposible.

La verdad es que este año creo que es una de las ediciones en las que más hemos jugado con este tema y hemos incluido por ejemplo en la Nave proyectos que quizás en a priori serían mas para programar en el Teatro, como Single Origin de Robin Fox, o Delta-T. Pero nos apetece empezar en la Nave con alguna propuesta más experimental para dar paso después a directos audiovisuales de formato más clásico.

Por otro lado, desde la pasada edición, hemos incluido programación en la Caja Escénica del Teatro de la Laboral porque echábamos de menos poder programar espectáculos de manera más íntima, para un aforo menor. Así que los domingos ofreceremos este tipo de propuestas en entornos especiales como la Caja Escénica o el escenario junto a al lago en el Jardín Botánico, este año con el fantástico Oliver Coates.

Y hemos tendido a buscar nuevas localizaciones para el día, ya que nos encanta programar en esta franja horaria, como el que se estrenó en la edición pasada, el Muséu del Pueblu d`Asturies, que tuvo una muy buena acogida por parte del público.

¿Qué le dirías a los amantes de las artes digitales para convencerles de no perderse LEV Festival 2019?
Jeje, nos da un poco de pudor pero venga, en plan peliculero: ya de mano si no conocen Asturias y Gijón tienen que venir, más aún siendo el LEV! 4 días de experiencias sónicas y visuales en espacios alucinantes.
Un compendio de propuestas muy ecléctico con el que podrás disfrutar las diferentes maneras en las que se trabaja en el campo de la creación audiovisual, electrónica y digital, en un entorno privilegiado, sin agobios y con un público fantástico:)

¿Este año habéis intentado programar más mujeres siguiendo la tendencia en otros festivales o básicamente como siempre, buscando la calidad sin importar el género?
Le damos mucha importancia a que haya proyectos de mujeres, por supuesto, estamos muy atentos para poder apoyar y dar cabida a estos proyectos, pero no trabajamos con cuotas.

Pero si hablamos de apoyar y visibilizar el trabajo de las mujeres creemos que también es importante no sólo el programarlas sino el contar con ellas en los equipos de trabajo, en este caso de los Festivales. Un ámbito laboral en el que, como en muchos otros, hay menos mujeres que hombres.

¿Algún artista “cabeza de cartel” que lo haga imperdible?
¡Ay, que difícil! ¿Transforma, Caterina Barbieri y Myriam Bleau?
¿Refik Anadol, Gazelle Twin y Radioactive Man?
¡Lanar Artefax!

¿Algún artista “que aún no es muy conocido” que lo haga imperdible.
Colin Self, Yamila y Mathilde Lavenne… ah, y Iglooghost y su loco mundo colorista.

¿Festival preferido para vosotros que no sea L.E.V?
Muchos, Semibreve en Braga, TodaysArt y Rewire en la Haya, CTM en Berlín, Mutek Montreal, Unsound, Stereolux… hay muchos que tenemos ganas de conocer pero que todavía no hemos tenido la oportunidad.

¿A qué artista os gustaría traer pero es inalcanzable o casi imposible?
Quizás propuestas con formaciones muy grandes, que es casi imposible alojar en un Festival con la operativa del L.E.V., por ejemplo: Cinematic Orquesta. O propuestas complejas por su producción como Squarepusher, al que llevamos varios años intentando cazar.

Artistas que habéis programado este año de los que estáis más orgullosos.
Lanark Artefax y el proyecto Scanaudience, que se estrenará en L.E.V. Y en general todos lo que tenemos alojados en residencia, como el fantástico Synspecies, de Elías Merino y Tadej Droljc, Ex(O) de Alex Augier y Alba Corral y Antivolume in/ext de Lucas Paris. Y los que estamos coproduciendo, como Manufactory de Transforma.

¿Qué es LEVents?
Los LEVents son programaciones en colaboración con otros festivales o espacios culturales que hacemos desde el L.E.V. pero de manera paralela. Siempre hemos propiciado estas colaboraciones, pero a la hora de poner orden en nuestros proyectos hemos decidido agruparlos bajo la etiqueta de LEVents, para poder comunicarlos mejor. El año pasado por ejemplo hicimos LEVents en colaboración con Medialab Prado (AVLab), Veranos de la Villa y Matadero, FICX (Festival Internacional de Cine de Gijón), Arenas Movedizas y NBO (Noche Blanca de Oviedo).

¿Y cómo es la extensión del festival a Madrid?
Es una propuesta que se articula y se complementa con la de edición de Gijón, focalizada en el audiovisual, la electrónica y la cultura digital, seguimos siendo el Laboratorio de Electrónica Visual, pero que buscará dar cabida a proyectos que se escapan de los formatos en lo que habitualmente venimos trabajando y tendrá nuevas secciones dedicadas a la realidades “inmersivas” desde un punto de vista historicista y experimental.
Concebimos L.E.V. Matadero como un proyecto con su propia identidad y que construye un tejido de programación entre las dos ediciones.
Tampoco queremos desvelar mucho pero, como comentábamos más arriba, las nuevas herramientas digitales nos ofrecen oportunidades insospechadas hace pocos años para poder seguir construyendo nuestro imaginario colectivo y, a la vez, evadirnos por un rato de esta realidad tan compleja y asfixiante que nos está tocando vivir.

La entrada L.E.V Festival 2019 del 2 al 5 de mayo – Entrevistamos a sus programadores aparece primero en Vjspain Comunidad Audiovisual, Mapping, Vj, Diseño Interactivo.

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